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IN THE MOOD FOR CINEMA - Page 6

  • 11ème cérémonie des Globes de Cristal : nommés et Catherine Deneuve présidente

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    Le temps d'une soirée exceptionnelle, les plus grands artistes se réuniront sur la scène mythique du Lido de Paris pour fêter le monde artistique et culturel. Cette année s'annonce d'autant plus exceptionnelle que Catherine Deneuve sera présidente du jury.
     
    "Cette cérémonie met en lumière l'importance de la création française et internationale. Des comédiens, des interprètes, des auteurs vont être récompensés. En tant que Présidente du jury 2017, je suis heureuse de participer à ce prestigieux événement et, je souhaite que les meilleurs gagnent !!! » a-t-elle ainsi déclaré.
     
    Cet événement incontournable
    s'ouvre à l'international avec la création de 2 nouvelles catégories : film étranger et série étrangère. Un jury de 23 journalistes spécialisés établit une liste des 5 nommés dans chacune des 14 catégories qui seront récompensées. Celle-ci est soumise au vote de près de 15 000 journalistes référencés par l’Argus de la Presse (dont je fais partie, j'ai donc eu le plaisir de voter, mes critiques ci-dessous vont donneront certainement une idée de mes votes, dans la catégorie cinéma en tout cas) via le site officiel.

    Je suis ravie de retrouver dans cette sélection, les films de l'année 2016 qui m'ont le plus enthousiasmée (cliquez sur le titre ci-dessous pour accéder à mes critiques):

    "Frantz" de François Ozon

    "Juste la fin du monde" de Xavier Dolan

    "Mal de pierres" de Nicole Garcia

    "L'Odyssée" de Jérôme Salle
     
    Cette cérémonie propose ainsi un concept unique : une seule cérémonie qui récompense l'ensemble des catégories suivantes : cinéma, musique, spectacle, théâtre, littérature, télévision.


      
    Catherine Deneuve est accompagnée des personnalités suivantes, dans le jury; Hubert Artus Marianne, Tristane Banon Romancière, Gérard Bardy UPF France, Rachid M’Barki BFM TV, Catherine Ceylac France 2, Geneviève Cloup Gala, Ivar Couderc Ouatch TV, Daniel Daum Prisma Média, Véronick Dokan C8, Marc Dolisi VSD, Xavier Fornerod Direct Matin, Valérie Gans Madame Figaro, Stéphanie des Horts L’officiel / Service Littéraire, Nicole Korchia Free Lance, Stéphane Larue Blog Internet, Elisabeth Lemoine France 5, Isabelle Léouffre Paris Match, Gilles Lhote Pure People, Patrick Mahé L’Officiel / Hôtel & Lodge,Carl Meeus Figaro Magazine, Isabelle Morini-Bosc RTL / C8, Eric Naulleau Paris Première, Pierre Vavasseur Le Parisien.
     

    Les Nommés
     
    Chaque Lauréat recevra un Globe de Cristal réalisé par DAUM
     
    Meilleur Film
     
    •    Chocolat de Roschdy Zem
     
    •    Divines de Houda Benyamina
     
    •    Frantz de François Ozon
     
    •    Juste la fin du monde de Xavier Dolan
     
    •    Mal de pierres de Nicole Garcia
     
    Meilleure Actrice
     
    •    Marion Cotillard dans «Juste la fin du monde» de Xavier Dolan
     
    •    Virginie Efira dans «Un homme à la hauteur» de Laurent Tirard
     
    •    Isabelle Huppert dans «Elle» de Paul Verhoeven
     
    •    Sandrine Kiberlain dans «Encore heureux» de Benoît Graffin
     
    •    Audrey Tautou dans «l’Odyssée» de Jérôme Salle
     
    Meilleur Acteur
     
    •    Pierre Niney dans «Frantz» de François Ozon
     
    •    Vincent Cassel dans «Juste la fin du monde» de Xavier Dolan
     
    •    Omar Sy dans «Chocolat» de Roschdy Zem
     
    •    Gaspard Ulliel dans «Juste la fin du monde» de Xavier Dolan
     
    •    Lambert Wilson dans «l’Odyssée» de Jérôme Salle
      
     
     
    Les Nommés
     
    Meilleure Pièce de théâtre
     
    •    Edmond d’Alexis Michalik, mis en scène par l’auteur (Théâtre du Palais Royal)
     
    •  Fleur de cactus de Pierre Barillet et Jean-Pierre Grédy, mis en scène par Michel Fau (Théâtre Antoine)
     
    •    L’envers du décor de Florian Zeller, mis en scène par lui-même (Théâtre de Paris)
     
    •    Mariage et Châtiment de David Pharao, mis en scène par Jean-Luc Moreau (Théâtre Hébertot)
     
    •  Poésie ? de Fabrice Luchini textes de Paul Valery, Arthur Rimbaud, Molière, Louis-Ferdinand Céline et Gustave Flaubert, mis en scène par Emmanuelle Garassino (Théâtre Montparnasse)
     
    Meilleure Comédienne
     
    •  Fanny Ardant dans «Croque-Monsieur» de Marcel Mithois, mis en scène par Thierry Klifa (Théâtre de la Michodière)
     
    •  Bérénice Béjo dans «Tout ce que vous voulez» de Matthieu Delaporte et Alexandre de la Patellière, mis en scène par Bernard Murat (Théâtre Edouard VII)
     
    •  Catherine Frot dans «Fleur de Cactus» de Pierre Barillet et Jean-Pierre Grédy, mis en scène par Michel Fau (Théâtre Antoine)
    •  Isabelle Huppert dans «Phèdre(s)» de Wajdi Mouawad, Sarah Kane, John Maxwell Coetzee, mis en scène par Krzysztof Warlikowski (L’Odéon – Théâtre de l’Europe)
     
    •  Cristiana Reali dans «M’Man» de Fabrice Melquiot, mis en scène par Charles Templon (Théâtre du Petit Saint-Martin)
     
    Meilleur Comédien
     
    •    Niels Arestrup dans «Acting» de et mis scène par Xavier Durringer (Théâtre des Bouffes Parisiens)
     
    •  Daniel Auteuil dans «L’envers du décor» de Florian Zeller - mis en scène par Daniel Auteuil (Théâtre de Paris)
     
    •  François Berléand dans «Moi, moi et François B.» de Clément Gayet, mis en scène par Stéphane Hillel (Théâtre Montparnasse)
     
    •  Nicolas Briançon dans «La vénus à la fourrure» de David Ives - mis en scène par Jérémie Lippmann (Théâtre Tristan Bernard)
     
    •  Fabrice Luchini dans «Poésie ?» textes de Paul Valery, Arthur Rimbaud, Molière, Louis-Ferdinand Céline et Gustave Flaubert - mis en scène par Emmanuelle Garassino (Théâtre Montparnasse)
     
    Meilleur One Man Show
     
    •    Stéphane Guillon dans «Certifié conforme», mis en scène par Muriel Cousin (Théâtre Déjazet)
     
    •  Le comte de Bouderbala dans «Le comte de Bouderbala 2», mis en scène par lui-même (Théâtre du Gymnase Marie-Bell)
     
    •    Alex Lutz, mis en scène par Tom Dingler (l’Olympia)
     
    •  Gaspard Proust dans «Nouveau spectacle », mis en scène par lui-même Comédie des Champs-Elysées)
     
    •    Bruno Salomone dans «Euphorique», mis en scène par Gabor Rassov (Théâtre Montparnasse)
     
     
     
    Les Nommés
     
    Meilleure Comédie Musicale
     
    •  «Le rouge et le noir», produit par Albert Cohen, mis en scène par François Chouquet et Laurent Seroussi (Théâtre le Palace)
     
    •  «Les 3 mousquetaires», produit par Nicole et Gilbert Coullier, Roberto Ciurleo, Eléonore de Galard et NRJ Group, mis en scène par René Richard Cyr et Dominic Champagne (Palais des Sports de Paris)
     
    •  «Oliver Twist», produit par Alexandre Piot, en accord avec Sistabro Production, UPL Events et Emmanuel Breton, mis en scène Ladislas Chollat (Salle Gaveau)
    •  «Résiste», produit par Thierry Suc et Jean-Charles Mathey, mis en scène par Ladislas Chollat (Palais des Sports de Paris)
     
    •    «Timéo», produit par Jérémie de Lacharrière, mis en scène par Alex Goude (Casino de Paris)
     
    Après décision de Maître Eric Albou, huissier de justice à Paris et suivant notre règlement officiel, les Globes de Cristal retirent de la liste des nommés, dans la catégorie «Meilleure Comédie Musicale», «Le fantôme de l’Opéra». Ce spectacle a été présenté à l’étranger et il était prévu à Paris mais les représentations n’ont pas eu lieu. En corrélation avec les voix obtenues, la «Comédie Musicale» «Timéo» intègre cette catégorie.
     
    Meilleur Roman / Essai
     
    •    Cannibales de Régis Jauffret (Editions du Seuil)
     
    •    La succession de Jean-Paul Dubois (Editions de l’Olivier)
     
    •    Petit pays de Gaël Faye (Editions Grasset)
     
    •    Repose-toi sur moi de Serge Joncour (Editions Flammarion)
     
    •    Sur les chemins noirs de Sylvain Tesson (Editions Gallimard)
     
    Meilleure Interprète féminine
     
    •    Christine & The Queens – Héloïse Letissier – «Chaleur humaine» (Because Music)
     
    •    Imany «The wrong kind of wa» (Think Zik!)
     
    •    Jain «Zanaka» (Columbia)
     
    •    L.E.J «En attendant l’album» (Mercury)
     
    •    Marina Kaye «Fearles» (Capitol Music)
     
    Meilleur Interprète masculin
     
    •    Benjamin Biolay «Palermo Hollywood» (Barclay)
     
    •    Christophe «Les vestiges du chaos» (Capitol Music)
     
    •    Julien Doré «&» (Columbia)
     
    •    Manu Lanvin «Blues, Booze & Rock’n’Roll» (Verycords)
     
    •    Renaud «Renaud» (Parlophone)
     
     
     
    Les Nommés
     

    Meilleure Série télévisée / Téléfilm
     
    •    Baron Noir – Saison 1, créée par Eric Benzekri et Jean-Baptiste Delafon (Canal +)
     
    •    Braquo – Saison 4, créée par Olivier Marchal (Canal +)
     
    •    Le bureau des légendes – Saison 2, créée par Éric Rochant (Canal +)
     
    •  Les hommes de l’ombre – Saison 3, créée par Dan Franck, Frédéric Tellier, Charline de Lépine et Emmanuel Daucé (France 2)
     
    •    Un village français – Saison 7, créée par Frédéric Krivine, Philippe Triboit et Emmanuel Daucé (France 3)
     
    Meilleur Film étranger
     
    •    Bridget Jones’s Baby de Sharon Maguire, États-Unis
     
    •    Julieta de Pedro Almodóvar, Espagne
     
    •    Miss Peregrine’s home for peculiar children de Tim Burton, États-Unis, Royaume-Uni, Belgique
     
    •    Money Monster de Jodie Foster, États-Unis
     
    •    The Revenant d’Alejandro González Iñárritu, États-Unis
     
    Meilleure Série télévisée étrangère
     
    •    Outlander Saison 2, créée par Ronald D.Moore, États-Unis, Royaume-Unis (Netflix)
     
    •    Person of Interest Saison 5, créée par Jonathan Nolan, États-Unis (TF1)
     
    •    Ray Donovan Saison 4, créée par Ann Biderman, États-Unis (Canal+)
     
    •    Velvet Saison 2, créée par Ramon Campos, Espagne (Téva)
     
    •  Vinyl Saison 1, créée par Martin Scorsese, Mick Jagger, Rich Cohen, Terence Winter et George Mastras, États-Unis (OCS city) 
  • Critique de THE IMMIGRANT de James Gray à 20H55 sur Arte

    imigrant

    Projeté en compétition officielle du 66ème Festival de Cannes, The Immigrant de James Gray décidément à l’honneur cette année-là puisqu’il est aussi le coscénariste de  "Blood ties" réalisé par Guillaume Canet (également présenté à Cannes) est, seulement, le cinquième long-métrage du cinéaste américain ( après Little Odessa, The Yards, La Nuit nous appartient, Two lovers) et nous avons bien du mal à le croire tant chacun de ses films précédents était déjà maîtrisé, et James Gray comptant, déjà, comme un des plus grands cinéastes américains contemporains. The Immigrant a apparemment déçu bon nombre de ses admirateurs alors que, au contraire, c’est à mon sens son film le plus abouti, derrière son apparente simplicité. Il s’agit en effet de son film le plus sobre, intimiste et épuré mais quelle maîtrise dans cette épure et sobriété!

    On y retrouve les thèmes chers au cinéaste: l’empreinte de la Russie, l’importance du lien fraternel, le pardon mais c’est aussi son film le plus personnel puisque sa famille d’origine russe est arrivée à Ellis Island, où débute l’histoire, en 1923.

    L’histoire est centrée sur le personnage féminin d’Ewa interprétée par Marion Cotillard. 1921. Ewa et sa sœur Magda quittent leur Pologne natale pour la terre promise, New York. Arrivées à Ellis Island, Magda, atteinte de tuberculose, est placée en quarantaine et Ewa, seule et désemparée, tombe dans les filets de Bruno, un souteneur sans scrupules. Pour sauver sa sœur, elle est prête à tous les sacrifices et se livre, résignée, à la prostitution.  L’arrivée d’Orlando (Jeremy Renner), illusionniste et cousin de Bruno (Joaquin Phoenix), lui redonne confiance et l’espoir de jours meilleurs. Mais c’est sans compter sur la jalousie de Bruno…

    James Gray a écrit le rôle en pensant à Marion Cotillard (très juste et qui aurait mérité un prix d’interprétation) qui ressemble ici à une actrice du temps du cinéma muet, au visage triste et expressif. The Immigrant est ainsi un mélo assumé qui repose sur le sacrifice de son héroïne qui va devoir accomplir un véritable chemin de croix pour (peut-être…) accéder à la liberté et faire libérer sa sœur. Les personnages masculins, les deux cousins ennemis, sont  en arrière-plan, notamment Orlando. Quant à Bruno interprété par l’acteur fétiche de James Gray, Joaquin Phoenix, c’est un personnage complexe et mystérieux qui prendra toute son ampleur au dénouement et montrera aussi à quel point le cinéma de James Gray derrière un apparent manichéisme est particulièrement nuancé et subtil.

    Le tout est sublimé par la photographie de Darius Khondji (qui avait d’ailleurs signé la photographie de la palme d’or du Festival de Cannes 2012, Amour de Michael Haneke) grâce à laquelle certains plans sont d’une beauté mystique à couper le souffle.

    James Gray a par ailleurs tourné à Ellis Island, sur les lieux où des millions d’immigrés ont débarqué de 1892 à 1924, leur rendant hommage et, ainsi, à ceux qui se battent, aujourd’hui encore, pour fuir des conditions de vie difficiles, au péril de leur vie. C’est de dos qu’apparaît pour eux la statue de la liberté au début du film. C’est en effet la face sombre de cette liberté qu’ils vont découvrir, James Gray ne nous laissant d’ailleurs presque jamais entrevoir la lumière du jour. Si le film est situé dans les années 1920, il n’en est pas moins intemporel et universel. Une universalité et intemporalité qui, en plus de ses très nombreuses qualités visuelles, ne lui ont pas permis de figurer au palmarès cannois auquel il aurait mérité d’accéder.

    Tout comme dans La Nuit nous appartient qui en apparence opposait les bons et les méchants, l’ordre et le désordre, la loi et l’illégalité, et semblait au départ très manichéen, dans lequel le personnage principal était écartelé,  allait évoluer,  passer de l’ombre à la lumière, ou plutôt d’un univers obscur où régnait la lumière à un univers normalement plus lumineux dominé par des couleurs sombres, ici aussi le personnage de Bruno au cœur qui a « le goût du poison », incarne toute cette complexité, et le film baigné principalement dans des couleurs sombres, ira vers la lumière. Un plan, magistral, qui montre son visage à demi dans la pénombre sur laquelle la lumière l’emporte peu à peu, tandis qu’Ewa se confesse, est ici aussi prémonitoire de l’évolution du personnage. L’intérêt de Two lovers  provenait avant tout des personnages, de leurs contradictions, de leurs faiblesses. C’est aussi le cas ici même si le thème du film et la photographie apportent encore une dimension supplémentaire. James Gray s’est inspiré des photos « quadrichromes » du début du XXe  siècle, des tableaux qui mettent en scène le monde interlope des théâtres de variétés de Manhattan. Il cite aussi comme référence Le Journal d’un curé de campagne, de Robert Bresson.

    James Gray parvient, comme avec Two lovers, à faire d’une histoire a priori simple un très grand film d’une mélancolie d’une beauté déchirante et lancinante qui nous envahit peu à peu et dont la force ravageuse explose au dernier plan et qui nous étreint longtemps encore après le générique de fin. Longtemps après, en effet, j’ai été  éblouie par la noirceur de ce film, une noirceur de laquelle émerge une lueur de clarté sublimée par une admirable simplicité et maitrise des contrastes sans parler du dernier plan, somptueux, qui résume toute la richesse et la dualité du cinéma de James Gray et de ce film en particulier.

  • Rêve de cinéma - Grande tournée solidaire : aidez à offrir à 10 nouveaux hôpitaux pour enfants des projections de films !

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    Chaque année, je vous ai parlé ici de cette merveilleuse association, Les Toiles Enchantées, une association qui amène le cinéma aux enfants malades dans les hôpitaux.  Ce matin, un communiqué de presse m'apprenait la belle évolution de cette association et son enthousiasmant nouveau projet que j'espère vous convaincre de soutenir. J'ai toujours pensé que rêver était vital et cela l'est sans aucun doute dans les hôpitaux plus qu'ailleurs.  Alors, bien sûr, les éternels rabats-joies me diront que le cinéma ne soigne pas.  Peut-être. Mais il permet de s'évader, de rêver, de donner de l'espoir, de partager et vivre des émotions, d'oublier parfois la réalité, de croire en un lendemain meilleur, et peut-être d'y contribuer en redonnant de l'espoir et en facilitant les soins du corps en permettant à l'esprit de voyager.   Le cinéma est un rêve sans effet secondaire qui permet incontestablement de soulager certains maux...

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    À l’occasion de ses 20 ans d’existence en 2017, l’association Les Toiles Enchantées change de nom et devient Rêve de Cinéma (Quel plus beau nom que celui-là ? Quelle plus belle alliance de mots ?).

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    Rêve de Cinéma est l’association caritative du cinéma qui organise depuis 20 ans des projections de films à l’affiche dans les hôpitaux pour les enfants malades et dans les centres pour enfants et adolescents handicapés. Elle est reconnue d’intérêt général et est placée sous le double patronage du Ministère des Affaires sociales et de la Santé ainsi que du Ministère de la Culture et de la Communication. L’association prend aujourd’hui un nouveau souffle, toujours sous la Présidence d’Honneur de Lambert Wilson entouré d’une équipe renouvelée avec, à sa tête, Isabelle Svanda. «Quand les enfants ne peuvent pas aller au cinéma, c’est au cinéma de se déplacer !»

    En 2016, Rêve de Cinéma aura réalisé 423 projections (399 en 2015) dans plus de 150 hôpitaux pédiatriques et centres pour enfants et adolescents handicapés. Ces projections ont permis de faire rêver plus de 25 000 enfants dans toute la France ! 

    Rêve de Cinéma lance un appel aux dons pour financer  une Grande Tournée Solidaire de 10 projections via la plateforme Ulule à partir d’aujourd’hui. La tournée permettra à des hôpitaux  auxquels l'association n'a encore jamais pu rendre visite de profiter du rêve du cinéma. N’hésitez pas à relayer l’information et à en parler autour de vous et évidemment à contribuer ! fr.ulule.com/revedecinema

    L’objectif de Rêve de Cinéma, soutenu par le corps médical, est la Cinémathérapie. Elle consiste à :

    - Rendre le cinéma accessible à un jeune public malade et/ou handicapé en introduisant gracieusement dans les hôpitaux et établissements pour enfants malades ou handicapés des films à l’affiche.

    - Offrir aux enfants une parenthèse de bonheur, le cinéma devient alors vecteur de bien-être et facilite  les soins

    - Permettre aux enfants et adolescents de rompre avec leur quotidien, de s’évader, d’accéder à la culture et au divertissement des jeunes de leur âge, d’améliorer leur vie dans l’établissement.

    - Lutter contre l’isolement et le découragement en favorisant les rencontres, avec les intervenants  extérieurs mais aussi entre eux.  En sollicitant l’émotion, en introduisant la notion de plaisir et de partage, le cinéma stimule des échanges différents qui ne portent pas sur la maladie. En s’adressant à la personne plutôt qu’au patient, on favorise une prise en charge globale : on ne dispense pas des soins, on «prend soin de». 

     

    Pour suivre l'association et en savoir plus: www.revedecinema.com

    L'association sur Facebook: https://www.facebook.com/revedecinema

    L'association sur twitter: @LesToiles2015

    Vous pouvez contribuer à partir de 5 euros.

     

    CLIQUEZ ICI POUR SOUTENIR LA TOURNEE SOLIDAIRE DE RÊVE DE CINEMA

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  • Critique de ROCCO ET SES FRERES de Luchino Visconti à 20H50 sur Arte

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    Synopsis : Après le décès de son mari, Rosaria Parondi (Katina Paxinou), mère de cinq fils, arrive à Milan accompagnée de quatre de ses garçons : Rocco (Alain Delon) Simone, (Renato Salvatori), Ciro (Max Cartier) et Luca (Rocco Vidolazzi), le benjamin.  C’est chez les beaux-parents de son cinquième fils, Vincenzo (Spyros Fokas) qu’ils débarquent. Ce dernier est ainsi fiancé à Ginetta (Claudia Cardinale). Une dispute éclate. Les Parondi se réfugient dans un logement social. C’est là que Simone fait la connaissance de Nadia (Annie Girardot), une prostituée rejetée par sa famille. Simone, devenu boxeur, tombe amoureux de Nadia. Puis, alors qu’elle est séparée de ce dernier depuis presque deux ans, elle rencontre Rocco par hasard. Une idylle va naitre entre eux. Simone ne va pas le supporter…

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    Ce qui frappe d’abord, ce sont, au-delà de la diversité des styles (mêlant habilement Nouvelle Vague et néo-réalisme ici, un mouvement à l’origine duquel Visconti se trouve –« Ossessione » en 1942 est ainsi considéré comme le premier film néo-réaliste bien que les néoréalistes aient estimé avoir été trahis par ses films postérieurs qu’ils jugèrent très et trop classiques),  les thématiques communes aux différents films de Visconti. Que ce soit à la cour de Bavière avec Ludwig, ou au palais Donnafigata avec le Prince Salina, c’est toujours d’un monde qui périclite et de solitude dont il est question mais aussi de grandes familles qui se désagrègent, d’être promis à des avenirs lugubres qui, de palais dorés en  logements insalubres, sont sans lumière et sans espoir.

    Ce monde où les Parondi, famille de paysans, émigre est ici celui de l’Italie d’après-guerre, en pleine reconstruction et industrialisation, où règnent les inégalités sociales. Milan c’est ainsi la ville de Visconti et le titre a ainsi été choisi en hommage à un écrivain réaliste de l'Italie du Sud, Rocco Scotellaro.

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    Avant d’être le portrait successif de cinq frères, « Rocco et ses frères » est donc celui de l’Italie d’après-guerre, une sombre peinture sociale avec pour cadre des logements aux formes carcérales et sans âme. Les cinq frères sont d’ailleurs chacun une illustration de cette peinture : entre ceux qui s’intègrent à la société (Vincenzo, Luca, Ciro) et ceux qu’elle étouffe et broie (Simone et Rocco). Une société injuste puisqu’elle va désagréger cette famille et puisque c’est le plus honnête et naïf qui en sera le martyr. Dans la dernière scène, Ciro fait ainsi l’éloge de Simone (pour qui Rocco se sacrifiera et qui n’en récoltera pourtant que reproches et malheurs) auprès de Luca, finalement d’une certaine manière désigné comme coupable à cause de sa « pitié dangereuse ».

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     Nadia, elle, porte la trace indélébile de son passé. Son rire si triste résonne sans cesse comme un vibrant cri de désespoir. Elle est une sorte de double de « Rocco », n’ayant d’autre choix que de vendre son corps, Rocco qui est sa seule raison de vivre. L’un et l’autre, martyrs, devront se sacrifier. Rocco en boxant, en martyrisant son corps. Elle en vendant son corps (et le martyrisant déjà), puis, dans une scène aussi terrible que splendide, en le laissant poignarder, les bras en croix puis enserrant son meurtrier en une ultime et fatale étreinte.

     Annie Girardot apporte toute sa candeur, sa lucidité, sa folie, son désespoir à cette Nadia, personnage à la fois fort et brisé qu’elle rend inoubliable par l’intensité et la subtilité de son jeu.

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    Face à elle, Alain Delon illumine ce film sombre de sa beauté tragique et juvénile et montre ici toute la palette de son jeu, du jeune homme timide, fragile et naïf, aux attitudes et aux craintes d’enfant encore, à l’homme déterminé. Une palette d’autant plus impressionnante quand on sait que la même année (1960) sortait « Plein soleil » de René Clément, avec un rôle et un jeu si différents.

    La réalisation de Visconti reprend le meilleur du néoréalisme et le meilleur de la Nouvelle Vague avec une utilisation particulièrement judicieuse des ellipses, du hors-champ, des transitions, créant ainsi des parallèles et des contrastes brillants et intenses.

    Il ne faudrait pas non plus oublier la musique de Nino Rota qui résonne comme une complainte à la fois douce, cruelle et mélodieuse.

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    « Rocco et ses frères » : encore un chef d’œuvre de Visconti qui prend le meilleur du pessimisme et d’une paradoxale légèreté de la Nouvelle Vague, mais aussi du néoréalisme qu’il a initié et qui porte déjà les jalons de ses grandes fresques futures. Un film d’une beauté et d’une lucidité poignantes, sombres et tragiques porté par de jeunes acteurs (Delon, Girardot, Salvatori…), un compositeur et un réalisateur déjà au sommet de leur art.

     « Rocco et ses frères » a obtenu le lion d’argent à la Mostra de Venise 1960.

  • Critique - A MOST VIOLENT YEAR de J.C Chandor à voir à 20H45 sur Ciné + Premier

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    New York. L’hiver 1981. 1981 : l’année la plus violente qu’ait connue la ville. Abel Morales (Oscar Isaac), immigré mexicain, dévoré par l’ambition est un entrepreneur qui tente de réussir dans le milieu du pétrole, à New York. Il veut réaliser son American dream sans renoncer à son intégrité…et ce n’est pas une mince affaire :  ses camions sont régulièrement attaqués et leurs chargements en fioul volés, un procureur obstiné et tout aussi ambitieux enquête sur lui le soupçonnant d’escroqueries et fraudes, une menace semble constamment planer sur lui et les siens, et sa femme (Jessica Chastain) veut l’aider à sa manière (elle est la fille d’un truand de Brooklyn dont elle ne renie pas totalement les méthodes). « J’ai toujours choisi le droit chemin » s’obstine pourtant à dire Abel.

    L’homme intègre, à l’ambition carnassière, face à la société corrompue et violente. La femme fatale. L’atmosphère, entre blancheur (la neige est omniprésente) et noirceur (New York est une ville gangrénée par la violence et qui semble sur le déclin). Tous les ingrédients d’un film noir. Ou d’un grand roman. Du Balzac, du Hugo ou du Maupassant peut-être. En tout cas, J.C Chandor a un talent rare pour décrire, en quelques plans, un univers, un personnage, une atmosphère et, surtout, pour instaurer une tension dès les premières secondes, avant même le générique. Abel avec son pardessus ostentatoirement chic, comme une parure de sa réussite autoproclamée. Abel qui refuse de parler espagnol et ne veut parler que la langue de ce pays dont il se rêve en symbole de réussite. Abel constamment en mouvement et isolé.

     Dès le pré-générique, tout est dit. L’homme qui fait son jogging. Abel. Acteur de son destin. Persévérant. Déterminé. Fonceur. Seul. Pendant ce temps, un autre homme au volant de son camion. Il semble insouciant, joyeux. Cela ne saurait durer. A la radio des nouvelles, sombres, de l’actualité. La violence est là, latente. La menace plane, déjà. La tension est déjà là, et le sera toujours, jusqu’à l’ultime seconde ou culminant lors de scènes, magistrales, prenantes : une course-poursuite, un homme amené à la police dans la neige, Abel qui vient défier ses concurrents dans une scène qui ressemble à du Scorsese. Et la ville de New York, tentaculaire, menaçante, périlleuse.

    Dans « All is lost » précédent film de J.C Chandor, Robert Redford, était seul. Seul face à la folle et splendide violence des éléments. Seul face à nous. Seul face à lui-même. Seul face à l’Océan Indien à perte de vue. Seul face à la force des éléments et face à ses propres faiblesses. Seul face à la nature. Cela aurait pu être ennuyeux…et c’était passionnant, palpitant, terrifiant, sublime, et parfois tout cela à la fois. Avec Redford c’était toute une mythologie, cinématographique, américaine, qui était malmenée, bousculée, et qui tentait de résister envers et contre tout, de trouver une solution jusqu’à l’ultime seconde. Symbole d’une Amérique soumise à des vents contraires, au fracas de la nature et de la réalité, et qui tentait de résister, malgré tout. Ici, de même, Abel symbolise lui aussi l’American dream, et est lui aussi seul contre tous, tentant de résister à un autre fracas de la réalité, de la corruption.

     Certains plans, dans « All is lost » étaient d’une beauté à couper le souffle : requins en contre-plongée qui semblaient danser,  défier et accompagner  Redford, fin qui mélangeait les éléments, l’eau et le feu, le rêve et la réalité ou encore  le plan de cette lune braquée sur lui comme un projecteur. Dans « A most violent year » la composition de chaque image, sans atteindre le lyrisme de « All is lost », force l’admiration et concourt à cette atmosphère mélancolique, constamment à la frontière du dérapage, du drame, flirtant avec le thriller. La neige qui coupe le souffle, procure cette sensation d’inconfort, renforce ce sentiment d’isolement, d’atmosphère sombre, glaciale, le sentiment de menace.

    Il y a du James Gray et une forte influence des grands auteurs du cinéma américain dans ce « A most violent year », mais surtout, en étant seulement à son troisième film, J.C Chandor semble construire un univers, fait preuve d’un talent rare et d’un style qui a certes digéré beaucoup d’influences mais bien à lui. Sans compter cette façon, sans grosses ficelles hollywoodiennes, sans grandiloquence, mais avec beaucoup de subtilité et d’intelligence dans l’écriture et la mise en scène,  de  nous tenir en haleine de la première à la dernière seconde avec un sujet a priori rébarbatif, de créer un film palpitant qui a « une gueule d’atmosphère », de collaborer avec des acteurs à la hauteur de son propre talent (Chastain et Isaac dévorent littéralement la pellicule et forment un couple fascinant, troublant, magnétique). Un grand film qui l’est d’autant plus qu’il avance avec modestie jusqu’à cette fin, face à New York, offerte aux ambitions et qui semble défier l’intégrité mise à mal de ceux qui sont avides de la conquérir. Brillant.  Vivement le prochain film de J.C Chandor !

  • Critique de DEMAIN TOUT COMMENCE de Hugo Gélin (en salles le 7 décembre 2016)

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    Dans le cadre du 3ème Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule (dont vous pourrez bientôt lire ici mon compte rendu complet) était présenté en avant-première le nouveau film d’Hugo Gélin, « Demain tout commence » que j’attendais avec d’autant plus d’impatience que j’étais tombée littéralement sous le charme de son premier film en tant que réalisateur « Comme des frères » , un road movie attachant et la comédie tendrement mélancolique de l’année 2012 qui, comme chez Claude Sautet (ceux qui me lisent régulièrement savent que c’est pour moi une référence suprême), célébrait l’amitié, qu’elle soit amoureuse ou plus fraternelle. Et vous donnait envie d’aimer furieusement la vie. Voilà d’ailleurs un des nombreux points communs entre les deux longs-métrages réalisés par Hugo Gélin.

     Il en va des films comme des personnes, rares certainement, qui d’emblée, par leur charme indéfinissable et ineffable, vous séduisent, vous emportent dans leur univers, dans un tourbillon d’émotions, vous font oublier qu’existent un ailleurs, une réalité, et auxquels vous pouvez tout pardonner. Et qui, une fois le voyage avec eux terminé, ne vous donnent qu’une envie: reprendre un ticket pour un nouveau tour de manège.  C’était le cas de "Comme des frères”. C’était aussi le cas d’un classique projeté dans le cadre du festival, « Itinéraire d’un enfant gâté » de Claude Lelouch. Et c’est le cas de ce nouveau film, un remake de la comédie mexicaine réalisée par Eugenio Derbez, « Ni repris ni échangé », tournée en 2013.  Mais dire que ce film est un remake est réducteur tant le réalisateur y apporte son style, son regard, son univers, sa sensibilité, sa bienveillance.

    Samuel, incarné par Omar Sy, vit sa vie sans attaches ni responsabilités, au bord de la mer sous le soleil du sud de la France, près des gens qu’il aime et avec qui il travaille sans trop se fatiguer. Jusqu’à ce qu’une de ses anciennes conquêtes, Kristin, (Clémence Poésy) lui laisse sur les bras un bébé de quelques mois, Gloria : sa fille ! Incapable de s’occuper d’un bébé et bien décidé à rendre l’enfant à sa mère, Samuel se précipite à Londres pour tenter de la retrouver, sans succès. 8 ans plus tard, alors que Samuel et Gloria ont fait leur vie à Londres et sont devenus inséparables, la mère de Gloria revient dans leur vie pour récupérer sa fille…

    Ce synopsis est là aussi un peu réducteur car il ne résume par la magie, la tendre drôlerie, et le rythme trépidant qui se dégagent des premières minutes qui vous happent, vous captivent, capturent  votre attention, pour ne plus vous lâcher jusqu’à la dernière seconde. Le film commence par une magnifique parabole de la peur et de la vie qui prend tout son sens dans les dernières minutes. Samuel nous entraîne ensuite dans son rythme de vie échevelé. Le charisme indéniable, le rire si singulier et communicatif qui emporterait le sérieux du plus acariâtre et stoïque des spectateurs, l’énergie folle déployée par Omar Sy font démarrer le film sur les chapeaux de roue. Ce qui marque aussi de prime abord, c’est l’élégance et le dynamisme de la réalisation (profondeur de champ, plans, décors, costumes et photographie travaillés avec soin) qui exacerbent le charme qui se dégage  du personnage principal et l’envoûtement quasi immédiat que le film opère sur le spectateur.

    A Londres (magnifiquement filmée, le voyage auquel il nous convie participant aussi du charme du film), nouvelle ambiance et nouveau voyage pour le spectateur, transporté avec Samuel dans une autre vi(ll)e, qui passe du soleil du sud à la pluie d’outre-Manche. L’empathie, pour ce grand enfant immature et insouciant (« On ne fait pas de gosse à un autre gosse » dit-il d’ailleurs à Kristin) soudain confronté à des responsabilités d’adulte et égaré dans une ville dont il ne parle pas (et ne parlera jamais vraiment) la langue, est immédiate. A Londres, il fait la connaissance de Bernie (formidable Antoine Bertrand, acteur québécois que nous avons notamment pu voir dans « Starbuck ») qui lui aussi tombe immédiatement sous le charme et va lui venir en aide. Judicieuse ellipse. Nous retrouvons alors Samuel devenu cascadeur pour le cinéma (Bernie est producteur) dont l’appartement ressemble à un parc d’attractions dans lequel tout est fait pour que la petite Gloria soit la reine des lieux  tout comme Roberto Benigni inventait un jeu pour permettre à son fils d’affronter l’horreur indicible, pour lui faire croire à ce doux mensonge : la vie est belle (dans le film éponyme).

    Avec le retour de la mère de Gloria, et une annonce que je vous laisse découvrir, le film se teinte peu à peu de couleurs plus dramatiques. Avec ces menaces qui planent, les scènes drôles et parfois aux frontières du burlesque gagnent encore en force tout comme les drames de la vie nous font savourer avec plus de vigueur et d’intensité ses moments de joie.

    La petite Gloria Colston qui incarne Gloria est d’une justesse remarquable et sidérante. Son personnage possède la maturité qui fait (apparemment) défaut à son père, et un charme aussi indéniable que ce dernier. Après Pierre Niney dans « Comme des frères » (ce dernier avait certes auparavant tourné dans le magnifique « J’aime regarder les filles » de Frédéric Louf mais c’est « Comme des frères » qui l’a fait connaître auprès du grand public, il ne serait d’ailleurs pas étonnant de le retrouver face à Omar Sy lors des prochains César, tant il le mérite à nouveau pour son rôle dans « Frantz » de François Ozon), Hugo Gélin est décidément aussi un remarquable découvreur et directeur d’acteurs. Chaque réplique est ciselée, sonne et touche juste.

    Ce film comme le précédent possède la beauté troublante et le charme renversant de ces êtres qui portent un masque d’insouciance pour dissimuler leurs fêlures et les blessures de l’existence, et qui n’en sont que plus touchants. Pour incarner ce masque de pudeur et de bienveillance, ce père qui aime sa fille inconditionnellement, il fallait un acteur exceptionnel et d’une sensibilité rare.  Omar Sy, après « Samba » et « Chocolat » (pour lequel il mérite aussi à mon  sens une nomination aux César, tant il y est remarquable) prouve la large palette de son talent et qu’il est un des acteurs les plus brillants de sa génération et surtout qu’il n’a pas fini de nous émouvoir et de nous surprendre.  Clémence Poésy  apporte de l’humanité à son personnage, si fragile, et qu’il n’était pas facile de défendre.

    Et comme dans les meilleures comédies anglaises avec lesquelles « Demain tout commence » peut rivaliser sans rougir, la BO contribue à cette magie. Nous la devons ici au compositeur américain Rob Simonsen  notamment auteur des BO de « 500 jours ensemble », « Foxcatcher », « The Spectacular Now » ou plus récemment de « Nerve ». Comme ses consœurs comédies dramatiques britanniques, je gage d’ailleurs que « Demain tout commence » fera rapidement partie de ces films jubilatoires et insidieusement mélancoliques que l’on ne peut s’empêcher de revoir chaque année, a fortiori au cœur de l’hiver.

    Avec « Comme des frères », le deuxième long-métrage d’Hugo Gélin en tant que réalisateur possède aussi en commun des personnages attachants,  une vitalité,  un montage et un scénario habiles et malins (qui multiplie les rebondissements qui toujours nous cueillent, tant pis pour les rabat-joie  que leur récurrence laissera de marbre), et sont finalement aussi l’un et l’autre de splendides métaphores du cinéma et des mensonges nécessaires qu’il nous raconte pour que la vie soit  moins âpre. Souvent, j’ai envie de dire aux frileux et timorés qui se laissent bercer par la vie, cette ensorceleuse, qui se laissent endormir même, à ceux qui ne mesurent pas à quel point elle peut être fourbe, imprévisible, brève, à quel point le simple fait d’être là avec ceux qui la partagent, est une chance inouïe, qu’il faut en saisir, enchanter, sublimer chaque seconde, et donner plus d’intensité à chacun de nos battements de cœur. Ce film en est l’éclatante et irréfutable démonstration.

    Alors prenez votre ticket pour ce tour de manège sans temps mort, cette magnifique histoire d’amour paternel, cet hymne à la vie et aux liens du cœur qui parfois priment sur ceux du sang, ce délicieux mensonge qui, lorsqu’il s’achèvera et délivrera ses derniers secrets, vous laissera KO, de gratitude, d’émotion, dont vous réaliserez que chaque seconde vous a rappelé à quel point la vie est belle. Malgré tout. Malgré les vicissitudes du destin. Un film qui bouleversera a fortiori ceux qui portent les cicatrices des blessures de la vie. J’en suis d’ailleurs sortie bouleversée. Littéralement. Chavirée d’émotions. Comme rarement. Mais aussi avec l’idée revigorante que « demain tout commence », le très beau titre inspiré d'une phrase de Bachelard que la grand-mère du cinéaste avait coutume de répéter. Et quel plus bel hommage à celle-ci et à cette phrase que ce film généreux, lumineux, tendre, drôle, au charme décidément irrésistible, à l’image de son duo d’acteurs principaux ! Sans aucun doute un des meilleurs films de l’année qui vous rappelle que la vie est le plus beau des risques et qui, croyez-moi, vous procurera une envie irrépressible d’empoigner et d’étreindre l’existence et ceux que vous aimez. Intensément. Follement. La magie du cinéma dans toute sa splendeur. Alors n’oubliez pas : demain, tout commence…

    En salles le 7 décembre 2016.

  • Merci...

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    De belles rencontres. Une journée très agréable. Merci Cultura pour l'accueil et vivement la prochaine ! Et, en bonus, ci-dessous, la nouvelle publicité de mon éditeur "Les Editions du 38" sur laquelle mon recueil de nouvelles "Les illusions parallèles" figure en bonne compagnie.

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  • En dédicace au Cultura de Laval / St Berthevin le samedi 3 décembre 2016 de 10H à 18H

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    Après une succession de rencontres dédicaces en festivals de cinéma, je suis ravie de pouvoir dédicacer et de rencontrer à nouveau les lecteurs dans ma ville natale, suite à la sollicitation du Cultura Laval/St Berthevin. J'aurai le plaisir de dédicacer mon premier roman "L'amor dans l'âme" et mon recueil de 16 nouvelles sur les festivals de cinéma "Les illusions parallèles", deux livres publiés par les Editions du 38 en 2016. Au plaisir de vous rencontrer à cette occasion, le samedi 3 décembre 2016, de 10H à 18H.

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