Cet article sera mis à jour au fur et à mesure des annonces après la conférence de presse...

Dernière mise à jour : le 10/05/2026

Ce jeudi, le Délégué général du Festival de Cannes, Thierry Frémaux, et la Présidente, Iris Knobloch, ont dévoilé la sélection officielle de la 79^e édition que nous pourrons découvrir sur la Croisette du 12 au 23 mai 2026. Cette conférence de presse s’est déroulée pour la première fois au Pathé Palace qui succède ainsi à l’UGC Montparnasse, à l’UGC Normandie et au Grand Hôtel. Il me semble que même avant de couvrir le Festival de Cannes, il y a donc une vingtaine d’années de cela, j’attendais déjà ces annonces avec impatience. Cette année n’a pas dérogé à la règle. C’est autant la passion du cinéma que celle de l’actualité qui dicte cette impatience, l’un et l’autre étant toujours fortement imbriqués à Cannes. Ce festival permet en effet toujours de prendre le pouls de l’état du monde, de ses secousses  de ses espoirs, de ses plaies, de ses dérives et de ses envies de liberté. La Palme d’or 2025, Un simple accident de Jafar Panahi, était un parfait exemple de ces élans, alors que, quelques mois plus tard, l’Iran est dramatiquement sous les feux des projecteurs.

En 2024, Les graines du figuier sauvage de l'Iranien Mohammad Rasoulof, qui aurait aussi mérité une Palme d’or, était déjà reparti avec un prix spécial du Jury, prouvant la grande vitalité du cinéma iranien, bien qu’entravé par les lois du régime. 

 Grâce à un sens de la mise en scène toujours aussi aiguisé, un courage admirable, des comédiens parfaits, un ton tragi-comique, une portée morale, politique et philosophique, qui interroge aussi notre propre rapport à la vengeance et notre propre humanité, et avec une fin glaçante d’une force indéniable, cette farce savoureuse et cette quête de vérité rocambolesque qu’est aussi Un simple accident méritait amplement cette Palme d’or 2025.

Jafar Panahi avait dédié la projection de son film à « tous les artistes iraniens qui ont dû quitter l'Iran ».  Il ne fait aucun doute que sa voix les a défendus et a porté bien au-delà de l’Iran. Si l’art rend les étreintes éternelles, il donne aussi de la voix aux cris de rage et de détresse. Comme l’avait si justement remarqué la Présidente du jury de cette 78e édition, Juliette Binoche, lors de la remise de la Palme d’or, « l’art provoque, questionne, bouleverse » et est « une force qui permet de transformer les ténèbres en pardon et en espérance. » Comme ce film. Comme cette mariée et sa robe blanche qui résiste aux ténèbres de la vengeance. Dans le film de Jafar Panahi, la force n'est pas physiquement blessante, mais c'est celle des mots et des images, en somme du cinéma, qui feront surgir la vérité et ployer l'oppresseur. Une force pacifiste plus que jamais nécessaire.

C'est au jury présidé par le cinéaste sud-coréen Park Chan-wook que reviendra cette année la responsabilité de décerner la Palme d'Or 2026 qui succèdera à Un simple accident.

Chaque année, la conférence de presse du Festival de Cannes dépasse largement l'annonce d'une sélection : elle dessine une cartographie  sensible du monde. Les films sélectionnés sont autant de récits qui racontent notre monde mieux que de longs discours.

L’actualité et plus largement l’Histoire sont d’ailleurs des thèmes redondants de cette édition, parmi les 2541 longs métrages soumis à la sélection, (1000 de plus qu’il y a 10 ans) venus de 141 pays dont 21 films en compétition finalement sélectionnés (pour le moment).

 « C'est une façon de ramener l'Histoire au présent, de la questionner au présent » a déclaré Thierry Frémaux. Nous pourrons ainsi découvrir le premier volet de La Bataille de Gaulle, L'Age de fer, réalisé par Antonin Baudry, hors compétition, avant sa sortie au cinéma le 3 juin. Quant au film de la réalisatrice rwandaise Marie-Clémentine Dusabejambo, Ben'Imana, il s'intéresse à la difficile réconciliation dans son pays. Il sera en sélection à Un certain regard. Dans La Troisième Nuit, Daniel Auteuil évoquera l'histoire d'un sauvetage d'enfants juifs dans la région de Lyon. László Nemes présentera Moulin, un film avec Gilles Lellouche sur le célèbre résistant. Notre Salut d'Emmanuel Marre portera sur le régime de Vichy. Et l’intrigue de Coward de Lukas Dhont se déroule pendant la Guerre 14…

Comme le veut la tradition, c’est la Présidente du festival qui a d’abord pris la parole. Son discours, très engagé, a débuté par le rappel des origines du Festival de Cannes « né dans un moment de grande certitude, en 1939 exactement » alors que « les nouvelles qui nous viennent du monde sont tout sauf rassurantes. » « Quand le monde s’assombrit et perd ses repères, montrer des films venus de tous les horizons n’est pas un geste anodin. C’est défendre ce que l’humanité a de plus précieux. Sa capacité à penser librement. » Elle a ainsi rappelé le rôle politique et social du festival : « Le Festival de Cannes est un de ces endroits où une telle diversité de cultures ne s’oppose pas mais dialogue. Nous restons plus que jamais fidèles à nos valeurs. La liberté de s’exprimer, parfois de déranger. La liberté de créer pour tous les êtres humains. Pour ceux qui en sont privés parfois dans leurs propres pays. » Sur la présence de films réalisés par des femmes en réponse à ceux qui, chaque année, reprochent au festival leur présence trop discrète (qui en réalité est le reflet du pourcentage de films mis en scène par des réalisatrices), Iris Knobloch a déclaré : « le Festival de Cannes a une responsabilité claire : donner une visibilité claire. Mais la visibilité ne suffit pas. La lumière n’a de sens que si elle ouvre des portes. »

Elle a également longuement évoqué la menace que représente l’Intelligence Artificielle et la résistance du Festival de Cannes qui défend « la liberté de créer pour tous les êtres humains mais seulement pour les êtres humains. Nous ne fermons pas les yeux mais nous refusons qu’elle dicte sa loi au cinéma. Derrière chaque image, il y a un cinéaste mais aussi des centaines de talents qui ont donné leur âme au service d’un projet commun. L’histoire nous touche car elle vient de quelqu’un qui a douté, aimé… L’IA sait imiter très bien mais elle ne saura jamais ressentir. »

La Présidente a également rappelé l’attachement du Festival de Cannes « à la salle de cinéma. Expérience irremplaçable. La salle obscure reste un des rares lieux où nos différences coexistent sans nous diviser. On y entre parfois seuls. On en ressort plus proches les uns des autres. »

Elle a ensuite rappelé que seraient cette année présentes quatre « figures du cinéma » :

- le Président du jury du 79^ème Festival de Cannes, le réalisateur Park Chan-wook « dont l’œuvre nous rappelle que le cinéma n’a pas de centre de gravité et qu’un film venu de Séoul peut déclencher un séisme culturel dans le reste du monde. »,

- le réalisateur Peter Jackson à qui sera attribuée une Palme d’or d’honneur : « la technologie n’est rien sans le souffle de l’artiste », a souligné la Présidente du festival à son propos,

- Barbra Streisand qui « a passé sa vie à briser les plafonds de verre avant même qu’on leur donne un nom », selon Iris Knobloch,

- Eye Haïdara, maîtresse des cérémonies d’ouverture et de clôture, qui « incarne exigence, générosité, et capacité de rassembler », toujours selon la Présidente du festival.

Elle a conclu en rappelant que « derrière une grande œuvre, il y a un être humain qui persévère. Le Festival de Cannes lui aussi persévère. Il reste un roc, un repère dans la tempête.  Ce festival est un équilibre délicat, un bien commun. Ce festival reste fragile et mérite d’être défendu chaque jour. » 

Thierry Frémaux a ensuite pris la parole pour annoncer « 95% de la sélection ». En préambule, il a tenu à adresser une pensée « aux autres festivals, ceux qui, qui dans une ville, qui dans un pays, mettent le cinéma au cœur des choses, un cinéma qui marque sa singularité au fur et à mesure que les années avancent. » « Aujourd’hui, le langage du cinéma a gagné. Le langage du cinéma est partout. Les films vont nous confirmer l’extraordinaire vitalité de la création mondiale. »

Thierry Frémaux a par ailleurs rendu hommage à Antoni Lallican, le photographe français tué en Ukraine en octobre 2025, victime d’une frappe de drone dans le Donbass, et à Lili Hinstin, figure respectée de la direction de festivals de cinéma comme celui de Locarno ou du Festival Nouvelles Vagues à Biarritz. Soulignant le courage des reporters de guerre et l’engagement des programmateurs, le Délégué général leur a dédié cette 79^ème édition.

« On a vu des choses très belles qui disent que le cinéma est dans un état de productivité, de créativité formidable » a-t-il tenu à souligner.

Il a également insisté sur le rôle du documentaire qui « retrouve une existence » et est « aussi un langage qui vient dire un état du monde. » « Les films d’animation sont également de plus en plus présents », a-t-il aussi rappelé, nommant des films qui ont eu un succès international comme Valse avec Bachir, Persépolis ou, récemment, Amélie et la métaphysique des tubes et Arko. Il a ajouté que « Annecy » est le « plus grand festival d’animation au monde. »

Cette année, « les Etats-Unis seront présents, les studios un peu moins. » « Si les studios sont moins présents à Cannes, c'est qu'ils sont moins présents tout court », selon le Délégué général. Nous notons ainsi qu’un seul film américain figure en compétition, le film d’Ira Sachs. James Gray pourrait cependant venir rejoindre la compétition avec son polar Paper Tiger. Ce serait alors sa septième sélection cannoise. « En dehors du cinéma des studios, un cinéma indépendant, un cinéma ailleurs qu'à Los Angeles, continue d'exister », a rappelé Thierry Frémaux. 

Comme chaque année, la sélection dessine donc l’état du monde : « Ce qu’on se dit au terme de ces six mois intenses du processus de sélection, c’est que nous avons vu des films très intelligents. Notre mode de sélection :  qu’est-ce que telle ou telle œuvre vient dire de ce qu’est le cinéma contemporain. On a vu des films très intelligents. D’un haut niveau de cinéma. Mais aussi de pensée… ». « On a vu des gens qui vivent en groupe, comme si on avait la nostalgie de ça, d’un monde plus uni. » « On s’aperçoit que le monde occidental a besoin de douceur, de chanson de nature. Et d’autres de sécurité, de prospérité, qu’on apporte du soin aux enfants et aux familles. »

En ce qui concerne la compétition, ont été annoncés pour l’instant 21 films et « 11 entrants » et un « film qui, normalement, y sera. Le contrat n’est pas encore complètement signé. » A la fin de la conférence, Thierry Frémaux a de nouveau précisé que la « compétition » sera « je l’espère autant que vous, augmentée d’un film ». Peut-être le film de James Gray.

Cet article sera bien sûr complété au fur et à mesure des annonces officielles.

Parmi tous ces films, j’attends tout particulièrement :

-  Un film tourné au Costa Rica, une première sélection officielle pour le film de Valentina Maurel, Ton animal maternel (Un Certain regard)

- Le film rwandais Ben’Imana de Marie-Clémentine Dusabejambo qui est le « premier film sur la réconciliation de cette tragédie qui a traversé le pays.  Une étonnante œuvre de cinéma. » (Un Certain Regard)

- Dans le cadre de Cannes Première, le film de Daniel Auteuil, La Troisième nuit qui raconte le « sauvetage d’enfants pendant la Seconde Guerre mondiale ». J’avais beaucoup apprécié Le Fil découvert à Cannes en 2024, en séance spéciale, dont je vous parle ici. 

- Hors compétition, le film de Vincent Garenq, L’Abandon, sur Samuel Paty « abandonné par les gens qui l’entouraient », selon les termes de Thierry Frémaux. « Le cinéma s’empare déjà du sujet et il nous a paru important de montrer ce film. »

- Le nouveau film d’Agnès Jaoui, L’Objet du délit, « comédie contemporaine autour d’une troupe d’opéra qui va monter Les Noces de Figaro » avec Daniel Auteuil, Eye Haïdara.  Une « comédie qui ramène beaucoup à des questions que les sociétés contemporaines se posent sur les comportements, sur les uns et les autres ».

- L'affaire Marie-Claire, en Séance spéciale. Lauriane Escaffre et Yvo Muller y abordent le combat pour faire voter la loi autorisant l'avortement.

-En compétition, Minotaure d’Andreï Zvyagintsev « qui n’est plus dans ce pays agresseur de l’Ukraine. Un film qui parle de la bourgeoisie. De la conscription, de la façon dont ils doivent faire des listes pour les envoyer à la guerre.  Une sorte de remake de La Femme infidèle de Chabrol qui mêle dans son film un certain nombre de sujets », selon Thierry Frémaux. Nous retrouvons donc le cinéaste russe neuf ans après le magistral Faute d’amour (qui figurait également en compétition) dont je vous avais parlé ici. Un très grand film qui aurait déjà mérité la Palme d’or qui m’avait rappelée un film qui l’avait justement obtenue qui nous interrogeait sur les petitesses en sommeil recouvertes par l’immaculée blancheur de l’hiver, un film rude et rigoureux, Winter Sleep de Nuri Bilge Ceylan. Une Palme d’or que Zvyagintsev aurait indéniablement mérité pour ce film, parfait de l’interprétation au scénario en passant par la mise en scène et même la musique, funèbre et lyrique, qui renforce encore le sentiment de désolation et de tristesse infinie qui émane de ces personnages que la richesse du scénario nous conduit finalement à plaindre plus qu’à blâmer. Du grand art.

-En compétition, le nouveau film de Rodrigo Sorogoyen, El ser querido. Thierry Frémaux a résumé le film comme l’histoire d’un « cinéaste sur un plateau, tout le temps en désir de mener à bien son projet. Un plateau traversé de toutes les questions qui se posent en matière comportementale. » On se souvient de As bestas présenté à Cannes Première en 2022. Ce film a pour cadre un village en déclin et la campagne de Galice, sauvage, grisâtre et monotone, qui constitue un personnage à part entière, à la fois fascinant et inquiétant, hostile et admirable.  Ajoutez à cela un scénario impeccable (de Isabel Peña et Rodrigo Sorogoyen), une interprétation de Marina Foïs et Denis Ménochet d’une justesse qui ne flanche jamais, et qui contribue beaucoup au parfait équilibre de l'ensemble, et vous obtiendrez un film âpre mais remarquable.

- En compétition, le nouveau film de László Nemes, dont on se souvient du film choc, l’âpre Fils de Saul, présenté en compétition en 2015, dans lequel la profondeur de champ, infime, renforce cette impression d’absence de lumière, d’espoir, d’horizon, nous enferme dans le cadre avec Saul, prisonnier de l’horreur absolue dont on a voulu annihiler l’humanité mais qui en retrouve la lueur par cet acte de bravoure à la fois vain et nécessaire, son seul moyen de résister. Que d’intelligence dans cette utilisation du son, de la mise en scène étouffante, du hors champ, du flou pour suggérer l’horreur ineffable, ce qui nous la fait d’ailleurs appréhender avec plus de force encore que si elle était montrée. László Nemes s’est beaucoup inspiré de Voix sous la cendre, un livre de témoignages écrit par les Sonderkommandos eux-mêmes. Ce film a été développé à la résidence de la Cinéfondation du Festival de Cannes 2011. Aussi tétanisant et nécessaire que Shoah de Claude Lanzmann. C’est dire ! Cette fois, il revient avec un film sur Jean Moulin, Moulin, incarné par Gilles Lellouche. Le fils de Saul

-En compétition, le film de Cristian Mungiu tourné en Norvège, Fjord. Cristian Mungiu, avait obtenu la Palme d'or en 2007 pour Quatre mois, trois semaines et deux jours.

- En compétition, le film du cinéaste belge, Emmanuel Marre, Notre salut, sur la « vie quotidienne du régime de Vichy. Comment des fonctionnaires se sont comportés et essayaient de gouverner le pays. »

- En compétition, le film de Marie Kreutzer, Gentle Monster.  La « vie d’un couple quand l’un révèle une facette inattendue de sa personnalité et monstrueuse. Avec Léa Seydoux. » On se souvient du Corsage en 2022, en sélection Un Certain Regard, un film sur l’Impératrice Elisabeth d’Autriche qui avait reçu le prix de la meilleure création sonore. Une réflexion et métaphore astucieuse des règles auxquelles doivent se plier les femmes. Le portrait d’une révoltée dans lequel la forme épouse ainsi brillamment le fond. Marie Kreutzer (également scénariste de son film), elle aussi s’y échappe : des contraintes formelles et des règles, et même de la vérité. Elle apporte de la modernité dans cette œuvre à l’image de l’impératrice qu’elle dépeint : irrévérencieuse. Il y eut le Marie-Antoinette de Sofia Coppola qui se jouait aussi des codes et des conventions, sans s'émanciper du glamour, indissociable du film d'époque en costumes, alors que Marie Kreutzer envoie tout valser pour aboutir à cette brillante allégorie de notre époque dans laquelle les apparences enserrent et emprisonnent les femmes dans un corset plus insidieux que celui d’Elisabeth mais parfois non moins destructeur. Une œuvre à l’image de sa création sonore, innovante, à juste titre récompensée, et de sa musique : intense, vibrante, marquante, engagée, puissante. 

- En compétition, le film japonais Quelques jours à Nagi de Koji Fukada qui marque ainsi l’entrée en compétition du cinéaste. Un film sur le « Japon des solitudes qui se rencontrent. »

- En compétition, Hope de Na Hong-Jin, un « film coréen d’un peu plus de 2h qui change en permanence de genre. C’est plutôt un film d’action. » a précisé Thierry Frémaux.

- En compétition, deux ans après L’Innocence, pour mon plus grand plaisir, nous retrouvons l’incontournable, Hirokazu Kore-eda, Palme d’or 2018 pour Une affaire de famille. Il est de retour avec un film qui s’intitule Sheep in the box, un « film qui parle de l’IA. On retrouve ses thèmes : enfance innocence », selon Thierry Frémaux. Il sera pour la 8^ème fois en compétition officielle. L’Innocence est un film qui m’avait rappelé le film de Lukas Dhont, Close (également présenté en compétition à Cannes, en 2022). C’est cela la beauté du cinéma : sonder la complexité des êtres, nous perdre pour mieux nous aider à trouver une vérité, nous trouver aussi parfois, nous éblouir pour nous éclairer. Et nous bouleverser.

L'Innocence a obtenu le Prix du Scénario ainsi que la Queer Palm au Festival de Cannes 2023. 

-Et justement, en compétition, nous retrouvons également Lukas Dhont dont j’avais tant aimé Close, Grand prix du Festival de Cannes 2022. Malgré la tragédie évoquée, le film de Lukas Dhont, d’une maîtrise (de jeu, d’écriture, de mise en scène) rare, est empreint de poésie qui ne nuit pas au sentiment de véracité et de sincérité. Et puis il y a ce regard final qui ne nous lâche pas comme l’émotion poignante, la douce fragilité et la tendresse qui parcourent et illuminent ce film. Un regard final qui résonne comme un écho à un autre visage, disparu, dont le souvenir inonde tout le film de sa grâce innocente. Un film étourdissant de sensibilité, bouleversant.

 « On a vu le film seulement hier. Il revient avec ce film qui traite de la guerre de 14 dans une lumière inspirée des photos couleur de l’époque. Un film de pur cinéma qui existe très souvent par la seule grâce de la mise en scène et de la caméra », a précisé Thierry Frémaux.

- En compétition, La boule noire de Javier Calvo et Javier Ambrossi. « Film historique à la grande inventivité de mise en scène dans lequel Penelope Cruz fait une apparition éclair mais inoubliable », selon Thierry Frémaux.

- En compétition, La Vie d’une femme de Charline Bourgeois-Taquet.  Avec Léa Drucker dont Thierry Frémaux a tenu à rappeler qu’elle avait « prononcé un discours assez inoubliable aux César cette année. »

- Le nouveau film d’Asghar Farhadi, en compétition : Histoires parallèles. Thierry Frémaux a rappelé qu’il « ne peut pas tourner dans son pays, l’Iran. » « Un film avec des comédiens français, Catherine Deneuve, Isabelle Huppert et Pierre Niney. Une histoire avec des gens qui se regardent d'un immeuble à l'autre, des destins qui se croisent».

-En compétition pour la septième fois, le nouveau film de Pedro Almodovar, un film déjà sorti en Espagne, Amarga Navidad, un peu plus d'un an après La Chambre d'à côté.

Vous pourrez aussi notamment découvrir :

- un documentaire de Steven Soderbergh sur John Lennon (Séance spéciale)

- le premier film de John Travolta, à Cannes Première : Vol de nuit pour Los Angeles

- le nouveau film de Nicolas Winding Refn, Hors compétition, Her private hell

- Karma de Guillaume Canet, Hors compétition, avec Denis Menochet et Marion Cotillard

 © Christophe Brachet

- La bataille De Gaulle – l’âge de fer réalisé par Antonin Baudry qui a un « passé de diplomate aux côtés de Dominique de Villepin. »  La première partie de ce biopic sur le général sera présentée Hors compétition. De Gaulle est incarné par Simon Abkarian.

© 2026 Pathé Films - TF1 Films Production - Belvédère - Auvergne Rhône Alpes Cinéma

- En compétition, le nouveau film d’Ira Sachs, The man I Love, un « film sur le sida à New York frappant les artistes. » Thierry Frémaux a ainsi tenu à rappeler que « le sida continue à faire des ravages dans des pays qui n’ont pas accès aux médicaments permettant de le combattre. »

- En compétition, le nouveau film de Jeanne Herry, Garance, avec Adèle Exarchopoulos

- En compétition, L’Inconnue d’Arthur Harari, co-scénariste de la Palme d'Or de 2023, Anatomie d'une chute. Un « film adapté d’un roman graphique qui parle de schizophrénie, de beaucoup de choses. L’un des films les plus discutés dans le comité.  Un objet de cinéma extrêmement singulier. Le Festival de Cannes a toujours été marqué par les batailles d’Hernani. Rappelons que L’Avventura avait été sifflé. Que la Dolce Vita avait été mal accueilli, en recevant sa Palme d’or des mains de Simenon. »

- Soudain de Hamaguchi Ryusuke, un « film franco-japonais tourné à Paris avec des comédiens français et japonais »

Enfin, le film d’ouverture est signé Pierre Salvadori et s’intitule La Vénus électrique.

Concernant les films français en compétition, il faudra compter avec : Histoire de la nuit de Léa Mysius, Garance de Jeanne Herry, L’Inconnue d’Arthur Harari, La vie d’une femme de Charline Bourgeois-Taquet, et des coproductions françaises ; Histoires parallèles de l’Iranien Asghar Farhadi et Notre Salut d’Emmanuel Marre.

Le cinéma français est également très présent dans les autres sections : L'objet du délit, d'Agnès Jaoui, le film de Daniel Auteuil, La Troisième nuit, L'Abandon, de Vincent Garenq, Karma, de Guillaume Canet, La Bataille de Gaulle : L'Âge de fer d'Antonin Baudry, le film de Pierre Salvadori en ouverture, Full Phil de Quentin Dupieux, et L’Affaire Marie-Claire de Lauriane Escaffre et Yvo Muller (auteurs auparavant de Maria rêve).

Notons la présence de cinq réalisatrices dans les films en compétition, ce qui reflète le pourcentage de films reçus réalisés par des femmes, 25 à 28%, selon Thierry Frémaux

Trois films espagnols font également partie de la sélection, le signe d' «un certain mouvement dans le cinéma espagnol » selon Thierry Frémaux : Amarga Navidad de Pedro Almodovar, El ser querido de Rodrigo Sorogoyen, La bola negra de Javier Calvo et Javier. Le cinéma japonais est aussi très présent avec Sheep in the box de Hirokazu Kore-eda, Soudain de Hamaguchi Ryusuke, Quelques jours à Nagi de Koji Fukada, De toutes les nuits, les amants de Yukiko Sode, ou encore Le Château d'Arioka de Kiyoshi Kurosawa.

Un cinéma qui sera donc marqué par le cinéma asiatique…avec un réalisateur sud-coréen pour président du jury.

Les Rendez-vous du Festival de Cannes

Le Festival de Cannes prolonge les projections de la Sélection officielle par des rencontres avec de grandes figures du cinéma contemporain. 

Cette année, ces rendez-vous s’ouvriront avec Sir Peter Jackson, au lendemain de la remise de sa Palme d’or d’honneur. Cate Blanchett et Tilda Swinton participeront également à ces échanges, offrant aux festivaliers trois moments de dialogue privilégiés.

Rendez-vous avec... Sir Peter Jackson
Mercredi 13 mai 

Rendez-vous avec... Cate Blanchett
Dimanche 17 mai 

Rendez-vous avec...  Tilda Swinton
Jeudi 21 mai

L’événement motorisé du 79e Festival de Cannes :

Le film The Fast and the Furious en dérapage contrôlé sur la Croisette !

La 79e édition du Festival de Cannes s’apprête à accueillir un événement cinématographique à grande vitesse : The Fast and the Furious, le film de 2001 à l’origine d’un phénomène culturel mondial, déboule sur la Croisette dans un fracas spectaculaire. Pour célébrer le 25e anniversaire d’une franchise qui a conquis le monde et a laissé une empreinte indélébile dans l’histoire du cinéma, le Grand Théâtre Lumière résonnera du rugissement inimitable des moteurs le mercredi 13 mai à 23h45.

Cinéma de la plage

Tous les soirs à 21h30, le Festival de Cannes se réinvente à la faveur de la nuit et transforme la plage Macé de la Croisette, située en face de l’hôtel Majestic, en cinéma à ciel ouvert. En Sélection officielle, non loin du Palais des Festivals, c’est une autre façon, ouverte à tous, de participer à la grande fête du cinéma ! Événement exceptionnel : le Cinéma de la Plage accueillera une avant-première mondiale avec la projection des Caprices de l’enfant roi de Michel Leclerc, en présence de toute l’équipe du film pour partager un moment privilégié, avec Artus, Doria Tillier, Julia Piaton et Franck Dubosc. Mais aussi Mon oncle de Jacques Tati en présence de Macha Makeïeff et Jérôme Deschamps, fondateurs des Films de Mon Oncle et de Juliette Hochart, directrice du catalogue, Studiocanal, Je hais les acteurs en présence de Gérard Krawczyk, Ces Messieurs dames de Pietro Germi, Les Hommes du président de Alan J.Pakula, 

Au total, 11 films seront projetés dont Top Gun pour les 40 ans du film. Au programme notamment : la projection des deux Palmes d’or de l’année 1966 (vous pourrez ainsi revoir Un homme et une femme, en présence de Claude Lelouch), le retour de Ken Loach, un souvenir de Carlos Saura et Viva Maria de Louis Malle, pour un hommage à Brigitte Bardot organisé par la Mairie de Cannes sur la plage Macé qui devient la Plage Brigitte Bardot.

Cannes classics 2026

Bruce et Laura Dern, Guillermo del Toro, Artavazd Pelechian, Dario Argento, Jerzy Skolimowski, et deux films contemporains, dont un évoquant l’existence de Michèle Firk, seront parmi d’autres les invités de Cannes Classics.

Il y a bientôt vingt ans, alors que la relation du cinéma contemporain à sa propre mémoire était sur le point d’être bouleversée par l’apparition naissante du numérique, le Festival de Cannes a créé Cannes Classics, une sélection qui permet d’afficher le travail de valorisation du patrimoine effectué par les sociétés de production, les ayants droit, les cinémathèques ou les archives nationales à travers le monde.

Devenu une composante essentielle de la Sélection officielle, Cannes Classics présente des films anciens dans des copies restaurées et des documentaires ayant trait à leur histoire. Le travail de restauration bat son plein sur tous les continents ; on est saisis par la vivacité retrouvée au présent des ombres, des noirs et blancs et des couleurs de ce que fut le cinéma ancien.

Inspirant de multiples initiatives à travers le monde, Cannes Classics poursuit son travail de visite à l’histoire, chefs-d’œuvre reconnus ou raretés précieuses qui retrouveront le chemin du grand écran. Un bouillonnement qui, entre fictions et documentaires projetés, constituent un programme qu’on retrouvera en salle Buñuel, en salle Agnès Varda ou au Cinéma de la plage.

Parce que Cannes se donne aussi comme mission d’enchanter le rapport du public d’aujourd’hui avec la mémoire du cinéma, Cannes Classics met le prestige du plus grand festival du monde au service du cinéma retrouvé, accompagnant toutes les nouvelles exploitations des grandes œuvres du passé : sortie en salles, diffusion sur plateformes ou en VOD, édition en DVD/Blu-ray.

La sélection Cannes Classics 2026 est composée cette année encore de célébrations, de copies restaurées et de documentaires. Elle présentera 22 longs métrages, 3 courts métrages, de 6 documentaires. Il y aura aussi deux œuvres contemporaines.

Cette édition sera dédiée à la mémoire de Dean Tavoularis, chef décorateur.

Retrouvez le passionnant programme ici.

Le jury

Le Jury du 79e Festival de Cannes sera présidé par le réalisateur, scénariste et producteur sud-coréen Park Chan-wook. Il sera entouré de l'actrice et productrice américaine Demi Moore, de l’actrice et productrice irlandaise-éthiopienne Ruth Negga, de la réalisatrice et scénariste belge Laura Wandel, de la réalisatrice et scénariste chinoise Chloé Zhao, du réalisateur et scénariste chilien Diego Céspedes, de l'acteur ivoirien-américain Isaach De Bankolé, du scénariste écossais Paul Laverty et de l’acteur suédois Stellan Skarsgård.  Le Jury aura l’honneur de décerner la Palme d’or à l’un des 22 films en Compétition, après Un simple accident de Jafar Panahi remis par le Jury de Juliette Binoche, en 2025. Le palmarès sera révélé le samedi 23 mai prochain lors de la cérémonie de Clôture, retransmise en direct par France Télévisions en France et par Brut à l’international.

Le jury de la Caméra d’or

Après la cinéaste italienne Alice Rohrwacher, l’actrice, réalisatrice et scénariste québécoise Monia Chokri présidera le Jury de la Caméra d’or de la 79e édition du Festival de Cannes. Entourée de ses quatre jurés, elle récompensera un premier geste de mise en scène parmi les films de la Sélection officielle, de la Semaine de la Critique et de la Quinzaine des cinéastes. Le nom du film lauréat sera dévoilé lors de la cérémonie de Clôture le samedi 23 mai.

Monia CHOKRI

Actrice, réalisatrice & scénariste - Canada

Michel BENJAMIN (AFC)

Directeur de la Photographie – France 

Cédric COPPOLA (SFCC)

Critique de Cinéma – France

Marine FRANCEN (SRF)

Réalisatrice & scénariste – France

Christophe MASSIE (FICAM)

Directeur général délégué chez Eclair by Netgem – France

SELECTION OFFICIELLE

Film d’ouverture 

LA VÉNUS ÉLECTRIQUE

Pierre SALVADORI

Hors Compétition

Compétition

AMARGA NAVIDAD

Pedro ALMODÓVAR

HISTOIRES PARALLÈLES

Asghar FARHADI

LA VIE D'UNE FEMME

Charline BOURGEOIS-TACQUET

LA BOLA NEGRA

Javier CALVO & Javier AMBROSSI

COWARD

Lukas DHONT

DAS GETRÄUMTE ABENTEUER

Valeska GRISEBACH

SOUDAIN

HAMAGUCHI Ryusuke

L'INCONNUE

Arthur HARARI

GARANCE

Jeanne HERRY

SHEEP IN THE BOX

KORE-EDA Hirokazu

HOPE

NA Hong-jin

NAGI NOTES (QUELQUES JOURS À NAGI)

FUKADA Koji

GENTLE MONSTER

Marie KREUTZER

NOTRE SALUT

Emmanuel MARRE

FJORD

Cristian MUNGIU

HISTOIRES DE LA NUIT

Léa MYSIUS

MOULIN

László NEMES

FATHERLAND

Pawel PAWLIKOWSKI

THE MAN I LOVE

Ira SACHS

EL SER QUERIDO

Rodrigo SOROGOYEN

MINOTAURE

Andrey ZVYAGINTSEV

Un Certain Regard

TEENAGE SEX AND DEATH AT CAMP MIASMA

Jane SCHOENBRUN   

Film d'ouverture

LES ÉLÉPHANTS DANS LA BRUME

Abinash BIKRAM SHAH

1er film

LE CORSET

Louis CLICHY

BEN'IMANA

Marie-Clémentine DUSABEJAMBO

1er film

CONGO BOY

Rafiki FARIALA

CLUB KID

Jordan FIRSTMAN

1er film

UĻA

Viesturs KAIRIŠS

LA MÁS DULCE

Laïla MARRAKCHI   

EL DESHIELO

Manuela MARTELLI

SIEMPRE SOY TU ANIMAL MATERNO (TON ANIMAL MATERNEL)

Valentina MAUREL

YESTERDAY THE EYE DIDN'T SLEEP

Rakan MAYASI

I'LL BE GONE IN JUNE

Katharina RIVILIS

1er film

QUELQUES MOTS D'AMOUR

Rudi ROSENBERG

EVERYTIME

Sandra WOLLNER

DE TOUTES LES NUITS, LES AMANTS

SODE Yukiko

Hors Compétition

LA BATAILLE DE GAULLE : L'ÂGE DE FER

Antonin BAUDRY

KARMA

Guillaume CANET    

DIAMOND

Andy GARCIA

L'ABANDON

Vincent GARENQ

L'OBJET DU DÉLIT

Agnès JAOUI

HER PRIVATE HELL

Nicolas WINDING REFN

Séances de minuit

FULL PHIL

Quentin DUPIEUX   

SANGUINE

Marion LE CORROLLER  

1er film

ROMA ELASTICA

Bertrand MANDICO

JIM QUEEN

Marco NGUYEN & Nicolas ATHANÉ

1er film

GUN-CHE (COLONY)

YEON Sang-ho

Cannes Première

LA TROISIÈME NUIT

Daniel AUTEUIL

THE MATCH

Juan CABRAL et Santiago FRANCO

KOKUROJO (LE CHÂTEAU D'ARIOKA)

KUROSAWA Kiyoshi

HEIMSUCHUNG (LE BOIS DE KLARA)

Volker SCHLÖNDORFF

VOL DE NUIT POUR LOS ANGELES

John TRAVOLTA

Séances Spéciales

REHEARSALS FOR A REVOLUTION

Pegah AHANGARANI

1er film

LES MATINS MERVEILLEUX

Avril BESSON

1er film

L’AFFAIRE MARIE-CLAIRE

Lauriane ESCAFFRE & Yvo MULLER

AVEDON

Ron HOWARD

LES SURVIVANTS DU CHE

Christophe Dimitri RÉVEILLE

1er film

JOHN LENNON : THE LAST INTERVIEW

Steven SODERBERGH

CANTONA

David TRYHORN & Ben NICHOLAS

COMPLÉMENTS DE SÉLECTION OFFICIELLE DU 22/04/2026

Le 22 avril, les films suivants sont venus compléter la sélection officielle du 79^ème Festival de Cannes avec notamment le très attendu Paper Tiger de James Gray qui rejoint les films en compétition mais aussi Ulysse de Laetitia Masson en clôture d’Un Certain Regard.

COMPÉTITION

PAPER TIGER

James Gray

UN CERTAIN REGARD

VICTORIAN PSYCHO

Zachary Wigon

MÉMOIRE DE FILLE

Judith Godrèche

TITANIC OCEAN

Konstantina Kotzamani

1er film

ULYSSE

Laetitia Masson

En clôture d'Un Certain Regard

CANNES PREMIÈRE

THE END OF IT

Maria Martinez Bayona

1er film

MARIE MADELEINE

Gessica Généus

AQUI

Tiago Guedes

MARIAGE AU GOÛT D’ORANGE

Christophe Honoré

SI TU PENSES BIEN

Géraldine Nakache

SÉANCES SPÉCIALES

PRINTEMPS

Rostislav Kirpičenko

1er film

CENIZA EN LA BOCA

Diego Luna

TANGLES

Leah Nelson

1er film

Animation

LE TRIANGLE D'OR

Hélène Rosselet-Ruiz

1er film

GROUNDSWELL

Joshua et Rebecca Tickell

Documentaire

SÉANCE FAMILLE

LUCY LOST

Olivier Clert

1er film

Animation

Le Prix de la Citoyenneté 2026

Retrouvez, en cliquant ici, mon article consacré au Prix de la Citoyenneté 2025 qui fut attribué au film Un simple accident de Jafar Panahi, ainsi que ma critique du film.

8ème édition

Président du Jury 2025 :  Jean-Paul Salomé

L’Association Clap Citizen Cannes à vocation philanthropique, culturelle et éducative se réfère aux valeurs de la République.

Elle est à l’origine de la création du Prix de la Citoyenneté. 

Nabil Ayouch, cinéaste franco-marocain, en est l’actuel Président. 

Ce Prix est présent à Cannes pour sa 8ème édition. 

Le Prix de la Citoyenneté se revendique universel, laïque et humaniste. Il a pour objet de récompenser les valeurs érigeant le citoyen en acteur engagé des démocraties. Il promeut, au niveau national, européen et international, la représentation de la citoyenneté dans les domaines du cinéma, de l’audiovisuel et du multimédia. Il a pour vocation de faciliter et d’élargir l’accès du public et notamment du jeune public aux œuvres cinématographiques. 

Le jury 2026 est présidé par :

Jean-Paul Salomé, réalisateur et scénariste français et constitué de :

Mohamat-Aminee Benrachid, acteur sud-soudanais, tchadien

Fabienne Servan-Schreiber, productrice française

Micha Khalil, journaliste culture franco-libanaise Montecarlo Doualiya France Média Monde

Michel Leclerc, réalisateur et scénariste français

Deux rendez-vous : 

Jeudi 21 mai à 15h00

Débat : Cinéma et diversité, un enjeu citoyen

Avec le soutien du Ministère délégué chargé de le l'Égalité entre les femmes et les hommes et de la Lutte contre les discriminations. 

Débat : Cinéma et solidarité

Avec 

Les membres du jury du Prix de la Citoyenneté présidé par le réalisateur Jean-Paul Salomé

Gaëtan Bruel (Président du CNC)

Sarah Rinaldi (Cheffe d'unité à la Commission européenne) 

Julie-Jeanne Régnault (directrice générale de European Producers Club)

Modérateur : Florian Krieg, rédacteur en chef du Film Français.

Plage du CNC - Entrée libre

Samedi 23 mai 2026 à 13h30 

Remise du 8ème Prix de la citoyenneté 2025

Même si je continuerai à couvrir les festivals de cinéma incontournables auxquels je suis fidèle depuis des années, comme le Festival du Cinéma Américain de Deauville, après le remarquable Festival de la Fiction et du Documentaire Politique de La Baule, que j'avais eu le plaisir de suivre pour la première fois en octobre 2025, je prendrai bientôt pour la première fois la direction d'un festival installé depuis longtemps dans le paysage cinématographique, une référence pour les cinéphiles : le Festival La Rochelle Cinéma, dit Fema, dont la 54e édition aura lieu du 26 juin au 4 juillet 2026. Je m'en réjouis d'autant plus que le programme est particulièrement enthousiasmant et diversifié, certes comme chaque année.

Depuis 1973, le Festival La Rochelle Cinéma (Fema) est une grande fête du cinéma, au début de l’été, avec un public nombreux et fidèle, et des films d’hier et d’aujourd’hui venus du monde entier. En 2023, 141 longs métrages et 77 courts métrages, de 52 pays différents, ont été présentés au cours de 300 séances.  "Il n’y a pas de compétition à La Rochelle. L’important pour nous c’est l’esprit de curiosité, l’important pour nous c’est d’aller explorer dans tous les pays du monde", déclarait ainsi en 1980 le critique de cinéma Jean-Loup Passek, alors directeur du festival, ce qu'il fut jusqu'en 2001.  En 2018, Arnaud Dumatin et Sophie Mirouze, présents dans l’équipe depuis 2001 et 2003, reprennent à leur tour la direction et changent le nom du Festival, qui revient à ses origines en devenant le Festival La Rochelle Cinéma (Fema). Aujourd’hui, le Fema, qui a pour présidente Sylvie Pialat, reste non-compétitif et se veut une grande fête du cinéma, au début de l’été, avec un public nombreux et fidèle, et des films d’hier et d’aujourd’hui venus du monde entier. L'affiche est peinte depuis 1991 par Stanislas Bouvier, une fidélité exceptionnelle entre un artiste et un festival.

Le Fema présente environ 200 films de la période muette au cinéma d’aujourd’hui, avec des rétrospectives  consacrées à des cinéastes qui ont marqué l’Histoire du 7e art et des hommages à des réalisatrices et réalisateurs, actrices et acteurs contemporains. D’autres sections sont proposées à chaque édition : « Découverte »  d’une cinématographie d’un pays peu diffusée, « Animation » avec la découverte d’une technique ou d’un cinéaste, « d’hier à aujourd’hui » une sélection de films restaurés et réédités en salles, « ici et ailleurs » 40 longs métrages coups de cœur de l’année inédits en France ou présentés en avant-première, etc. Un volet autour de la musique au cinéma s’est développé depuis 2009 avec l’invitation d’une compositrice ou d’un compositeur et la création de ciné-concerts. Depuis 2019, l’image est aussi à l’honneur avec une leçon de lumière d’une directrice ou d’un directeur de la photo. Le Fema La Rochelle organise un festival pour les enfants avec 3 séances par jour et un programme spécifique ainsi que d’autres rendez-vous réguliers et attendus comme le spectacle Retour de flamme. Enfin, le Festival se termine traditionnellement par une nuit blanche consacrée à un thème, un genre, une actrice ou un acteur.

Cette année, vous pourrez aussi bien revoir des classiques, notamment de Jacques Tati, à l'honneur sur l'affiche. Je pense notamment à PlayTime qui, bien que sorti en 1967, pourrait ainsi avoir été réalisé aujourd'hui tant il reflète notre époque contemporaine : une époque avide de transparence, d'exhibition (« nous appartenons à une génération qui éprouve le besoin de se mettre en vitrine » disait-il déjà) et souvent aveugle à ce qui l'entoure. Une époque tonitruante et sourde. Une époque ultra « communicationnelle » et parfois tellement égocentrique voire égoïste. Une époque ouverte et cloisonnée. Une époque où les technologies compliquent parfois les rapports humains alors qu'elles devraient les faciliter. Une époque d'une modernité  aliénante (de l'uniformisation de l'architecture au rôle de la télévision en passant par l'influence de la société de consommation), déshumanisante et parfois inhumaine. C'est tout ce que Tati savait déjà si bien tourner en dérision et envelopper dans un vaste manège parfois (contrairement à ce qu'on pourrait croire) plus désenchanté qu'enchanté, en tout cas enchanteur. Le premier plan sur l'immeuble gigantesque, en contre-plongée est ainsi le reflet, à la fois inquiétant et fascinant, de ce que représente la modernité pour Tati.  Quelle clairvoyance, lorsque Tati nous montre déjà une société aseptisée, uniformisée, qui perd son identité et sa convivialité mais qui perd aussi la notion d'intimité (même si ici la transparence est un leurre, au propre comme au figuré), des vies standardisées, une société monochrome, un monde moderne qui aliène dans lequel « la vedette est avant tout le décor ». Les corps et décors sont alors pareillement soumis à la standardisation et à la répétition. « Playtime » a ainsi été tourné en 70mm pour montrer la démesure de l'architecture par rapport à l'homme. Quel cinéaste arrive aujourd'hui à construire des plans (souvent des plans séquence et des plans d'ensemble) d'une telle richesse, d'une  telle densité, d'une telle polysémie avec un tel travail sur le son, les couleurs, l'organisation en apparence désorganisée de l'espace, créant un univers tellement singulier à la fois absurde et clairvoyant, tendre et mélancolique ? PlayTime est un bijou burlesque, héritier de Keaton mais aussi de Chaplin avec ses objets métonymiques (canne, chapeau),  d'une beauté inégalée et qui nous embarque dans son univers aussi gris que fantaisiste, aussi absurde que réaliste : Tati met ainsi en lumière les paradoxes de notre société par un cinéma lui-même en apparence paradoxal, mais savamment orchestré. Ah, la séquence du Royal Garden! Quelle lucidité. Quelle drôlerie ! Quel discernement ! Quelle folie savante et poétique ! Quel sens du détail ! 45 minutes d'une inventivité et d'une intelligence jubilatoires et incomparables ! Et quelle confiance accordée au spectateur qu'on cherche si souvent aujourd'hui à infantiliser et quelle confiance accordée à son regard qu'on cherche si souvent à dicter. Un tourbillon spectaculaire, une récréation savoureuse dont le spectateur fait partie intégrante. Tati se fait chorégraphe et maître de ballet de son univers labyrinthique si particulier et fascinant, tout en folie, déplacement et transparence, avec ses mouvements qui épousent d'abord les lignes architecturales puis qui prennent leur liberté, leur envol et deviennent plus audacieux comme une invitation à ne pas se laisser emprisonner par les lignes du décor et donc à se désaliéner de la modernité dans laquelle Paris n'est plus qu'un reflet inaccessible et nostalgique. L'artiste prend alors le pas sur les lignes rectilignes et glaciales de l'architecture. Tati s'inspire lui-même de plusieurs peintres : Mondrian, Klee, Bruegel...Il tente alors de décloisonner et perturber l'espace.

 Outre six films, deux documentaires consacrés à Jacques Tati seront présentés.

Dans le cadre de rétrospectives, vous pourrez aussi revoir de nombreux chefs-d'œuvre, réalisés par Youssef Chahine, ou des films dans lesquels joue Diane Keaton. Vous pourrez aussi (re)voir l'intégrale de Nanni Moretti, les films de Léa Mysius ou Cristian Mungiu, et notamment Fjord, la palme d'or 2026.

Je vous parlerai  bientôt longuement de ce film de Cristian Mungiu qui se garde de tout simplisme et manichéisme, dans un monde de plus en plus polarisé, prisonnier des postures, où les grands discours sur la bienveillance dissimulent souvent une profonde intransigeance, où les jugements hâtifs remplacent l'empathie et l'écoute. Une époque paradoxale qui, sous prétexte de vertu, condamne sans nuances et érige de nouveaux dogmes.  Le cinéaste nous pousse à interroger nos propres préjugés et contradictions, et cette notion de tolérance, devenue le privilège de ceux qui n'en font preuve que lorsque cela les arrange. "Les sociétés aujourd'hui sont fracturées, radicalisées. C'est un message pour la tolérance, l'inclusion, l'empathie. Ce sont des termes magnifiques, que nous aimons tous, mais il faut les appliquer plus souvent" a ainsi déclaré le réalisateur lors de la cérémonie de clôture.

Ce film ne sera pas le seul du palmarès cannois que vous pourrez découvrir à La Rochelle. Vous pourrez également voir le Grand Prix (Minotaure d'Andreï Zviaguintsev),  le Prix du Scénario (Notre Salut d'Emmanuel Mare),  le film couronné du double Prix d'interprétation féminine (Soudain de Ryusuke Hamaguchi). Vous pourrez aussi découvrir d'autres films en compétition à Cannes comme L'Inconnue d'Arthur Harari. Et, en ouverture : Mariage au goût d’orange de Christophe Honoré, en présence de l’actrice Saadia Bentaïeb.

Vous pourrez également savourer des films restaurés ou réédités, des classiques avec Michel Piccoli, mais aussi des films noirs savoureux de la collection Rivages/Noir : Boulevard du Crépuscule de Billy Wilder, Police Python 357 d'Alain Corneau...

Mais aussi des raretés comme les films d'une cinéaste majeure en Estonie, à qui le Fema consacrera la première rétrospective, Leida Laius.

Au total, ce seront 19 longs-métrages inédits ou en avant-première qui seront projetés et 17 documentaires inédits ou en avant-première.

Le festival accorde toujours une large place à la musique avec des créations ciné-concerts dont vous pouvez retrouver le programme ici mais aussi une rencontre autour de la musique  avec Olivier Marguerit (musicien, compositeur), en présence de Dominik Moll (cinéaste), animée par Stéphane Lerouge (spécialiste de la musique pour l'image).

Le Fema est accessible à tous. Je vous laisse découvrir les conditions d'accréditation, ici.

L'agenda du festival est désormais disponible ici.

Je vous invite aussi à découvrir We Love Fema qui est un espace communautaire dédié à la découverte, au partage et à la transmission autour du cinéma. Vous pouvez vous inscrire, ici.

Un compte #welovefema vous donne en particulier accès aux fonctionnalités suivantes :

• publier des micro-critiques sur les films programmés au Fema
• composer et partager votre agenda personnalisé
• ajouter des films à vos favoris
• participer aux divers concours organisés par le festival

Retrouvez, la semaine prochaine, la grille de programmation sur le site officiel du festival.

En attendant, voici le programme détaillé de cette 54e édition :

Rétrospectives

Jacques Tati

Souvent comparé à Charlie Chaplin, il se voyait plutôt comme un héritier de Buster Keaton auquel il vouait une grande admiration. Un cinéaste et un acteur burlesque qui, à l’ère du parlant, a créé un personnage unique, monsieur Hulot, avec un univers unique et singulier.
Cinéaste de la modernité, de la poésie et du bruitage, Jacques Tati a véritablement réinventé le cinéma en observant le monde qui l’entourait dès la fin des années 1940 avec Jour de fête.

6 films

• Jour de fête (1949)
• Les Vacances de monsieur Hulot (1953)
• Mon oncle (1958)
• Playtime (1967)
• Trafic (1971)
• Parade (1974)

2 documentaires

• Jacques Tati, tombé de la lune (2021) Jean-Baptiste Péretié
• Itinéraire Bis (2026) Stéphane Goudet

Diane Keaton

À la recherche de Mister Goodbar Richard Brooks © Park Circus

Star hollywoodienne des années 1970 depuis la trilogie du Parrain de Francis Ford Coppola, elle a remporté un Oscar en 1977 pour son rôle étincelant de vitalité et de fantaisie dans Annie Hall, comédie sur les affres du couple écrite pour elle par Woody Allen chez qui elle donnera libre cours à son brio comique. 

8 films

• Le Parrain (États-Unis, 1972) Francis Ford Coppola
• Le Parrain 2 (États-Unis, 1974) Francis Ford Coppola
• Annie Hall (États-Unis, 1977) Woody Allen
• À la recherche de Mister Goodbar (États-Unis, 1977) Richard Brooks
• Manhattan (États-Unis, 1979) Woody Allen
• Reds (États-Unis, 1981) Warren Beatty
• L’Usure du temps (États-Unis, 1982) Alan Parker
• Meurtre mystérieux à Manhattan (États-Unis, 1993) Woody Allen

Youssef Chahine

Le Fema est heureux de célébrer le réalisateur le plus inventif du cinéma égyptien qui, en une quarantaine de films, aura raconté les grands bouleversements du monde arabe du XXe siècle et inscrit l’Égypte sur la carte de la cinéphilie mondiale : Youssef Chahine (1926-2008). À l’occasion du centenaire de sa naissance, cette rétrospective sera l’occasion de (re)découvrir son œuvre généreuse, courageuse, combative, exceptionnelle par sa longévité et sa diversité esthétique, mêlant divertissement et engagement, autant inspirée par l’âge d’or du musical américain que par sa propre vie. 

10 films

• Ciel d’enfer (1954)
• Les Eaux noires (1956)
• C’est toi mon amour (1957)
• Gare centrale (1958)
• Le Retour de l’enfant prodigue (1976)
• Le Sixième Jour (1986)
• Alexandrie, encore et toujours (1990)
• L’Émigré (1994)
• Le Destin (1997)
• L’Autre (1999)

Leida Laius

Cinéaste majeure en Estonie, la première rétrospective de Leida Laius aura lieu au 54e Fema. Née en 1923 et disparue il y a 30 ans, elle a marqué l’histoire de son pays. Ses récits sensibles et sans concession témoignent des fragilités et résistances de femmes en rupture avec la société. Son œuvre profondément humaine allie exigence formelle et onirisme.

8 films

• Werewolf (1968)
• Ukuaru (1973)
• Un humain est né… (cm, doc, 1975)
• Enfance (cm, doc, 1976)
• The Master of Kõrboja (1979)
• Esprits bienveillants de la ville natale (cm, doc, 1983)
• Jeux d’enfants (coréal. Arvo Iho, 1985)
• A Stolen Meeting (1989

Hommages

Dag Johan Haugerud

Avec ses 4 premiers longs métrages, puis sa Trilogie d’Oslo, Dag Johan Haugerud, qui est aussi écrivain, signe une œuvre cinématographique romanesque, sensible et délicate, sur le désir, la sexualité et l’identité de genre. De film en film, nous retrouvons des portraits de femmes incarnés par de magnifiques actrices comme Andrea Bræin Hovig mais aussi la ville d’Oslo à laquelle le cinéaste est très attaché. 

Une sélection de courts métrages et 7 longs métrages :

• I Belong (2012) – inédit en France
• I’m the One you Want (2014) – inédit en France
• Beware of Children (2019) – inédit en France
• The Light from the Chocolate Factory (2020) – inédit en France
• La Trilogie d’Oslo : Rêves (2024) – Ours d’or Berlinale 2025
• La Trilogie d’Oslo : Amour (2024)
• La Trilogie d’Oslo : Désir (2024)

Nanni Moretti

Réalisateur, scénariste, producteur, exploitant indépendant et acteur dans la plupart de ses films, Nanni Moretti mêle dans son cinéma, profondément autobiographique, nourri autant de Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini que des frères Taviani, crise de conscience politique et existentielle avec ironie, humour mordant et profonde mélancolie. 

L’intégrale de ses seize longs métrages et trois de ses courts métrages :

• Je suis un autarcique (1976)
• Ecce bombo (1978)
• Sogni d’oro (1981)
• Bianca (1984)
• La messe est finie (1985)
• Palombella rossa (1989)
• La Cosa (1990)
• Journal intime (1993)
• Le Jour de la première de Close-up (cm, 1995)
• Aprile (1998)
• La Chambre du fils (2001)
• Le Cri d’angoisse de l’oiseau prédateur (cm, 2002)
• Le Caïman (2006)
• Journal d’un spectateur (cm, 2007)
• Habemus Papam (2011)
• Mia madre (2015)
• Santiago, Italia (doc, 2018)
• Tre piani (2021)
• Vers un avenir radieux (2023)

Cristian Mungiu

Près de vingt ans après sa Palme d’or pour le saisissant 4 mois, 3 semaines, 2 jours, présenté en ouverture du Fema 2007, le cinéaste Cristian Mungiu, figure de proue du cinéma roumain, sera à La Rochelle avec l’intégrale de ses longs métrages. Il présentera en avant-première son nouveau film, Fjord, pour lequel il vient tout juste de recevoir sa deuxième Palme d’or à Cannes, un drame intimiste tourné en Norvège qui pose la question du vivre ensemble. 

9 films :

• Occident (2002)
• 4 mois, 3 semaines, 2 jours (2007) 
• Contes de l’Âge d’Or – 1re partie (coréal. Hanno Höfer, Răzvan Marculescu, Constantin Popescu, Ioana Uricaru, 2009)
• Contes de l’Âge d’Or – 2e partie (coréal. Hanno Höfer, Răzvan Marculescu, Constantin Popescu, Ioana Uricaru, 2009)
• Au-delà des collines (2012)
• Baccalauréat (2016)
• R.M.N. (2022)
• Traffic (2024) Teodora Ana Mihai – coécrit par Cristian Mungiu
• Fjord (2026) – en avant-première 

Léa Mysius

Découverte par la Semaine de la Critique à Cannes avec son premier long métrage, Ava, elle a fait l’ouverture du Fema en 2022 avec Les Cinq Diables. Cinéaste parmi les plus talentueuses et audacieuses de sa génération, exploratrice des sens, Léa Mysius viendra présenter son œuvre sensorielle teintée de fantastique et son nouveau film magistral, en avant-première, Histoires de la nuit, adapté du roman éponyme de Laurent Mauvignier.

3 films :

• Ava (2017)
• Les Cinq Diables (2022)
• Histoires de la nuit (2026) – en avant-première

Regina Pessoa et Abi Feijó

Avec une approche artisanale de l’animation, du stop-motion à la gravure, leurs films explorent tout en délicatesse les thèmes de l’enfance, l’immigration, la mémoire et l’identité. Cet hommage sera l’occasion d’explorer leur filmographie en trois programmes de courts métrages qu’ils ont réalisés et produits avec leur société Ciclope Filmes ainsi qu’une sélection de courts métrages d’animation de la nouvelle génération de réalisatrices portugaises. 

Les courts d’animation de Regina Pessoa :

• La Nuit (1999)
• Histoire tragique avec fin heureuse (2005)
• Kali le petit vampire (2012)
• Oncle Thomas, la comptabilité des jours (2019)

Les courts d’animation d’Abi Feijó :

• Oh que calma (1985)
• La nuit sort à la rue (1987)
• Les Brigands (1993)
• Fado lusitano (1995)
• Clandestin (2000)
• Notre Dame de la Présentation – coréal. Alice Guimarães, Daniela Duarte, Laura Gonçalves (2015)

Fado Lusitano, Abi Feijó © Filmografo

Les courts d’animation produits par Ciclope Filmes :

• Amelia & Duarte (2015) Alice Guimarães, Mónica Santos
• Ride (2018) Paul Bush
• Altötting (2020) Andreas Hykade
• La Madone au fandango (2026) Marcy Page

Les réalisatrices portugaises d’animation :

• The Garbage Man (2022) Laura Gonçalvez
• Percebes (2024) Alexandra Ramires, Laura Gonçalvez
• Seul comme un chien (2025) Marta Reis Andrade
• Parce qu’aujourd’hui c’est samedi (2025) Alice Eça Guimarães
• La Veste rose (2022) Monica Santos
• Soupe froide (2023) Marta Monteiro

Ici et ailleurs

19 longs métrages inédits ou en avant-première

• Adieu monde cruel (Belgique/France) Félix de Givry *
• Blaise (France, animation) Dimitri Planchon, Jean-Paul Guigue *
• Dégel (Espagne/Chili/USA) Manuela Martelli
• Everytime (Autriche/Allemagne) Sandra Wollner
• Home Stories (Allemagne) Eva Trobisch *
• La Frappe (France) Julien Gaspar-Oliveri *
• La Gradiva (France/Italie) Marine Atlan *
• L’Inconnue (France/Italie) Arthur Harari *
• Mariage au goût d’orange (France) Christophe Honoré * – Film d’ouverture en présence de l’actrice Saadia Bentaïeb
• Mother’s Baby (Autriche/Suisse/Allemagne) Johanna Moder
• Notre Salut (Belgique/France) Emmanuel Marre *
• Le Prix et la valeur (Kosovo/All/Slovénie/Albanie/Macédoine du Nord/Belgique) Visar Morina
• Roma Elastica (Italie/France) Bertrand Mandico *
• Rose (Autriche/Allemagne) Markus Schleinzer
• Seule la tendresse (cm, France) Nicolas Giuliani – en présence de Christophe Chauvin (chef opérateur)
• Sheep in the Box (Japon) Hirokazu Kore-eda
• Soudain (Belgique/France/Allemagne/Japon) Ryūsuke Hamaguchi
• Le Triangle d’or (France) Hélène Rosselet-Ruiz *
• Trois adieux (Italie/Espagne) Isabel Coixet *
• Une disparition (Belgique/Liban/Palestine/Qatar/Arabie Saoudite) Rakan Mayasi

* : En présence des cinéastes

Les 80 ans du CNC : Les films soutenus par l’Aide aux cinémas du monde

• 9 temples vers le ciel (Thaïlande/Singapour/France) Sompot Chidgasornpongse
• La Deuxième fille (Chine/France) Zou Jing
• Dua (Kosovo/Suisse/France) Blerta Basholli
• Minotaure (France/Allemagne/Lettonie) Andreï Zviaguintsev *
• No Good Men (Allemagne/France/Norvège/Danemark/Afghanistan) Shahrbanoo Sadat *
• The Station (Yémen/Jordanie/France/Allemagne/Pays-Bas/Norvège/Qatar) Sara Ishaq
• Vesna (Lituanie/France/Estonie) Rostislav Kirpičenko *
• Yugo Florida (Serbie/Monténégro/Bulgarie/Croatie/France) Vladimir Tagić

* : En présence des cinéastes

Programme Humour belge, en collaboration avec le Brussels Short Film Festival

6 courts métrages avec SME (sous-titrage pour sourds et malentendants)

• Avec Thelma Anne Sirot, Raphaël Balboni
• Le Plombier Xavier Seron, Méryl Fortunat-Rossi
• Schroot Anthony Van Roosendael
• Se dit d’un cerf qui quitte son bois Salomé Crickx
• Le Signaleur Benoît Mariage
• Tranche de campagne Hannah Letaïf

École des Beaux-Arts de Bordeaux

10 courts métrages :

• Ange SMR Ninon Plantard
• Avant de m’asseoir Tina Blanche
• Cachons les sucettes Chaz El Charif
• D’où viens-tu ? Victor Chavot
• Histoire rochelaise Antoine Turcry-Cottereau
• LAFOSSA Alice Delmotte
• Nightmères Nike Victorino Krepischi Dos Santos
• Nouvel An 98: mon papa sur mesure a rencontré mon père Fantin Lebrun
• Le Poison des digitales Louis Castets
• Le Raisin d’Amérique Zélie Boulestreau

Au cœur du doc

17 documentaires inédits ou en avant-première :

• À l’amour (cm, France) Djanis Bouzyani *
• À vous de jouer (France) Yves Jeuland *
• Cœur secret (France) Tom Fontenille *
• Deleau : le cinéma en liberté (Canada/Québec ) Michel La Veaux *
• La Détention (France) Guillaume Massart *
• Fiume o morte! (Croatie/Italie/Slovénie) Igor Bezinović
• Gabin (France/Suisse/Allemagne ) Maxence Voiseux *
• Irish Travellers (Irlande/France) Alexander Murphy *
• Jacques-Henri Lartigue, la vie en relief (France) Denis Gaubert * – projection en 3D
• Jardin d’enfants (Canada/Québec) Jean-François Caissy *
• La Leçon de violon (France) Julie Bertuccelli *
• Merci d’être venu (France) Alain Cavalier – en présence d’Emmanuel Manzano (monteur) et Zoé Chantre (cinéaste)
• Qui vit encore ? (Suisse/France/Liban/Palestine) Nicolas Wadimoff *
• Sarkash, les indociles (France/Corée du Sud) Sophie Schrago *
• Une vie manifeste (France ) Jean-Gabriel Périot *
• La Vie après Siham (France/Égypte) Namir Abdel Messeeh *
• Viendra la révolution (République tchèque/Espagne) Pegah Ahangarani *

* : En présence des cinéastes

D’hier à aujourd’hui

L’histoire du cinéma à travers des films restaurés, des raretés ou des classiques.

Films restaurés ou réédités

• L’Aventure d’une nuit (États-Unis, 1940) Mitchell Leisen
• La Prière aux étoiles (France, 1941) Marcel Pagnol
• Goupi Mains Rouges (France, 1943) Jacques Becker
• Othello (États-Unis, 1947) George Cukor
• Étoiles (Bulgarie/Allemagne, 1959) Konrad Wolf – en avant-première
• La Dérive (France, 1964) Paula Delsol – en avant-première
• La Party (États-Unis, 1968) Blake Edwards – en clôture du Fema
• A Swedish Love Story : une histoire d’amour suédoise (Suède, 1970) Roy Andersson – en avant-première
• Les Cannibales (Italie, 1970) Liliana Cavani
• Tinimbang (Philippines, 1974) Lino Brocka – en avant-première
• Qui sera tué demain ? (Italie, 1977) Luigi Zampa – en avant-première
• Une femme comme Eva (Pays-Bas, 1979) Nouchka Van Brakel – en avant-première
• Le plus grand mérite de la femme est son silence (Allemagne/Suisse, 1980) Gertrud Pinkus *
• Gremlins 2 : La nouvelle génération (États-Unis, 1990) Joe Dante
• Gremlins l’Amérique parasitée (France, 2026) Adrien Dénouette * – en avant-première
• Les Amants du Pont-Neuf (France, 1991) Leos Carax – en avant-première
• Les Nuits fauves (France/Italie, 1992) Cyril Collard – en avant-première et en présence de Jacques Fieschi (scénariste)
• Intimité (France, 1993) Dominik Moll *
• Antonia et ses filles (Pays-Bas/Belgique/Grande-Bretagne, 1995) Marleen Gorris – en avant-première
• L’Amérique des autres (Serbie/Grande-Bretagne/France/Allemagne/Grèce, 1995) Goran Paskaljević – en avant-première
• Quand la mer monte (France/Belgique, 2004) Yolande Moreau *, Gilles Porte * – en avant-première
• Mysterious Skin (États-Unis/Pays-Bas, 2004) Gregg Araki – en avant-première
• C.R.A.Z.Y. (Canada-Québec, 2005) Jean-Marc Vallée

* : En leur présence

Hommage à André Delvaux (Belgique)

• Benvenuta (Belgique/France/Italie, 1983) André Delvaux
• 1001 films (Belgique, 1988) André Delvaux

Hommage à Michel Piccoli

• La Faille (Italie/France/Allemagne, 1975) Peter Fleischmann – en avant-première
• Une étrange affaire (France, 1981) Pierre Granier-Deferre

Les 40 ans de la collection Rivages/Noir

• Chronique d’un amour (Italie, 1950) Michelangelo Antonioni
• Boulevard du Crépuscule (États-Unis, 1950) Billy Wilder
• Du rififi chez les hommes (France, 1955) Jules Dassin – film audiodécrit par le Fema
• La mafia fait la loi (Italie/France, 1968) Damiano Damiani
• Police Python 357 (France/Allemagne, 1976) Alain Corneau
• Série noire (France, 1979) Alain Corneau

En présence de Dominique Sylvain,  Danielle Thiéry, Hervé Le Corre et Christian Roux

AFFN – Archive Film Festival Network

« AFFN présente » la naissance du cinéma d’auteur dans les années 1950 :

• Stella, femme libre (Grèce, 1955) Michael Cacoyannis
• La Complainte du sentier (Inde, 1955) Satyajit Ray
• Un petit carrousel de fête (Hongrie, 1956) Zoltán Fábri
• Désir (République tchèque, 1958) Vojtech Jasny

« AFFN Film »

• Au loin s’en vont les nuages (Finlande, 1996) Aki Kaurismäki

Le Fema des enfants

Carmen, l’oiseau rebelle Sébastien Laudenbach © Folivari, France 3 Cinéma, Région Auvergne Rhône-Alpes, La Garde Montante Films

Avec Benshi
Le Fema vous propose une vaste programmation dédiée aux enfants, des tout petits aux plus grands. 2 à 3 séances par jour, tous les jours et pour tous les âges à partir de 3 ans. 

4 programmes de courts métrages pour les tout-petits :

• Les Mésaventures de Joe Vladimír Pikalík | 3+
• Patouille et Momo, les contes de la forêt Inès Bernard-Espina, Mélody Boulissière, Clémentine Campos * – en avant-première | 3+
• Un amour d’épouvantail – en avant-première | 4+
• Famille & compagnie – programme inédit | 6+

5 longs métrages en avant-première :

• Joyeuse Jungle ! (Born in the Jungle) Edmund Jansons | 5+
• Petite Casbah Antoine Colomb – en présence des producteurs | 6+
• Lucy Lost Olivier Clert * | 6+
• Le Corset Louis Clichy * | 7+
• Carmen, l’oiseau rebelle Sébastien Laudenbach * – accessible en version audiodécrite | 8+

* : En leur présence

Le festival propose aussi « Une journée avec Javier Bardem avec les projections de :

Jambon, jambon Bigas Luna (1992)

Les Lundis au soleil Fernando León De Aranoa (2002)

Mar adentro Alejandro Amenábar (2004)

No Country For Old Men Joel Coen, Ethan Coen (2007)

Trannoy. Connaissez-vous ce nom ? Probablement pas.

Et pourtant, vous ne l’oublierez plus jamais après avoir vu ce documentaire d’une puissance rare.

Et pourtant, il s’agit du patronyme d’un cinéaste qui possède à son actif trente ans de projets dans le cinéma, et de tournages avec Jean Rochefort, Lino Ventura, Marcello Mastroianni, ou même Marlene Dietrich. 

Trannoy demeure cependant un inconnu : il n’a jamais réussi à terminer le moindre film.

C’est la rencontre avec Jean Rochefort qui a déclenché chez les réalisateurs, Vladimir Rodionov et Avril Tembouret, l’envie de se pencher sur l’histoire et les mystères de ce rêveur sublime. L’acteur avait été son ami, dans sa jeunesse, et il insistait pour parler de Trannoy dont il conservait un souvenir flamboyant. Leurs recherches les ont conduits à réaliser que ne subsistait pas la moindre bobine de film, que ce qui caractérisait Trannoy c’était l’ombre de cet être pourtant lumineux...et l’absence. Commence alors un véritable jeu de pistes pour reconstituer le puzzle aux pièces éparses : une photo de lui avec Anouk Aimée, les croquis préparatoires de son premier film qu’il avait lui-même dessinés, des lettres adressées à Jean Rochefort (à qui il avait promis qu’il jouerait les rôles principaux de tous ses films), des notes griffonnées à la hâte, des contrats signés…ensuite annulés, des articles de presse annonçant ses prochains tournages finalement avortés. La copie de sa première œuvre sera quant à elle brûlée dans un accident de voiture sur le trajet qui le menait au Festival de Cannes.   

Qui était donc Alexandre Trannoy ?  

De lui reste une figuration dans un film de Fellini. Et si peu… Avril Tembouret et Vladimir Rodionov mènent une enquête presque policière, tournée sur 15 ans, entrecoupée des témoignages de ceux qui l’ont côtoyé au premier rang desquels Jean Rochefort. Les témoignages se contredisent parfois. Se dessine le portrait d’un homme charismatique, qui défendait ses projets avec ferveur, et qui a laissé une forte empreinte à tous ceux qui l’ont rencontré.

Nous partons alors avec les deux réalisateurs à la découverte de ce personnage si romanesque, ce « Don Quichotte du Cinéma ». Le documentaire commence par des images d’archives du 7^ème Festival de Cannes. La voix off nous explique ainsi que « sur ces images, il manque quelqu'un. Quelqu'un qui rêvait d'un cinéma plus libre. Quelqu'un qui aurait pu remporter la palme d’or cette année-là mais son film a disparu quelques heures avant la projection. » Ce « quelqu’un », c’est donc Alexandre Trannoy. Le réalisateur, Avril Tembouret, explique : « La première fois que j'ai entendu son nom, c'est dans la bouche de Jean Rochefort, il m'a dit que je lui avais fait penser à ce réalisateur qu'il avait connu dans sa jeunesse. Un cinéaste qui en 30 ans de carrière n'aurait pas terminé un seul film. » Et voilà le projet lancé…

Jean Rochefort permet aux réalisateurs de rencontrer Jacques Perrin et Jean-Claude Carrière, qui a travaillé comme scénariste avec Trannoy à deux reprises mais aussi Anouk Aimée, Edouard Baer ou Claude Lelouch qui a été son assistant.  Chacun s’évertue alors à faire revivre ce personnage romanesque même si d’autres en gardent un très mauvais souvenir comme Piccoli qui déclina la proposition ou encore ce producteur américain qui a investi des sommes colossales dans des projets avortés.

Avril Tembouret a surtout réalisé des documentaires relevant de portraits d’artistes intimistes, dont L’Histoire de la page 52, consacré au travail de Jean-Claude Mézières et Pierre Christin sur la bande dessinée Valérian. Ses films s’attachent souvent à des figures disparues comme Le Chercheur inquiet, autour de la figure du comédien Charles Denner ; et Le Voyage de Mastorna, pièce pour la Comédie-Française, pour laquelle il réalise un film d’après le scénario inachevé de Federico Fellini du même nom. Vladimir Rodionov a participé à la création du studio Golden Moustache en tant que directeur artistique. Il a ensuite créé deux séries auxquelles Avril Tembouret a participé en tant qu’auteur : Ma Pire Angoisse (Canal+), lauréate du festival de Luchon et Les Emmerdeurs (Youtube Premium), sélectionnée au festival de La Rochelle. Il a réalisé la comédie fantastique Anges & Cie, sortie en salles en 2025. En parallèle, ils se sont lancés sur les traces du cinéaste oublié Alexandre Trannoy, un projet qui mit quinze ans à se concrétiser puisque les réalisateurs ont perdu leurs producteurs qui trouvaient « décourageant de retracer le destin d’un loser. »

Le film a l’intelligence de ne pas résoudre le mystère mais au contraire de nous donner des clefs pour alimenter la machine à rêver comme le faisait Trannoy quand il arrivait à convaincre de travailler avec lui malgré ses échecs précédents. Ne demeurent que quelques certitudes. Il est né en 1926. Il a rencontré Jean Rochefort en 1949/50. En 1954, il a réalisé son premier film en Italie, L’Homme de l’Aube, produit en fonds propres, un film détruit dans un accident avant sa projection à Cannes. En 1958, il tourne Le Serpent de Gibraltar, avec Anouk Aimée, Lino Ventura et Jean Rochefort mais le tournage s’arrête après quelques jours. Trannoy multiplie ensuite les projets. Tous restent inachevés pour des raisons diverses (faillite du producteur, décès d’un comédien...). En 1963, début présumé du tournage à Hollywood avec Marlene Dietrich, pour un projet de film intitulé The Last point, produit par United Artists. En 1964, il tourne La Fuite en avant, écrit en collaboration avec le scénariste Jean-Claude Carrière et produit par Serge Silberman, et San Salvador avec Jacques Perrin et Marcello Mastroianni. Le tournage des deux films est interrompu. Dans les années 1960/1970, Trannoy ne tourne plus. Ses projets restent à l’état d’ébauche ou de simples annonces dans la presse spécialisée. En 1980, il disparaît lors d’un vol de repérages. Encore une fois, même dans la mort, c’est le mystère qui le caractérise.

Trannoy demeure insaisissable. Dans les livres sur le cinéma, vous ne trouverez pas un mot sur lui. Il est inconnu de la Cinémathèque...

Le Serpent de Gibraltar. L’Homme de l’aube. La Fuite en avant. Les titres de ses films résonnent comme des aveux. Celui d’un être qui se faufile, évanescent, dans l’évasion et dans l’ombre.  

Est-ce dans le petit cinéma de Ménilmontant que réside la clef de l’énigme ?  « C'est l'histoire d'un enfant qui ne parle plus. Il ne dit pas un mot. C'est son oncle qui tient le cinéma de quartier. Le Palladium » raconte-t-il à Michel Boujut à propos d’un projet. Le Palladium, cinéma de son enfance dont il a toujours donné l'adresse comme étant celle de son domicile officiel. 25 rue de Ménilmontant. Aujourd’hui, au numéro 25, il n'y a plus de cinéma. C’est là qu’il sera « fasciné par une actrice aux yeux clairs. » Marlene Dietrich. « C'est immédiatement l'amour fou et le lendemain sans qu'on sache pourquoi cet enfant se remet à parler. À ce moment-là, sa vie commence. » « Ce spectateur enfant, pour moi, c'est vous » lui dit Michel Boujut. Cet échange reflète son immense croyance en la force du cinéma. Le cinéma qui redonne la parole, qui sauve la vie même peut-être. Quelle magnifique idée !

Est-il un génie ou fou ? Est-il un escroc habile (il vivait des avances sur réalisation…avant de disparaître) ou un rêveur immature ? Un artiste incompris ou un menteur compulsif ? Voulait-il vraiment que ses films voient le jour ou juste profiter du sentiment démiurgique que confère le statut de cinéaste ? Est-il conscient de sa folie ? Est-elle au contraire très raisonnée, voire cynique ? Le film enquête sur la « malédiction » et le mystère Trannoy. Chacun apporte son regard sur cet être passionné, « possédé par ce besoin d'agir, de changer le monde, de compter » (et conter sans doute) qui sabotait ses propres projets, capable de convaincre n’importe qui.

Lelouch confie ainsi : « Il a commencé à me raconter un scénario auquel je n’ai rien compris mais il y avait tellement d'enthousiasme, il y avait tellement de lumière que je me suis dit, ou j'ai affaire à un fou ou à un génie. On n’avait même pas d'argent pour prendre le train. Il était fou de Marlene Dietrich et il va chercher des sosies de Marlene Dietrich en Italie. » Pour Edouard Baer, Trannoy était « quelqu'un à qui on ne peut pas dire non » tandis que Jacques Perrin rappelle que « on disait qu'il portait la poisse. Il était tellement traqué dans Paris qu'il était déguisé. »

Au fil de l’enquête s'esquisse le portrait d’un être de fiction comme si le seul film réussi de Trannoy était celui de sa propre légende qui se construit sur un effacement. Tout juste l’aperçoit-on dans une scène de vendange ou en figurant dans La Strada en 1954. Il a une chemise à carreaux et il fait un double saut périlleux. Si vous revoyez le film, vous pourrez tenter de l’apercevoir. L'Homme de l'Aube sera ainsi tourné avec de la pellicule volée puisqu’il dérobait des morceaux de pellicules vierges à Fellini dans les studios de Cinecittà. Il passera plus tard à un degré supérieur de l’escroquerie (ou de la folie, le conduisant à s’identifier au cinéaste) en se faisant passer pour Kubrick. Pour réaliser son Napoléon à Fontainebleau, Trannoy avait ainsi commencé à tourner la seconde équipe du film avec des figurants en disant « je suis Stanley Kubrick ».

Des intervenants parlent de son angoisse de l’imperfection. À la fin du film, Trannoy demeure un personnage aux identités multiples, celle d’un être fuyant. Un autre effacement est à l’honneur puisque de ceux qui témoignent beaucoup ne sont plus là, et cela contribue évidemment à exacerber l’émotion. C’est aussi le portrait d’un cinéma en train de disparaître. Et qu’il est jouissif de savourer à nouveau l’humour de Jean Rochefort et la grâce d’Anouk Aimée !

C’est aussi le parallèle entre les projets avortés de Trannoy et ce documentaire qui mit tant de temps à s’achever qui renforce la profondeur et la puissance émotionnelle du film. « Il y a dix ans, je tournais mon premier film, un court métrage et je me souviens que pendant longtemps j'avais songé l'appeler ainsi, L'Homme de l'Aube. » Ainsi, Avril Tembouret, au film du film, semble de plus en plus s’identifier à Trannoy jusqu’à le tutoyer, s’adresser à lui comme, peut-être, il se parlerait à lui-même. Cela procure une aura encore plus mystérieuse au film, d’une mélancolie fascinante et captivante. Sans compter que le film est né d’une promesse à Jean Rochefort de réaliser un documentaire sur Trannoy dont il serait le premier spectateur, tout comme Rochefort devait être le premier à voir le premier film de Trannoy. Mais Rochefort disparaîtra avant l’achèvement de L’œuvre invisible.

Peut-être Rochefort avait-il raison : « Il est parti chercher ailleurs ce qu’il ne trouvait pas ici. »  Peut-être Trannoy était-il dans une quête permanente et insoluble. Peut-être ce désir constituait-il son moteur.  Et non sa concrétisation qui y mettait alors fin. Il a ainsi tourné quelques jours dans le désert avec Marlene Dietrich, ce dont il rêvait.  Il a insisté pour emmener les rushes au laboratoire lui-même. Et il a brûlé les rushes.

La musique intense de Frédéric Alvarez épouse les variations de personnalité de Trannoy : l’énergie, le mystère, la nostalgie, la mélancolie.

Envoûtant. Insaisissable. Vertigineux. La traque impossible d’un fantôme en images animées et en témoignages divergents. Comme son sujet, le documentaire cultive l’évanescence. Les certitudes se dérobent sans cesse. Trannoy demeure une silhouette fuyante. Trannoy aura finalement réussi un seul film, mouvant, recomposé par chacun de ceux qui entendent son histoire. À une époque saturée d’images et d’avis péremptoires, il est précieux qu’un film nous rende ainsi le goût de l’étrange et de l’imaginaire. Il nous procure aussi la joie de revoir des figures du cinéma disparues, de faire revivre un monde qui se meurt.

 Le spectateur construit son propre film, son propre Trannoy. Et cela fait un bien fou de laisser ainsi l’imaginaire vagabonder… comme Trannoy lui-même errait d’une personnalité à l’autre.  La boucle est bouclée. Le film ne raconte pas seulement Trannoy. Il fait vivre au spectateur la même expérience d’imagination et d’absence. Alexandre Trannoy n’a peut-être jamais terminé un film. À travers ce documentaire, il en signe peut-être enfin un, celui de sa vie, fragile, une œuvre invisible recomposée dans l’imaginaire de chaque spectateur. À la fin, saisie par la force de ce portrait, j’avais l’impression de voir cet homme de l’aube surgir des derniers murmures de la nuit, tel un mirage, et que mon propre rêve rejoignait le sien : « vivre dans les films, échapper au monde soi-disant véritable pour vivre totalement dans l’irréel. » Ensorcelant.

« Tout s’excuse et se justifie à une époque où l’on a transformé la vertu en vice, comme on a érigé certains vices en vertus. » Cette citation, extraite du roman Illusions perdues de Balzac, adapté en 2021 par Xavier Giannoli, aurait pu aussi être employée au sujet des personnages de son nouveau film, Les Rayons et les ombres. 

Ils sont rares, les films qui continuent à vous accompagner et à vous questionner ainsi des jours après les avoir découverts. Tout aussi rares sont les films de plus de trois heures (trois heures quinze en l’occurrence). Et rare, le dernier film de Xavier Giannoli, qui porte pour titre magnifique celui d’un recueil de poèmes de Victor Hugo, l’est indéniablement. 

Ce nouveau long-métrage est inspiré d’une histoire vraie, celle de Jean Luchaire (Jean Dujardin) et Corinne Luchaire (Nastya Golubeva), un père et sa fille entraînés dans l'engrenage de la collaboration pendant la Seconde Guerre mondiale. Après la magistrale adaptation du chef-d’œuvre de Balzac et ses 7 César, dont celui du meilleur film, il était difficile pour Xavier Giannoli de proposer une œuvre encore plus marquante… Et pourtant… 

Il en fallait certainement de la détermination pour réaliser ce film de 30 millions d’euros de budget sur l’Occupation. Tant de films ont déjà évoqué cette période, cependant Les Rayons et les ombres n’est pas un film de plus mais une œuvre qui fera date.

Cela commence par le plan d’un miroir taché dans une chambre spartiate, signifiant l’effacement d’une identité. Un miroir dans lequel apparaît ensuite un visage, celui de Corinne. Un visage triste, livide, malade. À la fin de ce périple aussi passionnant qu’éprouvant nous reviendra cette image initiale de ce miroir sans reflet à laquelle succédera celle de ce visage éprouvé. Accompagnée d’une petite fille au manteau rouge (rappelant un célèbre film sur cette période avec une autre petite fille au manteau rouge), elle est insultée, frappée, se fait cracher au visage. Elle va alors raconter son histoire pour l’enregistrer grâce au magnétophone d’une voisine et de son mari, et tenter d’expliquer comment une jeune star du cinéma des années 30 en est arrivée là, à être ainsi détestée. La vraie Corinne publia ainsi, en 1949, l’année précédant sa mort, une autobiographie intitulée Ma Drôle de vie.

Nous la retrouvons ensuite, petite fille, entre les deux guerres mondiales, au Cercle franco-allemand, avec son père, journaliste, alors pacifiste convaincu : « Plus jamais ça », « La guerre ne résout rien, elle ne fait que préparer la prochaine guerre. », « J'en fais le serment, elle ne grandira pas dans une Europe déchirée par les conflits entre les peuples ». Jean est alors guidé par de nobles principes. Avec lui, son ami Otto Abetz veut « préserver la paix coûte que coûte ». Ce dernier est un amoureux de la littérature française dont il traduit les grands auteurs. La petite fille grandit dans cette « illusion rassurante » avec ce père qui « aimait un peu trop les petites actrices », un père qu’elle admire et qu’elle veut impressionner. La mère mène sa vie, dissolue, de son côté. C’est à peine si nous la voyons, le duo père/fille l'éclipse. Le père tousse beaucoup, crache du sang. Il découvre rapidement qu’il est atteint de cette maladie qui fait alors 100000 morts par an, la tuberculose, un mal qu’il a transmis à sa fille : un poison qui condamne leurs destins avant même que l’Histoire ne s’en charge. Comment ce père, fou de sa fille, pacifiste prosélyte, en arrive-t-il à être finalement condamné à mort pour « collaboration avec l’ennemi » et exécuté le 22 février 1946 ? Si Lucien de Rubempré vendait sa plume au plus offrant, Jean Luchaire, lui, aliène son âme pour une illusion de paix d’abord, pour l’argent ensuite. Où s'arrête alors l'aveuglement ? Où commence la lâcheté ? Quand devient-elle coupable ?

Otto convainc son ami : Hitler a fait la couverture du Times, « il faut discuter avec Hitler », « Chaque révolution a ses excès. », « Il n'y aura pas de grand projet européen sans une Allemagne forte. En attendant mieux, c'est avec Hitler qu'il faut parler. »  « L'Allemagne veut la paix. » À Vichy, Jean rencontre Laval dont il reçoit même de l’argent. C’est lui qui lui demande de voir Otto devenu ambassadeur du Troisième Reich à Paris, rue de Lille. « Laval m'a dit : Allez voir votre ami Abetz et essayez de savoir ce que les Allemands ont dans la tête. » Pour Jean, la collaboration est alors une noble cause destinée à éviter la guerre. Pendant ce temps, Corinne démarre sa carrière d’actrice, avec Prison sans barreaux, le film d’un Juif ukrainien : « c’est un humaniste, un vrai, comme mon père ». Le réalisateur refuse de serrer la main d’Otto. Il la met en garde : « Ce n’est pas qui tu crois. » « Mon père a voulu défendre son ami victime d’un complot national-socialiste » continue à clamer Corinne. Pour Jean, l’idée d’Otto est « une politique de collaboration loyale et sincère ».

Rien ne laisse alors présager que Jean Luchaire deviendra l’un des défenseurs les plus fervents de la collaboration. Les Rayons et les ombres dissèque ce glissement des rayons vers les ombres et comment l’un, Jean, devint un défenseur ardent de la collaboration et l’autre, Otto, un de ses artisans. Comment leurs bonnes intentions initiales (éviter la guerre) ont-elles pu les conduire à épouser le pire ?  Pour Jean, la collaboration, c’était d’abord poursuivre le dialogue pour éviter la guerre. Pour Otto, il s’agissait de « limiter la casse. »

Cette architecture du récit doit beaucoup à la plume de Jacques Fieschi. Avec ce dernier au scénario, nous pouvons toujours nous attendre à un travail d’orfèvre, ciselé, nuancé, et sensible, et c’est à nouveau le cas ici pour ce film dans lequel il insuffle une densité psychologique qui évite tout manichéisme, et navigue habilement sur une fragile frontière au seuil de la complaisance (toujours soigneusement évitée), avec le souci de vérité historique et de refléter la complexité des âmes. Il est notamment le scénariste de Claude Sautet (Quelques jours avec moi, Nelly et Monsieur Arnaud et le chef d’œuvre Un cœur en hiver), de Nicole Garcia (Le fils préféré, Place Vendôme, Mal de pierres, Un balcon sur la mer…), du film Yves Saint Laurent de Jalil Lespert ou encore d’Olivier Assayas (Les Destinées sentimentales). Le scénario est à l’image de la réalisation : un maelström foisonnant.

Peut-on comparer Jean Luchaire à Lucien de Rubempré ? L’un et l’autre utilisent le journalisme comme un marchepied. L’opinion est devenue un commerce comme un autre au temps de la Restauration. Un outil de l’arrivisme carnassier. Les moyens importent peu, il faut arriver à ses fins (briller, paraître, gagner de l’argent) et, comme chez Machiavel, elles les justifient. C’est aussi le cas pour Jean. Otto le qualifie même de « généreux ». Jean est pourtant avant tout soucieux de conserver son train de vie : « L’important, c'est de sortir le journal.  Sans cela, je ne suis rien. ».

« Vous connaissez mon engagement sincère pour la collaboration. » À l’entendre, la collaboration serait le côté du bien. C’est pourtant le même Jean qui laissera utiliser ses locaux par des résistants qu’il surprend (du moins il ne les dénoncera pas), et qui aidera une famille juive à s’enfuir. Mais comment le défendre ou l’excuser quand il dit dans sa lettre à Céline : « je suis même devenu entièrement antisémite. Je ne suis pas enjuivé. » Céline raconte partout dans Paris qu’il n’a pas de convictions. Cela peut lui nuire comme à sa fille, lui explique Otto. « Il n'y a jamais eu des idées comme ça dans ma famille. » « On a voulu l'oublier mais les gens soutenaient Pétain au début de l'Occupation, le héros de Verdun » rappelle Corinne.

Le glissement progressif va s’opérer. Le père de Jean va s’éloigner de lui (André Marcon, toujours d’une grande justesse à laquelle s'ajoute ici la dignité). Il lui adresse une lettre intitulée L'exercice de la vertu, publiée dans Le Figaro. « Tu regardes ailleurs » l’accuse-t-il. Jean hausse les épaules : « C'est à ses amis les bien-pensants et ceux de sa femme qu’il écrit. » Le discours d’Otto se radicalise, aux portes de la folie : « Un pays divisé est plus vulnérable, manipulable. » Et à propos d’une rafle : « C'est la police française qui a organisé l’opération, ils ont manqué de zèle d’ailleurs. » Mais toujours il se justifie ainsi, de vouloir éviter les combats armés : « Il vaut mieux une vache à traire qu'une vache à tuer. » Jean a bien conscience que « l'opinion n'acceptera jamais cette violence. » « C'est pour cela qu’on a besoin de la presse » lui rétorque Otto.

Père et fille ont « le goût du sang dans la bouche » comme le raconte Corinne à propos de leur maladie. Peut-on expliquer alors leur aveuglement coupable, et plus ou moins inconscient, par ce désir de défier la mort ? Une image, parmi d'autres, matérialise cette idée : Corinne, fumant, dans la morgue du sanatorium. « On avait notre guerre à nous contre la douleur. Pendant tout ce temps, je pensais à ma douleur et pas à celle des autres. » Lors du séjour de Corinne au sanatorium, d’effroyables traitements lui sont infligés. Coralie dans Illusions perdues et Corinne dans Les Rayons et les ombres : deux actrices au corps malade à l’image d’un monde en décomposition. La tuberculose qui ronge le père et la fille semble être alors la métaphore de leur déchéance morale. Père et fille se laissent entraîner dans ces réceptions où il y a tout Paris, dans la débauche aussi. Et puis, si tout Paris est là, c’est qu’il n’y a rien de répréhensible : Guitry, Céline. Et tant d’autres. « Des collaborateurs, des fanatiques, des opportunistes. » Corinne a une confiance aveugle en son père : « J’ai suivi le mouvement. J'ai suivi mon père. Il ne pouvait pas me compromettre. » Et quand une amie tente de lui ouvrir les yeux : « Regarde-les bien, ils vont tous être pendus » elle répond : « Des envieux. On fait rien de mal, tu sais. » Otto lui promet des ausweis et en échange lui demande de venir aux cocktails à l'ambassade. Il lui montre fièrement sa collection de tableaux, ce que les nazis appellent « l’art dégénéré », comme il semble le déplorer, tout en en occultant pourtant l’effroyable provenance.

Au milieu de ce naufrage, l’amour filial demeure le seul point fixe. Ce qui traverse tout le film jusqu’à la fin, c’est l’amour qui unit ce père et sa fille jusqu’à leur fuite à Sigmaringen. Et c’est ce qui est aussi troublant dans cette histoire. Cet amour, sans excuser, semble tout justifier. « C’était mon père. On ne savait pas » clame Corinne de son côté, un cri déchirant auquel fera écho celui de son père. En effet, lors de son procès, le seul moment où le père réagira, c’est quand on mettra en cause sa fille : « C'est ignoble ce que vous dites ! » Le grand amour de la vie de Corinne, celui dont la photo l’accompagne dans son portefeuille, même après son exécution, c’est son père.

La seule fois où Corinne a peut-être trouvé un autre amour et l’apaisement, c’est le recueil d’Hugo qui en est le magnifique liant et symbole. Mais, une fois de plus, l’ombre l’emporte : elle choisira de fuir avec son père. Les Rayons et les Ombres est un recueil de 44 poèmes écrits après 1830 que Victor Hugo publia en 1840. Il reflète la dualité du monde. Les rayons évoquent la beauté,  l'amour, la nature en fête et le souvenir des jours heureux. Les ombres expriment la tristesse, les morts, les héros oubliés. Les rayons représentent la connaissance avec le poète pour guide et, à l'inverse, les ombres désignent l'ignorance.

Le contrepoint nécessaire à cet étourdissement arrive avec le discours vibrant de l’avocat général ( désormais trop rare Philippe Torreton, qui en quelques plans, d’une justesse et d’une force mémorables rétablit la vérité) qui désamorce les éventuels reproches de complaisance. Il rappelle que pendant ce temps, il y avait des actes de bravoure, qu’un résistant n’aura donné qu’un seul nom, « le sien. » Mais Jean, lui, « a choisi l'ennemi. Il a choisi l'or. Il a choisi de trahir. », il a choisi « l'intelligence avec l’ennemi. » « Lui, l'homme de gauche » a été « complaisant avec les pensées les plus nauséabondes ».  Son réquisitoire vient déchirer le voile des rayons pour faire apparaître la réalité des ombres.

Alors, vous lirez ici et là dire que le film est trop long.  On vous rappellera même que À l’origine, un des précédents films de Giannoli, avait été amputé de vingt-cinq minutes après sa projection cannoise. Je crois au contraire que la durée de ce film est une de ses grandes qualités. Il nous fait entrer dans la danse macabre, brouille nos repères entre le bien et le mal, la conscience et l’inconscience, la lucidité et l’aveuglement. Souvent avec des coupes abruptes, il empêche l’émotion de s’installer, et donc toute complaisance. Abrupte et rude comme cette période. Nous voilà nous aussi entraînés dans une folie qui ne nous laisse pas le temps de réfléchir, de vraiment distinguer le bien du mal. Tout devient flou. L’anti Marty Suprême en somme parce que le film ne cherche pas à nous séduire ou hypnotiser mais à nous éclairer en nous plongeant dans les abîmes de l'Histoire avec ses personnages. Ces 3H15 ne sont donc pas une coquetterie de cinéaste mais une nécessité immersive. Il faut ce temps long pour ressentir l’étourdissement des cocktails de la rue de Lille, ce tourbillon de rayons faciles qui finissent par occulter les ombres de la déportation jusqu’à ce discours de l’avocat général qui nous remet les idées en place et nous rappelle la vérité historique. L’aveuglement et l’amour qui unit un père et sa fille ne peuvent tout excuser, au mieux peut-être expliquer.

Giannoli aime ces personnages troubles, guidés par l’orgueil souvent. Dans À l’origine, Philippe (François Cluzet) éprouve avant tout ce besoin de ne pas être seul, et surtout d’être considéré. Il devient quelqu’un dans le regard des autres par une escroquerie. Dans Illusions perdues, Lucien Chardon est un jeune poète inconnu et naïf dans la France du XIXe siècle. Il quitte l’imprimerie familiale et Angoulême, sa province natale, pour tenter sa chance à Paris, aux côtés de sa protectrice Louise de Bargeton. Peu à peu, il va découvrir les rouages d’un monde dominé par les profits et les faux-semblants, une comédie humaine dans laquelle tout s’achète et tout se vend, même les âmes et les sentiments. Comme dans Les Rayons et les ombres… Un monde d’ambitions voraces dans lequel le journalisme est le marchepied pour accéder à ce après quoi tous courent alors comme si résidait là le secret du bonheur, symbole suprême de la réussite : la richesse et les apparences. Pour Philippe, le marchepied est l’escroquerie. Pour Lucien, le journalisme mordant. Pour Jean, le journalisme aussi, les trafics…et la collaboration.

Après Les Corps impatients (2003), Une aventure (2005), Quand j'étais chanteur (2006), À l'origine (2009), Superstar (2012), Marguerite (2015), L'Apparition (2018), Illusions perdues (2021), Les Rayons et les Ombres est le neuvième long-métrage de Xavier Giannoli.

La caméra de Xavier Giannoli, une nouvelle fois, filme au plus près des visages, au plus près de l’émotion, au plus près du malaise. Dans Illusions perdues, la voix off n’est pas destinée à pallier d’éventuelles carences scénaristiques. Elle donne au contraire un autre éclairage sur ce monde de faux-semblants. Ce qui est pur semble pourrir de l’intérieur comme le cœur noble de Lucien sera perverti, mais surtout comme Coralie et son corps malade dont les bas rouges sont une étincelle de vie, de sensualité et de poésie qui traverse le film et ce théâtre de la vie, vouées à la mort. Dans Les Rayons et les ombres, la voix off n’est pas non plus un artifice suranné. Elle nous fait entrer dans cette histoire d’ombres par la personnalité rayonnante de Corinne, pour faire trembler nos certitudes.

Cette sensualité dans les mouvements de caméra nous emporte dans chacun de ses films. Je me souviens de ces plans étourdissants dans À l’origine quand il filmait ces machines, véritables personnages d’acier, qui tournoyaient comme des danseurs dans un ballet, avec une force visuelle saisissante et captivante, image étrangement terrienne et aérienne, envoûtante, avec la musique de Cliff Martinez qui achève de rendre poétique ce qui aurait pu être prosaïque. Ici, Giannoli filme les rouages de l’horreur de la collaboration comme une valse macabre.  Des passages en noir et blanc rappellent la frénésie du temps passé. Tant de plans mémorables… Comme celui-ci : dans les coulisses d’un cabaret, entre teintes sombres et rougeoyantes, comme se retrouvant en Enfer, entre la vie et la mort, entre le bien et le mal, Jean s’assied, toussant jusqu'à l'étouffement, accablé, avec ces masques autour de lui et la voix de son père, de sa conscience qui lui assène : « Je vais t'écrire, Jean. »

Nous retrouvons la même minutie dans la reconstitution de la France sous l’Occupation que dans la reconstitution historique de la vie trépidante et foisonnante de Paris sous la Restauration. Pareillement, dans Les Rayons et les ombres, tout virevolte et fuse, les mots et les gestes et les avis, dans ce monde constamment en mouvement dont la caméra de Giannoli épouse avec brio la cadence effrénée telle celle d’Ophuls, une caméra observatrice de ce monde impatient dans lequel le cynisme est toujours aux aguets, au centre du spectacle de la vie dont, malgré les décors et les costumes majestueusement reconstitués, nous oublions presque qu’il est celui du monde d’hier et non d’aujourd’hui. Le chef décorateur Riton Dupire-Clément accomplit ici pourtant des merveilles de réalisme.

Le scénario multiplie les échos avec le présent. Là encore, à qui accuserait le film de complaisance, il résonne avant tout comme un avertissement : « Les Centristes croient qu'en s'associant avec l’extrême droite, ils pourront la contrôler. » « On nous disait : ne vous inquiétez pas. La France a été humiliée en quelques semaines. » Et puis il y a cet homme qui veut faire « un groupe de presse. Il en profite pour acheter tout ce qui passe. » Le parallèle avec la concentration actuelle des médias, arme de propagande, est évident.

Que dire du casting ! Nastya Golubeva (qui n'est pas une actrice mais un miracle, selon Giannoli), accessoirement fille de Leos Carax, vue auparavant dans Revoir Paris et Annette, nous plonge dans ce récit, nous touche souvent, sans nous attendrir totalement, mais en tout cas nous emporte avec elle dans cette plongée en Enfer, livrant une performance d’une dualité saisissante, lumineuse et spectrale. Drôle de mise en abyme que l'histoire de cette actrice qui éclot dans son premier grand rôle en en incarnant une autre dont les premières scènes crèvent aussi l'écran.

Quant à Dujardin, il nous avait déjà prouvé l’étendue de son talent en incarnant George Valentin dans The Artist qui lui valut tant de récompenses, à commencer par l’Oscar du meilleur acteur en 2012. Il fallait déjà beaucoup de sensibilité, de recul, de lucidité et évidemment de travail et de talent pour parvenir à autant de nuances dans un même personnage, sans compter qu’il incarne aussi George Valentin à l’écran, un George Valentin volubile, excessif, démontrant le pathétique et non moins émouvant enthousiasme d’un monde qui se meurt. Il y est aussi flamboyant puis sombre et poignant, parfois les trois en même temps, faisant passer dans son regard, une foule d’émotions, de la fierté aux regrets, de l’orgueil à la tendresse, de la gaieté à la cruelle amertume de la déchéance. Dans Un balcon sur la mer de Nicole Garcia, il est bouleversant dans le rôle de cet homme qui retrouve son passé, son enfance et ainsi un ancrage dans le présent. Dans les OSS 117, il est hilarant, n’économisant ni ses rictus, ciselés, ni ses soulèvements de sourcils, ni ses silences, ni ses incoercibles rires gras. Jean Dujardin a déjà maintes fois prouvé la large palette de son jeu et de son talent. Il faudrait encore citer les remarquables Möbius, Un + une ou encore Sur les chemins noirs dans lequel il a l’intelligence de ne pas forcer le trait, de faire corps avec le paysage ( la balafre comme un sillon sur son visage, un autre chemin noir : comme ces paysages hors des sentiers battus, portant l'empreinte du passé). Là aussi, dans le film de Giannoli, il incarne corps et âme cette personnalité trouble, le pacifiste prosélyte qui devient le traître à la nation. Celui qui voulait « limiter les dégâts » qui devient l’artisan du désastre, qui s’est persuadé de « vivre sans se compromettre ». Il n’est jamais totalement antipathique (ses propos, parfois, sont en revanche indignes) sans être jamais vraiment sympathique. Il dit tant dans ses silences. Il est tout simplement à l'image du film, et de son actrice principale : magistral. Il fallait ces deux acteurs exceptionnels pour nous faire croire à cette humanité qui circule entre eux malgré leur immoralité et leur compromission.

August Diehl (La disparition de Josef Mengele de Kirill Serebrennikov, Une vie cachée de Terrence Malick) dans le rôle d’Otto, Vincent Colombe dans le rôle de Guy Crouzet…apportent tous une épaisseur tragique à cette galerie ombrageuse. C'est en le voyant dans Une vie cachée de Terrence Malick que Giannoli a eu envie de travailler avec lui.

La photographie de Christophe Beaucarne, d'une flamboyance glacée, sculpte la lumière pour rendre compte de cet étourdissement doré et funeste, et plonge souvent les visages entre l'ombre et la lumière pour signifier la dualité.

La musique de Guillaume Roussel (La French, Kompromat, Les Trois Mousquetaires, 13 jours, 13 nuits), qui travaille pour la première fois avec Xavier Giannoli, est aussi d’une rare puissance. Elle est notamment magistrale, emphatique et lugubre, sur la scène du retour des cendres de l’Aiglon, fils de Napoléon 1^er, le 15 décembre 1940, lors de la « messe noire aux Invalides » terrifiante, quand on nous explique la déception qu’Hitler et Pétain ne fussent pas venus. La musique personnalise alors l’horreur de la collaboration comme si elle murmurait à l’oreille ce que les personnages ne veulent pas admettre. Elle est lyrique, mélancolique, dissonante aussi souvent, reflétant la dualité des personnages, entre ombre et lumière.

Il faut aussi souligner le montage, d'une rare intelligence, dans les parallèles qu'il sous-entend, et qui là aussi expliquent sans justifier.

Comme presque tous les films de Giannoli, celui-ci est aussi un hommage à l’art en général, au cinéma en particulier. Cette « réponse pacifiste à la folie des hommes. » Surtout avec la dernière réplique du film que je vous laisse découvrir. À l’origine était aussi une belle métaphore du cinéma et du métier de comédien qui est finalement aussi une imposture, qui fait devenir quelqu’un d’autre, fabriquer un chemin, un univers qui ne mène pas forcément quelque part mais reste, là aussi, une belle aventure humaine. À l’origine nous fait croire à l’impossible, à ce que le cinéma lui aussi était à l’origine : un mensonge exaltant qui peut nous faire croire que tout est possible. Même si la réalité, un jour ou l’autre, finira par reprendre ses droits.

« Les belles âmes arrivent difficilement à croire au mal, à l'ingratitude, il leur faut de rudes leçons avant de reconnaître l'étendue de la corruption humaine.», « Là où l'ambition commence, les naïfs sentiments cessent. », « Il se méprisera lui-même, il se repentira mais la nécessité revenant, il recommencerait car la volonté lui manque, il est sans force contre les amorces de la volupté, contre la satisfaction de ses moindres ambitions » écrivit Balzac dans Illusions perdues. Le romantisme et la naïveté de Lucien Chardon céderont bientôt devant le cynisme et l’ambition de Lucien de Rubempré. « Je ne sais même plus si je trouve le livre bon ou mauvais » dit-il ainsi dans le film, tant son opinion est devenue une marchandise qui se vend au plus offrant. On pense alors aux « idées » défendues par Jean dans son journal, pour vendre.

Comme Lacombe Lucien (Louis Malle, 1974), les Luchaire ne sont pas au départ des idéologues du nazisme, mais des opportunistes, à deux échelles différentes. Comme dans Monsieur Klein de Losey (1976), les décors cachent une abjection croissante, mais Luchaire n’aura jamais le sursaut final que connaît Klein qui finira par rejoindre le destin des opprimés. Le Dernier Métro de Truffaut (1980) met en scène une actrice dans une bulle de théâtre alors que le monde s’effondre. Le cinéma est le refuge de Corinne, mais quand la Marion de Truffaut protège un homme juif, Corinne ne sert que ses intérêts. Pour l'une, le théâtre est un refuge héroïque, pour l'autre le cinéma est une bulle narcissique. Dans L’Armée des ombres de Melville (1969) tout est gris, froid, silencieux. Chez Giannoli, tout est bruyant, excessif, d’une opulence asphyxiante. Les uns meurent dans l'ombre, tandis que les autres s'étourdissent dans la lumière. À l’inverse de la sobriété sépulcrale de Melville, Giannoli choisit une mise en scène flamboyante pour souligner l’ivresse et la décadence.

Quand s’achève cette fresque historique et cet implacable engrenage nous revient cette phrase de Corinne qui, pour un rôle, répète jusqu’aux frontières de la folie et de l’épuisement « Je suis innocente ! Innocente ! Innocente ! » Et cette question à son réalisateur : « Comment on dit je suis innocente en ukrainien ? ». Pouvons-nous la juger totalement coupable, sans pour autant l’excuser ? Quel défi réalisé par ce film que de disséquer ainsi la complexité de l’âme humaine et d’une période lors de laquelle l’impensable survint. Savaient-ils vraiment ce que personne n’aurait pu imaginer ?

Jacques Fieschi, une fois de plus, signe un scénario magistral (coécrit avec Giannoli). L'histoire de ce Luchaire, artisan de la paix devenu artisan de l’horreur, résonne comme un avertissement. Cette dualité traverse le film de Giannoli, qui refuse la caricature pour mieux nous confronter à la zone grise de notre propre conscience, et aux contradictions humaines. Les Rayons et les ombres nous laisse avec le goût du sang dans la bouche et une question vertigineuse : à quel moment le compromis devient-il une compromission irréparable ? Si Hugo voyait le poète comme un guide sauveur, Luchaire est un guide qui mène les siens vers l’abîme.  Mais ce qui reste finalement de cet immense film, courageux, audacieux, foisonnant, passionnant, éprouvant, fascinant, pas toujours aimable mais toujours admirable, ce sont les derniers mots du film, hommage au cinéma réconciliateur, c’est le « Je suis innocente » scandé par Corinne, et ce sont les mots sentencieux de l’avocat général :  « Se voyant déjà condamné, il a voulu danser avec la mort, mais la mort qui rôde peut vous élever au-dessus de vous-même, faire de vous un résistant et pas un traître.»

Cette citation extraite du recueil Les Rayons et les ombres de Victor Hugo résume mieux que nulle autre ce film, sa profondeur, son audace, sa puissance, sa complexité et son désir louable de comprendre celle de l'être humain quand les idées et les Hommes sont de plus en plus réduits à des concepts et caricatures, et quand toute nuance est si souvent bannie, mais aussi quand des humanistes peuvent parfois se laisser corrompre et avilir par les pensées les plus ombrageuses et nauséabondes :

« Tout homme sur la terre a deux faces, le bien et le mal. Blâmer tout, c'est ne comprendre rien. Le même être est victime et bourreau tour à tour. »

La Femme de, adaptation du roman d’Hélène Lenoir Son nom d’avant (1998, Éditions de Minuit) figurait parmi les films en compétition au Festival du Film Francophone d’Angoulême 2025, et fut également sélectionné, hors compétition, au Festival International du Film de Saint-Jean-de-Luz 2025. Deux festivals à la sélection exigeante et avisée. Deux gages de qualité.

David Roux a débuté comme journaliste de théâtre, un rôle qu’il a tenu pendant quinze ans, tout en s'initiant au cinéma d’abord comme assistant réalisateur et conseiller littéraire puis en signant deux courts-métrages : Leur jeunesse en 2012 et Répétitions en 2014. L’Ordre des médecins, son premier long-métrage, est sorti en France en 2019. Il fut projeté en première mondiale au Festival de Locarno 2018, sur la Piazza Grande, et sélectionné dans de nombreux festivals internationaux.

Le film aurait pu s’intituler Une histoire simple à ceci près que la Marianne (Mélanie Thierry) de La Femme de ne possède pas « le luxe » de l’indépendance dont jouit la Marie (Romy Schneider) du film de Claude Sautet. Marianne, elle, est enfermée dans une vaste demeure bourgeoise, près d’Angers, claquemurée dans sa vie d’épouse dévouée. Les histoires simples sont souvent les plus belles et bouleversantes, mais aussi les plus difficiles à porter à l’écran.

Le film débute des années plus tôt. Une jeune femme marche dans la rue et est accostée par un homme, insistant puis violent. Elle est acculée contre le mur. Il ne la laisse plus respirer. Elle étouffe. Déjà, elle étouffe. Elle se réfugie dans le bus, dans l’indifférence générale si ce n’est peut-être cet homme dont on ignore s’il a perçu sa détresse.

Des années plus tard, nous découvrons Marianne, mariée à Antoine (Éric Caravaca), un riche industriel. Elle rejoint ce dernier, dans la maison de ses parents, la fameuse maison bourgeoise près d’Angers. La mère d’Antoine vient de mourir. On laisse Marianne seule avec la défunte et une sœur de son mari, Lili (Sarah Le Picard). Marianne est une épouse modèle mais, dans cet échange, nous comprenons déjà que dans cette famille, les femmes sont réduites au silence, et ne sont pas heureuses.

Marianne va avoir 40 ans et le confort de la vaste demeure familiale a lentement refermé sur elle son piège impitoyable. Prisonnière d’un inextricable réseau d’obligations sociales, familiales et conjugales, complice de son propre effacement, elle a, sans même s’en apercevoir, renoncé à elle-même. Alors, quand resurgit l’ombre de son passé, une brèche s’ouvre. Une autre vie serait-elle possible ? Et à quel prix ? 

Ce n’est sans doute pas un hasard si la protagoniste incarnée par Mélanie Thierry se prénomme Marianne. Elle incarne la femme française, dans une famille bourgeoise certes, mais finalement elle pourrait évoluer dans tout autre milieu dans lequel les femmes ne sont pas considérées. Marianne, c’est la femme qu’on ne voit plus, qui est indispensable au bon fonctionnement de la cellule familiale (la bien nommée) mais dont personne ne reconnaît l’importance, même l’existence.

Ce deuxième long-métrage de David Roux est un véritable thriller domestique dans lequel la première scène nous intrigue (et fait déjà de Marianne un « objet » ou sujet de la domination masculine), et surtout capte notre attention pour ne plus nous lâcher, nous enfermant avec Marianne, qui est de tous les plans, dans cette grande maison bourgeoise, dont nous rêvons qu’elle s’échappe. Mais ce n’est pas si simple car Marianne a deux enfants : un jeune garçon, Tim, et une fille adolescente qui, à l’école, dit qu’elle n’a plus de mère. Une femme morte. Voilà ce qu’est Marianne aux yeux de sa fille qui, finalement, est peut-être la seule qui la voit telle qu’elle est. Une ombre. Un fantôme. Personne ne considère réellement Marianne, qui suffoque sous le poids de cette famille catholique (la religion y tient un rôle central), dans cette maison où elle ne voulait pas habiter.

Le scénario coécrit par David Roux et Gaëlle Macé ne tombe jamais dans les clichés, que ce soit ceux de la bourgeoisie, ou de la femme qui s’émancipe. Tout se fait avec délicatesse, pas à pas. Forcément, quand on évoque la bourgeoisie au cinéma, on songe à Chabrol et plus récemment à Ozon, plus incisifs, mordants, cyniques. Mais le résultat ici n’en est que plus percutant. La violence que subit Marianne est insidieuse. On ne cherche pas sciemment à la tuer. C’est presque pire : elle disparaît en silence, se fond dans le décor. Elle n’est pas forcément d’emblée sympathique, ce qui la rend d’autant plus attachante au fil du film et de la découverte de la vie indolente qu’elle mène.

Nous comprenons rapidement l’atmosphère pesante dans laquelle elle évolue (ou plutôt tente de subsister tant bien que mal) quand Antoine lui fait part de son idée d’emménager dans la demeure familiale. Il lui demande son avis. Elle signifie sa désapprobation. Dans le plan suivant, ils ont emménagé. Le piège s’est refermé sur elle. Lors d’une réunion familiale, le seul élément rebelle de la famille, Lili, avocate à la parole libre, est mis dehors. Et quand Marianne découvre que son fils Tim essaie d’acheter sa présence, en lui tendant des billets, elle comprend que même lui a déjà basculé du côté paternaliste de la maisonnée, et qu’il faudra bientôt faire un choix. Mais Marianne n’a pas l’indépendance financière de Lili. Sa seule échappatoire, c’est sa liaison avec un membre de la famille, un frère d’Antoine, Bob (Arnaud Valois), qu’elle n’aime pas.

En plus de son scénario subtil, de sa photographie judicieusement grisâtre à l’unisson des sentiments qui envahissent Marianne, la musique de Quentin Sirjacq accompagne le cheminement de la jeune femme, avec un quatuor de violoncelles, un piano, un orgue et une voix qui résonne comme une plainte sourde, un appel à la liberté.

C’est surtout le casting qui est la grande réussite de ce film. Mélanie Thierry est une Marianne inoubliable, avec sa douleur contenue qui rappelle la colère (beaucoup moins contenue) qui domine son personnage dans le film Connemara d'Alex Lutz dans lequel elle est aussi magistrale. Un rôle très différent de ceux qu’elle a précédemment incarnés si ce n’est celui qui a donné au réalisateur l’idée de l’engager, son personnage dans La Douleur d’Emmanuel Finkiel (2018). Dans sa riche filmographie, nous retiendrons notamment La Princesse de Montpensier de Bertrand Tavernier (2010), dans lequel elle incarnait avec incandescence l’héroïne de la nouvelle éponyme de Madame de Lafayette, Impardonnables d’André Téchiné (2011),  Comme des frères de Hugo Gélin (2012), La Danseuse de Stéphanie Di Giusto (2016), Soudain seuls de Thomas Bidegain (2023), Connemara d'Alex Lutz (2025).

La bonhommie rassurante d’Éric Caravaca rend encore plus cruel l’aveuglement plus ou moins volontaire de cet homme, plus soucieux de son entreprise, de la transmission, de la religion que de sa femme. Arnaud Valois dégage une fragilité évanescente et électrique qui convient parfaitement au personnage. Sarah Le Picard est une sorte de tornade fébrile qui, avec la tante incarnée par Alexandra Stewart, représente les éléments perturbateurs de la famille, qui ont osé s’opposer. Jérémie Rénier, dont je vous laisse découvrir le rôle qu’il joue dans le parcours de Marianne, est un personnage d’une grande douceur, modestie, lenteur aussi (s’opposant au personnage d’Antoine, toujours pressé, toujours ailleurs) le photographe « révélateur », presque un personnage de conte qui surgit, aux antipodes des hommes de la famille. Un personnage troublant et rassurant.

Enfin, le dernier personnage à ne pas négliger, c’est cette maison angevine, presque hitchcockienne, cossue et menaçante, qui témoigne de la richesse de la famille, du souci des traditions, avec son bow-window qui est le refuge de Marianne, qui semble matérialiser son hésitation, entre ici et ailleurs, entre l’intérieur et l’extérieur. Une demeure avec ses miroirs qui ne reflètent qu'une réalité tronquée, et ses portes comme des obstacles incessants à la liberté.

Comme dans Peau d’âne de Jacques Demy que la famille regarde, dans l’obscurité et dans le silence, Marianne fuira son royaume en se déguisant ou, au contraire, en se débarrassant du déguisement d’épouse parfaite qu’on lui impose. Un superbe portrait de femme et une auscultation aiguisée de la bourgeoisie catholique de province.  David Roux, avec ce huis-clos psychologique d’une rare maîtrise, signe la représentation sensible et délicate d'une femme enfermée qui cherche à s’évader, incarnée par une Mélanie Thierry saisissante de retenue, de force et de fragilité mêlées. 

Alors que Maigret et le mort amoureux de Pascal Bonitzer occupe encore les écrans, le mercredi 10 mars, Victor comme tout le monde (du même cinéaste) sortira en salle.

Chez lui, Robert Zuchini (Fabrice Luchini) savoure ces mots de Victor Hugo figurant sur une carte postale : « Deux devoirs : veiller et espérer. » Le grand écrivain est la passion du comédien, littéralement habité par son œuvre. Sa première au théâtre a lieu prochainement : une lecture de l’écrivain en question. Sa boulangère lui indique qu’une jeune femme a laissé un journal pour lui, insistant sur un avis de décès, celui de son ancienne compagne. Il comprend que la jeune femme est leur fille Lisbeth (Marie Narbonne). Il décide de partir à sa recherche, en allant d’abord au café-théâtre où il avait débuté, là où vivait son ancienne compagne. Il y rencontre trois jeunes comédiennes Pia, Suzanne et Georgia (interprétées par Suzanne de Baecque, Louise Orry-Diquéro et Iris Bry) qui travaillent avec Lisbeth et qui montent une pièce sur… Victor Hugo. Un spectacle qui se focalise sur les femmes, les compagnes et les maîtresses de Hugo : Adèle, son épouse, Juliette Drouet, sa maîtresse officielle qui l'a accompagné jusqu'à la fin de sa propre vie, et enfin Léonie d’Aunet, certes moins connue et grand amour de Hugo. Robert Zuchini semble heureux auprès de son épouse (Chiara Mastroianni). Il ne connaît rien de Lisbeth ou presque. Les livres d’Hugo qu’il lui envoyait à chacun de ses anniversaires (Les Contemplations à quatre ans quand même) constituaient quasiment leur seul lien….

Le scénario est inspiré d’un livre écrit par Thierry Consigny sur Victor Hugo, intitulé Léopoldine. Il a été entièrement écrit par Sophie Fillières. Le spectacle Fabrice Luchini lit Victor, que le comédien a joué en 2023-24, sur une mise en scène d’Emmanuelle Garassino, n’était pas encore envisagé quand le film a été écrit. Après la disparition de Sophie Fillières en 2023, Pascal Bonitzer a repris le projet, réalisant ainsi pour la première fois un long-métrage dont il n’a pas écrit le scénario, expliquant ainsi ce choix : « Je ne me sentais pas étranger à l’esprit de celui-ci puisque je connaissais très intimement Sophie dont j’avais partagé la vie, et aussi ses films que j’adorais. J’ai été charmé par l’histoire ainsi que par l’humour et la poésie dégagés par les personnages. » Bonitzer œuvra en revanche de nombreuses fois comme coscénariste pour Rivette, Téchiné, Fontaine, Breillat… Le réalisateur, mettant habituellement en scène ses propres textes, se fond ici dans l’humour et la poésie de Sophie Fillières, créant une œuvre délicieusement hybride.

À l’image du Crime du 3^e étage qui sort le même jour (et que je vous recommande aussi vivement, d’ailleurs signé Rémi Bezaçon qui avait fait tourner Luchini dans le tout aussi jubilatoire Le Mystère Henri Pick), Victor comme tout le monde fait partie de ces films après lesquels la lumière semble plus prégnante, joyeuse, juste. Luchini excelle aussi chez Ozon, dans l’audacieux, sensuel et inquiétant Dans la maison et dans le grinçant Potiche (dans lequel il incarne un patron imbuvable). Il faudrait aussi citer Alceste à bicyclette de Philippe Le Guay. Là, il retrouve Pascal Bonitzer, des années après leur précédente collaboration pour Rien sur Robert (1989). Finalement, presque tous ces films sont des odes à l’imaginaire et au pouvoir des mots. Ici, Luchini laisse affleurer une certaine vulnérabilité qui lui sied particulièrement bien et donne finalement de l’épaisseur à son personnage. Il est d’autant plus engagé qu’il a soutenu aussi le film financièrement via sa société de production.  

Le jeu entre réalité et fiction constitue une des idées du film tout en ayant l’intelligence de ne pas se réduire à cela, Luchini étant lui-même grand admirateur d’Hugo et ayant partagé sa passion pour ce dernier sur scène. Les images filmées de son spectacle au Théâtre de la Porte Saint-Martin sont savoureuses. La monteuse Monica Coleman a judicieusement sélectionné les moments du spectacle qui s’intègrent au film et soulignent ce lien unique entre Fabrice/Robert et le public. L’intrigue se termine d’ailleurs à Guernesey, là où l’écrivain a vécu 15 ans.

Lisbeth n’apparaît pas tout de suite, ce qui permet à Robert de croiser une galerie de personnages et de le confronter à une autre vision d’Hugo : la boulangère et son apprentie...Eponine (Sarah Touffic Othman-Schmitt), et surtout les trois amies actrices de Lisbeth. Alors que Robert vénère le génie, ces jeunes femmes portent un regard critique sur l'homme Victor Hugo.

Le film crée un parallèle entre la relation à la paternité de Victor et celle de Robert dont le quotidien semble rythmé par ce fameux « bonheur d’être triste » qu’évoquait Hugo : la mélancolie. Cette mélancolie se retrouve bousculée par la réapparition de sa fille dans sa vie, son « évènement » qu'il n'a pas revue depuis toutes ces années parce qu'il avait « le trac ». « Le souvenir, c’est la présence invisible » lui dit-il, citant Hugo, ne sachant exprimer sa compassion autrement que par les mots du grand auteur. Et si aimer, pour une fois, valait mieux qu’admirer ?

Malgré le poids de la figure tutélaire de Hugo, le film évite le piège de la solennité. Il est au contraire tendrement burlesque, plein d’énergie, et teinté d’une mélancolie lumineuse grâce aux présences fantomatiques d’Hugo (lui-même passionné par les fantômes avec lesquels il disait communiquer), de la mère morte de Lisbeth, de la scénariste mais aussi grâce à la magnifique photographie d’Yves Angelo, avec lequel Bonitzer travaille pour la première fois.

La force ultime du film réside donc dans sa trajectoire finale qui nous mène à Guernesey. La fin réunit brillamment l’histoire de Victor et celle de Robert, et surtout de leurs deux filles. La mort de Léopoldine, à 19 ans, le 4 septembre 1843, d’une noyade, était le drame absolu de Hugo, à tel point qu’il cessa de publier pendant près de dix ans. Là où le deuil de sa fille avait plongé Hugo dans dix ans de silence littéraire, Robert Zuchini, lui, sort du silence pour enfin regarder et aimer sa fille.  

 Magnifiée par la photographie d’Angelo, cette délicieuse mise en abyme transforme la mélancolie en énergie lumineuse. C’est une ode vibrante au pouvoir du romanesque qui nous rappelle que la magie du cinéma consiste aussi à redonner vie aux fantômes par le pouvoir des images et surtout des mots que ce film célèbre magnifiquement. Un vertigineux jeu de miroirs par lequel je vous encourage à vous laisser éblouir et qui, si vous n’en étiez pas encore convaincus, vous prouvera que si Victor s’appelait comme tout le monde, il était un génie qui dépeignait l’univers et les sentiments avec une singulière lucidité poétique, et surtout comme personne.

 « Ce n’est rien de mourir, c’est affreux de ne pas vivre » (Les Misérables).