Un collège de votants constitué de 80 critiques et journalistes professionnels de cinéma et culture basés à Paris (l’académie des Paris Film Critics) -dont j'ai le plaisir de faire partie- a désigné les meilleurs longs-métrages (sortis en salles ou sur des plateformes durant l’année 2022) et talents du cinéma français et international qui étaient en compétition pour cette 2ème édition des Paris Film Critics Awards.

Le palmarès de la première édition des Paris Film Critics Awards avait couronné beaucoup de films français et avait ainsi témoigné de la diversité de la production cinématographique française en 2021, ce qui fut d'ailleurs à nouveau le cas cette année. C’est ainsi le long-métrage de Xavier Giannoli, Illusions perdues, qui avait reçu le Paris Film Critics Awards du meilleur film tandis que son acteur Vincent Lacoste recevait celui du meilleur second rôle masculin pour cette adaptation magistrale du chef-d’œuvre de Balzac. Vous pouvez retrouver mon compte-rendu complet de cette édition 2021 des Paris Film Critics Awards ainsi que le palmarès, dans mon article, ici.

Créés à l’initiative de Sam Bobino (co-président du Festival du Film de La Baule -retrouvez, ici, mon compte-rendu de l'édition 2022 du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule-, délégué général de la Semaine du Cinéma Positif à Cannes), les 2èmes Paris Film Critics Awards ont été décernés lors d’une cérémonie qui a eu lieu ce dimanche 5 février au cinéma Le Silencio des Prés à Paris.

Au cours de cette cérémonie, l’académie des Paris Film Critics Awards a honoré les membres de l'industrie cinématographique qui ont excellé dans leur domaine durant l’année précédente. À l’image des New York Film Critics Circle Awards, Los Angeles Film Critics Association Awards ou London Critics Film Awards, les Paris Film Critics Awards récompensent chaque année le meilleur du cinéma mondial.

Parmi les nouveautés cette année, la création de deux nouveaux prix, celui des meilleurs décors et de la meilleure série télévisée.

La Nuit du 12 a ainsi été élu meilleur film de l’année. Le film de Dominik Moll a également reçu le prix de la meilleure adaptation et du meilleur second rôle féminin par Anouk Grinberg.

Zabou breitman & Dominik Moll_ (c) Julien Mouffron Gardner Gardner

Ce film inspiré de faits réels, âpre et ciselé, est le septième long-métrage de Dominik Moll. A l’heure où les féminicides demeurent dramatiquement nombreux, ce film est un plaidoyer retentissant, glaçant et vibrant contre les violences faites aux femmes. L’intérêt de l’enquête au cœur du film réside ainsi moins dans la résolution du crime que dans l’auscultation de la vision de la femme par les 6 hommes qui sont les potentiels suspects responsables de l’assassinat d’une jeune femme mais aussi par certains policiers dont les propos font écho à ceux de ces derniers. N'y voyez pas là du manichéisme, bien au contraire ! Les formidables personnages incarnés par Bastien Bouillon et Bouli Lanners viennent les contrebalancer. Bouli Lanners et Bastien Bouillon sont ainsi perdus et tourmentés, et leur désespoir, leur fragilité, leur solitude face à cette affaire irrésolue nous hantent autant que cette dernière après le film. Anouk Grinberg campe aussi une juge profondément humaine.  La procédure est décortiquée mais ce sont surtout les âmes humaines qui le sont comme dans un film de Tavernier (on songe à L627). Le décor de cette vallée grisâtre autour de Grenoble se prête parfaitement à ce thriller sombre. Un film noir dont on ressort bousculé par le portrait de la misogynie « ordinaire. Le dernier plan, celui de l’enquêteur de la PJ qui s'échappe du vélodrome et roule le jour est la respiration tant attendue qui nous marque longtemps après la projection comme ce film qui ne peut laisser indifférent, tant il entre en résonance avec les plaies à vif de notre époque.

Le cinéaste Jean-Jacques Annaud a reçu un prix d’Honneur de la part de la presse, décerné à Claude Lelouch l’an passé, l’occasion pour le réalisateur de Notre-Dame brûle de déclarer avec humour que « le prix est celui des survivants des mauvaises critiques » et que « finalement j’aime assez bien les mauvaises critiques. François Truffaut avait raison: ne lisez pas les critiques. Il faut les lire avec un double décimètre. Ce qui est important, c’est la surface. » L’occasion pour moi de vous recommander à nouveau Or noir (dont je vous parle ici) à l’occasion de la sortie duquel j’avais interviewé le cinéaste, un des films de ce dernier largement sous-estimé. Une fable initiatique flamboyante avec des péripéties haletantes dignes d’une tragédie grecque, un conte qui permet une métaphore d’autant plus maligne des heurts de notre époque, un conte intemporel et très actuel au souffle épique incontestable, aux paysages d’une beauté vertigineuse dans la lignée des films de David Lean. Un cinéma romanesque, flamboyant où tout est plus grand que la vie sans pour autant en être totalement déconnecté mais qui en est au contraire le miroir réfléchissant (dans les deux sens du terme). Un film emp(h)athique qui rend hommage à ces terres lointaines et plus largement au cinéma qu’il montre à l’image du désert : une redoutable splendeur à côté de laquelle le spectateur se sent dérisoire mais tellement vivant. Fin de digression...

Benoit Magimel (c) Julien Mouffron-Gardner

L’acteur Benoît Magimel a reçu le prix du meilleur acteur pour Pacifiction, le film d’Albert Serra qui remporte aussi deux autres trophées, celui de la meilleure photographie et des meilleurs décors.

Roschdy Zem, quant à lui, a reçu le prix du meilleur acteur dans un second rôle pour L’Innocent, de Louis Garrel (celui de la meilleure actrice dans un second rôle revenant à sa partenaire dans le film Anouk Grinberg, également récompensée pour La Nuit du 12).

Le compositeur Alexandre Desplat a reçu le prix de la meilleure musique pour Pinocchio de Guillermo del Toro.

Parmi les autres trophées, celui de la meilleure actrice a été décerné à Virginie Efira pour Revoir Paris de Alice Winocour, film dans lequel elle incarne Mia, prise dans un attentat dans une brasserie parisienne. Trois mois plus tard, alors qu’elle n’a toujours pas réussi à reprendre le cours de sa vie et qu’elle ne se rappelle l’évènement que par bribes, Mia décide d’enquêter dans sa mémoire pour retrouver le chemin d’un bonheur possible. Alors forcément, impossible de ne pas être bouleversée par ce Revoir Paris qui résonne en nous, que nous ayons vécu ce traumatisme ou un autre. Nous pensons à toutes ces âmes blessées pour qui « revoir Paris » doit être encore si difficile et qui y déambulent, anonymes, comme si de rien n’était, mais blessés dans leur chair et dans leur âme. La grande force de ce film est sa pudeur. L’émotion n’en est pas moins palpable. Quand on balaie les fleurs déposées en mémoire des victimes Place de la République, comme s’il s’agissait de vulgaires détritus, ou quand une jeune fille qui a perdu ses parents dans l’attentat cherche à retrouver dans le tableau éponyme le détail des Nymphéas figurant sur la carte qu’ils lui avaient envoyée, avant de mourir dans l’attentat. Mais ce film, ce n’est pas seulement celle d’êtres brisés, c’est aussi celle d’êtres qui ensemble cheminent vers la reconstruction, qui tissent des liens et un chemin vers la lumière, qui après cela se posent les questions sur le bonheur, ou qui encore sans se connaître se sont tenus la main, au sens propre comme au sens figuré. Si Mia « revoit » Paris, c’est aussi parce qu’elle la voit autrement, mais aussi qu’elle voit sa vie autrement. Elle souffre du trouble de « la mémoire récurrente involontaire » et va essayer de reconstituer les fils de cette effroyable soirée. Revoir Paris, c’est avant tout une histoire de résilience. Une fois de plus, Virginie Efira est troublante de justesse, de nuance, d’émotions, de force et fragilités mêlées. Force et fragilité mêlées, c’est aussi ce qui définit le personnage de Benoît Magimel. Un film d’une rare sensibilité, celle qu’il fallait pour traiter de ce sujet si récent et présent dans les mémoires. Mais aussi un film sur la mémoire traumatique qui donne des visages à cette épreuve collective avec délicatesse et dignité. Un poignant élan de vie, de réconciliation (avec soi, le passé) et d’espoir.

Le prix du Meilleur réalisateur a été décerné à James Cameron pour son film Avatar : la voix de l’eau, qui atteindra le chiffre des 13 millions d’entrées en France cette semaine.

Un prix pour l’ensemble de sa carrière a été décerné au cinéaste culte américain de 96 ans, Roger Corman.

Le prix du meilleur premier film a été attribué au remarquable Falcon Lake de Charlotte Le Bon qui avait déjà reçu le prix D’Ornano-Valenti du dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville. Une histoire d'amour et de fantômes. Ainsi le pitch officiel présente-t-il ce premier long-métrage de Charlotte Le Bon également projeté à la Quinzaine des Réalisateurs 2022. Pour son premier long-métrage, Charlotte Le Bon a choisi de porter à l’écran le roman graphique de Bastien Vivès, Une sœur. Cette adaptation très libre le transpose de la Bretagne à un lac des Laurentides, situé au Québec, au Nord-Ouest de Montréal. C’est là, pendant l’été, qu’un jeune Français, Bastien (Joseph Engel), ses parents et son petit frère viennent passer quelques jours, dans un chalet situé au bord d’un lac où sa mère québécoise (Mona Chokri) venait déjà avec son amie d’enfance. Il est décidé que Bastien dormira dans la même chambre que Chloé (Sara Montpetit), de trois ans son ainée. Une adolescente frondeuse, étrange et un peu fantasque. Chloé, qui passe d’habitude son temps avec des garçons plus âgés qu’elle, est d’abord contrariée par l’arrivée de celui qu’elle considère comme un enfant. Bastien qui a 13 ans « bientôt 14 » n’en est pourtant plus tout à fait un. Il éprouve immédiatement de la fascination pour Chloé. Cette dernière en joue. Mais n’est-ce véritablement qu’un jeu entre celui qui se cherche et celle qui pense n’avoir sa place nulle part ? Les deux adolescents se rapprochent peu à peu…Cela commence comme un conte funèbre. Un plan sur un lac sur lequel on distingue ensuite comme un corps mort qui flotte à la surface.  Puis le corps prend vie. Ensuite, une voiture s’engouffre dans une forêt dense et mystérieuse, à la fois admirable et presque menaçante. Dans la voiture qui s’enfonce dans cette forêt, Bastien touche son petit frère qui ne s’en rend pas compte, comme s’il était une présence fantomatique. La famille entre ensuite dans un chalet plongé dans l’obscurité. Toute la puissance énigmatique et ensorcelante du film est déjà là, dans ces premiers plans. En effet, dès le début, dans ce chalet isolé au milieu de cette nature aussi captivante qu’inquiétante, une indicible menace plane. Ce mélange de lumière et d’obscurité, de candeur et de gravité, instaure d’emblée une atmosphère singulière. Cet été flamboyant contraste avec la rudesse de l’hiver à venir, et rend chaque minute plus urgente, faussement légère et presque brusque. Comme une allégorie de l’adolescence… Baignade dans la nuit, ombres sur les murs...: Charlotte Le Bon s’amuse avec les codes du film de genre. Quand Chloé apparaît la première fois, c’est de dos, comme un fantôme. Ces fantômes dont l’adolescente ne cesse de parler. La mort est là qui rode constamment. Bastien raconte qu’il a peur de l’eau, ayant failli se noyer petit. Chloé s’amuse à disparaître dans l’eau. Elle joue à la morte et dit « j’ai pas l’air assez morte ». Elle s’approche de Bastien pour lui faire peur, déguisée en fantôme. Ils jouent à se mordre jusqu’au sang. Bastien trouve un animal mort. Il s’adonne à une danse endiablée avec un masque fantomatique sur le visage etc.Tout cela ressemble-t-il encore à des jeux d’enfant ? Pour aller à une soirée, Chloé habille Bastien comme elle le ferait avec une poupée ou un enfant et pour désamorcer une éventuelle ambiguïté lui dit que « Les petites filles vont devenir folles ». Chloé et Bastien aiment jouer à se faire peur, à se draper d’un voile blanc pour jouer aux fantômes, à feindre la mort. Chloé photographie ainsi Bastien recouvert d’un voile blanc près d’un arbre mort. Et Chloé est surtout obsédée par la présence d’un fantôme suite à une mort accidentelle dans la partie sauvage du lac, une mort dont elle semble la seule à avoir entendu parler. Ce récit initiatique est envoûtant du premier au dernier plan. Chloé et Bastien sont à une période charnière où tout est urgent, où les émotions sont à fleur de peau. D’un instant à l’autre, dans ce décor de fable, tout semble pouvoir basculer dans le drame. La réalisation particulièrement inspirée de Charlotte Le Bon, entre plans de natures mortes et images entre ombre et lumière (sublime photographie de Kristof Brandl), avec son judicieux mode de filmage (pellicule 16mm), plonge le film dans une sorte de halo de rêve nostalgique, comme un souvenir entêtant. Le format carré en 4/3 semble être un hommage au film A ghost story. Dans ce long-métrage de David Lowery, un homme décède et son esprit, recouvert d'un drap blanc, revient hanter le pavillon de banlieue de son épouse éplorée, afin de tenter de la consoler. Mais il se rend vite compte qu’il n’a plus aucune emprise sur le monde qui l’entoure, qu’il ne peut être désormais que le témoin passif du temps qui passe, comme passe la vie de celle qu’il a tant aimée. Fantôme errant confronté aux questions profondes et ineffables du sens de la vie, il entreprend alors un voyage cosmique à travers la mémoire et à travers l’histoire. Dans ce conte poétique et philosophique sur le deuil, l’absence, l’éphémère et l’éternel, l’impression d’étirement du temps est renforcée par le format 4/3, un film inclassable qui remuera les entrailles de quiconque aura été hanté par un deuil et la violence indicible de l’absence. Cette référence n’est certainement pas un hasard tant le scénario de Charlotte Le Bon et François Choquet est d’une précision remarquable. D'une précision (et d'une justesse) remarquable, les deux jeunes comédiens qui insufflent tant de véracité à cette histoire aux frontières du fantastique le sont aussi. Le travail sur le son est également admirable, qu’il s’agisse des sons de la nature mais aussi des sons du monde des adultes comme un bruit de fond étouffé, lointain, appartenant à une autre réalité ou tout simplement même à la réalité. La musique de Shida Shahabi à l’aura fantastique et mélancolique, est aussi un acteur à part entière. Elle vient apporter du mystère et de l’angoisse dans des moments plus légers. Elle ne force jamais l’émotion mais la suscite et nous intrigue comme lorsque quelques notes plus tristes viennent se poser sur des moments joyeux pour nous signifier qu’ils appartiennent peut-être déjà au passé. « Certains fantômes ne réalisent pas qu'ils sont morts. Souvent c'est des gens qui n'étaient pas près de mourir, ils vivent avec nous sans pouvoir communiquer avec personne » dit ainsi Bastien à un moment du film. Une phrase qui résonnera d’autant plus fort après cette fin, ce plan de Chloé face au lac, avec sa mèche blonde, qui se tourne à demi quand Bastien l’appelle. Une fin entêtante, magnifique, énigmatique qui fait confiance au spectateur et au pouvoir de l’imaginaire. Une fin comme ce film, magnétique, dont le fantôme ne cessera ensuite de nous accompagner…Une histoire d’amour et de fantômes, certes, mais surtout une exceptionnelle et sublime histoire d’amour et de fantômes  qui vous hantera délicieusement très longtemps.

Enfin, Decision to leave de Park Can-Wok a été récompensé pour son montage. Dans ce film, Hae-Joon, détective chevronné, enquête sur la mort suspecte d’un homme survenue au sommet d’une montagne. Bientôt, il commence à soupçonner Sore, la femme du défunt, tout en étant déstabilisé par son attirance pour elle. Ce onzième long-métrage de Park Chan-wook (qui n’avait pas réalisé de long-métrage depuis 6 ans) est un peu la quintessence de son cinéma, avec certes moins de violence que dans ses précédents films mais plus que jamais ce sens aiguisé de la mise en scène. Evidemment, on pense à Vertigo d’Hitchcock (1958 – Sueurs froides) à la lecture de ce pitch faisant écho à celui du film en question du maître du suspense dans lequel un enquêteur tombe amoureux de la femme qu’il doit surveiller. Les personnages, dans une sorte de mise en abyme du cinéma, jouent constamment un rôle, si bien que la frontière entre vérité et mensonge est très floue. C’est aussi le cas ici, dans ce film noir dans lequel le polar est avant tout un prétexte à une poignante histoire d’amour qui commence en haut d’une montagne et s’achève sous la mer. Entre les deux, se déroule pour le spectateur un voyage sinueux, à la fois captivant et opaque. La mise en scène d’une élégance rare interroge le réel et la vérité. Elle joue constamment avec les focales, le flou, les amorces, le premier et le second plan...et se joue de nous aussi, y compris avec le titre, également à double sens (qui s'avère bouleversant au dénouement). Le suspense plus que celui du polar est celui du désir, latent, constant. Ce n’est pas un film facile mais si on accepte de se laisser emporter dans ce jeu de dupes, on ressort bouleversé de ce labyrinthe émotionnel habile et malin qui évoque bien davantage la langueur d’In the Mood for Love de Wong Kar-wai que des films précédents de Park Chan-wook comme Old boy. Ce mélange de thriller et de mélodrame est évidemment très hitchcockien. Le cinéaste dissèque la complexité des sentiments, l’homme pudique face à la femme manipulatrice dont il va tomber amoureux. Le titre est comme le film : double. Il résulte ainsi d’une chanson populaire coréenne, La brume, une histoire d’amour mélodramatique, mais aussi une série de romans policiers suédois, série de Martin Beck traduite récemment en coréen. La mise en scène particulièrement brillante nous montre notamment comme Hae-Joon observe Sore de l’extérieur et par esprit se projette chez elle en des projections fantasmagoriques dont il nous appartient de déterminer s’il s’agit de la vérité. Tout est signifiant jusque dans le décor de l’appartement avec ses motifs de papiers peints qui reprennent des idées de vagues et montagnes. Les transitions sont aussi particulièrement brillantes comme une goutte dans une tasse de thé à laquelle répond une goutte dans une sonde à l’hôpital. La mise en scène distend et distord le temps et l’espace. Même quand ils sont ensemble, elle les sépare car ils ne s’aiment pas en même temps.  Ce film poignant nous laisse avec une impression entêtante et un mot, comme une litanie : brisé.

L’intégralité du Palmarès des Paris Film Critics Awrards 2023 :

MEILLEUR FILM

La Nuit du 12 - Dominik Moll

MEILLEUR RÉALISATEUR

James Cameron - Avatar : La Voix de l'eau

MEILLEURE ACTRICE

Virginie Efira - Revoir Paris

MEILLEUR ACTEUR

Benoît Magimel - Pacifiction : Tourment sur les Îles

MEILLEURE ACTRICE DANS UN SECOND RÔLE

Anouk Grinberg - L’Innocent et La Nuit du 12

MEILLEUR ACTEUR DANS UN SECOND RÔLE

Roschdy Zem - L’Innocent

MEILLEURE RÉVÉLATION FÉMININE

Nadia Tereszkiewicz - Les Amandiers

MEILLEURE RÉVÉLATION MASCULINE

Stefan Crepon - Peter von Kant

MEILLEUR SCENARIO ORIGINAL

La Conspiration du Caire - Tarik Saleh

MEILLEURE ADAPTATION

La Nuit Du 12 - Dominik Moll et Gilles Marchand

MEILLEURE PHOTOGRAPHIE

Pacifiction : Tourment sur les îles - Artur Tort

MEILLEUR MONTAGE

Decision to Leave - Kim Sang-bum

MEILLEURE MUSIQUE ORIGINALE

Pinocchio - Alexandre Desplat

MEILLEURS DÉCORS

Pacifiction : Tourment sur les Îles - Sebastian Vogler

MEILLEUR FILM D’ANIMATION

Le Petit Nicolas : Qu’est-ce qu’on attend pour être heureux ? - Amandine Fredon et Benjamin Massoubre

MEILLEUR DOCUMENTAIRE

The Beatles : Get Back -The Rooftop Concert - Peter Jackson

MEILLEUR 1ER FILM

Falcon Lake - Charlotte Le Bon

MEILLEURE SÉRIE

The White Lotus

PRIX D’HONNEUR

Jean-Jacques Annaud

PRIX POUR L’ENSEMBLE D’UNE CARRIÈRE

Roger Corman

Après l’annonce du palmarès de ce 75ème Festival de Cannes (que je vous détaille plus bas et sur lequel je reviendrai, notamment sur les films qui y figurent dont je n’ai pas encore eu le temps de vous parler comme La Conspiration du Caire qui a reçu un prix du scénario, particulièrement mérité), j’ai eu le plaisir d’assister à la conférence de presse du jury longs métrages présidé par Vincent Lindon aux côtés duquel se trouvaient Deepika Padukone, Noomi Rapace, Joachim Trier, Ladj Ly, Jasmine Trinca, Rebecca Hall, Asghar Farhadi et Jeff Nichols.  

Le président du jury a notamment déclaré que la délibération serait « un secret à vie. On s’y est engagé, c’est tellement beau d’avoir des secrets dans ce monde où tout le monde est au courant de tout, tout le temps. J’ai rarement vu autant de respect entre artistes, d’écoute et d’estime. Ce Jury m’a appris, sinon à voir un film, à réfléchir à un film, à le laisser mûrir. », « Parmi ces neuf personnes de cultures et de nationalités différentes, il y avait un point commun : un enchantement d’être là. Neuf personnes ravies de servir leur passion. On a joui d’un plaisir intense. J’ai l’impression qu’on va tous rentrer chez soi en se disant : « J’ai servi à quelque chose pour la culture et j’ai rendu des gens heureux. » Tandis que Asghar Farhadi a déclaré que « Ces journées et ces soirées passées ensemble ont été un merveilleux exercice de dialogue sur le cinéma. »

Noomi Rapace est notamment revenue sur le film des frères Dardenne en déclarant : « Tori et Lokita m’a touché, c’est un film tendre et vibrant » mais aussi sur le film de Lukas Dhont :  « Close a été réalisé par un jeune, avec beaucoup de sagesse et de tendresse pour les êtres humains. »

Retrouvez également, ici, mon article consacré au prix de la création sonore qui a été décerné à Corsage de Marie Kreutzer, une brillante allégorie de notre époque dans laquelle les apparences enserrent et emprisonnent  les femmes dans un corset plus insidieux que celui d’Elisabeth mais parfois non moins destructeur. Une œuvre à l’image de sa création sonore, innovante, à juste titre récompensée, et de sa musique : intense, vibrante, marquante, engagée, puissante.

 Notez également que Leila et ses frères de Saeed Roustaee, jeune réalisateur iranien de 32 ans qui avait également réalisé La Loi de Téhéran, a reçu le Prix de la Citoyenneté. C'est ainsi la deuxième année consécutive que le Prix de la citoyenneté revient à un film iranien, après Un héros de Asghar Farhadi l'an passé. Je vous parlerai prochainement de ce nouveau film de Saeed Roustaee.

La palme d’or a été décerné à Triangle of sadness de Ruben Östlund, une farce cruelle et satirique, tantôt réjouissante, tantôt dérangeante (à dessein), sans la moindre illusion sur le monde.  Après la palme d'or reçue pour The Square en 2017, Ruben Östlund intègre ainsi le cercle très fermé des cinéastes ayant reçu deux fois la prestigieuse récompense (Ken Loach, Michael Haneke, les frères Dardenne, Francis Ford Coppola, Shōhei Imamura, Bille August, Emir Kusturica) avec ce film choc qui peut difficilement laisser indifférent. Là où un Chaplin aurait recouru au rire tendre et burlesque pour souligner les travers de son époque, pour croquer la sienne, Ruben Östlund  a choisi le sarcasme impitoyable, l’ironie mordante, la férocité et l’excès du trait, le cynisme indécent en écho à celui qu’il dénonce.

Le prix d’interprétation masculine a été attribué à Song Kang Ho pour Les bonnes étoiles de Kore-Eda. Un film grave, tendre et mélancolique mais surtout profondément humaniste, empathique et émouvant.

Close, le film de Lukas Dhont dont je vous avais dit à quel point il m’avait bouleversée a reçu le Grand Prix ex-aequo. Un film d’une maitrise (de jeu, d’écriture, de mise en scène) rare, empreint de poésie qui ne nuit pas au sentiment de véracité et de sincérité. Et puis il y a ce regard final qui ne nous lâche pas comme l’émotion poignante, la douce fragilité et la tendresse qui parcourent et illuminent ce film. Un regard final qui résonne comme un écho à un autre visage, disparu, dont le souvenir inonde tout le film de sa grâce innocente. Un des grands films de cette édition cannoise, étourdissant de sensibilité.

Après deux Palmes d’or (pour Rosetta et pour L’Enfant), les Dardenne ont reçu le prix du 75ème pour Tori et Lokita, un film, une nouvelle fois, au cœur de la réalité sociale. Un film poignant et sobre qui évite toujours l'écueil du pathos, d'autant plus émouvant qu'il est filmé à hauteur d'enfants plongés trop tôt dans ce que le monde a de plus rude. Les Dardenne restent les meilleurs cinéastes de l’instant, à la fois de l’intime et de l’universel dans lequel tout peut basculer en une précieuse et douloureuse seconde : un thriller intime.

La mise en scène ébouriffante et particulièrement brillante de Park Chan-wook pour Decision to leave a été également justement récompensée. Tout est signifiant jusque dans le décor de l’appartement avec ses motifs de papiers peints qui reprennent des idées de vagues et montagnes. Les transitions sont aussi particulièrement brillantes comme une goutte dans une tasse de thé à laquelle répond une goutte dans une sonde à l’hôpital. La mise en scène distend et distord le temps et l’espace.

Je vous laisse découvrir le reste du palmarès ci-dessous.

PALME D'OR

TRIANGLE OF SADNESS

(SANS FILTRE)

Ruben ÖSTLUND

GRAND PRIX (EX-AEQUO)

CLOSE

Lukas DHONT

STARS AT NOON

Claire DENIS

PRIX DE LA MISE EN SCÈNE

PARK CHAN-WOOK

HEOJIL KYOLSHIM

(DECISION TO LEAVE)

PRIX DU SCÉNARIO

TARIK SALEH

WALAD MIN AL JANNA

(LA CONSPIRATION DU CAIRE)

Tarik SALEH

PRIX DU JURY (EX-AEQUO)

LE OTTO MONTAGNE

(LES HUIT MONTAGNES)

Felix VAN GROENINGEN,

Charlotte VANDERMEERSCH

PRIX DU JURY (EX-AEQUO)

EO

Jerzy SKOLIMOWSKI

PRIX DU 75E

TORI ET LOKITA

Jean-Pierre DARDENNE,

Luc DARDENNE

PRIX D'INTERPRÉTATION FÉMININE

ZAR AMIR EBRAHIMI

HOLY SPIDER

(LES NUITS DE MASHHAD)

Ali ABBASI

PRIX D'INTERPRÉTATION MASCULINE

SONG KANG HO

BROKER

(LES BONNES ÉTOILES)

KORE-EDA Hirokazu

PALME D'OR D'HONNEUR

FOREST WHITAKER

TOM CRUISE

PRIX C.S.T. DE L'ARTISTE-TECHNICIEN

ANDREAS FRANCK , BENT HOLM , JACOB ILGNER , JONAS RUDELS

TRIANGLE OF SADNESS

(SANS FILTRE)

Ruben ÖSTLUND

PRIX DE LA JEUNE TECHNICIENNE DE CINÉMA, DÉCERNÉ PAR LA C.S.T.

MARION BURGER

UN PETIT FRÈRE

Léonor SERRAILLE

COURTS MÉTRAGES

PALME D'OR DU COURT MÉTRAGE

HAI BIAN SHENG QI YI ZUO XUAN YA

Jianying CHEN

MENTION SPÉCIALE - COURT MÉTRAGE

LORI

Abinash Bikram SHAH

La folie des passions

« Je préfère la folie des passions à la sagesse de l’indifférence », cette phrase prononcée par Xavier Dolan (empruntée à Anatole France), bouleversant et la voix brisée par l’émotion, lorsqu’il a reçu son Grand Prix (amplement mérité, retrouvez ma critique de Juste la fin du monde en cliquant ici), je pourrais la faire mienne.

Avant de vous livrer, au fil des semaines, mes critiques de la vingtaine de films vus pendant ce 69ème Festival de Cannes, en voici un premier bilan guidé par « la folie des passions » et les émotions qui ont jalonné ces 12 jours joyeusement tumultueux qui n’en ont pas été avares.

Cela commence toujours Gare de Lyon, comme il y a 15 ans, lorsque j’avais été sélectionnée par le Ministère de la Jeunesse et des sports et que j’étais invitée pour la première fois à vivre ce festival dont je rêvais depuis l’enfance, qui représentait alors pour moi un univers mystérieux, fascinant, lointain. Inaccessible. Je regardais ces trains qui menaient vers Cannes, qui me semblaient conduire vers l’inconnu, vers un univers fascinant et légèrement inquiétant, pleine de doutes et d’appréhension, ignorant encore que j’allais vivre 12 journées intenses et inoubliables et que chaque année ensuite j’aurais la joie d’y retourner. A chaque fois que je me retrouve Gare de Lyon pour partir à Cannes, sorte de sas vers une autre réalité, ou plutôt vers la réalité entre parenthèses (enchantées), je repense à ce moment qui sans aucun doute a changé le cours de mon existence et je sais que, comme à chaque fois, de ces 12 jours, je reviendrai avec un état d’esprit un peu différent, renforcée par cette tornade de rêves et de cinéma(s) dans laquelle m’emporte toujours le Festival de Cannes, m’insufflant une nouvelle énergie.

Bien sûr, cette année, c’était différent, il y a eu une réalité tragique qu’il était difficile d’oublier, il y a eu le 13 novembre, il y a eu un basculement que la sécurité draconienne et omniprésente nous rappelait sans cesse bien qu’il m’aurait été, même sans cela, impossible de l’oublier, même si Cannes nous donne la sensation de nous plonger dans un cocon hors des vicissitudes du monde que ses écrans reflètent pourtant.

L’intérieur du Palais des Festivals de Cannes dont les baies vitrées ouvrent sur la mer

« La vie est une comédie écrite par un auteur sadique » pouvait-on entendre dans le magnifique « Café Society » de Woody Allen, film d’ouverture de cette 69ème édition. Certes. Elle a par ailleurs sans aucun doute souvent au moins autant d’imagination que les fictions présentées sur les écrans du festival, nous embarquant dans une douce et hypnotique confusion entre le cinéma et la réalité, a fortiori lorsque les nuits sont si courtes, que le jour et la nuit et la réalité et la fiction ne semblent plus faire qu’un, et que le festival semble ne jamais devoir finir et toujours nous protéger des soubresauts de la vie et du monde, paradoxalement tout en nous en projetant chaque jour ses blessures et ses révoltes, dans cette atmosphère ouatée de cinéma, électrique, ce monde parallèle dans lequel assister à une séance devient impérieux et vital, manger et dormir accessoire.

Sur un air de jazz…

Cela a donc commencé avec Woody Allen. Un festival ne peut être que réussi lorsqu’il commence par un film de Woody Allen surtout lorsque ce dernier signe un nouvel hommage à la beauté incendiaire de New York, un hommage empreint d’une féroce nostalgie du Hollywood et du New York des années 1930 mais aussi empreint de la nostalgie des amours passées devenues impossibles (retrouvez ma critique de « Café Society », ici). Une scène vaudevillesque digne de Lubitsch et une autre romantique à Central Park et bien sûr le dénouement d’une mélancolie foudroyante valent le voyage sans oublier de réjouissantes citations avec lesquelles nous régale toujours Woody Allen. Un film qui possède un charme nostalgique notamment grâce à une écriture d’une précision redoutable. Woody Allen fait dire à un de ses personnages «  Il sait donner au drame une touche de légèreté » alors pour le paraphraser disons que dans ce nouveau film, comme souvent, le cinéaste sait donner à la légèreté une touche de drame. Et comment ne pas avoir l’impression comme dans « La Rose pourpre du Caire » que les personnages ou que la fiction traversent l’écran quand un film est autant rythmé par le jazz (dont la tristesse sous-jacente à ses notes joyeuses fait écho à la joie trompeuse des personnages) et que le jazz rythme chaque jour l’attente des festivaliers dans le Grand Théâtre Lumière. Le festival avait à peine commencé que déjà la réalité s’éloignait, que ce magicien surdoué qu’est le Festival de Cannes refermait ses bras sur nous, nous enlaçant de cinéma…

Le décor du dîner de Jean-François Piège sur le thème du « Guépard » de Visconti sur la plage Nespresso.

Ne perdriez-vous pas à votre tour contact avec la réalité si vous dîniez dans un décor inspiré de votre film préféré (en l’occurrence « Le Guépard » de Visconti), si vous rencontriez une personne d’une rare bienveillance que vous avez toujours admirée, si vous aviez écrit un roman qui justement parle de la fragile frontière entre cinéma et réalité, de la difficulté de vivre un deuil dans une société à l’attention et l’émotion volatiles et versatiles, a fortiori en plein Festival de Cannes et que vous vous retrouviez dans cette situation, si votre réalité dépassait parfois la réalité décrite dans le roman que vous avez écrit vous faisant réaliser que certains personnages que vous craigniez trop caricaturaux sont en fait en-deçà de la réalité, si par une suite de hasards rocambolesques votre roman  comme une bouteille à la mer se retrouvait entre les mains d’un talentueux cinéaste qui y est évoqué ? J’aime les bouteilles à la mer. Les actes fougueux, vains, déraisonnables. Mais c’est une autre histoire…La folie des passions, encore et toujours…

La mise en abyme d’une histoire de mise en abyme…

Le miroir des blessures du monde

La réalité était pourtant bien présente sur les écrans du festival, Cannes, comme chaque année, en étant le reflet, le miroir informant, grossissant comme l’est en particulier le film qui a reçu la palme d’or « Moi, Daniel Blake » de Ken Loach. 10 ans après l’avoir déjà obtenue pour « Le vent se lève » , Ken Loach, ainsi, intégrait le cénacle des cinéastes ayant reçu deux palmes d’or : les Dardenne, Francis Ford Coppola, Shohei Imamura, Emir Kusturica, Michael Haneke. Alors qu’il avait annoncé il y a deux ans, après « Jimmy’s hall » (en compétition officielle du Festival de Cannes 2014) qu’il ne tournerait plus, Ken Loach est donc revenu à Cannes et en est reparti avec la récompense suprême. Une évidence tant ce film capte et clame les absurdités cruelles et révoltantes d’un monde  et d’une administration qui broient l’individu, l’identité, la dignité comme celles de Daniel Blake (formidable Dave Johns), menuisier veuf, atteint d’une maladie cardiaque mais que l’administration ne considère pas comme suffisamment malade pour avoir droit à une pension d’invalidité.  Le regard plein d’empathie, de compassion que porte Loach sur Daniel Blake, et celui plein de clairvoyance qu’il porte sur le monde qui l’entoure et plein de colère contre les injustices dont il est victime contribuent à cette  œuvre à la fois très personnelle et universelle. Que Daniel Blake évoque sa femme décédée, que Ken Loach dessine les contours d’ une famille qui se reconstitue (Daniel Blake rencontre une jeune mère célibataire de deux enfants contrainte d’accepter un logement à 450 kms de sa ville natale pour ne pas être placée en famille d’accueil), son point de vue est toujours plein de tendresse sur ses personnages, teinté d’humour parfois aussi, et de révolte contre ces « décisionnaires » qui abusent de leur pouvoir, presque de vie et de mort, dans des bureaux qui ressemblent aux locaux labyrinthiques, grisâtres et déshumanisés  de « Playtime »  comme un écho à cette époque d’une modernité  aliénante, déshumanisante et parfois inhumaine que Tati savait déjà si bien tourner en dérision et envelopper dans un vaste manège. « Moi, Daniel Blake », c’est l’histoire d’un homme qui veut rester maître de son existence, qui se réapproprie son identité et son honneur que cette administration étouffante essaie de lui nier, qui prend le pouvoir, celui de dire non, de clamer son patronyme, son existence, lors de deux scènes absolument bouleversantes. Le poing levé de Ken Loach  qui nous lance un uppercut en plein cœur, ce cœur qui (ce n’est sans doute pas un hasard que le mal se situe là)  lâche peu à peu Daniel Blake, lui qui en possède tant.  « Moi, Daniel Blake » c’est un film qui donne la parole à tous ceux qu’un système inique veut murer dans le silence et leur détresse. « Moi, Daniel Blake »,  c’est la démonstration implacable de la férocité meurtrière d’un système, un film d’une force, d’une simplicité, d’une beauté, mais aussi d’une universalité redoutables et poignantes. Une palme d’or en forme de cri de colère, de douleur, et d’appel à l’humanité dont les lueurs traversent le film et nous transpercent le cœur, bien après les derniers battements de ceux de Daniel Blake.  « Dans cette période de désespoir il faut ramener de l’espoir. » «Un autre monde est possible et nécessaire » a conclu Ken Loach avant de le répéter en Français, en recevant ce prix.

Dans un style radicalement différent « Money monster » (hors compétition), de Jodie Foster nous parlait aussi d’un monde mondialisé et d’ultra-communication,  totalement déshumanisé et aveuglé. 40 ans après avoir accédé à la notoriété et après avoir foulé les marches avec « Taxi Driver », Jodie Foster était ainsi de retour pour une montée des marches au comble du glamour  en compagnie de George Clooney (qui incarne ici une personnalité influente de la télévision grâce à une émission dans laquelle il conseille des placements boursiers) et de Julia Roberts qui les gravissait pour la première fois, radieuse et, faisant fi du protocole, pieds nus s’il vous plaît. Une critique acerbe et avisée de la quête du profit à outrance mais plus encore des chaînes d’information, de leur cynisme et leur course à l’audience au mépris de la morale et de ceux qui la regardent qui ne sont alors plus que des consommateurs avides qui ingurgitent des images toujours plus sensationnelles.

Le tableau dressé par la plupart des cinéastes était d’ailleurs non seulement celui d’un monde inique qui dévore les plus faibles mais aussi celui d’une société et d’administrations corrompues aux quatre coins du monde, du Brésil avec « Aquarius » de Kleber Filho Mendonça (dans lequel le cinéaste filait la métaphore entre le cancer de la protagoniste et cette maladie qui gangrène la société) aux Philippines avec « Ma’Rosa » de Brillante Mendoza (qui a d’ailleurs valu à son actrice principale le prix d’interprétation féminine : « Les femmes dans les familles sont si importantes dans mon pays », « Brillante Mendoza a voulu montrer ce qui se passe dans mon pays. C’est si vrai et je le remercie pour ça » a ainsi déclaré l’actrice Jaclyn Jose lors de la conférence de presse des lauréats. « La performance de l’actrice de « Ma’Rosa » a brisé mon cœur » a par ailleurs expliqué Arnaud Desplechin  lors de la conférence de presse du jury), un prix d’interprétation féminine que l’actrice  d’ « Aquarius », Sonia Braga, aurait également mérité, deux femmes fortes qui tentent de résister à la fatalité.

 Le tableau dressé de la Roumanie dans« Baccalaureat » de Cristian Mungiu n’était guère plus flatteur.  Un père y met ainsi tout en œuvre pour que sa fille soit acceptée dans une université anglaise, devant pour cela renoncer aux principes qu’il lui a inculqués. Chaque plan de ce film est  par ailleurs une composition d’une richesse et d’une acuité éblouissantes qui lui ont valu un prix de la mise en scène (ex-aequo avec Olivier Assayas dont j’ai manqué le film : « C’est peu de dire que je suis très ému, le plus beau prix que je partage avec un cinéaste que j’admire depuis longtemps » a ainsi déclaré ce dernier lors de la clôture).

Trois œuvres fortes et courageuses de cinéastes qui se font les porte-paroles d’une société muselée, en proie à la corruption et aux compromissions. Comme un écho aux paroles de Vincent Lindon  lorsqu’il a ouvert le festival (prix d’interprétation l’an passé pour « La loi du marché » qui d’ailleurs présente des similitudes avec la palme d’or de cette année) : « Je me suis empressé de dire oui au festival qui depuis plus d’un demi-siècle témoigne du monde et de son imaginaire et qui aide à se battre contre les injustices, les préjugés, les différences, il est rudement courageux. Essayons de l’être autant que lui. Vive le cinéma ».

Des personnages de pères et de femmes forts, et des liens familiaux mis à mal

 Peut-être est-ce pour cela que la culpabilité était aussi un thème récurrent de cette édition : notre culpabilité face à un monde soumis aux inégalités et aux injustices révoltantes, thème que l’on retrouvait, outre « Baccalauréat », dans « La fille inconnue » des Dardenne (sans doute leur film le plus bancal, avec un scénario trop cousu de fils blancs et des personnages auxquels manquait cette vérité éclatante caractéristique de leur cinéma), ou encore dans le sublimement romanesque « Julieta » de Pedro Almodovar dans lequel la perfection de tous les éléments même si ce n’est pas son film le plus exubérant ( scénario labyrinthique et ciselée sur la violence indicible du deuil et de la culpabilité que le temps qui passe cadenasse dans le silence mais n’affaiblit pas, réalisation d’une beauté éblouissante dès le premier plan, interprétation d’une justesse bouleversante, musique poignante) auraient pu faire de ce mélodrame flamboyant une palme d’or à côté de laquelle le cinéaste espagnol passe pourtant donc une nouvelle fois.

La palme de l’originalité pour le dossier de presse de « Julieta ».

Là encore dans le film d’Almodovar, et comme toujours dans son cinéma, ce sont des personnages de femmes fortes comme dans de nombreux films de cette sélection, des femmes qui souvent menaient la danse comme l’indiquaient d’ailleurs les titres des films comme « Elle » ou « Mademoiselle »,  mais c’était aussi le cas notamment dans le sobre et pudique « Loving »,  des femmes qui combattent pour leur liberté, d’être, d’aimer et de vivre comme elles l’entendent.

Ce festival nous a offert aussi de grands et beaux scénarios avec des personnages combattifs comme celui incarné par Marion Cotillard dans le sublime film sur la cristallisation et la quête d’absolu qu’est « Mal de pierres » de Nicole Garcia. Un film fiévreux porté par un scénario parfait, avec des tonalités truffaldiennes ( au passage signé du talentueux et prolifique Jacques Fieschi) , et par une réalisation éblouissante (avec même des accents à la John Ford) et au service de très beaux personnages, « sauvagement » vivants. Un film dont je vous reparlerai longuement.

Des personnages de femmes fortes étaient ainsi mis à l’honneur mais aussi de pères comme dans le film allemand « Toni Erdmann » qui oscille entre humour et émotion pour interroger le sens de la vie et de l’essentiel ou encore dans « Baccalauréat » de Mungiu dans lequel un père abandonne ses grands principes et se trouve à son tour pris dans l’engrenage des « services », entendez par là la corruption et le trafic d’influence.

Quand certains films nous projetaient la réalité en pleine face », d’autres sublimaient le vertige de l’art, que cela soit celui de la danse (« La Danseuse », dans la sélection Un Certain Regard, un film poétique dont il a été question pour l’apparition de Lily-Rose Depp qui y crève l’écran mais qui vaut aussi pour l’interprétation de Soko), ou du cinéma (« Le Bon Gros Géant » de Spielberg, métaphore du cinéma de son réalisateur dans lequel, à l’image de ce dernier, le géant capture nos rêves et nous captive avec notamment une scène hilarante avec La Reine d’Angleterre qui, à elle seule, vaut le déplacement). Dans cette sélection, l’ inclassable et misanthrope « Ma Loute » de Bruno Dumont apportait un vent de folie salutaire avec un Fabrice Luchini aussi singulier et fascinant dans le film qu’en conférence de presse, une  fantaisie délicieusement déconcertante à l’image de jeu de Luchini, savamment grotesque dont la folie décontenance et réjouit. « J’ai voulu raconter une histoire de dingues avec néanmoins une histoire d’amour, une histoire policière,… une histoire colorée.», « Je filme toujours quelque chose pour parler d’autre chose »,, « On est à la fois des salauds et des saints, des crétins et des génies. Cette coexistence me passionne. », a ainsi déclaré Bruno Dumont lors de la conférence de presse du film.

 « Ma loute » était une des trois comédies de ce festival certes fortement teintée de noirceur à l’image des deux autres, tandis que Jim Jarmush nous berçait avec son poème filmique « Paterson ».

La famille se trouvait donc souvent au centre des films en compétition, mais une famille écartelée, soumise aux mensonges, aux non dits, à la culpabilité et l’incommunicabilité comme dans « Sieranevada » de Cristi Puiu qui, à travers les oppositions et les dissensions d’une famille révèle celles de la société roumaine (Puiu qui, comme son compatriote aurait mérité un prix de la mise en scène) et comme dans « La fin du monde » le Grand Prix signé Xavier Dolan, même si dans l’un de ces deux films, les cris disent ce que dans l’autre ils masquent. Dans le film de Dolan, en effet, chaque silence de ses personnages interprétés par des acteurs au firmament crient l’indicible comme ceux de « Julieta » d’Almodovar s’enferment dans l’ineffabke douleur de l’absence et croulent sous le poids des silences.

Mensonges (étatiques ou familiaux), culpabilité, absurdité de l’administration, course au profit et à l’audience, Cannes était une fois de plus une fenêtre « ouverte sur le monde ». Un monde écartelé, blessé, dans lequel des cris contre l’indifférence et la barbarie (qu’elles soient familiales ou sociétales) se perdent dans le silence, ce que Sean Penn a lui aussi maladroitement essayé de montrer dans un film au sujet à palme d’or dont les excès mélodramatiques ont malheureusement nui au propos et ont suscité l’unanimité contre lui.

L’entente plus que cordiale du jury

Comme l’an passé, après la clôture, j’ai eu le plaisir de couvrir la conférence de presse du jury puis des lauréats. Laszlo Nemes à propos du film de Xavier Dolan a ainsi déclaré: « Quand cela commence vous entendez la voix spécifique du réalisateur. »  C’est sans doute ce qui caractérise les cinéastes primés et un grand cinéaste : cette voix spécifique. Lors de la conférence de presse du jury, son président, George Miller, a tenu à souligner que « c’était émotionnellement épuisant car chacun parlait avec passion.. »

Sans doute certains auront-ils été étonnés de la double récompense reçue par « Le Client » de Farhadi (que je dois également rattraper) : prix d’interprétation masculine et prix du scénario. « Les films qui ont le grand prix, le prix de la mise en scène et la palme d’or ne peuvent gagner un autre prix » a ainsi expliqué George Miller. Le jury a également expliqué qu’un seul film peut obtenir deux prix.  « C’était une très intéressante sélection représentative du cinéma d’aujourd’hui » a  précisé Valeria Golino.  Sutherland à propos jury a tenu à souligner que : « C’était l’association du gens que vous avez envie de voir encore et encore tout le long de votre vie ».

En conclusion :

La cérémonie de clôture était finalement un condensé du Festival de Cannes et en résumait toute la diversité des styles et des émotions qu’il suscite : l’émotion communicative de Xavier Dolan, le cinéma d’hier qui valsait avec celui d’aujourd’hui avec la palme d’honneur décerné à Jean-Pierre Léaud (il faudra que je vous parle du plaisir  de revoir « Un Homme et une femme » pour les 50 ans de sa palme d’or, en présence de Claude Lelouch, dans le cadre de Cannes Classics), et des récompenses décernées majoritairement à des films engagés aux messages forts : des cris de colère et de révolte dont on espère que leurs prix leurs permettront d’arriver à destination. A l’image de la sublime affiche de cette 69ème édition, incandescente, solaire, ouvrant sur de nouveaux horizons (image tirée du « Mépris » de Godard) et sur cette ascension solitaire, teintée de langueur et de mélancolie, Cannes une fois de plus nous a éclairés sur les ombres du monde et a élargi nos horizons.

 « Le cinéma d’auteur continue à exister grâce au Festival de Cannes »  a ainsi rappelé Cristian Mungiu lors de la clôture, ajoutant lors de la conférence de presse des lauréats : »Le cinéma n’est pas une affaire de gagnants ou de perdants mais de ce que les films ont à vous dire. », « C’est très important de préserver la diversité du cinéma. C’est bien d’avoir des voix et des points de vue différents » ainsi rappelant à ceux qui en douteraient encore le rôle essentiel de ce festival pour la survie du cinéma, de tous les cinémas.

Mais bien sûr, plus que tout, ce sont les émotions qui resteront, notamment celles suscitées par ce discours et le film de son auteur, Xavier Dolan : « L’émotion ce n’est pas toujours facile, il n’est pas toujours facile de partager ses émotions avec les autres.  Il n’est pas toujours facile de partager ses émotions avec les autres. La violence sort parfois comme un cri. Ou comme un regard qui tue »… « J’ai tenté au mieux de raconter les histoires et les émotions de personnages parfois méchants ou criards mais surtout blessés et qui vivent comme tant d’entre nous dans le manque de confiance dans l’incertitude d’être aimé. Tout ce qu’on fait dans la vie on le fait pour être aimé, pour être accepté. »

Dans ce tourbillon d’émotions, de films, de musique aussi, il y a bien sûr eu des rendez-vous manqués mais j’en reviens avec un fol amour pour le cinéma, renouvelé, l’envie d’écrire, sur les films, mais aussi de raconter des histoires, et la sensation d’avoir vécu un film de 12 jours palpitant. 12 jours de grand cinéma, de films percutants, de plans éblouissants  et de personnages forts qui m’accompagnent encore et pour longtemps. 12 jours où la vie ressemblait à du grand cinéma, celle que l’on aime dictée par « la folie des passions » même si planait l’ombre des absents. 12 jours dont le credo, emprunté au film d’ouverture, en aura été : « Vis chaque jour comme le dernier, un jour ça le sera. »

En attendant les critiques (je commence par Juste la fin du monde de Xavier Dolan, à lire ici), quelques clichés de mes pérégrinations cannoises, version 2016.

Palmarès du 69ème Festival de Cannes

(Sous le palmarès, retrouvez d’autres photos de ce Festival de Cannes, prises via mon compte Instagram @sandra_meziere).

Palme d’or

 I, DANIEL BLAKE 

 (MOI, DANIEL BLAKE) 

Ken LOACH

Grand Prix

 JUSTE LA FIN DU MONDE 

Xavier DOLAN

Prix de la mise en scène (Ex-aequo)

 Cristian MUNGIU 

 BACALAUREAT 

 (BACCALAUREAT) 

Cristian MUNGIU

Prix de la mise en scène (Ex-aequo)

 Olivier ASSAYAS 

 PERSONAL SHOPPER 

Olivier ASSAYAS

Prix du scénario

 Asghar FARHADI 

 FORUSHANDE 

 (LE CLIENT) 

Asghar FARHADI

Prix du Jury

 AMERICAN HONEY 

Andrea ARNOLD

Prix d’interprétation féminine

 Jaclyn JOSE 

 MA’ ROSA 

Brillante MENDOZA

Prix d’interprétation masculine

 Shahab HOSSEINI 

 FORUSHANDE 

 (LE CLIENT) 

Asghar FARHADI

Prix Vulcain de l’Artiste-Technicien, décerné par la C.S.T.

 Seong-Hie RYU 

 MADEMOISELLE 

PARK Chan-Wook

Courts Métrages

Palme d’or du court métrage

 TIMECODE 

Juanjo GIMENEZ

Mention spéciale – court métrage

 A MOÇA QUE DANÇOU COM O DIABO 

 (LA JEUNE FILLE QUI DANSAIT AVEC LE DIABLE) 

João Paulo MIRANDA MARIA

Quelques photos de ce 69ème Festival de Cannes (prises via mon compte Instagram @sandra_meziere ainsi

que toutes les autres photos de cet article).

Les 24 marches les plus célèbres du monde…

 Sur la plage Nespresso…

Sur le toit du palais des festivals, au Mouton Cadet Wine Bar

Vue depuis le toit du palais des Festivals, du Mouton Cadet Wine Bar

Les escabeaux toujours prêts toujours là…

Remise des prix de la Cinéfondation après un discours plein d’autodérision de son président, Gilles Jacob

Les casiers presse, passage quotidien incontournable pour récupérer les dossiers de presse (que je n’ai malheureusement pas tous ramenés).

Le lauréat de la palme d’or, Ken Loach, lors de la conférence de presse des lauréats.

Pause quotidienne sur la plage Majestic, merci à ADR Prod

Valeria Golino, membre du jury, lors de la conférence de presse des membres du jury après la clôture

Clôture de Un Certain Regard

LA nouvelle bonne adresse cannoise qui a ouvert juste avant le festival, située juste en face le palais des festivals, « La Californie » (qui appartient à Sénequier)

Petite pause goûter à la plage Majestic et une assiette sur mesure

Interview de Charles Tesson, délégué général de la Semaine de la Critique (compte rendu à suivre)

L’équipe du film de Sean Penn, en compétition officielle, lors de sa conférence de presse

Vue sur la Croisette depuis le palais des festivals

Projections des films de clôture de la Semaine de la Critique signés Chloé Sévigny, Laetitia Casta et Sandrine Kiberlain

Une autre de mes cantines cannoises

L’équipe de « Aquarius » sur les marches

L’équipe de « Loving » de Jeff Nichols

Vanessa Paradis lors de la conférence de presse du jury après la clôture

Ken Loach lors de la conférence de presse du jury après la clôture

Dîner sur la plage Nespresso, signé Jean-François Piège et sur le thème du « Guépard » de Visconti (photos ci-dessous)

Ci-dessus, les lauréats du prix Talents Nespresso

Passionnante leçon de cinéma par Tomer Sisley dans un anglais irréprochable

Au concert privé de LEJ au Majestic Barrière

Vue vertigineuse sur la Croisette depuis le Club By Albane

C'est à minuit que débutera le tapis rouge de la 88ème cérémonie des Oscars, à suivre sur Canal + avant la cérémonie en direct à partir de 2H30. Comme chaque année, la cérémonie sera commentée sur Canal + depuis Los Angeles par Didier Allouch et Laurent Weil. Je vous conseille aussi de suivre sur internet, sur le site de Canal plus, le live tweet de la cérémonie, vous y trouverez également de nombreuses informations sur la cérémonie, ici.

La cérémonie aura lieu au Dolby Theatre de Los Angeles et sera présentée par Chris Rock. "The Revenant" de Alejandro González Iñárritu part favori avec 12 nominations (ma critique dans un article à suivre) et pourrait (devrait) permettre à Leonardo DiCaprio de décrocher enfin la précieuse statuette, lui qui l'a vue toujours lui échapper quand il n'a pas tout simplement été absent des nominations comme pour "Shutter island" qui reste d'ailleurs une des interprétations les plus époustouflantes qu'il m'ait été donné de voir sans parler de tous les autres rôles pour lesquels il l'aurait méritée que ce soit pour "Gatsby" ou surtout "Les Noces rebelles" (mais je pourrais en citer bien d'autres). Retrouvez, en cliquant ici, mes 7 critiques de films avec DiCaprio (pour lesquels il aurait pu/dû obtenir un Oscar).

Iñárritu était déjà le grand vainqueur des Oscars 2015 avec "Birdman" (ma critique, ici) récompensé alors des Oscars suivants: meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur scénario, meilleure photographie. L'Académie le couronnera-t-elle à nouveau cette année? Réponse dans quelques heures. Pour le meilleur film, il sera face à de grands noms: Spielberg, George Miller, Ridley Scott... donc rien n'est gagné d'avance.

Juste derrière "The Revenant" figure "Mad Max Fury road" avec ses 10 nominations, un film qui fait office de sérieux concurrent.

A suivre également avec attention: l'Oscar du meilleur film étranger, catégorie dans laquelle concourt Deniz Gamze Ergüven pour "Mustang"qui, vendredi, a récolté 4 César (une cérémonie vécue au Châtelet dont vous pouvez retrouver mon compte rendu, ici). L'emportera-t-elle face au premier film de Laszlo Nemes (grand prix du Festival de Cannes 2015) dont je vous disais, ici, à quel point il m'avait également marquée?

Je reviendrai bien sûr en détails sur le palmarès, demain, avec également ma critique de "The Revenant".

NOMINATIONS

Meilleur film:

The Big Short: le casse du siècle de Adam McKay

Le Pont des espions de Steven Spielberg

Brooklyn de John Crowley et Paul Tsan

Mad Max: Fury Road de George Miller

Seul sur Mars de Ridley Scott

The Revenant d(Alejandro González Iñárritu

Room de Lenny Abrahamson

Spotlight de Tom McCarthy

Meilleur réalisateur:

Adam McKay pour The Big Short: le casse du siècle

George Miller pour Mad Max: Fury Road

Alejandro Gonzalez Inarritu pour The Revenant

Lenny Abrahamson pour Room

Tom McCarthy pour Spotlight

Meilleur acteur:

Leonardo DiCaprio dans The Revenant

Bryan Cranston dans Dalton Trumbo

Matt Damon dans Seul sur Mars

Eddie Redma dans The Danish Girl

Michael Fassbender dans Steve Jobs

Meilleure actrice:

Charlotte Rampling dans 45 Years

Cate Blanchett dans Carol

Brie Larson dans Room

Jennifer Lawrence dans Joy

Saoirse Ronan dans Brooklyn

Brie Larson dans Room

Meilleur acteur dans un second rôle:

Christian Bale dans The Big Short: le casse du siècle

Tom Hardy dans The Revenant

Mark Ruffalo dans Spotlight

Mark Rylance dans Le Pont des espions

Sylvester Stallone dans Creed - L'héritage de Rocky Balboa

Meilleure actrice dans un second rôle:

Kate Winslet dans Steve Jobs

Jennifer Jason Leigh dans Les Huit salopards

Rooney Mara dans Carol

Rachel McAdams dans Spotlight

Alicia Vikander dans The Danish Girl

Meilleur scénario original:

Le Pont des espions écrit par Matt Charman et les frères Coen

Ex Machina écrit par Alex Garland

Vice Versa écrit par Pete Docter, Meg LeFauve et Josh Cooley

Spotlight écrit par Josh Singer et Tom McCarthy

N.W.A. Straight Outta Compton écrit par Jonathan Herman et Andrea Berloff

Meilleur scénario adapté:

The Big Short: le casse du siècle d'après le livre The Big Short: Inside the Doomsday Machine de Michael Lewis

Brooklyn d'après le roman éponyme de Colm Tóibín

Carol d'après le roman éponyme de Patricia Higsmith

Room d'après le roman éponyme d'Emma Donoghue

Seul sur Mars d'après The Martian d'Andy Weir

Carol, de Todd Haynes

Meilleur film étranger:

Mustang de Deniz Gamze Ergüven (France)

L'Étreinte du serpent de Ciro Guerra (Colombie)

Le Fils de Saul de László Nemes (Hongrie)

Theeb de Naji Abu Nowar (Jordanie)

A War de Tobias Lindholm (Danemark)

Mustang, de Deniz Gamze Ergüven

Meilleur film d'animation:

Anomalisa de Charlie Kaufman et Duke Johnson

Vice Versa de Pete Docter

Le garçon et le monde de Alê Abreu

Shaun le mouton de Richard Starzak et Mark Burton

Souvenirs de Marnie de Hiromasa Yonebayashi

Meilleur documentaire:

Amy de Asif Kapadia

Cartel Land de Matthew Heineman

The Look of Silence de Joshua Oppenheimer

What Happened, Miss Simone? de Liz Garbus

Winter on Fire: Ukraine's fight for freedom de Evgeny Afineevsky

Meilleure photographie:

Carol par Edward Lachman

Les Huit Salopards par Robert Richardson

Mad Max: Fury Road par John Seale

The Revenant par Emmanuel Lubezki

Sicario par Roger Deakins

Les Huit Salopards, de Quentin Tarantino

Meilleur montage:

The Big Short: Le Casse du siècle par Hank Corwin

Mad Max: Fury Road par Margaret Sixel

The Revenant par Stephen Mirrione

Spotlight par Tom McArdle

Star Wars, épisode VII: Le Réveil de la Force par Maryann Brandon et Mary Jo Markey

Meilleurs décors:

The Danish Girl par Michael Standish et Eve Stewart

Mad Max: Fury Road par Colin Gibson et Lisa Thompson

Le Pont des espions par Rena DeAngelo, Bernhard Henrich et Adam Stockhausen

The Revenant par Jack Fisk et Hamish Purdy

Seul sur Mars par Celia Bobak et Arthur Max

Meilleure création de costumes:

Carol par Sandy Powell

Cendrillon par Sandy Powell

The Danish Girl par Paco Delgado

Mad Max: Fury Road par Jenny Beavan

The Revenant par Jacqueline West

Meilleurs maquillages et coiffures:

Mad Max: Fury Road par Lesley Vanderwalt, Elka Wardega et Damian Martin

The Revenant par Siân Grigg, Duncan Jarman and Robert Pandini

Le Vieux qui ne voulait pas fêter son anniversaire par Love Larson et Eva von Bahr

Meilleur montage de son:

Mad Max: Fury Road par Mark A. Mangini et David White

The Revenant par Martin Hernández et Lon Bender

Seul sur Mars par Oliver Tarney

Sicario par Alan Robert Murray

Star Wars, épisode VII: Le Réveil de la Force (Star Wars: The Force Awakens) par Matthew Wood et David Acord

Meilleur mixage de son:

Mad Max: Fury Road par Chris Jenkins, Gregg Rudloff et Ben Osmo

Le Pont des espions par Andy Nelson, Gary Rydstrom et Drew Kunin

The Revenant par Jon Taylor, Frank A. Montaño, Randy Thom et Chris Duesterdiek

Seul sur Mars par Paul Massey, Mark Taylor et Mac Ruth

Star Wars, épisode VII: Le Réveil de la Force par Andy Nelson, Christopher Scarabosio et Stuart Wilson

Meilleurs effets visuels:

Ex Machina par Mark Williams Ardington, Sara Bennett, Paul Norris et Andrew Whitehurst

Mad Max: Fury Road par Andrew Jackson, Dan Oliver, Andy Williams et Tom Wood

The Revenant par Richard McBride, Matt Shumway, Jason Smith et Cameron Waldbauer

Seul sur Mars par Anders Langlands, Chris Lawrence, Richard Stammers et Steven Warner

Star Wars, épisode VII: Le Réveil de la Force par Chris Corbould, Roger Guyett, Paul Kavanagh et Neal Scanlan

Meilleure chanson originale:

Earned It dans Cinquante nuances de Grey - Paroles et musique: Abel Tesfaye, Ahmad Balshe, Jason Daheala Quenneville et Stephan Moccio

Manta Ray dans Racing Extinction - Paroles et musique: Antony Hegarty

Simple Song #3 dans Youth - Paroles et musique: David Lang

Til It Happens To You dans The Hunting Ground - Paroles et musique: Diane Warren et Lady Gaga

Writing's on the Wall dans 007 Spectre - Paroles et musique: Jimmy Napes (en) et Sam Smith

Meilleure musique de film:

Carol par Carter Burwell

Le Pont des espions par Thomas Newman

Sicario par Jóhann Jóhannsson

Star Wars, épisode VII: Le Réveil de la Force par John Williams

Les Huit Salopards par Ennio Morricone

Meilleur court métrage de fiction:

Everything Will Be Okay de Patrick Vollrath

Ave Maria d'Eric Dupont et Basil Khalil

Day One de Henry Hughes

Shok de Jamie Donoughue

Stutterer de Serena Armitage et Benjamin Cleary

Meilleur court métrage d'animation:

Bear Story de Pato Escala Pierart et Gabriel Osorio Vargas

We Can't Live Without Cosmos de Konstantin Bronzit

Prologue d'Imogen Sutton et Richard Williams

Sanjay's Super Team de Nicole Paradis Grindle et Sanjay Patel

World of Tomorrow de Don Hertzfeldt

Meilleur court métrage documentaire:

Body Team 12 de David Darg et Bryn Mooser

Chau, Beyond the Lines de Courtney Marsh et Jerry Franck

Claude Lanzmann: Spectres of the Shoah de Adam Benzine

A Girl in the River: The Price of Forgiveness de Sharmeen Obaid-Chinoy

Last Day of Freedom de Dee Hibbert-Jones et Nomi Talisman

Si, cette année encore, je n'ai pas tenu ma promesse (renouvelée chaque année depuis ma participation au jury du festival en 2007) de retourner dans ce festival cher à mon coeur de cinéphile, je n'en suis pas moins l'actualité avec assiduité. Pour tout savoir sur l'édition 2011, je vous recommande bien entendu le  (tout nouveau tout beau) site officiel du festival mais aussi le blog qu'on ne présente plus d'une autre ex-jurée (qu'on ne présente plus non plus) qui y partage ses mésaventures, sa passion du cinéma et pour ce festival. En attendant que j'y retourne, un jour, peut-être, et en attendant, comme chaque année, de vous parler du concours vous permettant peut-être à votre tour de devenir juré(e)s, voici le palmarès de cette édition 2011, 28ème du nom. Je me réjouis que le Grand prix du jury ait été attribuer à "Si je veux siffler, je siffle" ("If I want to whistle, I whistle"), mon chouchou du Festival Paris Cinéma 2010 dont je faisais d'ailleurs également partie du jury( d'ailleurs également avec la blogueuse précitée, décidément...) et donc vous pouvez retrouver ma critique en bas de cet article

Grand Prix du Jury
Si Je Veux Siffler, Je Siffle (Roumanie) de Florin Serban

Prix Spécial du Jury
80 Jours (Espagne) de Jon Garano et Jose Mari Goenaga

Prix du Public
La Petite Chambre (Suisse) de Véronique Reymond et Stéphanie Chuat

Prix des Lycéens
Oxygène (Belgique / Pays-Bas) de Hans Van Nuffel

Prix de la Meilleure Musique de film
Contracorriente (Pérou) de Javier Fuentes Leon

 « If I want to whistle, I whistle »est un film roumain de Florin Serban dans lequel Silviu, un jeune délinquant de 18 ans, attend sa libération de la maison de redressement où il termine sa quatrième et dernière année d’emprisonnement.  Seulement, après une longue absence, sa mère est rentrée d’Italie pour emmener son petit frère avec elle. Il la tient pour responsable de sa situation et ne veut pas que son frère vive la même chose. Son enfermement devient insupportable. Pris de panique, il kidnappe Ana la jeune assistance sociale dont il est tombé amoureux.

 Il y a des films, comme celui-ci, et plutôt rares, qui captent votre attention pour ne plus la lâcher. La caméra à l’épaule au plus près de Silviu, au plus près de sa fébrilité, de sa rage qui affleure, des tourments qui le hantent, de la déraison qui le menace, nous plonge entre ces quatre murs qui l’oppressent, face à cette liberté qu’il enrage de retrouver.

 Le film doit beaucoup à son acteur principal, George Pistireanu au mélange de force, de fragilité, de tension qui émanent de son regard et de ses gestes. Florin Serban le filme comme un animal sauvage, apeuré, dont la violence est, à ses yeux, une question de survie.

La tension culmine lors de la scène de la prise d’otage, lorsque Silviu et Ana se retrouvent seuls. Notre souffle est suspendu à chacun de ses gestes, à ce corps-à-corps presque fiévreux, au souffle saccadé d’Ana, au regard à la fois déterminé et perdu de Silviu. Puis, le cadre, les couleurs, le décor changent. Le décor champêtre procure à cette liberté chèrement payée et éphémère une tension encore plus palpable alors que le calme règne et que pourtant le piège qu’il s’est construit se referme sur lui.  Les longs silences et regards entre Ana et Silviu sont alors riches de sens, de douleurs, de regrets, de pardons après ce corps-à-corps intense, d’une violence presque sensuelle.

 Un huis-clos haletant et fiévreux, tout en forces et fragilités, sur la fureur de vivre et d’être libre que la caméra de Florin Serban sait si bien débusquer dans le regard de son talentueux acteur principal. Après « Un Prophète » de Jacques Audiard, la prison et le sentiment de révolte qui l’anime n’a visiblement pas fini d’inspirer les cinéastes et de procurer à leurs films une rage fascinante.

COGUNLUK (Majority) de Seren Yuce Turquie

GRAND PRIX DU JURY

LONG METRAGE EUROPEEN (Ex-aequo)

OBRATNOE DVIZHENIE (Reverse Motion) d’Andrey Stempkovsky Russie

GRAND PRIX DU JURY

LONG METRAGE EUROPEEN (Ex-aequo)

DIE FREMDE de Feo Aladag Allemagne

PRIX DU PUBLIC

LONG METRAGE EUROPEEN

ROBERT MITCHUM EST MORT d’Olivier Babinet et Fred Kihn France

GRAND PRIX DU JURY

LONG METRAGE FRANCAIS (Ex-aequo)

Bi, DUNG SO! de Phan Dang Di France - Vietnam - Allemagne

GRAND PRIX DU JURY

LONG METRAGE FRANCAIS (Ex-aequo)

JIMMY RIVIERE de Teddy Lussi-Modeste France

PRIX DU PUBLIC

LONG METRAGE FRANÇAIS

THE SHUTDOWN de Fyzal Boulifa Royaume-Uni

GRAND PRIX DU JURY

COURTS METRAGES EUROPEENS

PHILIPP de Fabian Möhrke Allemagne

PRIX DU PUBLIC

COURTS METRAGES EUROPEENS

SIEMIANY de Philip James McGoldrick Pologne - Belgique

PRIX ARTE

COURTS METRAGES EUROPEENS

LA DAME AU CHIEN de Damien Manivel France

GRAND PRIX DU JURY

COURTS METRAGES FRANCAIS

PARIS-SHANGHAI de Thomas Cailley France

PRIX DU PUBLIC

COURTS METRAGES FRANCAIS

AGLAEE de Rudi Rosenberg France

PRIX CCAS

COURTS METRAGES FRANCAIS

ON NE MOURRA PAS d’Amal Kateb France

PRIX DES BIBLIOTHECAIRES

COURTS METRAGES FRANÇAIS

CANICHE de Noémie Marsily et Carl Roosens France

GRAND PRIX DU JURY

PLANS ANIMES

MAK de Géraldine Zosso Suisse

GRAND PRIX DU JURY

FILMS D’ECOLES EUROPEENS

Mention spéciale

JESSI de Mariejosephin Schneider Allemagne

GRAND PRIX DU JURY

FILMS D’ECOLES EUROPEENS

DEN JEDNOHO HERCE de Radim Filipec

République Tchèque

PRIX DU PUBLIC

FILMS D’ECOLES EUROPEENS

USAK HESABI de Yusuf Emirdar Turquie

PRIX CINECOURTS / CINE CINEMA

FILMS D’ECOLES EUROPEENS

Elina Talvensaari et Pinja Kuusela pour MITEN MARJOJA POIMITAAN d’Elina Talvensaari Finlande

PRIX DE LA CREATION MUSICALE COURT METRAGE FRANÇAIS ET EUROPEENS / FILMS D’ECOLE

Ariane Labed dans ATTENBERG d’Athina Rachel Tsangari Grèce

PRIX MADEMOISELLE LADUBAY

LONG METRAGE EUROPEEN OU FRANÇAIS

Emil Johnsen dans ISOLERAD de Johan Lunborg & Johan Storm Suède

PRIX JEAN CARMET

LONG METRAGE EUROPEEN OU FRANÇAIS

Géraldine Martineau AGLAEE de Rudi Rosenberg France

PRIX D’INTERPRETATION FEMININE

COURTS METRAGES FRANÇAIS

Rémi TAFFANEL dans LA DAME AU CHIEN de Damien Manivel France

PRIX D’INTERPRETATION MASCULINE

COURTS METRAGES FRANÇAIS

LA TRAVERSEEde Florence Miailhe et Marie Desplechin France

PRIX DU PUBLIC - PREMIER SCENARIO DE

LONG METRAGE / LECTURES DE SCENARIOS

ALYAH d’Elie Wajeman France

PREMIER SCENARIO DE

LONG METRAGE / LECTURES DE SCENARIOS

PRIX SPECIAL PANAVISION / PANALUX

LE COMMISSAIRE PERDRIX NE FAIT PAS LE VOYAGE POUR RIEN d’Erwan Le Duc - France

PRIX DU PUBLIC A UN SCENARIO DE COURT METRAGE LECTURES DE SCENARIOS

TOPPER GIBT NICHT AUF de Felix Koch Allemagne

PRIX NVIDIA - 3D RELIEF

C’est (déjà) demain soir que le jury du 21^ème Festival du Film Britannique de Dinard présidé par Etienne Chatiliez devra trancher et choisir à quel film ( parmi les six que compte la compétition) décerner le Hitchcock d’or, tandis que le Hitchcock d’argent récompensera le prix du public Studio CinéLive, le Hitchcock blanc le meilleur directeur de la photo. Enfin, le Hitchcock de bronze décerné par l’association « La Règle du jeu » consacrera le « prix coup de cœur ».

 Six films. Six univers. Et comme souvent des thématiques récurrentes : des couples improbables, la lutte avec soi-même ou les autres  pour l’accomplissement personnel et/ou collectif, la drogue, la musique bienheureusement omniprésente cette année avec notamment le focus sur les Beatles  et avec la projection de « Nowhere boy » sur l’adolescence déchirée de John Lennon dont je vous reparlerai mais aussi dans deux films en compétition : « Sex and drugs and Rock n’roll » de Mat Whitecross et « Soul boy » de Shimmy Marcus.

Dans le premier, il s’agit de l’histoire de la légende du rock anglais Ian Dury qui entrecroise sa vie d’adulte chaotique et sa douloureuse enfance marquée par la polio. Le montage entremêle judicieusement ces deux époques de sa vie, et les images de la seconde expliquent la première, ce qui ne m’a pas empêchée de trouver ce film profondément ennuyeux (ce qui m’arrive d’ailleurs rarement et ce qui est d’autant plus surprenant avec un sujet aussi détonant). Il ne serait néanmoins pas étonnant que sa maîtrise technique et son interprétation lui permettent remporter les suffrages du jury.

 Avec « Soul boy », s’il était certes aussi question de musique, il s’agissait néanmoins d’un tout autre univers,  puisque Shimmy Marcus nous entraîne au Wigan Casino Dance Hall, temple de la Soul music du Nord de l’Angleterre. C’est là que le jeune Joe Mac Cain trouvera sa voie, sorte de Billy Elliott de la Soul Music très plaisant à regarder mais dont le scénario assez prévisible et léger ne devrait pas lui garantir le même prestigieux destin que le film précité lors du palmarès. Un film qui pourrait avoir les faveurs du public même s’il paraît difficile de détrôner « We want sex » de Nigel Cole qui semble emporter l’adhésion des festivaliers. Ne vous attendez pas là, malgré le titre, à voir des scènes débridées. Il s’agit en fait de « sex equality », l’objet de la lutte du personnel féminin de l’usine automobile Ford qui fait grève pour l’égalité des salaires. Est-ce le sujet d’actualité ? La combattivité de ces femmes touchantes ? Le savant dosage d’humour et d’émotion ? Toujours est-il que le prix du public lui semble garanti  malgré son classicisme.

Pour « Mister Nice », autre film en compétition, le synopsis évoque un « contrebandier romanesque », en réalité un dealer de grande envergure pour lequel le terme pathétique me semblait plus adéquat que romanesque. Qu’est-ce qui a pu pousser Bernard Rose à réaliser un film sur ce personnage peu glorieux devant lequel il semble (un peu trop) en admiration ? Mystère. Et ce qui aurait pu rendre ce film palpitant (sa traque menée dans 14 pays, ses liens avec la CIA, l’IRA, les Triades et la Mafia, ses 43 identités dont nous ne voyons d’ailleurs pas grand chose)  et faire de la vie de cet Howard Marks (qui a réellement existé) un « film romanesque » est noyé dans un flot d’informations anecdotiques et de scènes accessoires.

 Reste le joyeusement déjanté « Skeletons »  et « Treacle Jr » dont je vous ai déjà parlé. J’espère que le jury évoquera l’incroyable prestation de l’acteur principal du second qui, rien que pour ça, mériterait un prix.

 Vous pourrez bien entendu retrouver ici demain soir le palmarès détaillé, les photos et vidéos de celui-ci et vous pouvez continuer à me suivre toute la journée en direct de Dinard, sur twitter (http://twitter.com/moodforcinema ).

 Je vous parlerai également ultérieurement de l’avant-première de ce soir « A passionate woman » d’Antonia Bord et Kay Mellor qui avait déjà reçu le prix du public à Dinard, en 1999 pour « Fanny and Elvis » et qui livre ici un mélo moins mièvre qu’il n’y paraît, lucide, drôle et poignant sur les ravages de la cristallisation amoureuse.

Cette journée a également été ponctuée par la séance « J’écoute le cinéma ». Le principe est aussi simple qu’agréable : allongés sur la plage sur des transats, les festivaliers se laissent porter par le son, en l’occurrence celui de l’Histoire des Beatles à l’occasion du 70^ème anniversaire de la naissance de John Lennon, un document sonore réalisé à partir de citations des Beatles et des extraits de leurs musiques, le tout habilement mis en son par Gaël Coto, face à un paysage splendide et sous un soleil radieux. De quoi procurer quelques regrets amers aux absents… et de quoi régaler les festivaliers présents avides d’évasion. Finalement comme les personnages des films en compétition qui cherchent à s’évader de la réalité (par la musique, la danse, la drogue, la fuite) même si ce sont celles (dans « We want sex ») qui, au contraire font face à la réalité, qui semblent avoir emporté les faveurs du public qui peut-être, en cette période troublée, se reconnaît davantage en elles.