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IN THE MOOD FOR CINEMA

  • Critique - ILLUSIONS PERDUES de Xavier Giannoli (en salles le 20.10.2021)

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    En inconditionnelle de Balzac, j’attendais avec impatience de découvrir cette adaptation de l’un de ses chefs-d’œuvre, « Illusions perdues ». Avec Xavier Giannoli à la réalisation, accompagné de Jacques Fieschi au scénario, il y avait déjà fort à parier que ce serait une réussite, l’un et l’autre ayant à leur actif des peintures ciselées des dissonances du cœur et des tourments de l’âme. Jacques Fieschi est notamment le scénariste de Quelques jours avec moi, Un cœur en hiver, Nelly et Monsieur Arnaud, Place Vendôme, Mal de pierres, Un balcon sur la mer.

    Une fois la surprise passée de ne pas retrouver le personnage de David Séchard (et pour cause puisque le film se concentre sur la deuxième partie du roman « Un grand homme de province à Paris »), une fois notre imaginaire de lectrice ou de lecteur ayant évincé l’image du Lucien de Rubempré qu’il s’était inévitablement forgée pour s’accoutumer au visage de Benjamin Voisin qui l’incarne alors on se retrouve embarqué dans cette adaptation brillante, à plus d’un titre, à commencer par la manière dont elle exalte la modernité flagrante de Balzac. « Tout s'excuse et se justifie à une époque où l'on a transformé la vertu en vice, comme on a érigé certains vices en vertus. » Telle est une des multiples citations du roman qui pourrait s’appliquer aussi bien à ce monde d’il y a deux siècles qu’à celui d’aujourd’hui et qui montre que, bien qu’ayant été publié entre 1837 et 1843, ce roman est avant tout un miroir fascinant (et souvent terrifiant) de notre époque.

    Comme dans le roman de Balzac, Lucien Chardon est un jeune poète inconnu et naïf dans la France du XIXème siècle. Il quitte l’imprimerie familiale et Angoulême, sa province natale, pour tenter sa chance à Paris, aux côtés de de sa protectrice Louise de Bargeton (Cécile de France). Peu à peu, il va découvrir les rouages d’un monde dominé par les profits et les faux-semblants, une comédie humaine dans laquelle tout s’achète et tout se vend, même les âmes et les sentiments. Un monde d’ambitions voraces dans lequel le journalisme est le marchepied pour accéder à ce après quoi tous courent alors comme si résidait là le secret du bonheur, symbole suprême de la réussite : la richesse et les apparences. Venu à Paris avec le rêve de publier le recueil de poésie qu’il a dédié à Louise, Lucien finit ainsi par devenir journaliste. Dans ce Paris des années 1830, nombreux sont les jeunes provinciaux à choisir cette voie hasardeuse à leurs risques et périls car ce théâtre-là, celui de la vie parisienne, est aussi étincelant qu’impitoyable, éblouissant que destructeur.

    Illusions perdues fait partie des « Études de mœurs » de La Comédie humaine et, plus précisément, des « Scènes de la vie de province ». Et c’est avant tout ce regard que portent les Parisiens sur Lucien qui est vu comme un provincial débarqué à Paris qui essaie de se faire un nom. Ce sera d’ailleurs la volonté de faire reconnaître ce même nom « de Rubempré » (en réalité celui de sa mère) pour faire oublier celui de Chardon qui le fera courir à sa perte en le conduisant à passer du camp des Libéraux à celui des Royalistes.

    « Les belles âmes arrivent difficilement à croire au mal, à l'ingratitude, il leur faut de rudes leçons avant de reconnaître l'étendue de la corruption humaine. », « Là où l'ambition commence, les naïfs sentiments cessent. », « Il se méprisera lui-même, il se repentira mais la nécessité revenant, il recommencerait car la volonté lui manque, il est sans force contre les amorces de la volupté, contre la satisfaction de de ses moindres ambitions. » écrivit Balzac. Illusions perdues est d’abord cela, l’histoire d’un jeune homme avide d’ascension sociale, de revanche, de réussite, aveuglé par celles-ci. Le romantisme et la naïveté de Lucien Chardon céderont bientôt devant le cynisme et l’ambition de Lucien de Rubempré. « Je ne sais même plus si je trouve le livre bon ou mauvais » dira-t-il ainsi dans le film, tant son opinion est devenue une marchandise qui se vend au plus offrant.

    La reconstitution historique de la vie trépidante et foisonnante de Paris sous la Restauration est minutieuse et limpide aussi (sans jamais être pédant, le film nous parle aussi brillamment de cette époque). Tout virevolte et fuse, les mots et les gestes et les avis, dans ce monde constamment en mouvement dont la caméra de Giannoli épouse avec brio le cadence effrénée telle celle d’Ophuls, une caméra observatrice de ce monde impatient dans lequel le cynisme est toujours aux aguets, au centre du spectacle de la vie dont, malgré les décors et les costumes majestueusement reconstitués, on oublie qu’il est celui du monde d’hier et non d’aujourd’hui tant la tyrannie de l’information et de la rumeur et leur versatilité sont actuelles. Dans son roman, Balzac décrit les débuts du libéralisme économique lorsque l’opinion devient une marchandise mais aussi la réputation, le corps, l’amour. Ainsi, les romanciers mettent en scène des polémiques pour mieux vendre leurs livres, les propriétaires de théâtre ou metteurs en scène paient des figurants pour applaudir un spectacle (ou les concurrents pour les faire huer), les publicitaires et les actionnaires décident de tout et même l’amour devient une marchandise qui permet d’arriver à ses fins. « Une fausse information et un démenti, c’est déjà deux évènements » entend-on ainsi. Un journal est une boutique (comme une chaine de télévision aujourd’hui) alors il faut créer l’évènement, le buzz dirait-on en 2021. L’opinion est devenue un commerce comme un autre. Un outil de l’arrivisme carnassier. Les moyens importent peu, il faut arriver à ses fins (briller, paraître, gagner de l’argent) et, comme chez Machiavel, elles les justifient.

    La voix off n’est pas ici destinée à pallier d’éventuelles carences. Au contraire, elle donne un autre éclairage sur ce monde de faux-semblants et nous fait songer à celles utilisées par les plus grands cinéastes américains. Est-ce qu’il est possible dans ce monde fou de garder le goût de la beauté ? se demande Giannoli. Ce qui est pur semble pourrir de l’intérieur comme le cœur noble de Lucien sera perverti mais surtout comme Coralie et son corps malade dont les bas rouges sont une étincelle de vie, de sensualité, de poésie qui traverse le film et ce théâtre de la vie, vouées à la mort. On retrouve cette sensualité dans les mouvements de caméra qui nous emportent dans leur flamboyance et qui me rappellent ces plans étourdissants dans un autre film de Giannoli, « À l’origine », quand il filmait ces machines, véritables personnages d’acier, en les faisant tourner comme des danseurs dans un ballet, avec une force visuelle saisissante et captivante, image étrangement terrienne et aérienne, envoûtante.

    Le casting est aussi pour beaucoup dans cette réussite. À commencer par Benjamin Voisin qui crevait déjà l'écran dans Eté 85 de François Ozon qui, au bout de quelques minutes, m’a fait oublier l’image de Lucien de Rubempré que je m’étais forgée. Le héros de Balzac aura désormais ses traits, sa naïveté, sa fougue, son cynisme, sa vitalité, sa complexité (c’est aussi une richesse de cette adaptation de ne pas en faire un personnage manichéen) auxquels il donne corps et âme avec une véracité déconcertante. Il EST Lucien qui évolue, grandit, se fourvoie puis chute, Lucien ébloui par ses ambitions et sa soif de revanche jusqu’à tout perdre, y compris ses illusions. Vincent Lacoste est tout aussi sidérant de justesse dans le rôle d’Etienne à la fois charmant et horripilant. Xavier Dolan aussi dans le rôle de Nathan, un personnage qui est une judicieuse idée parmi d’autres de cette adaptation. Jeanne Balibar est une Marquise d'Espard manipulatrice et perfide à souhait. Cécile de France est, comme toujours, parfaite. Gérard Depardieu en éditeur qui ne sait ni lire ni écrire mais très bien compter bouillonne et tonitrue avec ardeur, Louis-Do de Lencquesaing est irréprochable en patron de presse, Jean-François Stévenin aussi en cynique marchant de succès et d’échecs, sans oublier Salomé Dewaels, vibrante Coralie qui a l’intelligence du cœur qui se donne sans retenue, corps et âme, telle que je l’aurais imaginée. Il faudrait encore parler de la photographie de Christophe Beaucarne et de la musique, notamment de Schubert, qui achèvent de nous transporter dans ce monde d’hier qui ressemble à s’y méprendre à celui d’aujourd’hui.

     Cette adaptation d’un classique de la littérature qu’est Illusions perdues est tout sauf académique. Cette satire de l’arrivisme, du théâtre des vanités que furent et sont encore Paris et le monde des médias, des « bons » mots, armes vengeresses qui blessent et tuent parfois, est d’une modernité époustouflante comme l’était l’œuvre de Balzac. Bien sûr, comme le roman, l’adaptation de Giannoli n’est pas seulement une peinture sociale mais aussi un film d’amour condamné sur l’autel d’une fallacieuse réussite.

    « L'amour véritable offre de constantes similitudes avec l'enfance : il en a l'irréflexion, l'imprudence, la dissipation, le rire et les pleurs. » écrivit ainsi magnifiquement Balzac dans Illusions perdues.

    Si, comme moi, vous aimez passionnément Balzac, son écriture, ses peintures de la société et des sentiments et leurs illusions (nobles, sacrifiés, sublimés, éperdus, terrassés), alors cette adaptation parfois intelligemment infidèle mais toujours fidèle à l’esprit de l’œuvre devrait vous séduire. Et si vous ne connaissez pas encore ce roman alors la modernité, la beauté, la clairvoyance et la flamboyance de cette adaptation devraient vous donner envie de le dévorer surtout que vous ne verrez pas passer ces 2H29 absolument captivantes qui s’achèvent sur cette citation de Balzac terrible et sublime : « Je pense à ceux qui doivent trouver quelque chose en eux après le désenchantement ».

    J’en profite pour vous recommander la visite de la remarquable Maison Balzac à Paris, située rue Raynouard, dans le 16ème. C’est là que Balzac a corrigé l’ensemble de la Comédie humaine, de 1840 à 1847. Dans son bureau, on retrouve ainsi, non sans émotion, sa chaise et sa petite table de travail mais aussi des manuscrits, des bustes et des épreuves qui démontrent son perfectionnisme...

     

     

     

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  • Critique - THE FATHER de Florian Zeller

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    Il y a parfois des brûlures nécessaires pour nous rappeler la glaçante vanité de l’existence mais aussi pour nous rappeler de ne pas oublier l’essentiel : les sentiments, la fugacité du bonheur et de la mémoire, la fuite inexorable du temps qu’une montre ne suffit pas à retenir (ce n’est pas un hasard si c’est l’objet auquel s’accroche tant Anthony), la fragilité des êtres car il n’y a guère que sur un tableau (qui d’ailleurs finira aussi par disparaître) qu’une petite fille court sans jamais vieillir, sans jamais s’abîmer, sans jamais devoir mourir. « Je ne me souviens plus du film, mais je me souviens des sentiments » entend-on ainsi le personnage incarné Jean-Louis Trintignant dire en racontant une anecdote à son épouse, victime d’une attaque cérébrale, dans « Amour » d’Haneke, film dans lequel ces deux octogénaires sont enfermés dans leur appartement, unis pour un ultime face à face, une lente marche vers la déchéance puis la mort. Un « Impromptu » de Schubert accompagne cette marche funèbre. Dans « The Father », Anthony lui aussi a son appartement pour seul univers et la musique pour compagnie (« Norma » de Bellini, « Les Pêcheurs de perles » de Bizet). De l’autre côté de sa fenêtre, la vie s’écoule, immuable, rassurante, mais à l’intérieur de l’appartement, comme dans son cerveau, tout est mouvant, incertain, fragile, inquiétant. Un labyrinthe inextricable, vertigineux. Peu à peu le spectateur s’enfonce avec lui dans ce brouillard, plonge dans cette expérience angoissante. Les repères spatio-temporels se brouillent, les visages familiers deviennent interchangeables. Dans chaque instant du quotidien s’insinue une inquiétante étrangeté qui devient parfois une équation insoluble. Une mise en scène et en abyme de la folie qui tisse sa toile arachnéenne nous envahit et progressivement nous glace d’effroi.  Pour cela nul besoin d’artifices mais un scénario, brillant, de Christopher Hampton et Florian Zeller, qui nous fait expérimenter ce chaos intérieur. L’interprétation magistrale d’Anthony Hopkins y est aussi pour beaucoup, jouant de la confusion entre son personnage (qui s’appelle d’ailleurs, à dessein, Anthony) et l’homme vieillissant qui l’incarne. Comment ne pas être bouleversée quand « The Father » redevient un enfant inconsolable secoué de sanglots, réclamant que sa maman vienne le chercher, l’emmener loin de cette prison mentale et de cette habitation carcérale ? Quand je suis sortie de la salle, une chaleur, accablante, s’est abattue sur moi, ressentie comme une caresse, celle de la vie tangible et harmonieuse, une respiration après ce suffocant voyage intérieur, me rappelant cette phrase du film : « Et tant qu’il y a du soleil il faut en profiter car cela ne dure jamais. »  
    Une brûlure décidément nécessaire.  Pour mieux savourer la sérénité de ces feuilles qui bruissent, là, de l’autre côté de la fenêtre, avant ou après la tempête. Ou la beauté d’un Impromptu de Schubert.

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  • Critique - DRUNK de Thomas Vinterberg

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    « Le tact dans l'audace, c'est de savoir jusqu'où on peut aller trop loin » selon Cocteau. Citation qui, en plus de celles si judicieusement choisies de Kierkegaard qui l’émaillent, pourrait aussi s’appliquer au SENSATIONnel « Drunk » de Vinterberg. J’emploie à dessein l’adjectif « sensationnel » car il s’agit réellement d’un film de sensations, d’envies, de désirs, de vibrations. Quelle meilleure façon de se griser à nouveau de cinéma qu'en choisissant un film qui parle d'ivresse et d’acceptation de la vanité de l’existence, un film qui est, aussi, une ode la vie ?

    Quatre amis décident de mettre en pratique la théorie d’un psychologue norvégien selon laquelle l’homme aurait dès la naissance un déficit d’alcool dans le sang. Ce postulat de départ est pour Vinterberg le prétexte à une fable sur la futilité de l’existence qui, un jour ou l’autre, forcément, nous explose en pleine face lorsque les bleus à l’âme deviennent des plaies béantes, lorsque les échecs de la vie d’adulte, l’adieu aux rêves d’enfance et la monotonie des jours subitement nous terrassent. Martin, Tommy, Peter et Nikolaj sont enseignants, la quarantaine. Et leur vie ne ressemble pas à celle dont ils avaient rêvé. Mais, un jour, la vie s’insinue à nouveau. Pour cela, il aura fallu de quelques gouttes d’alcool (au début, bien plus ensuite). La musique redevient un vertige savoureux (Schubert, Chopin, Tchaïkovsky…). Elle fait à nouveau battre les cœurs, intensément. La vie cesse de n’être que devoirs. Elle devient sensations, audaces et défis. On oublie que le monde n’est pas tel qu’on l’imagine. Il s’auréole d’un étourdissement hypnotique. L’ivresse, plus que celle de l’alcool, est celle de la joie retrouvée, de la rage d’exister, du manque de confiance en soi comblé. L’existence est plus légère, soudain. La lumière caresse les visages.   La caméra virevolte, accélère, déraisonne, s’élance, s'emballe comme les cœurs qui battent à nouveau férocement et comme les corps, désinhibés. Mais comme dans « Festen », dès le début, on se doute que la fête finira mal. La musique se transforme alors bientôt en vacarme puis en silence. Et la vie soudain redevient telle qu’elle est et qu’une image la symbolise : un bateau brinquebalant, face au soleil éblouissant et qui, un jour, forcément sera englouti.

    Thomas Vinterberg ne tombe jamais dans les pièges du manichéisme ou du jugement moral. Cette fable brillante nous donne envie de saisir chaque étincelle de vie mais aussi d’accepter et même de revendiquer d’« oser perdre pied momentanément » parce que « Ne pas oser c'est se perdre soi-même ». Alors autant « s’accepter comme sujet faillible pour aimer les autres. »

    Vous quitterez alors la salle chancelants, étourdis, avec en tête cette scène finale grandiose, ce tourbillon de vie et de tourments, où le corps exulte et exalte la vie, le désir et la douleur entremêlés. Plus qu’un film, une expérience qui vous donnera envie de vous envoler vers la vie, de vous abandonner à elle, d’étreindre chaque seconde de cette chevauchée fantastique, périlleuse, violente, vaine mais sublime comme un air de Tchaïkovsky. Et en vous disant « What a life ! » (l’air du trio danois Scarlet Pleasure qui ne vous quittera plus non plus après avoir quitté la salle.)

    Le film a fait partie de la Sélection Officielle Cannes 2020. 

    « La jeunesse
    Un rêve
    L'amour
    Ce rêve »
    Kierkegaard 

     

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  • Documentaire - JANE PAR CHARLOTTE de Charlotte Gainsbourg (Festival du Cinéma Américain de Deauville 2021)

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    Les magnétiques. Tel est le titre du film lauréat du prix d'Ornano-Valenti de ce Festival du Cinéma Américain de Deauville 2021. Tel pourrait aussi être celui de ce documentaire. Parfois les films qui provoquent les voyages les plus intenses ne sont pas les plus clinquants ou démonstratifs. Plutôt que d’évoquer « Dune » (dont le principal mérite de sa projection à Deauville fut de nous permettre de mesurer l’impressionnant son immersif du Centre International de Deauville), quelques mots sur le documentaire projeté dans le cadre de « L’heure de la Croisette » intitulé  « Jane par Charlotte» dans lequel Charlotte Gainsbourg « capture l'instant présent » reprenant ainsi les mots et la démarche de Varda (le titre se réfère à "Jane B. par Agnès V") mais avec sa singularité et sa sensibilité, à fleur de peau. Un dialogue intime mais jamais impudique entre Gainsbourg et Birkin qui, pendant 3 ans et avec un dispositif minimaliste, au gré des voyages, du Japon à la Bretagne en passant par les États-Unis, et au gré de l’évocation des « petits riens » devient un dialogue universel entre une mère et sa fille, un zoom progressif d'une fille sur sa mère, sans fards. Jane Birkin y apparaît telle qu’elle est : sans méfiance, fantasque, empathique. Mais aussi seule, insomniaque, tourmentée. Tourmentée par les deuils et leurs chagrins inconsolables. La maladie. Le drame ineffable la perte de sa fille Kate. Le temps insatiable et carnassier qui altère la beauté et emporte les êtres chers. Au milieu de tout cela, la visite « comme dans un rêve » de la maison de la rue de Verneuil, l'ombre de Serge Gainsbourg et les silences éloquents et émouvants. Le portrait d’une femme majestueuse. Un portrait qui s’achève par la voix mélodieuse et les mots bouleversants de sa fille se livrant à son tour, enfin, et évoquant la peur terrifiante et universelle de la perte de sa mère et qui, par ce film, tente d'appréhender l'inacceptable, de l'apprivoiser, de retenir chaque poussière d’instant en compagnie de celle dont l'intermédiaire de la caméra lui permet paradoxalement de se rapprocher. Un bijou de tendresse et d’émotion portée par une judicieuse BO (de Bach aux interludes électroniques de Sebastian). D’humour aussi, d'humour beaucoup, grâce au regard décalé, espiègle et clairvoyant que Jane Birkin porte sur elle-même, la vie, les autres, mais aussi celui que sa fille porte sur sa mère. Un film comme elles, réservées et terriblement audacieuses : riche de leurs séduisants paradoxes. Léger dans la forme et teinté de touches de gravité. Libre aussi. Et encore cela : délicat, iconoclaste, éperdument vivant et attachant. Un documentaire qui, en capturant le présent et sa fragilité, nous donne une envie folle d’étreindre chaque seconde de notre vie et aux filles de s'accrocher à leurs mères comme elles deux dans ce dernier plan avec l'illusion d'empêcher ainsi l'inexorable, que la vague effroyable de l'impitoyable faucheuse ne les emporte un jour, à tout jamais...
    Je voudrais remonter le temps. Redevenir celle qui, en 1999, avait eu la chance de partager 5 jours mémorables avec Jane Birkin en tant que membre d'un jury qu'elle présidait au Festival du Film Britannique de Dinard (petite digression pour vous dire que la 32ème édition 2021 a lieu en ce moment, jusqu’au 3 octobre). Et lui dire à quel point sa bienveillance, cette confiance sans filtre envers les autres qui transpire dans ce documentaire, m'avaient émue...Et lui dire merci tout simplement.  Alors merci Jane et merci Charlotte Gainsbourg pour ce portrait qui entremêle les émotions, nuancé aussi à l'image du film de clôture de ce festival, le magistral dernier long-métrage de Yvan Attal, "Les choses humaines" dont je vous parlerai plus tard. "Jane par Charlotte" sort en salles le 27 octobre. Et vous l'aurez compris : je vous le recommande vivement. Et j'en profite aussi pour vous recommander un autre documentaire projeté dans le cadre des "Docs de l'oncle Sam" du Festival de Deauville ("L'État du Texas contre Melissa" de Sabrina Van Tassel dont je vous parlais ici il y a quelques jours).

    Rendez-vous sur mon compte instagram (@sandra_meziere) pour retrouver les vidéos de la présentation du film dans le cadre du Festival du Cinéma Américain de Deauville.

  • "L'Etat du Texas contre Melissa" de Sabrina Van Tassel - Festival du Cinéma Américain de Deauville 2021 (Docs de l'Oncle Sam)

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    Quelques mots sur deux poignants documentaires projetés dans au 47ème Festival du Cinéma de Deauville : le premier fut projeté dans la section des "Docs de l'oncle Sam", le deuxième dans le cadre de "L'heure de la Croisette". Difficile a priori de comparer ces deux films même s'ils nous donnent envie de dévorer ou déguster (selon votre appétit de la vie) l'instant présent, car finalement, aussi différents soient leurs sujets, dans les deux la mort plane.


    "L'État du Texas veut me tuer". Ce documentaire commence ainsi, par ces mots terribles de Melissa et par des images chocs : devant les policiers qui l'interrogent et lui demandent de reproduire les gestes qui sont censés avoir provoqué la mort de sa fille, elle frappe violemment le dos d'une poupée symbolisant son enfant. Melissa Lucio reconnaît ainsi les faits dont elle est accusée : avoir provoqué la mort de sa fille de deux ans. Elle devient alors la première femme hispano-américaine condamnée à mort au Texas. Pauvre, droguée, mère de 14 enfants, elle est la coupable idéale...Depuis dix longues années, elle attend en prison l'application de l'implacable sentence. Ne lui reste qu'un seul recours : la cour suprême. Ce documentaire est une passionnante et bouleversante démonstration de son innocence mais aussi pour ceux qui n'en seraient pas encore convaincus, une édifiante démonstration de l'absurdité révoltante et abjecte de la peine de mort.


    Les intérêts politiques (le procureur montre ainsi à ses électeurs qu’il défend une justice intraitable), la corruption, la dissimulation des preuves attestant de son innocence (ses enfants qui l’auraient innocentée n’ont pas été appelés à témoigner), un avocat incompétent ont abouti à cette terrible injustice.

    Sa culpabilité qui apparaissait comme une évidence au début est démontée point par point ensuite et au fur et à mesure que les preuves irréfutables en sa faveur s'accumulent l'empathie du spectateur grandit pour cette accusée victime d'un destin tragique. Melissa a certes reconnu les faits, mais après un interrogatoire de plus de sept heures dans des conditions inhumaines interrogée inlassablement par des policiers menaçants  ayant pour seul objectif de lui faire avouer  alors qu’elle venait de vivre une tragédie, la perte de son enfant.

    Impossible de ne pas être révoltée par le sort inique qui lui est réservé alors que se dessine peu à peu le portrait d'une mère aimante, a fortiori quand un intervenant l’accuse d’avoir mérité ce qui lui arrive car elle a refusé de plaider coupable, ce qui lui aurait permis d’obtenir une peine « plus clémente » de trente années de prison.  


    Ce documentaire, avec une remarquable, rigueur réalise le travail de défense qui a manqué à l'accusé mais témoigne aussi de ce qu’est la peine de mort, un acte illogique et effroyable : le recours d'un État à un crime pour "punir" une personne accusée d'un autre crime ou quand la justice devient vengeance. Le documentaire met également en lumière les failles criantes du système judiciaire américain, véritable machine à broyer les individus.

    Un documentaire qui ne tombe jamais dans le pathos mais qui n'en est pas moins bouleversant, d'autant plus qu'il est porté par une réalisation soignée accompagnée par la BO interprétée en partie par le guitariste Dominic Miller. Un plaidoyer contre la peine de mort dont on ne peut qu'espérer qu'il change le terrible destin qu'il relate...On en ressort secoué, sonné, et plus que jamais indigné contre le non-sens terrifiant que représente la peine de mort...qu'elle s'applique à un coupable ou un innocent comme l'est incontestablement Melissa.


    À suivre, mon avis sur le formidable documentaire "Jane par Charlotte" de Charlotte Gainsbourg...

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  • Festival du Cinéma Américain de Deauville 2021 : programme de la 47ème édition

    Affiche festival du cinéma américain de Deauville 2021.png

    Avec une actualité aussi obscure, le cinéma est moins accessoire que jamais. Pour braquer la lumière sur les ombres du monde. Pour essayer de les éclairer. Mais aussi pour tenter de rêver un peu. Après le Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule, je me réjouis de prendre de nouveau la route des festivals de cinéma le 3 septembre prochain, et de (re)commencer par Deauville et son Festival du Cinéma Américain, ce qui sera pour moi une énième édition de ce festival auquel j'ai le plaisir d'assister depuis tant d'années.

    Le 3 septembre prochain, dans l'impressionnante salle du CID  s'ouvrira ainsi la 47ème édition. Le programme s'annonce foisonnant, surprenant, palpitant. Je vous le détaille ci-dessous mais, en vrac, parmi les films que j'attends impatiemment et ne manquerai pas d'aller voir (lesquels vous donneront déjà une idée de la diversité de la programmation de cette édition) figurent : "Stillwater" de Tom McCarthy (film d'ouverture), "La Fracture" de Catherine Corsini, "Jane par Charlotte" de Charlotte Gainsbourg, "City of lies" de Brad Furman, "Un héros" d’Asghar Farhadi, "L'amour, c'est mieux que la vie !" de Claude Lelouch, "Les choses humaines" d’Yvan Attal (film de clôture), "Blue Bayou" de Justin Chon, "We burn like this" de Alana Waksman etc.

    L’affiche de cette édition rend hommage à un classique du cinéma « L’Affaire Thomas Crown » de Norman Jewison (1968), célèbre pour l'utilisation du split screen, pour sa si sensuelle et troublante partie d’échecs entre Faye Dunaway et Steve McQueen et pour sa bande originale autour de laquelle s'articule le film et la scène mythique précitée.  Michel Legrand obtint ainsi l’Oscar de la meilleure chanson originale pour « The windmills of your mind ». Le remake réalisé par John McTiernan (1999) fut d’ailleurs projeté en avant-première à Deauville. Une affiche qui nous invite à enlacer le présent, l'avenir et à célébrer l'amour du cinéma, pas seulement américain puisque de nouveau cette année le festival s'ouvre à d'autres cinématographies.

    L’an passé, au programme : secrets, solitudes, et maux (deuil, harcèlement) de personnages condamnés au silence, souvent englués dans des difficultés économiques les conduisant au bord du gouffre. En proie à des questionnements identitaires aussi. Des films qui font voler les apparences en éclat. À l’image du Grand Prix 2020, le savamment haletant et féroce « The Nest » de Sean Durkin qui, empruntant les codes du thriller, dissèque le délitement d’une famille causé par la soif de réussite sociale du père. La musique et la mise en scène, d’une élégante précision, épousent l’angoisse qui s’empare de chacun des membres de la famille, isolés dans leurs problèmes comme dans leur manoir britannique d’inspiration hitchcockienne. Noirceur et nuit s’emparent des âmes et des décors. Jusqu’à ce que le jour se lève et que le nid recueille ses occupants. Un scénario ciselé au service du suspense et d’un dénouement d’une logique à la fois implacable. Des films s’achevaient cependant par une lueur d’espoir. Nous laissant avec une image apaisante. La mer, souvent. Un départ salvateur. Une révolte. Comme le retentissant « non » du remarquable « Slalom » de Charlène Favier (prix d’Ornano-Valenti, label Cannes 2020,).

    Cette année, au programme du festival :

     L’HEURE DE LA CROISETTE

    Sous cette appellation sont regroupés les films du Festival de Cannes projetés à Deauville, une section initiée l’an passé qui sera accompagnée et présentée par le Président et le Délégué Général du Festival de Cannes. L’occasion de découvrir ainsi :

    - STILLWATER de Tom McCarthy - Film d'ouverture

    -COMPARTIMENT 6 de Juho Kuosmanen  - Grand Prix (Ex-aequo)

    - JANE PAR CHARLOTTE de Charlotte Gainsbourg

    - JFK L'ENQUETE d'Oliver Stone

    - JULIE (EN 12 CHAPITRES) de Joachim Trier

    - LA FRACTURE de Catherine Corsini

    - UN HÉROS d’Asghar Farhadi Grand Prix (Ex-aequo)

    Le festival ouvre également une nouvelle page avec sa FENÊTRE SUR LE CINÉMA FRANÇAIS avec la création d'une sélection composée de six films présentés en avant-première dont cinq avant-premières mondiales, qui s'ajouteront aux plus de 50 films américains présentés cette année :

    - L’AMOUR, C’EST MIEUX QUE LA VIE ! de Claude Lelouch

    - LES CHOSES HUMAINES d’Yvan Attal - Film de clôture

    - GUERMANTES de Christophe Honoré

    - INEXORABLE de Fabrice du Welz

    - OGRE d'Arnaud Malherbe

    - UNE FEMME DU MONDE de Cécile Ducrocq

    COMPÉTITION

    Comme chaque année depuis 25 ans, les films en compétition seront une radiographie de l’Amérique et un des temps phares du festival. 13 films parmi lesquels les jurys presidés par Charlotte Gainsbourg et Clémence Poésy devront choisir respectivement (notamment) le Grand Prix, le Prix du Jury et le Prix Fondation Louis Roederer de la Révélation. Charlotte Gainsbourg sera accompagnée de : Bertrand Bonello, Delphine de Vigan, Mickhaël Hers, Fatou N'Diaye, Denis Podalydès, Marcia Romano, SebastiAn. Clémence Poésy sera entourée de :  Céleste Brunnquell, India Hair, Lomepal, Kacey Mottet Klein.

    Avec cette année, au programme :

    - BLUE BAYOU de Justin Chon

    - CATCH THE FAIR ONE de Josef Kubota Wladyka

    - DOWN WITH THE KING de Diego Ongaro

    - JOHN AND THE HOLE de Pascual Sisto

    - LA PROIE D’UNE OMBRE de David Bruckner

    -.PIG de Michael Sarnoski

    - PLEASURE de Ninja Thyberg

    - POTATO DREAMS OF AMERICA de Wes Hurley

    - RED ROCKET de Sean Baker

    - THE LAST SON de Tim Sutton

    - THE NOVICE de Lauren Hadaway

    - WE ARE LIVING THINGS d’Antonio Tibaldi

    - WE BURN LIKE THIS d’Alana Waksman

    5 FILMS ÉVÉNEMENTS

    Cette année à Deauville, c’est bien tout le cinéma américain que nous pourrons voir, puisqu’en dehors de la compétition, du cinéma indépendant et des documentaires, cinq films événements seront présentés :

    - STILLWATER de Tom McCarthy

    - THE CARD COUNTER de Paul Schrader

    - FLAG DAY de Sean Penn

    - CITY OF LIES de Brad Furman,

    - DUNE de Denis Villeneuve

    LES PREMIERES

    - CITY OF LIES de Brad Furman

    - DUNE de Denis Villeneuve

    - FLAG DAY de Sean Penn

    - KATE de Cédric Nicolas-Troyan

    - OSLO de Bartlett Sher

    - OUPS J’AI ENCORE RATE L’ARCHE ! de Toby Genkel & Sean McCormack

    - THE BETA TEST de Jim Cummings & PJ McCabe

    - THE CARD COUNTER de Paul Schrader

    - UN FILS DU SUD de Barry Alexander Brown

    Initié en 2011 par le Festival du cinéma américain de Deauville, le NOUVEL HOLLYWOOD est un prix qui salue le talent, la passion et l’engagement de comédiens et comédiennes sur le sentier de la création. Ces interprètes émergents sont les visages du cinéma de demain. Cette année, le Nouvel Hollywood est décerné à Dylan Penn.

    RENCONTRES PUBLIQUES

    Une rencontre publique avec Johnny Depp et une autre avec Oliver Stone constitueront aussi des évènements incontournables de cette édition. Dans sa volonté de transmission et de partage, le Festival de Deauville organise en effet deux rencontres publiques. Les festivaliers pourront échanger avec Johnny Depp le dimanche 5 septembre à l’occasion de sa venue pour le film CITY OF LIES de Brad Furman. Oliver Stone sera lui présent à Deauville pour une rencontre le samedi 4 septembre, à l'occasion de la présentation de son documentaire JFK L'ENQUÊTE.

    DOCS DE L’ONCLE SAM

    Comme chaque année, la section « Docs de l’Oncle Sam » nous proposera des documentaires qui seront aussi autant de visages de l’Amérique.

    - BIRDS OF AMERICA de Jacques Loeuille

    - JFK REVISITED: THROUGH THE LOOKING GLASS d’Oliver Stone

    - JIM CARREY, L’AMERIQUE DÉMASQUÉE d’Adrien Dénouette & Thibaut Sève

    - L’ÉTAT DU TEXAS CONTRE MELISSA de Sabrina van Tassel

    - MICHAEL CIMINO, UN MIRAGE AMÉRICAIN de Jean-Baptiste Thoret 

    - VAL de Leo Scott & Ting Poo

    PRIX D’ORNANO-VALENTI

    Lors de la cérémonie du palmarès du Festival du cinéma américain de Deauville, le Prix d’Ornano-Valenti 2021 sera officiellement remis par Jean-Guillaume d’Ornano, Président du jury du Prix d’Ornano-Valenti composé de journalistes anglo-saxons, au long métrage français LES MAGNÉTIQUES de Vincent Maël Cardona. Ce prix a révélé de nombreux cinéastes. A ne pas manquer également !

    Rendez-vous du 3 au 12 septembre pour la 47ème édition du festival.

    Retrouvez mon bilan de l'édition 2020 dans le magazine annuel Normandie Prestige 2021 paru en juillet 2021.

    Suivez-moi en direct du festival sur instagram (@sandra_meziere).

    Retrouvez la grille de programmation et réservez vos pass  sur le site officiel du festival : festival-deauville.com.

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  • Lauréate du Grand Prix du Court de Short Edition Printemps 2021

    l'impasse des ombres.jpg

    Lauréate ! Je vous avais parlé en juin de cette nouvelle finaliste du Grand Prix de Short Édition. Le jury a livré son verdict : ma nouvelle est lauréate du Grand Prix sur environ 2000 textes initialement envoyés !

    Il s'agit de ma troisième nouvelle lauréate d'un Grand Prix de Short Édition. Vous pourrez aussi bientôt (en janvier 2022) me retrouver en librairie avec une longue nouvelle inédite publiée dans une célèbre maison d'édition, que j'apprécie tout particulièrement. En attendant de pouvoir vous en dire plus sur cet exaltant projet et sur l'éditeur qui me publiera, pour lire "L'impasse des ombres", ma nouvelle lauréate du Grand Prix, c'est ici.

    Si vous voulez lire d'autres nouvelles, vous trouverez l'ensemble de mes nouvelles écrites pour Short Édition ici.

    Vous pouvez aussi désormais lire le recueil contenant "Les âmes romanesques", ma nouvelle lauréate du Prix du 2e roman Alain Spiess  directement sur mon blog via ce lien (à retrouver aussi en haut à droite de cette page de blog).

     

    J'en profite enfin  pour vous rappeler que le recueil "Les illusions parallèles" (16 nouvelles  sur le cinéma, Les éditions du 38, 2016) est en promotion dans sa version numérique, jusqu'au 22 août.

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