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DOCUMENTAIRES

  • Critique de VISAGES VILLAGES d’Agnès Varda et JR

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    Que de poésie dans ce film, révélateur de la profondeur, la noblesse, la beauté et la vérité des êtres ! Présenté hors-compétition du dernier Festival de Cannes où il a reçu le prix L’œil d’or du meilleur documentaire, il est coréalisé par Agnès Varda et JR.

    Agnès Varda et JR ont des points communs : passion et questionnement sur les images en général et plus précisément sur les lieux et les dispositifs pour les montrer, les partager, les exposer. Agnès a choisi le cinéma. JR a choisi de créer des galeries de photographies en plein air. Quand Agnès et JR se sont rencontrés en 2015, ils ont aussitôt eu envie de travailler ensemble, tourner un film en France, loin des villes, en voyage avec le camion photographique (et magique) de JR. Hasard des rencontres ou projets préparés, ils sont allés vers les autres, les ont écoutés, photographiés et parfois affichés. Le film raconte aussi l’histoire de leur amitié qui a grandi au cours du tournage, entre surprises et taquineries, en se riant des différences.

    Dès le générique, le spectateur est saisi par la délicatesse et la poésie. Poésie ludique des images. Et des mots, aussi : « tu sais bien que j’ai mal aux escaliers » dit Agnès Varda lorsqu’elle peine à rejoindre JR, « Les poissons sont contents, maintenant ils mènent la vie de château» à propos de photos de poissons que l'équipe de JR a collées sur un château d’eau.

    « Le hasard a toujours été le meilleur de mes assistants », a ainsi déclaré Agnès Varda et en effet, de chacune de ces rencontres surgissent des instants magiques, de profonde humanité. Sur chacun des clichés, dans chacun de leurs échanges avec ces « visages » affleurent les regrets et la noblesse de leurs détenteurs.

    En parallèle de ces explorations des visages et des villages, se développe l’amitié entre ces deux humanistes qui tous deux ont à cœur de montrer la grandeur d’âme de ceux que certains appellent avec condescendance les petites gens (terme qui m’horripile), de la révéler (au sens photographique et pas seulement).

    En les immortalisant, en reflétant la vérité des visages que ce soit celui de la dernière habitante de sa rue, dans un coron du Nord voué à la destruction en collant sa photo sur sa maison, à ces employés d'un site chimique,  ils en révèlent la beauté simple et fulgurante. Et nous bouleversent. Comme cet homme à la veille de sa retraite  qui leur dit avoir « l’impression d’arriver au bout d’une falaise et que ce soir je vais sauter dans le vide ». Et dans cette phrase et dans son regard un avenir effrayant et vertigineux semble passer.

    Le photographe de 33 ans et la réalisatrice de « 88 printemps » forment un duo singulier, attachant, complice et attendrissant. Le grand trentenaire aux lunettes noires (qu’Agnès Varda s’évertuera pendant tout le film à lui faire enlever) et la petite octogénaire au casque gris et roux. Deux silhouettes de dessin animé. Les mettre l’un avec l’autre est déjà un moment de cinéma. Tous deux se dévoilent aussi au fil des minutes et des kilomètres de ce road movie inclassable. Et ces visages dont les portraits se dessinent sont aussi, bien sûr, les leur. Ce voyage est aussi leur parcours initiatique. Celui d’un JR gentiment taquin, empathique, et d’une Agnès Varda tout aussi à l’écoute des autres, tantôt malicieuse et légère (impayable notamment quand elle chante avec la radio) tantôt grave et nous serrant le cœur lorsqu’elle dit « la mort j’ai envie d’y être parce que ce sera fini ».

    Ce récit plein de vie et fantaisie est aussi jalonné par l’évocation tout en pudeur de ceux qui ne sont plus, du temps qui efface tout (parce que photographier les visages c’est faire en sorte qu’ils « ne tombent pas dans les trous de la mémoire ») comme la mer qui engloutit ce portrait de cet ami d’Agnès Varda qui avait pourtant été soigneusement choisi pour être collé sur un bunker en bord de mer. Et la nostalgie et la mélancolie gagnent peu à peu du terrain jusqu’à la fin. Jusqu’à cette « rencontre » avec le « redoutable » Jean-Luc Godard qui donne lieu à un grand moment de cinéma poignant et terriblement cruel. Jusqu’au lac où la vérité et le regard sont, enfin, à nu. Et le nôtre embué de larmes.

    Ajoutez à cela la musique de M. Et vous obtiendrez une ode au « pouvoir de l’imagination », un petit bijou de délicatesse et de bienveillance. Un pied de nez au cynisme. Passionnant. Poétique. Surprenant. Ensorcelant. Emouvant. Rare. A voir absolument.

     

  • Critique de HUMAN de Yann Arthus-Bertrand ( Semaine du Cinéma Positif - Cannes 2017)

    Dans le cadre de la Semaine du Cinéma Positif (dont je vous ai parlé, ici) sera projeté le film HUMAN de Yann Arthus-Bertrand, le 22 mai, en présence de ce dernier, de Jacques Attali et du Maire de Cannes, David Lisnard. Retrouvez ma critique du film, ci-dessous.

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    Après avoir été présenté au siège des Nations Unies à New York, à la Mostra de Venise (hors compétition) et à la Fête de l’humanité, le même jour et dans sa version cinématographique, ainsi que dans 500 cinémas en France, « Human », le documentaire de Yann Arthus-Bertrand a été diffusé le 29 septembre, à 20H55, sur France 2. C’est cette version (plus courte que la version cinématographique mais non moins intense) dont je vous parle aujourd'hui.

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    « Home », le précédent film de Yann Arthus-Bertrand sorti en 2009 était un hymne à la terre qui nous expliquait que, en 200 000 ans d’existence, l’Homme avait rompu un équilibre fait de près de 4 milliards d’années d’évolution. Certaines images restent encore gravées dans ma mémoire : ces tours insolentes et dévastatrices qui conquièrent le ciel de Shanghai (3000 tours érigées en 20 ans), ces villes tentaculaires qui se gorgent d’eau face à ces étendues asséchées, dans d’autres endroits de la planète, où elle est une quête quotidienne et vitale (500 millions d’Hommes habitent ainsi des contrées désertiques !), cette sidérante standardisation, jusqu’aux pavillons de Pékin qui ressemblent à s’y méprendre à ceux de Palm Springs, autant de témoignages de la construction à outrance, comme encore la monstruosité bétonnée de Dubaï qui contraste tellement avec l’image sublimement   simple et rare qui lui succède, celle d’une baleine qui nage dans la mer. Je me souviens aussi de l’exemple très parlant de l’île de Pâques où la civilisation n’a pas survécu après avoir été exploitée jusqu’au bout, autrefois une des plus brillantes.   Plus manichéen que « Human », « Home » opposait ainsi la culture dévastatrice à la nature bienveillante, une opposition alors appuyée par une musique angoissante lorsqu’étaient montrées des mégalopoles ou une musique lénifiante et rassurante quand il s’agissait des paysages vierges de toute habitation.

    Six ans plus tard sort donc « Human », un projet salutairement fou, incroyablement ambitieux, utopiste, (planétaire !), dont la réalisation a nécessité 3 ans, 110 tournages dans 65 pays, pour recueillir 2020 récits de vie dans pas moins de 63 langues grâce à une équipe de 16 journalistes, 20 chefs-opérateurs, 5 monteuses et 12 personnes pour la production.

    Quels que soient le pays, les cultures, l’âge ou les religions, les personnes qui ont recueilli les témoignages ont soumis aux participants les mêmes questions essentielles autour de la condition humaine, ces questions que nous préférons en général ne pas nous poser car elles nous mettent face à la vanité, peut-être la vacuité, en tout cas la finitude de nos existences :

    Vous sentez-vous libre ? Quel est le sens de la vie ? Quelle est l’épreuve la plus difficile que vous avez dû affronter et qu’en avez-vous appris ? Quel est votre message pour les habitants de la planète ?…

    Ces témoignages sont entrecoupés d’images aériennes inédites d’une beauté vertigineuse, fulgurante, étourdissante qui subliment la planète ou parfois mettent l’accent sur ses drames écologiques.

    D’abord, d’emblée, se succèdent des visages sur fond noir face caméra que cette sobriété met en relief. Autant de regards. D’histoires. D’expressions. Des parcours de vie. Un visage sur lequel coule une larme. Des yeux qui se ferment. Qui ouvrent sur un paysage désertique d’une beauté époustouflante. Tel un rêve. Des hommes gravissent ensuite cette montagne désertique sur laquelle apparaît le titre « Human » comme une parabole de toutes ces destinées éprouvées mais combattives qui vous nous happer dans leurs récits et face auxquelles, cette fois, nous ne pourrons détourner le regard. Une musique qui fend l’âme parachève l’ensemble.

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    Puis cela commence réellement par le témoignage bouleversant d’un homme qui fut battu par son père : « Je me souviens… ». « Pendant de nombreuses années j’ai cru que l’amour devait faire mal. » Je vous laisse découvrir son poignant témoignage comme le seront tous ceux qui vont lui succéder exacerbés par ce dispositif qui donne l’impression que chacun d’entre eux s’adresse directement à nous, qui renforce la résonance de certains drames ou bonheurs, qui renforce la force des mots, des visages, des regards, des silences, annihilant les différences pour souligner les peurs, les révoltes, les aspirations communes. Comme un miroir des nôtres. Des moments de vérité face auxquels il est impossible de rester insensible qui nous bousculent, nous heurtent, pansent -un peu- ou avivent nos plaies par l’écho ou la prise de conscience qu’ils provoquent.

    Ce dispositif singulier nous contraint judicieusement à regarder, à affronter le regard de l’autre alors que notre attention est sans cesse sollicitée, dispersée, aveuglée nous faisant éluder les questions essentielles auxquelles ces témoignages nous confrontent. Pendant les témoignages, d’autres visages défilent sur l’écran, soulignant ainsi l’universalité des propos.

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    Les images aériennes inédites sublimées par une musique ensorcelante signée Armand Amar créent une respiration entre les témoignages et soulignent la beauté sidérante et hétérogène du monde. Le reflet du ciel dans les rizières. Le soleil qui se réverbère dans le bleu azuré de la mer. La spectaculaire et terrifiante fureur des océans. Les méandres improbables et fascinants du salar d’Uyuni en Bolivie. Ces enfants qui chevauchent dans les steppes mongoles. Des images poétiques, envoûtantes, lyriques qui ressemblent parfois à des tableaux abstraits comme un contrepied au réalisme et à la sobriété des témoignages.

    Ces images sont aussi parfois tristement absurdes quand l’humanité et la singularité s’égarent dans l’uniformité que ce soit celle de cette vague humaine de Chinois à Chengdu avec leurs bouées colorées ou celle qui lui succède de cette multitude de mariés en noir et blanc. Comme un écho à ce building avec tous ces bureaux uniformes. Derrière une vitre y apparaît ainsi un homme seul au téléphone. Lui succède l’image d’un homme lui aussi seul sur une montagne dans le désert. Des multitudes. Des solitudes. Par-delà les océans et les frontières. Les disparités et les paradoxes du monde sont alors flagrants et parfois dans un même pays comme le souligne le témoignage de cet homme qui raconte comment, en Inde, ceux qui ont fui à cause de la crise de l’eau se retrouvent, dans le même pays, à construire des buildings avec des piscines à chaque étage rivalisant de gigantisme et de luxe ostentatoires.

    Tant d’images, de visages mais de mots aussi qui vous bousculeront longtemps après la projection  comme ceux de cet enfant, « Je n’ai pas peur de la mort si c’est pour la Syrie », Comme cette femme qui crie « on est train de mourir. Mais personne ne nous écoute. » Et tant d’autres : « Tout cela a fait naître en moi l’amour de la haine, l’amour de la vengeance. L’homme ne nait pas avec ces sentiments-là, ils s’installent avec le temps, avec ce qu’on vit. » A hauteur d’hommes, les témoignages soulignent l’absurdité des conflits récurrents qui déchirent la planète à l’image du conflit israélo-palestinien lorsqu’un Palestinien puis un Israélien témoignent de la mort de leurs filles qu’il a provoquée et appellent pareillement au pardon et à la paix.

    « Human » possède la vertu inestimable de donner du temps à la parole et aux silences quand le fonctionnement médiatique actuel, dans l’urgence et dans l’immédiateté, condamne la première à être si souvent résumée, caricaturée, interrompue et le second à être banni alors qu’il peut être, comme il l’est parfois dans ce documentaire, si bavard et riche de sens.

    Bien plus qu’un documentaire et un projet salutairement naïf et pharaonique, « Human » est un voyage émotionnel d’une force redoutable, une démonstration implacable de la réitération des erreurs de l’humanité, une radiographie saisissante du monde actuel, un plaidoyer pour la paix, pour l’écoute des blessures de la planète et de l’être humain dans toutes leurs richesses et leurs complexités, une confrontation clairvoyante, poignante au monde contemporain et à ceux qui le composent.

    Si je ne devais retenir que deux phrases, ce seraient sans doute celles-ci, un appel à l’humanité et aux réminiscences d’enfance, que nous portons tous en nous :

    -« N’oubliez pas qui vous êtes et souriez toujours car sourire est le seul langage universel. »

    -« La vie c’est comme porter un message de l’enfant que tu as été au vieillard que tu seras. Il faut faire en sorte que ce message ne se perde pas en route. »

    Un documentaire nécessaire, d’une bienveillance, d’une empathie et d’une utopie salutaires quand le cynisme ou l’indifférence sont trop souvent glorifiés, et parfois aussi la cause des tourments et les ombres du monde que « Human » met si bien en lumière. Préparez-vous à être emportés par ce torrent d’émotions.  A voir absolument !

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  • Critique de JANIS d'Amy Berg

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    Depuis quelques années, le Festival du Cinéma Américain de Deauville propose une belle sélection de documentaires réunis sous l’intitulé « Les Docs de l’Oncle Sam ». Cette année figuraient au programme : « Altman », « By Sidney Lumet », « Hitchcock Truffaut », « Janis », « Steve McQueen : the man and Le Mans », « This is Orson Welles », « Wolfpack». Même si j’aurais aimé tous les découvrir, il fallait bien faire des choix parmi les différentes sections du festival, le mien, pour les documentaires, s’est orienté vers « Janis » d’Amy Berg (à découvrir en salles en France le 6 janvier 2016) et il s’est avéré judicieux tant ce documentaire est passionnant. Notez qu'il figurait également en compétition du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule 2015.

    Janis que son prénom suffit à désigner, c’est donc Janis Joplin, l’une des plus mythiques chanteuses de rock et de blues de tous les temps mais aussi une écorchée vive, forte et vulnérable, aussi sensible que sa voix était puissante. L’histoire de la courte vie d’une femme passionnée qui changea le cours de l’histoire de la musique, qui a enfreint tous les codes dans sa vie comme dans la musique, se jetant à corps perdu dans l’une comme dans l’autre. Elle décéda ainsi en 1970 à l’âge de 27 ans (le fameux « Club des 27″, l’âge auquel décédèrent les autres légendes du rock : Jim Morrison, Jimmy Hendrix, Kurt Cobain et Amy Winehouse).

    Peut-être, dans son dispositif,, un peu classique pour une femme aussi libre et iconoclaste, « Janis » repose néanmoins sur une belle idée. Celle d’une voix off qui lit des lettres que Janis avait adressées à sa famille créant ainsi une proximité avec le spectateur qui a l’impression de recueillir ses confidences, d’entendre sa voix intérieure aussi fragile que sa musique était puissante.

    Ce dispositif épistolaire permet d’esquisser un portrait plus nuancé et nous donne à voir, derrière les images enfiévrées, fascinantes, explosives, électriques, des concerts, la femme blessée, avide d’amour, à jamais complexée et surtout fragilisée par les humiliations qu’elle a subies dans son enfance.

    Bouleversante est la scène où, devenue une star, elle revient dans son ancien lycée et, où dans sa voix et son regard perdus, à fleur de peau, subsistent les bleus à l’âme de l’enfant blessée qu’elle semble alors être à nouveau et à jamais.

    Se dessine ainsi, derrière l’artiste hors normes, au talent qui transpire l’écran et nous fait frissonner d’émotion, le portrait d’une femme terriblement attachante, sensible, empathique, pétrie d’incertitudes, de manque d’amour et de confiance qu’elle tentait de noyer dans des plaisirs artificiels.

    La fin du documentaire, ce rendez-vous manqué que n’aurait osé inventer le plus audacieux des scénaristes, est absolument bouleversante et nous laissent ko avec une seule envie, entendre à nouveau sa voix immortelle, fiévreuse et incandescente.

  • DOCUMENTAIRE - 7 JOURS A KIGALI de MEHDI BA ET JEREMY FREY

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    France 3, dans sa section « Docs interdits », diffusait hier soir le documentaire du journaliste Mehdi Ba et du réalisateur Jeremy Frey intitulé « 7 jours à Kigali », qu’ils ont coréalisé.

    Dans un flux et flot indifférenciés d’images, de chaînes d’informations qui déversent les nouvelles du monde, par un prisme européocentré, sans discontinuer et sans hiérarchie ou avec une hiérarchie commerciale ou démagogique alors inique, lancées dans une course vaine à l’immédiateté, au sensationnalisme, il devient plus que jamais important mais aussi rare de laisser à la parole le temps de se déployer. C’est d’autant plus crucial lorsqu’il s’agit de drames humains que l’actualité arachnéenne,  en tissant sa toile impitoyable, dévore, raccourcit, résume, tronque. Le documentaire, a fortiori quand il est particulièrement réussi comme celui-ci, est un genre plus que jamais nécessaire lorsqu’il permet cela : laisser le temps au temps. Le temps de ne pas réduire, schématiser, caricaturer,  et  de ne pas faire de son/ses sujet(s) un simple objet de communication et d’audience mais un vecteur de message, d’émotion, de parole, de sens. De mémoire.

    Le Rwanda. Le pays des milles collines à la beauté incendiaire, au cœur de l’Afrique des grands lacs. Mais aussi, à jamais, celui du dernier génocide du 20ème siècle, celui des Tutsis.

    Le film débute par une carte qui situe le Rwanda et par une vue aérienne et, en voix off, des mots qui expriment toute l’admiration des documentaristes pour ce pays bientôt meurtri : « Au cœur de l’Afrique des grands lacs, la ville de Kigali s’étend à perte de vue, de collines en collines. Au printemps 1994, le décor luxuriant de la capitale rwandaise est devenu l’épicentre du dernier génocide du 20ème siècle, celui des Tutsis du Rwanda ».

    Le documentaire débute le 6 avril 1994. Il y a 20 ans, presque jour pour jour. Quelques heures avant la nuit du 6 au 7 avril et le décès du chef de l’Etat. Avant le début d’une mécanique implacable d’une violence aveugle, inouïe, inhumaine. Quelques heures avant le basculement du destin d’un pays. Et de ceux de milliers d’hommes, de femmes, d’enfants.

    Le Mercredi 6 avril 1994, à 20h25, ce sont les prémisses du basculement de l’Histoire du Rwanda dans l’horreur lorsqu’un missile abat l’avion du Président hutu Habyarimana alors qu’il amorce sa descente vers l’aéroport de Kigali. En un rien de temps, Kigali, la capitale rwandaise, s’embrase. Les troupes d’élite de l’armée gouvernementale et les miliciens Interahamwe liés aux partis extrémistes hutus quadrillent les rues. En quelques heures, ils assassinent les principaux responsables de l’opposition ainsi que les personnalités susceptibles d’assurer l’intérim du pouvoir. Sur toutes les collines de Kigali, des barrages sont érigés pour trier la population entre Hutus et Tutsis.  C’est le début de l’extermination des Tutsis, de ce qui sera ensuite nommé par son nom et qui recouvre la barbarie ultime : un génocide, c’est-à-dire l’extermination physique, intentionnelle, systématique et programmée d’un groupe ou d’une partie d’un groupe en raison de ses origines ethniques, religieuses ou sociales.

    A travers le parcours de ceux qui ont vécu ces terribles évènements alors que cette mécanique infernale  pouvait encore être enrayée, c’est-à-dire pendant les 7 jours après l’assassinat du président, le documentaire fait revivre heure par heure cette plongée dans l’inconcevable horreur, telle une enquête criminelle. Des personnes très diverses témoignent alors: rescapés, génocidaires, reporters,  militaires européens, membres du Front Patriotique Rwandais (FPR)…  

    Avec beaucoup de clarté et de pédagogie, en quelques plans et quelques phrases, le documentaire explique tout d’abord comment deux catégories sociales, les Hutus et les Tutsis, qui fondaient un même peuple et vivaient en harmonie, a été divisé par la colonisation. Il explique ensuite la naissance d’un nouveau régime exclusivement hutu, la naissance du FPR (Front Patriotique Rwandais) jusqu‘à la rébellion tutsi qui débute en octobre 1990, puis l’association au gouvernement des Tutsis et Hutus modérés, la création de la Minuar (contigent de l’ONU dépêché sur place), le partage du pouvoir avec les Tutsis, inacceptable pour les Hutus et, ainsi, comment Kigali devient une poudrière prête à exploser dans laquelle « les extrémistes hutus organisent l’apocalypse. »

     Pour nous faire appréhender l’impensable, le documentaire fourmille de bonnes idées, à commencer par celle d’un film choral qui nous permet de nous attacher aux protagonistes et, progressivement, de plonger en empathie avec eux dans ces récits effroyables. Les témoignages alternent avec les images de la vie et de la ville qui palpitent, les images de Kigali nimbée d’une chaleur et d’une beauté incandescentes, celles des silhouettes à la lueur des phares ou d’un soleil insolent ou déclinant, ou la course folle des nuages accompagnant celle aussi démente de l’Histoire. Contraste entre l’horreur absolue et la beauté étourdissante et sereine de Kigali qui renforce encore la dureté poignante du récit. Pas d’archives visuelles d’époque mais des archives sonores et images de la capitale rwandaise filmée en 2013 qui rendent ces récits d’autant plus intemporels, même actuels, et surtout universels. Des images de machettes menaçantes qui effleurent des murs (rouges) ou les images de bâtiments qui portent encore les meurtrissures des balles, les stigmates d’une ville ensanglantée, suffisent. Une cartographie 3D  matérialise la ville, exacerbe l’impression d’un huis-clos inextricable, de prison, de piège, de gouffre sans échappatoire.  La caméra encercle et enserre les maisons des protagonistes tel un piège qui se referme sur eux. Nous les accompagnons dans cette descente aux enfers.

    La radio qui sème l’horreur et la propagande et véhicule un message de haine mais aussi de terrifiants bruits de mitraillettes se superposent sur les images de cette ville filmée aujourd’hui, paisible et envoûtante. Le sentiment d’intemporalité et même contemporanéité, de danger imminent,  est renforcé par ce judicieux hiatus. La musique (très beau thème de Michael Montes)  et le montage accompagnent et soulignent intelligemment le sentiment d’urgence, la montée de l’horreur et de la tension.

     Les protagonistes du génocide livrent leurs témoignages, face caméra, avec un fond sobre, noir, nous incitant à nous concentrer sur les visages,  les émotions, la parole, le récit, créant ainsi dans notre esprit des images plus terribles et réelles que si celles de charniers étaient apparues sous nos yeux. Aucune image du génocide n’est montrée et cela n’en est que plus fort, « parlant ». Leur parole nous saisit, emprisonne, happe sans non plus forcer nos émotions qui jaillissent par la simple force saisissante des témoignages. Le pouvoir des mots à faire naitre des images. Des mots qui frappent, heurtent : « panique », « désespoir », « les corps qui jonchent les rues », « les gens ivres de sang des Tutsis ». Comment relater l’indicible ? L’horreur absolue ?  Peut-être en écoutant ceux qui l’ont vécue… Le récit d’Yvonne (Yvonne Mutimura-Galinier, nutritionniste travaillant sur un projet de coopération franco-rwandaise dont le témoignage alterne avec celui devenu depuis son mari, Pierre Galinier, parallélisme de leurs récits qui décuple l’émotion et la force de leurs témoignages), bouleversante,  donne l’impression de voir les images insoutenables de ce qu’elle vécut se former sous nos yeux.

    Avec les témoignages des victimes alternent ceux des génocidaires qui expliquent froidement qu’on leur avait mis en tête que les Tutsis opprimaient les Hutus depuis toujours, comment ils ont été conditionnés. Valérie Bemeriki, animatrice à la RTLM, radio extrémiste hutue, incarcérée à perpétuité depuis 1999 et Isaac Nkubito, responsable de quartier, parti extrémiste hutu, incarcéré depuis mai 1997 racontent que les Tutsis étaient appelés « cafards », qu’on leur disait « faites-les souffrir ».  Glaçant.

     La complexité de la situation, loin d’être complètement manichéenne, se dessine peu à peu : les Tutsis, certes attaqués mais des Hutus qui défendent les droits de l’Homme, les premières personnalités visées par les tueurs qui sont des Hutus démocrates opposés à la logique raciste du régime comme la Première Ministre Hutu protégée par les Nations Unies. Mais aussi la solidarité de certains Hutus comme Idrissa au péril de sa vie et celle de sa famille qui sauva Immaculée, sa voisine, et ses enfants. Des lueurs salutaires d’humanité au milieu du cauchemar. Surtout s’esquisse peu à peu l’idée que tout était planifié : la propagande, l’élimination maison par maison. L’extermination d’un peuple. Le génocide. Et donc un crime contre l’humanité.

    L’impression que tant de vies auraient pu être épargnées et même que la mécanique aurait pu être enrayée ajoute à l’horreur innommable, au sentiment de révolte que sucite ce formidable documentaire. Ainsi les militaires français et belges chargés des évacuations n’étaient pas censés évacuer les Rwandais ni leur porter secours. Ce qui donna lieu à des situations tragiquement ubuesques.  En effet, malgré la présence de 2500 casques bleus, de soldats belges, français et italiens, aucune force ne s’est interposée face aux miliciens hutus. Un officier de réserve belge, ému (et émouvant) aux larmes, raconte ainsi qu’il est convaincu qu’on pouvait arrêter le génocide très facilement. Il dura pourtant jusqu’à mi-juillet 1994. L’extermination des Tutsis  continuera ainsi cent jours et entraînera la mort d’un million de personnes.

    Le mari d’Yvonne raconte avoir entendu alors comment un journaliste de France 2, d’un air satisfait, annonçait que tous les ressortissants avaient été évacués. Et aujourd’hui, qu’en serait-il ? Avons-nous appris des leçons du passé ? Quand d’autres drames, certes d’une autre nature, se jouent à l’autre bout du monde ( à l’exemple du virus Ebola qui sévit actuellement en Guinée) avons-nous changé notre vision européocentrée du monde ? Les multiples moyens de communication dont nous disposons vingt ans après le génocide rwandais pourraient-il permettre de rendre impossible une telle tragédie? Malheureusement, il est encore permis d’en douter…

    Le film s’achève, nous laissant KO. Me laissant sonnée. Avec, gravés, indélébiles : des noms, des paroles, des visages. Ces visages de victimes, d’enfants filmés au mémorial de Gisozi, à Kigali. L’image de la dignité admirable et les mots du récit d’une horreur foudroyante d’Yvonne qui, paradoxalement, illumine le film de sa présence. La voix et la chanson si touchantes d’Immaculée. Les larmes d’impuissance, de culpabilité, de l’officier de réserve belge. Le nom d’Idrissa. Les paroles de Venuste (« Mon cœur saigne »). Cette balançoire qui tourne à vide, orpheline de ces enfants qui la remplissaient de joie et de vie.  On imagine à quel point recueillir tous ces témoignages a dû être bouleversant. Les entendre l’est déjà tellement. Ce remarquable documentaire donne un visage à l’indicible, met des mots sur l’ineffable, procure une voix et des regards à ces chiffres absurdes, aberrants, inconcevables et pourtant terriblement réels, de victimes (10000 morts par jour !). Un documentaire poignant. Nécessaire comme le sont  »Shoah » ou la série « Apocalypse ». A voir et montrer. Pour éviter l’amnésie ou la réécriture de l’Histoire. Pour réussir, enfin, ce que l’humanité ne parvient toujours pas à faire : tirer les leçons des heures les plus inavouables et sombres de son passé. Porté par une réalisation inspirée, élégante, sensible, respectueuse de la parole, des drames et des émotions des victimes auxquelles il rend magistralement hommage et donne une parole et une voix, ce documentaire nous laisse avec le souvenir glaçant de ces témoignages mais aussi le souvenir de sublimes vues (notamment aériennes) qui immortalisent   la beauté vertigineuse de cette ville auréolée de lumières, malgré ses terribles cicatrices, une ville porteuse d’espoir, si lointaine et soudain si proche de nous.  Grâce à la force poignante des images. Et des mots. Foudroyants. Comme le mariage improbable de la beauté et de l’horreur absolues.

    Produit par Florence Girot et Hélène Badinter, formidablement documenté, grâce aux témoignages judicieusement choisis,  mais aussi remarquablement mis en images qui nous donnent envie de connaître le Rwanda et d’en savoir plus sur son Histoire, a fortiori à l’aube des commémorations des 20 ans du génocide, le documentaire « 7 jours à Kigali »  a reçu le Prix du Jury des Jeunes lors du festival du Film et Forum International sur les Droits Humains de Genève (du 7 au 16 mars 2014). Il est  toujours visible en replay sur France3.fr, ici, et sera à nouveau diffusé sur France 3, le dimanche 6 Avril, à 4H.

    Pour un meilleure lisibilité, retrouvez également cet article sur mon site Inthemoodlemag.com, ici: http://inthemoodlemag.com/2014/04/05/television-%e2%80%93-critique-du-documentaire-%c2%ab-7-jours-a-kigali-%c2%bb-de-mehdi-ba-et-jeremy-frey/

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