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  • L'AMOUR C'EST MIEUX QUE LA VIE de Claude Lelouch (première mondiale du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2021)

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    Rendez-vous sur mon compte instagram (@sandra_meziere) pour retrouver les vidéos de la mémorable présentation du film lors de la première mondiale qui eut lieu dans le cadre du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2021.

     « Qu'est-ce que vous choisiriez : l'art ou la vie ? » demande le personnage de Jean-Louis Trintignant dans Un homme et une femme.  « La vie est le plus grand cinéaste du monde » a aussi coutume de répéter Claude Lelouch. En 50 films, il n’a en effet eu de cesse de célébrer la vie. La plus flamboyante de ses réussites fut bien sûr Un homme et une femme, palme d’or à Cannes en 1966, Oscar du meilleur film étranger et du meilleur scénario parmi 42 autres récompenses. Un film qui narre la rencontre de deux solitudes blessées et qui prouve que les plus belles histoires sont les plus simples et que la marque du talent est de les rendre singulières et extraordinaires. La caméra de Lelouch y scrute les âmes. Par une main qui frôle une épaule si subtilement filmée. Par le plan d'un regard qui s'évade et s'égare. Par un sourire qui s'esquisse. Par des mots hésitants ou murmurés. Le tout sublimé par la musique de Francis Lai. Dans chacun de ses films, on retrouve ses « fragments de vérité », sa vision romanesque de l’existence, ses aphorismes, des sentiments grandiloquents, une naïveté irrévérencieuse (là où le cynisme est plus souvent roi), les hasards et coïncidences et leur beauté parfois cruelle. Et des personnages toujours passionnément vivants. Dans chacun de ses films, la vie est un jeu. Sublime et dangereux. Grave et léger.  Aujourd’hui sort en salles le 50ème film de Claude Lelouch qui fut présenté en première mondiale au Festival du Cinéma Américain de Deauville.  Même si à ce  film, je préfère Un homme et une femme, La bonne année (un des films préférés de Kubrick qui montrait ce film à ses comédiens avant de tourner), Itinéraire d’un enfant gâté, magnifique métaphore du cinéma qui nous permet de nous faire croire à l’impossible, y compris le retour des êtres disparus.  Ou encore Les plus belles années d’une vie avec ce visage de Trintignant qui soudain s'illumine par la force des souvenirs de son grand amour, comme transfiguré, jeune, si jeune soudain et quelle intensité poétique et poignante lorsqu’Anouk Aimée est avec lui comme si le cinéma (et/ou l'amour) abolissai(en)t les frontières du temps de la mémoire. Encore un des pouvoirs magiques du cinéma auquel ce film est aussi un hommage. Comme chacun des films de Lelouch l’est. Chacun de ses films est en effet une déclaration d’amour. Au cinéma. Aux acteurs. À la vie. À l’amour. Aux hasards et coïncidences. Si « L’amour, c’est mieux que la vie » ne m’a pas autant enchantée que certains de ses films précédents, je vous le recommande néanmoins, ne serait-ce que pour Sandrine Bonnaire qui y est  lumineuse comme elle ne l’a jamais été et dont chaque apparition est un moment d’anthologie. En préambule des « Plus belles années d’une vie » figure une citation de Victor Hugo : « Les plus belles années d’une vie sont celles qu’on n’a pas encore vécues ». Alors, en ces temps moroses, laissons-nous embarquer par ce nouvel hymne à la vie, à l’image de son actrice principale, dotée d’un charme auquel on pardonne tout.

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  • Compte rendu du Festival du Film de Cabourg 2016 : un 30ème anniversaire poétique et festif

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    Cette année, le Festival de Cabourg célébrait trois anniversaires. Ses 30 ans. Les 15 ans de la sortie du Fabuleux destin d’Amélie Poulain de Jean-Pierre Jeunet et les 50 ans de la sortie d’ Un homme et une femme de Claude Lelouch. Et, bien sûr, l’amour puisque ce festival est consacré au cinéma romantique.

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    D’ailleurs, comment définir le romantisme ?  Poser ses yeux sur la célèbre promenade de Cabourg qui porte le nom d’un grand écrivain (qui lui-même a signé des œuvres qui, romantiques, le furent indéniablement) et dont la beauté mélancolique et changeante vous serre le cœur de bonheur et de tristesse mêlés est peut-être déjà une réponse… Le festival, chaque année, à travers les films qui y sont présentés, apporte aussi une réponse: l’amour est protéiforme et polysémique. Le film romantique parle d’amour, forcément, heureux ou malheureux, partagé ou contrarié, éternel ou éphémère, possible ou impossible. Vous pouvez y ajouter, selon le style du film, un zeste d’humour ou de mélancolie. Le film romantique peut être âpre ou doux, réaliste ou onirique. Et le vrai romantisme est pour moi tout sauf mièvre mais plutôt enfiévré et synonyme d’absolu. Comme une histoire d’amour, un film romantique réussi est un voyage qui nous transforme, réchauffe l’âme et le coeur…un peu comme ce Festival de Cabourg.

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    La très belle affiche de cette édition 2016, tirée du film Bébé tigre, réalisé par Cyprien Vial, présenté au festival en 2015, nous promettait une édition scintillante, artistique, et romantique… Elle le fut indéniablement !

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    Tout a commencé sous un soleil étincelant avec l’inauguration du Méridien de l’Amour par d’anciens présidents du jury du festival et par des membres du jury de cette année (Juliette Binoche, Emmanuelle Béart, Virginie Ledoyen …). Pour célébrer ce 30ème anniversaire, l’Association du Festival du Film de Cabourg, sur une idée de sa Déléguée générale Suzel Pietri et avec le soutien de la Ville de Cabourg, inaugurait ainsi un concept poétique unique au monde : 104 clous de fondation ancrés dans le sol de la Promenade Marcel Proust, et réalisés par la Monnaie de Paris, un tracé pérenne symbolisant l’absence de frontières et l’universalité de l’Amour. Un musée de l’amour en plein-air et sur le web. Le long de cette promenade, 5 colonnes représentent chacune un continent. Pour découvrir 104 façons de dire et écrire « Amour », 104 langues officielles des États du monde sont représentées, sous la forme de télégrammes, par le dessinateur Stéphane Heuet. Le Méridien de l’Amour, c’est aussi un site Internet référençant pour chaque langue de nombreuses œuvres cinématographiques et littéraires, collectées par l’auteure de guides Dominique Camus. Les 5 colonnes renverront, par flashcodes, à une médiathèque universelle de l’Amour (www.meridiendelamour.com).

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    Après cette marche revigorante pour accompagner l’inauguration, place ensuite au dîner au Grand Hôtel de Cabourg alors que, dehors, un sublime coucher de soleil saluait le début de ce festival…

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    Le Grand Jury 2016 était cette année présidé par Emmanuelle Béart qui ne s’est pas ménagée le lendemain lors de la vente des roses au profit de l’association « Children of the sun » dont elle est la marraine (en passant à chaque table pour convaincre les convives de contribuer à la vente), une association dont elle a parlé avec émotion et conviction avant que Carla Bruni suspende le vol du temps, surprenant l’assistance par le son envoûtant de sa voix… et avant que Joeystarr (membre du jury) ne nous fasse revenir à la réalité avec une tentative de chanson grivoise. Une très belle soirée sous le signe de la bonne humeur et en bonne compagnie (mes voisins et voisines des soirées successives se reconnaîtront) comme le furent d’ailleurs toutes celles de ce festival.

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    Dans le jury, Joeystarr était accompagné de Loubna Abidar (actrice), Samuel Benchetrit (réalisateur, acteur, écrivain), Joeystarr (acteur, chanteur), Éric Reinhardt (écrivain), Pierre Rochefort (acteur), Julia Roy (actrice) et Céline Sciamma (réalisatrice, scénariste).

    Le jury jeunesse était parrainé par Alice Isaaz (actrice) et Rod Paradot (acteur), qui une fois de plus, lors de la clôture nous a réjouis par son naturel et son enthousiasme, un jury et composé de lycéens.

    Le jury des courts métrages était présidé par Pierre Schoeller (réalisateur, scénariste). Il était accompagné de : Marianne Basler (actrice), Frédérique Bel (actrice), Michel Feller (producteur), Jean Baptiste Maunier (acteur, chanteur), Diane Rouxel (actrice), Karidja Touré (actrice).

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    Parmi les longs métrages en compétition (je n’ai malheureusement pas eu le temps de tous les voir tant mon programme était riche mais je vais essayer de rattraper le grand prix), je peux d’ores et déjà vous recommander La Danseuse de Stéphanie di Giusto, hymne poétique au vertige de l’art, magnifiquement interprété (vécu même semble-t-il à l’écran tant elle y est vibrante d’émotions) par Soko (le film était en sélection du 69ème Festival de Cannes – Section Un Certain Regard), le récit de la vie de Loïe Fuller, au début années 1900, une jeune femme qui se met en scène dans des numéros de danse inventifs et iconoclastes réalisés avec grande robe en voile et des jeux de lumières qu’elle a initiés. Le parallèle entre la passion de la danseuse pour son art et d’un homme pour elle (très juste Gaspard Ulliel), l’un et l’autre se consumant, presque jusqu’à la folie, pour l’objet de leur passion, est évidemment éminemment poétique mais aussi très cinématographique, d’une intensité qui traverse l’écran. La distribution exceptionnelle autour de Soko parachève ce tableau indubitablement romantique, et fascinant: Gaspard Ulliel, Mélanie Thierry, Lily-Rose Depp, François Damiens, Louis-Do de Lencquesaing, Denis Ménochet et Amanda Plummer. Je vous en reparlerai.

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    Le jury jeunesse a préféré couronner Departure d’Andrew Steggall, un premier film poignant qui raconte l’histoire de Béatrice et de son fils, un adolescent, qui passent une semaine à emballer le contenu d’une maison de vacances, dans un coin isolé du sud de la France. Le jeune Elliot est confronté à sa sexualité naissante et à l’éloignement grandissant de sa mère. Quant à Béatrice, elle réalise que tout amour a disparu de son mariage et que la vie telle qu’elle l’a connue touche à sa fin… Departure n’est pas parfait mais possède le charme fou, la maladresse touchante et la fougue de son interprète principal, Alex Lawther. La personnalité magnétique du jeune Clément(très juste Phénix Brossard), un français à la sensualité brute, que vont rencontrer Elliott et sa mère, va éveiller et exalter les désirs de l’un et réveiller les désirs enfouis de l’autre. Ce sont surtout des personnes étouffées par leurs désirs, à l’image du père d’Elliott, dont la confrontation va se révéler explosive. La poésie pour laquelle se passionne le jeune Elliott sert de catalyseur à la brusquerie incontrôlable du désir amoureux. Certaines scènes sont parfois téléphonées mais ce film porté par deux jeunes comédiens d’une remarquable justesse et intensité, une musique et une photographie sublimes, n’en dégage pas moins un charme communicatif, brusque et poétique, touchant et maladroit comme son personnage principal et son interprète qui crève l’écran. Alex Lawther : retenez bien son nom !

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    Mon vrai coup de cœur est un film australien, également en compétition, Tanna de Bentley Dean et Martin Butler qui nous emmène en plein Pacifique, sur une petite île recouverte d’une luxuriante jungle et dominée par un volcan en activité. La tribu des Yakel y rejoue une histoire vraie venue de leur passé, une histoire faite d’amour, de fidélité et de renoncement. La justesse des interprètes est sidérante. Les images sont d’une beauté à couper le souffle. La musique procure un souffle épique à l’ensemble. L’histoire, celle d’un amour impossible, est tragique et bouleversante. Hymne à la liberté, à la nature, ce film aux accents de Roméo et Juliette, plus qu’un coup de cœur est un coup au cœur.

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    Le film Taïwanais Zinnia Flower de Tom Shu-Yu Lin aurait également mérité une place au palmarès pour la sensibilité avec laquelle il rappelle qu’il « faut un temps pour tout » (comme un écho d’ailleurs au film de Safy Nebbou) et avec laquelle il montre la marginalité et la douleur indicible dans lesquelles enferme le deuil, en l’occurrence celui de Wei et Ming qui, le même jour, dans un accident, perdent, l’un sa femme enceinte, professeur de piano, et l’autre, son fiancé. Selon certains rituels bouddhistes, il faut 100 jours pour faire le deuil… Ce sont ces rituels qui rythment le film. L’idée judicieuse de ce film poétique, sensible et délicat est de mettre en parallèle les chagrins dévastateurs qui cadenassent les deux personnages dans la solitude, ces petits riens pour les autres qui peuvent crever le cœur ou faire tomber dans un abîme de tristesse en un clin d’oeil. Par petites notes, il évoque aussi ce qui aide à survivre quand la vie semble devenue absconse et vaine, suite à la perte d’un être cher, (comme des notes de piano évocatrices de la défunte qui font revivre son souvenir un instant) quand la vie pour les autres continue, implacablement. La fin joliment elliptique laisse espérer un avenir meilleur en éludant rien de la réalité du deuil avec lequel sans doute ils ne vivront pas 100 jours mais le reste de leur vie…

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    Parmi mes coups de cœur, figure également « Dans les forêts » de Sibérie, le sixième film de Safy Nebbou, qui concourait pour le prix du public.

    Critique – LES FORÊTS DE SIBERIE de Safy Nebbou

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    Dans les forêts de Sibérie, le sixième long-métrage de Safy Nebbou, est une adaptation libre du récit éponyme de l’aventurier Sylvain Tesson, paru en 2011 chez Gallimard (Prix Médicis Essai 2011).

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    Raphaël Personnaz incarne ici Teddy, un chef de projet multimédia (une profession synonyme de modernité, évidemment pas un hasard), qui, pour assouvir un besoin de liberté, décide de partir loin du bruit du monde, et s’installe seul dans une cabane, sur les rives gelées du lac Baïkal, en Sibérie.

    Qui n’a jamais rêvé de larguer les amarres, loin de l’agitation, du tintamarre et des obligations de nos vies ultra connectées et finalement le plus souvent déconnectées de l’essentiel, pour laisser du temps au temps, pour se retrouver face à lui-même ? Si c’est votre cas alors il se pourrait bien que ce film exacerbe vos envies d’ailleurs …

    Si Dans les forêts de Sibérie avait toute sa place au Festival du Film romantique, c’est ainsi d’une part, parce que l’idée de l’homme qui quitte tout pour se retrouver face à lui-même, cette ode à la liberté, à la nature, à l’aventure, est éminemment romantique mais aussi, d’autre part, parce que ce film possède un charme ensorcelant propice à envoûter le spectateur, dès les premières secondes, comme un coup de foudre. A le faire tomber amoureux de cette nature âpre et fascinante. Dès les premières minutes, les mots précis et implacables portés par la voix off et chaleureuse de Raphaël Personnaz nous bercent en effet comme une douce mélopée : « Je suis venu me rapprocher de ce que je ne connais pas. Le froid. Le silence. L’espace. Et la solitude. En ville les minutes, les heures, les années nous échappent. Ici le temps se calme. Je suis libre. Parce que mes jours le sont.[…] Ne désirer pas plus que ce que l’on éprouve. Et savoir se faire accepter par la nature. J’ai quitté le chaos des villes…».

    Le temps s’arrête et nous partons alors avec lui pour cette expérience hors du temps, hors de nos réalités, presque de notre époque où notre attention est constamment sollicitée, où le silence et l’espace deviennent des luxes suprêmes.

    Aux mots s’ajoutent ensuite les paysages d’une beauté à couper le souffle. Le soleil qui caresse la glace du lac gelé de ses rayons dorés et s’y reflète. Ce camion qui avance sur le lac craquelé de rainures telles des branches aux ramifications infinies ou telles des formes abstraites d’une beauté hypnotique. La caméra prend de la hauteur, comme une envolée lyrique, s’élève, nous élève, et nous emporte dans son tourbillon poétique, nous invitant à vivre cette expérience pendant une heure trente, avec intérêt, curiosité et émerveillement.

    La sobriété et la justesse du jeu de Raphaël Personnaz sied parfaitement au personnage dont on perçoit d’autant mieux les changements qui s’opèrent en lui au fil du temps et qui le transfigurent, celui-ci retrouvant peu à peu la pureté et la spontanéité des joies enfantines. Depuis que Tavernier l’a révélé au grand public avec La Princesse de Montpensier  (il avait d’ailleurs avant déjà tourné dans de nombreux films), Raphaël Personnaz ne cesse de prouver son talent par l’intelligence de ses choix et l’éclectisme de ses interprétations, avec toujours une indéniable présence magnétique : Tavernier à nouveau (Quai d’Orsay), Corsini (Trois mondes), mais encore dans les excellents Marius et Fanny de Daniel Auteuil (ma critique, ici), L’affaire SK1 de Frédéric Tellier… sans oublier le romantique After  de Géraldine Maillet (ma critique en cliquant ici).

    Le scénario (cosigné par David Oelhoffen –également auteur du scénario de L’Affaire SK1- et par Safy Nebbou) a pris des libertés avec le livre en ajoutant le personnage d’un fugitif russe (très bon choix que celui de Evgueni Sidikhine pour l’interpréter) qui se cache dans ces grands espaces, permettant d’ajouter une très belle histoire d’amitié à ce récit initiatique et permettant que cette histoire ne soit pas seulement l’éloge de la nature ou de l’homme face à lui-même, et qu’elle prenne ainsi une autre dimension. On songe bien sûr à Into the wild  de Sean Penn même si ici il s’agit ici pour Teddy davantage de retrouver son identité que de la perdre comme c’était le cas dans le film de Sean Penn. Safy Nebbou cite d’ailleurs plutôt en référence le long-métrage écologique d’Akira Kurosawa, Dersu Ouzala.

    Safy Nebbou, à chaque film, explore, un univers différent et prouve ainsi l’étendue de son talent même si on peut y retrouver des thématiques ou éléments récurrents comme l’importance des mots, ceux de Dumas et ceux de Gilles Taurand  dans L’Autre Dumas ou encore l’idée de double, d’altérité. La photographie de Gilles Porte nimbée de couleurs lumineuses malgré la glace et le froid environnants et les notes chaudes de la sublime musique d’Ibrahim Maalouf soulignent encore davantage la beauté de l’expérience et des paysages, exaltant le grisant sentiment de liberté. On image aussi aisément quelle expérience cela a dû être pour l’équipe du film que de tourner dans de telles immensités potentiellement hostiles mais surtout d’une troublante magnificence.

    On quitte la salle d’abord avec l’envie d’acheter immédiatement le livre de Sylvain Tesson avec, en tête, cette phrase du film, comme un leitmotiv  « Maitriser le temps, vivre intensément chaque instant ». Un véritable défi dans une société ultraconnectée qui nous procure souvent le rageant sentiment d’avoir perdu la capacité à vivre et saisir l’instant présent alors que, paradoxalement, nous ne l’avons jamais autant immortalisé.

    Vous l’aurez compris : je vous recommande ce voyage envoûtant « Dans les forêts de Sibérie », un film qui exhale et exalte la liberté et l’émerveillement, qui donne une féroce envie d’étreindre le présent, qui respire la bienveillance, un film porté par une musique et une photographie, sublimes et incandescentes, et l’interprétation lumineuse, criante de vérité et de naturel de Raphaël Personnaz. Plus qu’un voyage, une expérience. A ne pas manquer!

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    Comme vous le disais en préambule, ce Festival de Cabourg 2016 célébrait aussi les 50 ans d’ Un homme et une femme de Claude Lelouch et les 15 ans du Fabuleux destin d’Amélie Poulain de Jean-Pierre Jeunet. Lors de la sortie du second, en 2001, j’étais étudiante en droit, j’avais l’âge du personnage et je ne me souviens du (grand) nombre de fois où j’ai revu ce film dans un cinéma de Rennes, comme un rituel, une douce évasion. 15 ans après, j’ai éprouvé le même plaisir à le revoir, un peu de nostalgie sans doute aussi. Cette même année, le Festival du Film de Cabourg le récompensait avec un Swann d’Or du meilleur réalisateur décerné à Jean-Pierre Jeunet et un Swann d’Or du meilleur acteur remis à Mathieu Kassovitz. Le scénariste Guillaume Laurant -qui présidait le jury l’année où j’étais dans le jury des courts métrages du Festival de Cabourg, en 2002, et je n’avais alors pas osé lui dire à quel point ce film m’avait (em)portée- et Rufus étaient présents pour échanger avec le public à l’occasion d’une projection anniversaire du film précédé du court-métrage Foutaises de Jean-Pierre Jeunet. Une rencontre passionnante, l’un et l’autre évoquant avec enthousiasme et humilité ce film qui a changé le cours de leur carrière et sans doute marqué leur vie. Guillaume Laurant a ainsi raconté comment le film avait été refusé par 3 producteurs avec des arguments tels que « On ne croit pas aux personnages », « Une idée plus une idée ça ne fait pas une histoire », « C’est trop parisien ». Au regard des 33 millions d’entrées dans le monde engrangées par le film, sans doute ont-ils longtemps regretté… 15 ans après, la singularité poétique, les dialogues à la Prévert et le visuel éblouissant sont toujours aussi réjouissants. Quel plaisir de retrouver Amélie, Georgette, Madeleine Wallace, Nino, l’inconnu du Photomaton et les autres, et toutes ces phrases devenues cultes qui vous trottent en tête longtemps après la projection! Une bienveillance d’autant plus salutaire dans notre époque tourmentée et cynique.

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    Il y a 50 ans, sur une plage de la Côte normande, était né l’un des plus beaux films d’amour français joué par Anouk Aimée et Jean-Louis Trintignant, et accompagné d’une musique inoubliable signée Francis Lai : Un homme et une femme de Claude Lelouch. Le samedi 11 juin, Claude Lelouch est venu à Cabourg pour assister à la projection anniversaire. Le soir, des mains de Sandrine Bonnaire et Elsa Zylberstein il a reçu sa récompense pour ce film. « Les histoires d’amour restent le sujet essentiel, celui qui donne un sens à notre vie. C’est souvent une récompense, souvent une punition. Je peux encore faire 50 films là-dessus » a ainsi déclaré le cinéaste en recevant son prix.

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    Critique de UN HOMME ET UNE FEMME de Claude Lelouch (projection anniversaire)

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    Le 13 septembre 1965, Claude Lelouch est désespéré, son dernier film ayant été un échec. Il prend alors sa voiture, roule jusqu’à épuisement en allant vers Deauville où il s’arrête à 2 heures du matin en dormant dans sa voiture. Réveillé le matin par le soleil, il voit une femme depuis sa voiture, étonné de la voir marcher avec un enfant et un chien. Sa « curiosité est alors plus grande que la tristesse ». Il commence à imaginer ce que peut faire cette femme sur cette plage, avec son enfant, à cette heure matinale. Cela donnera « Un homme et une femme ».

    Synopsis : Anne (Anouk Aimée), scripte, inconsolable depuis la mort de son mari cascadeur Pierre (Pierre Barouh), rencontre à Deauville, en allant chercher sa fille à la pension, un coureur automobile, Jean (Jean-Louis Trintignant), dont la femme s’est suicidée par désespoir. Jean raccompagne Anne à Paris. Tous deux sont endeuillés, et tous deux ont un enfant. C’est l’histoire d’un homme et d’une femme qui s’aiment, se repoussent, se retrouvent et s’aiment encore…
    J’ai vu ce film un grand nombre de fois, et à chaque fois, avec le même plaisir, la même émotion, le même sentiment de modernité pour un film qui date de 1966, étonnant pour un cinéaste dont beaucoup de critiques raillent aujourd’hui le classicisme. Cette modernité est bien sûr liée à la méthode Claude Lelouch d’ailleurs en partie la conséquence de contraintes techniques et budgétaires. Ainsi, Lelouch n’ayant pas assez d’argent pour tourner en couleurs tournera les extérieurs en couleurs et les intérieurs en noir et blanc. Le montage et les alternances de noir et blanc et de couleurs jouent alors habilement avec les méandres du temps et de la mémoire émotive, entre le présent et le bonheur passé qui ressurgit sans cesse.

    Je ne sais pas si « le cinéma c’est mieux que la vie » mais en tout cas Claude Lelouch fait partie de ceux dont les films et surtout « Un homme et une femme » nous la font aimer. Rares sont les films qui donnent à ce point la sensation de voir une histoire d’amour naître et vibrer sous nos yeux, d’en ressentir -partager, presque- le moindre battement de cœur ou le moindre frémissement de ses protagonistes, comme si la caméra scrutait les visages et les âmes. Par une main qui frôle une épaule si subtilement filmée. Par le plan d’un regard qui s’évade et s’égare. Par un sourire qui s’esquisse. Par des mots hésitants ou murmurés. Par la musique éternelle de Francis Lai (enregistrée avant le film) qui nous chavire le cœur. Par une photographie aux accents picturaux qui sublime Deauville filmée avec une lumière nimbée de mélancolie, des paysages qui cristallisent les sentiments de Jean-Louis et d’Anne, fragile et paradoxalement impériale, magistralement (dirigée et) interprétée par Anouk Aimée. Rares sont les films qui procurent cette impression de spontanéité, de vérité presque. Les fameux « instants de vérité » de Lelouch.

    Et puis il y a le charme incomparable du couple Anouk Aimée/ Jean-Louis Trintignant, le charme de leurs voix, notamment quand Jean-Louis Trintignant prononce « Montmartre 1540 ». Le charme et la maladresse des premiers instants cruciaux d’une histoire d’amour quand le moindre geste, la moindre parole peuvent tout briser. Et puis ces plans fixes, de Jean-Louis dans sa Ford Mustang (véritable personnage du film), notamment lorsqu’il prépare ce qu’il dira à Anne après qu’il ait reçu son télégramme. Et puis ces plans qui encerclent les visages et en capturent la moindre émotion. Ce plan de cet homme avec son chien qui marche dans la brume et qui fait penser à Giacometti (pour Jean-Louis). Tant d’autres encore…

    Avec « Un homme et une femme » Claude Lelouch a signé une histoire intemporelle, universelle avec un ton très personnel et poétique. La plus simple du monde et la plus difficile à raconter. Celle de la rencontre d’un homme et une femme, de la rencontre de deux solitudes blessées. Il prouve que les plus belles histoires sont les plus simples et que la marque du talent est de les rendre singulières et extraordinaires.

    Alors pour reprendre l’interrogation de Jean-Louis dans le film citant Giacometti « Qu’est-ce que vous choisiriez : l’art ou la vie » Lelouch, n’a certainement pas choisi, ayant réussi a insufflé de l’art dans la vie de ses personnages et de la vie dans son art. Voilà c’est de l’art qui transpire la vie.
    Alors que Claude Lelouch a tourné sans avoir de distributeur, sans même savoir si son film sortirait un jour, il obtint la palme d’or à Cannes en 1966, l’oscar du meilleur film étranger et celui du meilleur scénario et 42 récompenses au total et aujourd’hui encore de nombreux touristes viennent à Deauville grâce à « Un homme et une femme », le film, mais aussi sa musique mondialement célèbre. Vingt ans après, Claude Lelouch tourna une suite « Un homme et une femme 20 ans déjà » réunissant à nouveau les deux protagonistes.

    A signaler également mon coup de cœur pour deux courts métrages d’animation : « D’ombres et d’ailes » d’Elice Meng et Eleonora Marinoni et « H recherche F » de Marina Moshkova, deux films d’une beauté, d’une poésie (décidément le maître mot de cette édition) et d’une inventivité époustouflantes.

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    Ce compte rendu est bien trop court pour évoquer ces cinq jours jalonnés de belles rencontres, amicales et professionnelles, de films romantiques, incandescents (tenant les promesses de l’affiche) et romantiques, pendant lesquels le soleil a -presque- constamment régné, au propre comme au figuré, lors desquels, une fois de plus, la réalité a dépassé la fiction notamment lors d’un dîner de clôture dont je me demande encore, tant il fut burlesque, si un scénariste malicieux n’en avait pas écrit le scénario. Allez savoir si certains de ces moments ne se retrouveront pas dans mon recueil de nouvelles (dont une se déroule à Cabourg !) qui sera publié à la rentrée aux Editions du 38…mais chut, je ne vous en dis pas plus pour le moment. Pour patienter, vous pouvez toujours trouver mon roman ( que j’espère romantique selon la définition que je vous en donne au début de ce compte rendu) L’amor dans l’âme dont une scène clef se déroule… au Festival du Film de Cabourg. Je repars de ce festival avec de beaux souvenirs et en tête la voix émue et émouvante d’Emmanuelle Béart chantant Barbara, et cette phrase que la déléguée générale du festival (que l’émotion communicative a tant de fois gagné lors de ce festival) a faite broder sur sa robe : « J’ai tellement aimé les stars et la lumière du cinéma que je n’ai plus peur de la nuit ».

    Merci à mes camarades d’avoir tant égayé ce festival, notamment Pascale B (sur le blog de laquelle vous pouvez retrouver mon interview, ici), aux photographes Isabelle Vautier, Mireille Ampilhac, Dominique Saint pour les photos officielles sur le tapis rouge, au photographe Dominique Saint pour la mémorable séance photos sur la plage, à la marque Dr. Hauschka pour la photo parmi un parterre de stars dans son album officiel, à Constance, Alexandre et Dominique pour l’accueil et longue vie au Festival de Cabourg…et au romantisme !

    Retrouvez mes autres photos du festival ci-dessous (à l’exception de celles sur lesquelles je suis évidemment signées des photographes cités ci-dessus) et des photos complémentaires sur mon compte Instagram @sandra_meziere.

     

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    SECTION LONGS MÉTRAGES
    GRAND PRIX Diamond Island de Davy Chou Dotations

    PRIX DE LA JEUNESSE Departure d’Andrew Steggall

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    PRIX DU PUBLIC ESSILOR A Man Called Ove de Hannes Holm
    SECTION COURTS MÉTRAGES

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    MEILLEUR COURT MÉTRAGE Hotaru de William Laboury

    MENTION SPÉCIALE DU JURY Gabber Lover d’Anna Cazenave-Cambet
    MEILLEURE ACTRICE Antonia Buresi pour Que Vive L’Empereur d’Aude Léa Rapin MEILLEUR ACTEUR Jonathan Couzinié pour Que Vive L’Empereur d’Aude Léa Rapin
    SWANN D’OR
    RÉVÉLATION FÉMININE Christa Théret dans La Fille du patron de Olivier Loustau
    RÉVÉLATION MASCULINE Kacey Mottet Klein dans Quand on a 17 ans de André Téchiné
    MEILLEURE ACTRICE Louise Bourgoin dans Je suis un soldat de Laurent Larivière

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    MEILLEUR ACTEUR Manu Payet dans Tout pour être heureux de Cyril Gelblat
    MEILLEUR FILM Les Ogres de Léa Fehner
    MEILLEUR RÉALISATEUR Bouli Lanners pour Les Premiers, Les Derniers
    HOMMAGE 50 ANS Un homme et Une femme de Claude Lelouch
    PRIX PREMIER RENDEZ-VOUS
    POUR UNE ACTRICE Noémie Schmidt pour L’étudiante et monsieur Henri d’Ivan Calbérac
    POUR UN ACTEUR EX AEQUO François Nambot et Geoffrey Couët pour Théo et Hugo dans le même bâteau d’Olivier Ducastel et Jacques Martineau

  • Programme du 8ème Festival International du Film Policier de Beaune (du 30 mars au 3 avril 2016)

     

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    Ci-dessus, l’affiche de l’édition 2016 du Festival International du Film Policier de Beaune qui aura lieu cette année du 30 mars au 3 avril 2016 et auquel j’avais eu le plaisir d’assister dans des conditions idylliques l’an passé grâce à 13ème rue, partenaire du festival, un bonheur pour l’inconditionnel de cinéma policier que je suis (et cela ne date pas d’hier comme vous le verrez sur la photo ci-dessous), d'autant que, en 8 années, ce festival a réussi à s'imposer comme un événement incontournable pour les cinéphiles et amoureux de cinéma policier.

     

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    Cliquez ici pour lire mon compte rendu complet et détaillé de l’édition 2015 du Festival International du Film Policier de Beaune.

     

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    Une fois de plus, le programme du festival semble particulièrement réjouissant. Sachez que le festival est accessible à tous mais que les séances sont fréquemment complètes.

    Ainsi, c’est à Beaune que fut projeté le film qui était pour moi le meilleur de l’année 2015 (et qui fut le grand lauréat du festival): VICTORIA de Sebastian Schipper dont vous pouvez retrouver ma critique en cliquant ici.

    Vous trouverez toutes les informations pratiques sur le site officiel du festival: http://www.festivaldufilmpolicier-beaune.com/2016/

    Le festival rendra hommage au cinéaste Brian De Palma, voilà qui promet de beaux moments de cinéma et de festival, en plus de ceux que nous réserveront sans aucun doute les avant-premières et les 8 films sélectionnés en compétition ainsi que les 6 films sélectionnés dans la compétition Sang Neuf. Le 2 avril, à 15H, il donnera une leçon de cinéma (entrée libre).

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    Après LA CHAMBRE BLEUE de Mathieu Amalric, le Prix Claude Chabrol 2016 est attribué au film COUP DE CHAUD de Raphaël Jacoulot et sera remis le jeudi 31 mars à Beaune par Cécile Maistre Chabrol.

    Le Cercle Rouge décerne le Grand Prix du Roman noir français 2016 à Dominique Manotti pour son roman Or noir (Série noire, Romans noirs, Gallimard).

    Le Cercle Rouge décerne le Grand Prix du Roman noir étranger 2016 à Boris Quercia pour son roman Tant de chiens (Asphalte, novembre 2015, Perro muerto, traduit de l’espagnol (Chili) par Isabel Siklodi).

    En 2016, un jury composé de Paolo Bevilacqua, Thomas Chabrol, Violaine Chivot, Sylvie Granotier, Alice Monéger et Christophe Smith, sous la présidence de Jean-Christophe Grangé, décerne le Prix du Premier Roman policier à François-Henri Soulié pour son roman Il n’y a pas de passé simple (Éditions du Masque, avril 2016).

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    Apres le passage remarqué du duo Les Enquêtes du Département V : Miséricorde / Les Enquêtes du Département V : Profanation l’année dernière, les enquêteurs Carl et Assad reviennent à Beaune pour le troisième volet de leurs sombres aventures : LES ENQUETES DU DEPARTEMENT V : DELIVRANCE de Hans Petter Moland (Danemark, Allemagne, Suède, Norvège). Projection du film samedi 2 avril après la cérémonie du Palmarès. En présence de l’équipe du film.

    JURYS

    66ème Festival de Venise (Mostra)

    Le jury sera ainsi présidé par la comédienne et réalisatrice Sandrine Bonnaire et composé de:

    Jean-Pierre Améris (réalisateur et scénariste), Cédric Anger (réalisateur et scénariste), Marina Fois (Comédienne), Melvil Poupaud (Comédien, realisateur et scenariste), Ludivine Sagnier (comédienne), Pierre Schoeller (réalisateur et scénariste).

    Le jury Sang Neuf sera présidé par le réalisateur, scénariste, producteur et présentateur TV Serge Moati et composé de:

    Xavier Durringer (réalisateur, scénariste et producteur), Philippe Haim (réalisateur, scénariste et compositeur), Caroline Proust (comédienne), Bruno Todeschini (comédien).

    FILMS EN COMPETITION

     
    BRAQUEURS
    (The Crew)

    de/by Julien Leclerq
    avec/with Sami Bouajila, Guillaume Gouix,
    Kahina Carina, Youssef Hadji & Kaaris
    (France)

     

     

    DESIERTO
    de/by Jonas Cuaron
    avec/with Gael Garcia Bernal
    (Mexique, France/Mexico, France)

     

     
    DIAMANT NOIR
    (Dark Inclusion)

    de/by Arthur Harari
    avec/with Niels Schneider
    (France)
    1er film/1st film

     

     

    FRITZ BAUER,
    UN HEROS ALLEMAND

    (The People vs. Fritz Bauer)
    de/by Lars Kraume
    avec/with Burghart Klaussner
    (Allemagne/Germany)

     

     
    LEA
    de/by Marco Tullio Giordana
    avec/with Vanessa Scalera
    (Italie/Italy)

     

     
    MAN ON HIGH HEELS
    (Hai-hil)
    de/by Jin Jang

    avec/with Cha Seung-won
    (Coree du Sud/South Korea)

     

     
    TO STEAL FROM A THIEF
    (Cien anos de perdon)
    de/by Daniel Calparsoro
    avec/with Luis Tosar, Rodrigo de la Serna
    (Espagne, France/Spain, France)

     

     
    VERY BIG SHOT    
    (Film kteer kbeer)
    de/by Mir-Jean Bou Chaaya
    avec/with Alain Saadeh, Fouad Yammine
    (Liban, Qatar/ Lebanon, Qatar)
    1er film/1st film
     Compétition Sang Neuf

     

     
    LES ARDENNES
    (The Ardennes)

    de/by Robin Pront
    avec/with Jeroen Perceval, Kevin Janssens, Veerle Baetens
    (Belgique, Pays-Bas/Belgium, Netherlands)

     

     
    CLEAN HANDS
    de/by Tjebbo Penning
    avec/with Frederic Brom, Poal Cairo, Jenne Decleir
    (Pays-Bas/Netherlands)

     

     
    LES DEMONS
    (The Demons)
    de/by Philippe Lesage
    avec/with Pascale Bussieres, Raphaelle Caron, Victoria Diamond
    (Canada)

     

     
    ONE OF US
    de/by Stephan Richter
    avec/with Dominic Marcus Singer, Jack Hofer, Birgit Linauer
    (Autriche/Austria)

     

     
    TOUT VA BIEN
    (Much Ado About Nothing)
    de/by Alejandro Fernandez Almendras
    avec/with Augustin Silva, Li Fridman, Paulina Garcia
    (Chili, France, Etats-Unis/Chile, France, USA)
    WHAT S IN THE DARKNESS
    de/by Wang Yichun
    avec/with Su Xiatong, Guo Xiao, Lu Qiwei
    (Chine/China)
  • Compte rendu du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule 2015

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    baue11Du 11 au 15 novembre, j’ai eu le plaisir d’être invitée à assister au Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule, pour moi le dernier festival de l’année après Beaune, Cannes, Cabourg, Deauville, Dinard. Je vous avais dit tout le bien que je pensais de la première édition de ce festival, ici, un festival dont j’ai du mal à croire qu’il s’agissait seulement de sa deuxième édition tant la programmation fut riche et passionnante (et, par ailleurs, je n’y ai vu QUE de bons films). Par ailleurs, la convivialité chère à Christophe Barratier, (guitariste émérite, producteur et bien sûr cinéaste : « Les Choristes », « Faubourg 36 », « La Nouvelle guerre des boutons »et, bientôt, sa nouvelle réalisation « Avis de tempête » sur l’affaire Kerviel, lequel sera incarné par Arthur Dupont, d’ailleurs présent au festival pour présenter « La vie est belge »), co-président du festival avec Sam Bobino (fondateur de Sam Bobino Consulting et désormais également directeur des relations internationales aux Journées Cinématographiques de Carthage qui auront lieu du 21 au 28 novembre 2015), fut toujours au rendez-vous malgré le remarquable essor pris par le festival en une année.

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    Une musique et un silence salutaires

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    Avant d’en venir au Festival en lui-même, ceux qui me suivent sur les réseaux sociaux (twitter @moodforcinema et instagram @sandra_meziere, compte instagram sur lequel vous pourrez retrouver d’autres photos et vidéos du festival) sur lesquels je l’ai largement commenté en direct, ont peut-être remarqué que j’ai brusquement cessé, après vendredi soir. Par respect pour ce deuil national, cette ignominie, cette tragédie, et surtout les victimes et leurs familles, il me semblait indécent d’évoquer tout autre sujet, et le cœur n’y était d’ailleurs pas, mais ne plus parler de cinéma, de musique, tout ce qu’on a voulu étrangler, ce serait aussi une bien triste abdication alors…je reprends doucement me souvenant aussi que, comme l’a très justement cité le cofondateur du Festival, Sam Bobino, lors de la clôture, dans ce film qui reste pour moi un des plus beaux et tragiquement clairvoyant de ces dernières années, « Timbuktu » (et alors que le Mali est lui aussi à nouveau dramatiquement touché) d’Abderrahmane Sissako (dont vous pouvez retrouver ma critique, ici), la musique est justement une des cibles de cette violence inepte comme elle l’a été au Bataclan.

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    Comme un écho à « Timbuktu » de Sissako

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    Je me souviens en effet, dans « Timbuktu », de ces plans d’œuvres d’art détruites : des masques et statuettes qui servent de cible à des exercices de tir. La violence absurde, ridicule, terrible des fanatiques face à la culture, la poésie et la beauté. Sissako montre des fanatiques parfois courtois, mais surtout hypocrites (par exemple interdisant de fumer et fumant en cachette), interdisant la musique, les cigarettes, le football, finalement tout ce qui a été visé ce tragique vendredi 13. Dans le film, des personnages se dressent contre l’horreur, justement en musique, comme une jeune fille flagellée parce qu’elle a chanté et qui se met à chanter tandis qu’elle subit son châtiment. Un exemple de cette résistance, une scène qui a la force poignante de « la Marseillaise » chantée dans « Casablanca» de Michael Curtiz que j’avais envie de vous partager ci-dessous avant de vous parler du festival. Dans « Timbuktu », la musique, aussi, est splendide. Signée Amine Bouhafa, elle ajoute de l’ampleur et de la force à ce film sublimé aussi par la photographie de Sofiane El Fani (directeur de la photographie de « La vie d’Adèle) qui nimbe le film d’une douceur poétique enivrante.

    La force poignante et combattive de la musique

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    Le voyage musical et cinématographique dans lequel m’a entraînée ce Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule a été pour moi passionnant, particulièrement instructif, bouleversant parfois, diversifié aussi, du rap en passant par la musique classique, à la musique rock ou folklorique. Il a montré les multiples visages de la musique : l’expression d’une passion, ou d’une révolte, d’une résistance, d’un élan de vie, d’un désarroi, de poésie et parfois même tout cela à la fois dans un même film comme dans le remarquable « A peine j’ouvre les yeux » de Leyla Bouzid, mon grand coup de cœur de ce festival, lauréat de l’Ibis d’or du meilleur film mais aussi de la meilleure actrice (prix ex-aequo pour les deux actrices principales du film) et de la meilleure musique.

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    La musique est bien souvent un combat pacifiste contre les différences, le silence assourdissant des non dits, des oppressions, mettant en scène des êtres épris de liberté, bref une arme de paix.

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    Tous les genres de films étaient représentés avec des classiques (quel plaisir ce fut pour moi de revoir « West side story » le lendemain du ciné-concert des 70 musiciens du La Baule Symphonic mais aussi de découvrir enfin « Le Maître de musique » de Gérard Corbiau, président du jury 2015 aux côtés de Edouard Montoute, Pauline Lefèvre, Elisa Tovati, Eric Michon), des comédies (« La vie est belge », « Comment c’est loin »…), des concerts (ciné-concert« West side story », concert exceptionnel de Michel Legrand), des documentaires (splendides « Janis, « Le Maître d’école », « Abdel Rahman El Bacha »), et même un magistral film d’animation (« Le Prophète »). Le festival rendait également hommage à Michel Legrand et Jacques Demy (après Francis Lai et Claude Lelouch, l’an passé), a fêté les 25 ans de « La Baule Les Pins » de Diane Kurys, a proposé une rétrospective Gérard Corbiau. Bref, une programmation à donner le tournis !

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    L’émotion a souvent été au rendez-vous dans la salle de cinéma ou de concert, a fortiori le 14 novembre lors du concert exceptionnel de Michel Legrand, bouleversé, qui a débuté son concert de 1H30 par un morceau improvisé et deux mesures de La Marseillaise. Un grand moment qui restera gravé dans nos mémoires auquel a succédé sa passionnante master class le lendemain (cf mes vidéos de la master class, en bas de cet article).

    Je suis partie de ce festival avec une envie fiévreuse de m’enivrer de musiques : d’écouter du Chopin a fortiori quand il est interprété par le fascinant Abdel Rahman El Bacha, de passer en boucle la musique de « West side story », de revoir les films de Jacques Demy et les autres films dont la musique fut signée par Michel Legrand, d’écouter Yodelice (qui a signé la chanson originale du « Maître de Musique »), de mettre à tue-tête Janis Joplin, de m’étourdir joyeusement avec la voix de Jacques Higelin, d’aller à l’Opéra.

    La Baule, l’élégante…

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    L’élégante quiétude de La Baule sied décidément parfaitement à ce festival qui se déroule dans le petit cinéma du Gulf Stream situé Avenue de Gaulle qui mène à l’impétueuse et lunatique Atlantique et dont les concerts ont lieu dans la splendide salle Atlantia. Ce fut aussi pour moi l’occasion de découvrir de nouvelles adresses.

    Retrouvez, en cliquant ici, mon article sur mes bonnes adresses à La Baule, bientôt complété.

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    Il m’a été impossible de tout voir tant la programmation était riche (j’ai notamment hâte de rattraper « House of time » de Jonathan Helpert présenté en avant-première et dont on m’a dit le plus grand bien) mais, en attendant, ci-dessous, retrouvez mes coups de cœur du festival, en avant-première et/ou en compétition mais aussi des classiques et concerts avec, en bonus, quelques vidéos dont celles de la Master Class de Michel Legrand.

    « La musique, c’est du bruit qui pense » écrivait Victor Hugo, alors en ces temps troublés, faisons en sorte que, plus que jamais, partout, le bruit pense intensément, envers et contre tout !

     Avant-première – « L’attente » de Julien Piero Messina (en salles le 16 décembre 2015)

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    Un film avec Juliette Binoche dont les choix cinématographiques sont toujours judicieux, est déjà en soi une promesse de bon film. « Copie conforme » de Kiarostami reste pour moi une des plus exceptionnelles performances d’actrices à laquelle il m’ait été donné d’assister. Malgré sa jeune carrière, Lou de Lâage se distingue par l’intelligence de ses choix et par son immense talent qui crève l’écran de « J’aime regarder les filles » de Frédéric Louf à « Respire » de Mélanie Laurent. J’étais donc impatiente de voir les deux réunies pour ce film réalisé par un ex assistant de Paolo Sorrentino et produit par les producteurs de « Youth » et « La Grande Bellezza ». Lors du débat d’après film, dans le cadre du festival, le producteur nous a expliqué qu’il ne fut pas évident de trouver une « jeune femme qui puisse faire face à Juliette Binoche ». Et je ne vois pas quel meilleur choix il y aurait pu avoir que celui de Lou de Lâage.

    Synopsis : Dans les grands salons d’une ancienne villa marquée par le temps, Anna (Juliette Binoche), touchée par un deuil soudain, passe ses journées dans la solitude. La campagne sicilienne, sauvage et d’une grande beauté, entoure la maison et l’isole tandis que le brouillard se lève lentement sur les flancs de l’Etna. Seuls les pas de Pietro, l’homme à tout faire, rompent le silence. A l’improviste arrive Jeanne (Lou de Lâage), la petite amie de Giuseppe, le fils d’Anna, qu’il a invitée à venir passer quelques jours en Sicile. Anna ignorait l’existence de Jeanne et Giuseppe est absent. Il va revenir bientôt, très bientôt…c’est ce que dit Anna à Jeanne. Les jours passent, les deux femmes apprennent lentement à se connaître et attendent ensemble le jour de Pâques, où Giuseppe rentrera pour la procession.

    La sonnerie du téléphone qui retentit dans cette villa glacialement vide, sombre et silencieuse dans laquelle déambule Anna, livide, fantomatique, annonce le surgissement de la vie, de l’imprévu, impression renforcée par l’arrivée de Jeanne avec, en fond sonore, une musique pop qui contraste avec l’atmosphère recueillie de la scène qui précède. Dans cette villa déserte où ne déambule que l’homme à tout faire et sur laquelle semble peser un chagrin ineffable, va s’instaurer une relation trouble entre les deux femmes et la vie s’y immiscer à nouveau. Jeanne va apporter sa fougue, sa jeunesse, sa fraîcheur, son aveuglement, sa gaieté et la vie dans cette maison qui en a soudainement été dénuée. Sans doute a-t-elle tous les éléments pour comprendre, mais sans doute plus sidérée et incapable d’affronter la réalité que réellement aveugle à celle-ci, elle se jette à corps perdu dans le mensonge d’Anna.

    Le véritable mensonge étant finalement celui que les deux femmes se font à elles-mêmes. Les scènes lors desquelles cette dernière semble sur le point de lui avouer la vérité sont d’une rare justesse et se prêtent à ces diverses interprétations. Ces deux femmes en apparence si différentes se ressemblent finalement beaucoup. Le film est d’ailleurs baigné de contrastes, entre le soleil et la noirceur, les rires et les silences, le deuil et la vie éclatante que représente Jeanne. Certains plans sont d’une beauté à couper le souffle comme lorsque les rayons du soleil se réverbèrent sur l’eau du lac dans lequel se baigne Jeanne. Le deuil renforce la beauté douloureuse de ce qui entoure les deux femmes qui le vivent.

    Parmi les très belles scènes de ce film qui n’en est pas avare, la danse envoûtante de Jeanne sur une chanson de Leonard Cohen (au titre à propos :« Waiting for miracle ») suspend le vol du temps et est à l’image de ce film : sensuel, sombre et solaire, ensorcelant et âpre comme un village de Sicile et, surtout, est porté par deux splendides et talentueuses actrices qui apportent toute leur sensibilité à ces personnages exhalant la vie et la bienveillance et à ce beau film empreint de vie et de mélancolie, belle variation sur l’indicible attente et absence.

     « Le Prophète » de Roger Allers d’après l’œuvre de Khalil Gibran – (En salles le 2 décembre 2015)

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    Sombre et solaire, « Le Prophète » de Roger Allers l’est également. Au programme du festival figurait ainsi également un film d’animation que j’attendais de voir avec d’autant plus d’impatience que j’en avais découvert les premières images, dont la poésie m’avait captivée et fascinée, lors du Festival de Cannes. Cette séance « jeune public »a autant marqué les adultes que les enfants qui en ont certainement eu une lecture différente.

    Synopsis : Sur l’île fictionnelle d’Orphalese, Almitra, une petite fille de huit ans, rencontre Mustafa, prisonnier politique assigné à résidence. Contre toute attente, cette rencontre se transforme en amitié. Ce même jour, les autorités apprennent à Mustafa sa libération. Des gardes sont chargés de l’escorter immédiatement au bateau qui le ramènera vers son pays natal. Sur son chemin, Mustafa partage ses poèmes et sa vision de la vie avec les habitants d’Orphalese. Almitra, qui le suit discrètement, se représente ces paroles dans des séquences oniriques visuellement éblouissantes. Mais lorsqu’elle réalise que les intentions des gardes sont beaucoup moins nobles qu’annoncées, elle fait tout son possible pour aider son ami. Arrivera-t-elle à le sauver ?

    « Le Prophète » est un best-seller, universel et intemporel, de l’auteur libanais Khalil Gibran, c’est un recueil de 26 essais philosophiques rédigés en anglais dans une prose poétique. Ce livre a été traduit en plus de 40 langues et vendu à plus de 100 millions d’exemplaires ne cessant d’être réédité depuis sa première publication en 1923.

     Pour les producteurs, seule l’animation était capable de rendre le lyrisme intemporel du livre à l’écran. «L’animation nous semble être en quelque sorte la forme cinématographique la plus proche de la poésie ». Au départ, le film était conçu comme une suite de courts-métrages animés, mais l’actrice et productrice Salma Hayek-Pinault, quand elle a rejoint le projet, s’est prononcée en faveur d’une trame narrative unique pour établir le lien entre chacun des « chapitres » inspirés par le chef-d’œuvre de Khalil Gibran. « Je voulais que le film soit encore plus important, encore plus unique », dit-elle. « J’ai proposé d’utiliser une histoire principale pour accompagner les poèmes et rendre ainsi le film plus accessible, plus familial. L’histoire permet de relier une suite de courts-métrages animés dont l’un est notamment réalisé par Joann Sfar (sur le mariage et le couple avec un tango chorégraphié par Philippe Découflé) et huit autres des plus grands noms de l’animation internationale. Le long-métrage est une galerie de tableaux où les animateurs ont puisé dans les techniques picturales les plus anciennes.

     Pour imaginer ce fil conducteur, les producteurs se sont tournés vers Roger Allers, un scénariste-réalisateur plébiscité et réputé pour son travail sur certains dessins animés Disney qui ont remporté le plus de succès. Après avoir signé le scénario de « La Belle et la Bête » et d’ « Aladdin », il a réalisé le blockbuster « Le Roi Lion ». Il l’a également adapté pour la comédie musicale éponyme donnée à Broadway depuis de nombreuses années.

     Le livre de Gibran aborde toutes les grandes questions de l’existence et prend une résonance toute particulière ces jours-ci. Il évoque ainsi l’amour et de la mort, les enfants et le travail. Voici quelques citations extraites du film :

    « L’amour ne possède pas, ni ne veut être possédé. »

    « Car la liberté n’est possible que lorsqu’elle n’est plus un but. »

    « Le travail, c’est l’amour rendu visible. »

    « Aimez- vous mais ne faites pas un lien d’amour : qu’il soit plutôt une mer mouvante entre les rivages de votre âme. »

    « Car qu’est- ce que le mal sinon le bien torturé par sa propre faim et sa propre soif ? »

    « La vie et la mort ne font qu’un, comme ne font qu’un la rivière et la mer. »

    « Quand le bien a faim il cherche partout de quoi se nourrir. »

    « Que me reste-t-il si je renie mes convictions les plus profondes. »

    « Lorsqu’on aime un ami, on ne doit pas pleurer car ce qu’on aime en lui peut être plus clair en son absence. En amitié seule compte la profondeur de l’âme. »

     La musique douce et envoûtante de Gabriel Yared permet de lier ces différents chapitres et corrobore le lyrisme et la poésie des mots et des images. J’ai entendu parfois (de la part d’adultes et non d’enfants) que ce film était ennuyeux. Il est tout le contraire. Il nous touche en plein cœur et nous met du baume à l’âme, il nous emporte et nous élève. La musique, les personnages, les textes, tout contribue à l’ensorcellement du spectateur. A l’image d’Almitra, le spectateur effectue un parcours initiatique dont chaque étape exhale une poésie fascinante. La fin, bouleversante, intelligemment polysémique, fera sourire les enfants et pleurer les adultes. Ajoutez à cela la voix douce du talentueux Mika, celle délicate de Salma Hayek et celle de Nicolas Duvauchelle et vous obtiendrez un divertissement brillant, passionnant, lyrique et poétique. Je vous laisse imaginer l’effet que produit ce texte magnifique prononcé par la voix de Mika :

     « Je vais te dire un secret, je me suis souvent envolé loin d’ici. Nous ne sommes emprisonnés ni par des murs ni par nos corps. Nous sommes des esprits, libres comme l’air. Pour être libres, il faut briser les liens avec lesquels on s’est soi-même enchainés. Quand l’amour te fait signe, il faut le suivre même si la route est difficile et abrupte. Les mots sont mes ailes et toi tu es mon messager. »

     « Comment c’est loin » de Orelsan (Sortie en salles le 9 décembre 2015)

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    La poésie promettait d’être moins au rendez-vous avec « Comment c’est loin » d’Orelsan, mais le cinéma est aussi là pour faire voler en éclats les préjugés ou en tout cas pour nous embarquer dans des univers parfois diamétralement opposés.

    Synopsis : Après une dizaine d’années de non-productivité, Orel et Gringe, la trentaine, galèrent à écrire leur premier album de rap. Leurs textes, truffés de blagues de mauvais goût et de références alambiquées, évoquent leur quotidien dans une ville moyenne de province. Le problème : impossible de terminer une chanson. À l’issue d’une séance houleuse avec leurs producteurs, ils sont au pied du mur : ils ont 24h pour sortir une chanson digne de ce nom. Leurs vieux démons, la peur de l’échec, la procrastination, les potes envahissants, les problèmes de couple, etc. viendront se mettre en travers de leur chemin.

     Je l’avoue, le talent incontestable des deux compères pour la procrastination, la nonchalance et le phrasé si singulier d’Orelsan m’ont plus d’une fois amusée et même de certaines scènes se dégage une incongruité touchante comme celle dans laquelle intervient la propre grand-mère d’Orelsan. Elle n’est d’ailleurs pas la seule proche d’Orelsan à intervenir, il a également fait appel à ses amis d’enfance de Caen. Caen où se déroule l’intrigue (ou la non intrigue) devient un personnage à part entière et les deux anti-héros adoptent sa lenteur, ou inversement. Signalons aussi que Orelsan a été fortement aidé pour le scénario (par Stéphanie Murat) et par le célèbre chef opérateur Christophe Offenstein (aussi réalisateur de « En solitaire »)

    Les deux anti-héros ne sont pas sans nous rappeler d’autres anti-héros du cinéma français comme dans « Marche à l’Ombre » de Michel Blanc. Dix titres originaux accompagneront la sortie du film le 9 décembre 2015. Même si quelques jours après, il ne me reste pas grand-chose de ce film, si ce n’est le bon rap final, forcément attendu tout au long du film, ce film parlera sans doute à une génération désabusée ou désenchantée, drôlement lucide ou lucidement drôle, qui rêvait en grand et qui a dû se résoudre à une « médiocrité » honnie pour tenter de vivre tant bien que mal dans une société qui ne permet pas toujours aux rêves de se concrétiser même si la fin nous montre qu’il ne faut jamais cesser de persévérer et d’y croire. Le duo de compères fonctionne indéniablement. Dommage que les personnages féminins ne soient que de pathétiques faire-valoir. Un film de génération qui, sans doute, ravira les fans du duo

    « Abdel Rahman el Bacha, un piano entre Orient et Occident » de Gérard Corbiau

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    Retour à la poésie et changement radical d’univers avec ce portrait fascinant du non moins fascinant pianiste Abdel Rahman el Bacha réalisé par le président du jury de ce Festival du Film de La Baule 2015, Gérard Corbiau. Qu’il parle ou qu’il joue, le pianiste franco-libanais apaise ceux qui l’écoutent par son intelligence, son humanisme, sa vision de la musique et son message de liberté, de fraternité et de paix qu’elle porte en elle et qu’il semble irradier d’un pays à l’autre, la musique étant pour lui un moyen de jeter un pont entre l’Orient et l’Occident. Si la musique orientale l’a bercé, c’est aussi vers Bach, Beethoven, Prokofiev et Chopin que va son admiration. Vainqueur du Concours Reine Elisabeth en 1978, à 19 ans (à l’unanimité pour la première fois de l’histoire du concours !), il est aujourd’hui Maître de piano, donne des concerts dans le monde entier et enseigne à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth. Une mémoire, une passion, un travail, une détermination, une intelligence exceptionnels mais surtout un amour immodéré de la musique. Le tournage a ainsi duré trois ans et le film s’articule essentiellement autour d’une croisière musicale en Méditerranée, à laquelle participait le pianiste, lieu mythique et symbolique. C’est à cette occasion qu’il interprétera l’intégrale des sonates de Beethoven qu’il a donnée sur cinq jours consécutifs au festival de piano de la Roque d’Anthéron. Notre souffle est alors suspendu à chaque note, à chaque respiration, à chaque mouvement de ses doigts sur le piano lors de cette performance exceptionnelle qui relève de la magie. C’est absolument magnifique. Si entendre parler ce pédagogue, humaniste, philosophe de la musique, est passionnant, l’entendre jouer est un moment de magie pure et ce portrait m’a donné envie de venir l’écouter et nul doute que cela produira le même effet sur tout spectateur de ce documentaire.

     « Mon Maître d’école » de Emilie Thérond (Sortie en salles le 13 janvier 2016) – Avant-première

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    Autre documentaire. Autre portrait d’humaniste et de pédagogue, celui que réalise Emilie Thérond de son ancien instituteur dans « Mon Maître d’école », un documentaire produit par François-Xavier Demaison (que vous pouvez entendre dans ma vidéo ci-dessus, je suis désolée pour la très mauvaise qualité de l’image).

    A St Just-et-Vacquières, Jean-Michel Burel, maitre d’école d’une classe à plusieurs niveaux, commence sa dernière année scolaire avant la retraite. L’instituteur enseigne la tolérance et la sagesse au même titre que l’orthographe et les mathématiques. Il mène son programme avec détermination. Il s’évertue à soutenir les élèves pour leur donner confiance et les élever plus haut. À travers les yeux d’une ancienne élève, aujourd’hui réalisatrice, se dessine une école intemporelle où la rigueur se conjugue avec la bonne humeur, une école où la liberté commence avec le respect de celle des autres. Une école qui appartient à tous et au domaine universel de l’enfance

    Cette école et ce maître-là sont ceux que nous aurions tous rêvés d’avoir. L’homme est passionné par son métier, attachant, iconoclaste et l’école devient une sorte d’Eden où les élèves apprennent tout en s’épanouissant. Tout cela semble tellement idyllique qu’on peine à croire qu’il est réel et l’émotion nous envahit à l’idée que cet homme ne puisse plus enseigner même s’il continuera à être dans le bureau d’à côté. Ajoutez à cela la musique enchanteresse de Yodelice (dont vous connaissez forcément le « Talk to me » des « Petits mouchoirs ») et vous obtiendrez une bouffée de fraîcheur et d’optimisme, un documentaire plein de tendresse sur un homme attachant.

    « A peine j’ouvre les yeux » de Leyla Bouzid- Compétition (Sortie en salles le 23 décembre 2015)

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    C’est aussi le portrait d’une femme libre que nous dresse Leyla Bouzid dans ce film qui a remporté l’Ibis d’or du meilleur film, de la meilleure musique et de la meilleure actrice ex-aequo, des prix amplement mérités pour ce film magistral.

    La Tunisie, dont les représentants du dialogue national ont cette année reçu le Prix Nobel de la Paix, a aussi été victime du terrorisme avec les attentats du Bardo à Tunis et de Sousse, un cauchemar qui a succédé à un autre, celui de la Tunisie de Ben Ali dans laquelle la corruption gangrénait la société et dans laquelle les libertés étaient restreintes et réprimées. Je n’oublierai jamais ce 14 janvier 2011, jour où Ben Ali a été chassé du pouvoir. Jour historique.

    Tunis, été 2010, quelques mois avant la Révolution, Farah, (Baya Medhaffar), 18 ans passe son bac et sa famille l’imagine déjà médecin… mais elle ne voit pas les choses de la même manière. Elle chante au sein d’un groupe de rock engagé. Elle vibre, s’enivre, découvre l’amour et sa ville de nuit contre la volonté d’Hayet (Ghalia Benali), sa mère, qui connaît la Tunisie et ses interdits.

    Dès les premières minutes, j’ai été captivée, estomaquée par la beauté furieuse de ce film. Par la vitalité, la force, la fougue de la mise en scène et de la jeune Farah (et de son interprète principale d’une maturité, d’une justesse sidérantes) qui dévore la vie et qui doit lutter pour exercer sa passion : chanter. Les textes qu’elle chante sont ouvertement opposés au régime et malgré sa volonté et son désir forcenés, progressivement le piège va se refermer sur elle jusqu’à ce que sa voix soit étouffée. Littéralement.

    Non seulement la manière dont la réalisatrice démontre les restrictions imposées par le régime est aussi passionnante qu’édifiante, mais elle raconte avec autant de précision et sensibilité la relation amoureuse (Farah va aussi découvrir l’amour et la trahison) et la relation mère/fille. Ghalia Benali qui interprète la mère de Farah est elle aussi bouleversante, et sa dureté ne dissimule que sa lucidité et ses craintes pour sa fille qui lui ressemble finalement tant. La scène lors de laquelle la mère pousse sur l’accélérateur de sa voiture pour effrayer sa fille et lui faire promettre de ne pas sortir chanter est d’une force rare, poignante et redoutable, à la hauteur de la peur ressentie par la mère pour sa fille.

    Ces yeux qui s’ouvrent du titre, ce sont à la fois ceux de Farah sur la vie, la réalité du monde qui l’entoure, mais aussi ceux de sa mère sur ce que veut et doit faire sa fille mais aussi l’éveil d’une Tunisie trop longtemps réprimée et condamnée à la soumission et au silence par vingt années de dictature. Farah représente finalement la Tunisie et cette jeunesse qui crie sa colère, sa révolte et son désir de se délivrer de ses chaînes malgré les risques encourus. La musique, fiévreuse, transcrit les élans de la jeunesse et devient un opposant incontrôlable, une arme de liberté et de paix.

    Un film engagé, fiévreux, fougueux, poétique, porté par deux actrices exceptionnelles, une réalisation d’une force et d’une intensité rares, des textes et des musiques remarquables et qui montrent la puissance de liberté de la musique. C’est aussi une histoire d’amour. L’amour d’un pays. L’amour de la musique et de son pouvoir. L’amour de la liberté. L’amour d’une mère pour sa fille qui explose dans ce dernier plan d’une douceur et d’une émotion ravageuses. (Le jury ne s’y est pas trompé en primant, ex-aequo, les deux actrices). Un grand film. Un chant de liberté. Un film à l’image de sa jeune actrice : incandescent et brûlant de vie.

     Lors de la clôture du festival, Baya a lu un message de la réalisatrice Leyla Bouzid. Elle a rappelé les attentats qui ont touché Tunis et Sousse avant Paris : « Un triste lien de mort unit la France et la Tunisie. Il s’agit d’un film d’un élan de vie vif et inaliénable. C’est bien d’être ici pour cet élan de vie malgré ce qui s’est produit. J’ai envie de vous dire que notre élan de vie est inaliénable. Vive la vie, la musique, et la liberté. Personne n’arrivera à les tuer. »

     « L’Orchestre des aveugles » de Mohamed Mouftakir – Compétition

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    Réalisé par Mohamed Mouftakir avec une musique originale de Didier Lockwood, « L’Orchestre des aveugles » est un film marocain en grande partie autobiographique qui raconte l’histoire de Houcine et de sa famille, dans les années 70, à Casablanca. Ils vivent dans la maison familiale de sa femme, Halima. Cette maison est un lieu de cohabitation animée : une galerie de personnages hauts en couleurs s’y croise au rythme de la vie de l’orchestre et de ses danseuses traditionnelles (les Chikhates). Cet orchestre est particulier, les musiciens hommes sont parfois obligés de se faire passer pour des aveugles afin de jouer dans les fêtes réservées aux femmes chez des familles conservatrices marocaines.

    Ce film est fois un hommage et un pardon de Mohamed Mouftakir à son père. Il y exprime ce qu’il n’a pas pu lui dire avant sa disparition. Comme dans le film de Leyla Bouzid, il est question de liberté réprimée et de délit d’opinion et comme pour le film de Leyla Bouzid « L’Orchestre des aveugles » le jury a couronné ex –aequo ses deux acteurs (Ibis d’or du meilleur acteur-Groupe Barrière pour les comédiens Younes Megri et El Jihani Llyas, ex-aequo). Le cadre est ici celui du Maroc des années 70. Le film évoque en effet la liberté de parole et le délit d’opinion dans les années 70. L’oncle d’Houcine rêve de révolution marxiste. Plus timoré et classique que le film de Leyla Bouzid, « L’Orchestre des aveugles » privilégie l’implicite même si, en filigrane, apparaît une société patriarcale qui rêve de s’émanciper. Ce parti pris peut aussi se justifier par le fait que le regard est celui que porte un enfant triste et nostalgique sur son passé. Au dénouement, les émotions, toujours en filigrane au cours du film, éclatent pour laisser la tristesse affleurer enfin. Un film à l’image de son jeune personnage principal, touchant et sensible.

     « La Passion d’Augustine » de Léa Pool – Compétition (Date de sortie en salles le 30 mars 2016)

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    Egalement en compétition et également au palmarès ( Ibis d’or du meilleur scénario), « La Passion d’Augustine » nous embarque sous une autre latitude et dans une autre atmosphère, celui d’un couvent du Québec des années 60.

    Simone Beaulieu, devenue Mère Augustine, dirige ainsi avec succès un petit couvent sur le bord du Richelieu. Passionnée, elle met toute son énergie et son talent de musicienne au service de ses élèves. Lorsque sa nièce Alice lui est confiée, c’est non seulement une nouvelle pianiste prodige qui fait son entrée, mais aussi une jeune femme dont les aspirations sont au diapason de l’époque et qui rappelle à Mère Augustine un passé qu’elle avait cru mis de côté définitivement.

    Là aussi, dans ce film lumineux, rempli de générosité, d’espoir et de bons sentiments, la musique est une arme de résistance au chagrin, d’éducation à l’art et à la vie. Il vaut surtout par la prestation de Céline Bonnier en Mère Augustine, beau portrait d’une femme qui se dévoile au propre comme au figuré, et la musique de François Dompierre, qui a retravaillé plusieurs oeuvres de Bach et Chopin, dont la beauté élève le film.

     « Move ! » de Fanny Jean-Noël – Compétition

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    Atypique. S’il fallait ne choisir qu’un adjectif pour qualifier ce film (et sa réalisatrice) ce serait sans doute celui-là. Fascinant et étourdissant de beauté aussi. Seule avec sa petite caméra, Fanny Jean-Noël a ainsi réalisé le portrait d’une vingtaine de personnages à travers le monde (au gré de ses rencontres, passant au début 25 jours dans chaque pays) ayant tous une passion commune qui va changer leur vie : la danse ! Une fiction-documentaire sur le langage universel de la danse, besoin vital, premier né des arts.

    De la poésie à l’état pur qui montre avec une force poignante ce qui nous rassemble au-delà de toutes les supposées différences, au-delà des frontières. Le résultat est une ode à la musique, à l’art comme vecteur universel de joie, d’émotions qui permet de transcender les différences. Elle cite Nietzsche qui dit « Considérons comme perdue toute journée où n’avons pas dansé au moins une fois » et fait de la musique un art de vivre, intensément, d’aimer, d’affronter la vie.

    Elle explore ainsi toutes les fonctions de la danse : danse guerrière, de séduction, de cour, incantatoire, de rituel, aux rois ou aux ancêtres…Son tour du monde devient ainsi une quête des représentations des différentes fonctions de la danse, en suivant les âges de la vie : l’enfance, l’apprentissage, la mort. Certains passages (à vrai dire presque tous) sont d’une beauté à couper le souffle. La réalisatrice sait marier les contrastes, saisissants, pour accentuer la beauté de ces instants magiques, hors du temps que ce soit à Bali, en Irlande, en Espagne, au Japon, à Madagascar, au Maroc, en Géorgie, en Inde…

    1h15 magiques qui irradient de beauté, de lumière, de poésie. La danse (aucun dialogue ici) devient un langage universel, un étourdissant vertige qui nous laisse heureux et essoufflés avec une seule envie, entrer dans la danse ! (Musique originale de Piers Faccini).

     « Janis » de Amy Berg (USA) (Sortie en salles le 6 janvier 2016) – Compétition

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    Janis que son prénom suffit à désigner, c’est donc Janis Joplin, l’une des plus mythiques chanteuses de rock et de blues de tous les temps mais aussi une écorchée vive, forte et vulnérable, aussi sensible que sa voix était puissante. L’histoire de la courte vie d’une femme passionnée qui changea le cours de l’histoire de la musique, qui a enfreint tous les codes dans sa vie comme dans la musique, se jetant à corps perdu dans l’une comme dans l’autre. Elle décéda ainsi en 1970 à l’âge de 27 ans (le fameux « Club des 27″, l’âge auquel décédèrent les autres légendes du rock : Jim Morrison, Jimmy Hendrix, Kurt Cobain et Amy Winehouse).

    Peut-être, dans son dispositif un peu classique pour une femme aussi libre et iconoclaste, « Janis » repose néanmoins sur une belle idée. Celle d’une voix off qui lit des lettres que Janis avait adressées à sa famille créant ainsi une proximité avec le spectateur qui a l’impression de recueillir ses confidences, d’entendre sa voix intérieure aussi fragile que sa musique était puissante.

    Ce dispositif épistolaire permet d’esquisser un portrait plus nuancé et nous donne à voir, derrière les images enfiévrées, fascinantes, explosives, électriques, des concerts, la femme blessée, avide d’amour, à jamais complexée et surtout fragilisée par les humiliations qu’elle a subies dans son enfance. Bouleversante est la scène où, devenue une star, elle revient dans son ancien lycée et, où dans sa voix et son regard perdus, à fleur de peau, subsistent les bleus à l’âme de l’enfant blessée qu’elle semble alors être à nouveau et à jamais.

    Se dessine ainsi, derrière l’artiste hors normes, au talent qui transpire l’écran et nous fait frissonner d’émotion, le portrait d’une femme terriblement attachante, sensible, empathique, pétrie d’incertitudes, de manque d’amour et de confiance qu’elle tentait de noyer dans des plaisirs artificiels.

    La fin du documentaire, ce rendez-vous manqué que n’aurait osé inventer le plus audacieux des scénaristes, est absolument bouleversante et nous laissent ko avec une seule envie, entendre à nouveau sa voix immortelle, fiévreuse et incandescente.

     « Ce que le temps a donné à l’homme » de Sandrine Bonnaire

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    Autre portrait d’un chanteur libre et à fleur de peau, celui réalisé par l’actrice et réalisatrice ‪Sandrine Bonnaire (aussi talentueuse en tant que réalisatrice qu’ en tant qu’actrice, on se souvient ainsi notamment du sublime « J’enrage de son absence » que je vous recommande à nouveau vivement et dont vous pouvez retrouver ma critique, ici) a suivi son ami ‪Jacques Higelin pendant un an derrière sa caméra pour réaliser un « portrait intimiste » du chanteur. Cela a donné un film bouillonnant, de vie, de sincérité, de musique, intitulé « Ce que le temps a donné à l’homme » que les  deux artistes sont venus présenter à La Baule. Leur complicité transparait à l’écran et permet de livrer un portrait à la fois personnel, singulier, lumineux qui ne soit jamais indiscret et impudique et, d’ailleurs, à l’issue du documentaire de 52 minutes, le mystère demeure et c’est bien heureux, mais surtout elle nous donne envie d’écouter encore et encore  les musiques à l’image de l’artiste, « tendre et sauvage » et d’aller le voir en concert. (Je garde un souvenir inoubliable de sa prestation au Festival du Film de Cabourg, il y a quelques années.) Sandrine Bonnaire avait déjà réalisé un documentaire, un autre magnifique portrait, poignant mais ni larmoyant ni complaisant, celui de sa sœur Sabine dans  « Elle s’appelle Sabine ».

     « Le Maître de musique » de Gérard Corbiau

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    Ce festival fut aussi pour moi l’occasion de voir (mieux vaut tard que jamais !) « Le Maître de musique », un film du président du jury de ce Festival de La Baule, Gérard Corbiau. Ce film de 1988 a été nommé pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1989.

    Au début du XXe siècle, Joachim Dallayrac, fameux baryton, annonce qu’il met un terme à sa carrière lyrique, pourtant au sommet de la gloire. Il a en effet décidé de se consacrer entièrement à l’enseignement de la jeune Sophie dont il recherche la perfection vocale, surprenant et décevant ainsi les critiques. Jusqu’au jour où il rencontre Jean, un jeune voyou dont il entame le travail vocal. Ses deux élèves sont alors conviés au concours lyrique organisé par l’éternel rival de Dallayrac, le Prince Scotti. Jean et Sophie se joignent au concours…

    Je reviendrai ultérieurement sur ce film, d’une étonnante maîtrise, et dont il est difficile de croire que c’est un premier film. Construit comme un opéra dans lequel la musique exprime les sentiments passionnés, parfois réfrénés, des protagonistes, et grâce un montage remarquable, une photographie somptueuse ce film est un moment de pure poésie et de musique violemment enchanteresses.

    Hommage à Michel Legrand, concert exceptionnel et master class

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    L’an passé, le compositeur Francis Lai avait reçu un Ibis d’Or pour l’ensemble de sa carrière (et pour ses 50 ans de collaboration avec Claude Lelouch). Cette année, c’était au tour d’un autre très grand compositeur de musiques de films, Michel Legrand, d’être honoré par le Festival (avec un concert unique et exceptionnel lors de la clôture, un grand moment).

    C’est l’occasion aussi pour moi de faire une petite parenthèse pour vous recommander l’excellent film « Cinq jours en juin » réalisé par Michel Legrand. Un film méconnu de 1988 que Michel Legrand a réalisé. Le film est certes de facture classique mais la réalisation est loin d’être inintéressante ou banale et, en plus d’être un musicien génial, Michel Legrand se révèle être un cinéaste doué, pudique et inspiré. Dans ce film, il raconte une histoire fortement inspiré de la sienne: Michel, âgé de quinze ans, (Matthieu Rozé) remporte son prix de piano au conservatoire de Paris le jour où les alliés débarquent sur les plages de Normandie. Les trains sont réquisitionnés, lui et sa mère (Annie Girardot) ne peuvent plus rentrer en Normandie. Avec Yvette ( Sabine Azéma), une jeune femme délurée, ils volent des bicyclettes et partent pour Saint-Lô. Sur leur chemin, ils échappent à des bombardements et à des combats, assistent à la débâcle des troupes allemandes et rencontrent des soldats américains. Michel tombe amoureux d’Yvette. Ce film exhale un parfum entêtant et enivrant qui doit s’appeler le charme qui doit beaucoup au trio de comédiens avec une Sabine Azéma, rayonnante, mutine, malicieuse, éclatante de vie et une Annie Girardot, à la fois grave et sereine et bienveillante, comme toujours d’une justesse remarquable. Un film plein de vitalité et d’émotions, de celle qui nous envahit quand on écrit pour les êtres chers disparus, de celle qui vient du cœur, qui transparait dans chacun des plans de ce film qui mérité d’être vu.

    « Les circonstances dramatiques ont créé l’envie de se rassembler et de célébrer la chance d’être en vie et cela s’est senti dans chaque note » a très justement précisé Christophe Barratier en préambule de cette passionnante master class lors de laquelle l’émotion fut au rendez-vous. Pardon pour la mauvaise qualité de l’image mais je tenais néanmoins à partager ici les propos passionnants de Michel Legrand. La master class a été précédée d’un montage d’extraits emblématiques de musiques de films signées de ce grand artiste :

    -Les Demoiselles de Rochefort

    -Cléo de 5 à 7

    -Le Messager

    -La Piscine

    -Les Mariés de l’an 2

    -Un été 42

    -Jamais plus jamais

    -Les enfants de Lumière

    -La rançon de la gloire

    -Peau d’âne

    -L’affaire Thomas Crown

    -Yentl

     1.Michel Legrand a commencé par évoquer le dernier film sur la musique duquel il a travaillé, « La Rançon de la gloire » de Xavier Beauvois dont vous pouvez retrouver ma critique ici.

    « La musique au cinéma est comme un deuxième dialogue. La musique que j’écris, elle dérange » a ainsi expliqué Michel Legrand

    2. Le deuxième extrait fut celui de la scène si sensuelle de la partie d’échecs dans « L’Affaire Thomas Crown »

     3. Le troisième extrait, «  Les parapluies de Cherbourg » a clos cette master class. « J’ai musiqué un film écrit pour être parlé », a ainsi raconté Michel Legrand à propos de ce chef d’œuvre de Demy, palme d’or 1964.

    -Ciné-concert « West side story »

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    Quel plaisir ce fut aussi de revoir « West side story » le lendemain du concert donné par les 70 musiciens du La Baule Symphonic, de me laisser à nouveau conquérir par la musique de Leonard Bernstein, de me laisser bouleverser par ce Roméo et Juliette du Upper West Side à New York. La noirceur du thème, la musique sophistiquée, les problèmes sociaux évoqué restent étonnamment actuels sans parler de la partition de Bernstein et ses inoubliables et intemporels Something’s coming, Maria, America, Somewhere, Tonight, Jet Song, I Feel Pretty, One Hand, One Heart, Gee, Officer Krupke et Cool.

    Le film remporta dix Oscars (sur onze nominations) lors de la 34e cérémonie des Oscars.

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    « Toutes mes vocations sont nées de ce film » a expliqué Mathilda May venue rendre hommage à George Chakiris finalement absent pour raisons de santé.

    « Le Bolero » de Maurice Ravel (la musique du film « Les Uns et Les Autres » de Claude Lelouch…) par lequel s’est terminé ce concert m’a emportée dans ce tourbillon de musique éblouissant, ce que fut aussi ce 2ème Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule. Une indéniable réussite. Vivement le prochain!

     Palmarès

    Ibis d’or du meilleur film

    « A peine j’ouvre les yeux » de Leyla Bouzid (Tunisie)

    Ibis d’or de la meilleure musique de film :

    Khyam Allami pour « A peine j’ouvre les yeux » de Leyla Bouzid (Tunisie)

    Ibis d’or du meilleur scénario :

    « La Passion d’Augustine » de Lea Pool (Canada, Québec)

    Ibis d’or du meilleur acteur – Groupe Barrière :

    Younes Megri et El Jihani Llyas (ex-aequo)

    pour « L’Orchestre des aveugles » de Mohamed Mouftakir (France / Maroc)

    Ibis d’or de la meilleure actrice :

    Baya Medhaffer et Ghalia Benali (ex-aequo)

    pour « A peine j’ouvre les yeux » de Leyla Bouzid (Tunisie)

    Ibis d’or Prix du public :

    « La Passion d’Augustine » de Lea Pool (Canada, Québec)

    Ibis d’or du meilleur court métrage :

    « La Veilleuse » de Joan Borderie (France)

    Enfin, puisque de musiques de films il est question, j’en profite pour vous rappeler que vous pouvez encore gagner, ici, les inoubliables musiques des films de Scorsese à l’occasion de la sortie du coffret ci-dessous.

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  • Critique de « Joueuse » de Caroline Bottaro (avec Sandrine Bonnaire, Kevin Kline…)

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    jouese2.jpgCette année, parmi mes lectures de vacances figuraient de nombreux romans récemment adaptés au cinéma : « Le liseur» de Bernhard Schlink,  «   L’élégance du hérisson » de Muriel Barbery,  « La Joueuse d’échecs » de Bertina Henrichs…  Malheureusement, les deux premiers ne sont plus à l’affiche là où je me trouve actuellement.  J’ai donc évidemment opté pour le troisième adapté au cinéma par Caroline Bottaro sous le titre « Joueuse », un premier film ( premier en tant que réalisatrice car Caroline Bottaro est scénariste de plusieurs films de Jean-Pierre Améris et notamment du très beau "C'est la vie" déjà avec Sandrine Bonnaire) très prometteur qui aura mis cinq ans à se monter.

     

    Dans le premier plan, Hélène (Sandrine Bonnaire) se tient devant le miroir, attache ses cheveux sans même  songer à se regarder. Hélène qui vit machinalement.  Les jours se suivent et se ressemblent. Son mari (Francis Renaud) la voit sans la regarder et sa fille la méprise. Femme de ménage dans un hôtel, dans un petit village corse,  son existence routinière bascule le jour où, en faisant le ménage dans une chambre, elle est fascinée par un couple d’Américains jouant aux échecs sur la terrasse.  Son regard s’attarde sur la sensualité de leurs gestes et leurs regards. Et la femme de ménage discrète et effacée va se prendre de passion pour ce jeu  et l’apprendre avec une inébranlable détermination, au point même d’insister auprès du mystérieux docteur Kröger (Kevin Kline),  chez qui elle fait également le ménage, pour qu’il joue avec elle et lui apprenne les échecs qui  vont alors devenir bien plus qu’un jeu. Une raison de vivre. Un moyen de s’émanciper. Et peut-être beaucoup plus encore…

     

    A la luminosité envoûtante de l’île grecque de Naxos où se déroule le roman, Caroline Bottaro (aussi certainement pour des raisons pratiques) a préféré la beauté triste d’un petit village corse. Eleni devient Hélène. Mais, en Corse ou dans une île perdue des Cyclades, c’est le même sentiment d’enfermement, de solitude, de soumission. Au mari. Au destin. Au regard des autres.

     

    Comment ne pas commencer en parlant de Sandrine Bonnaire. De dos, courbée puis droite et résolue, de face,  dans son regard, dur ou conquis, dans son sourire,  rare et ravageur, ses gestes, ses intonations, ses traits tirés puis illuminés, elle EST Hélène avec une justesse admirable sans en faire des tonnes, sans non plus donner l’impression de réaliser une performance. C’est d’abord grâce à elle si cette histoire est si attachante, si on la suit, captivés, sans décrocher une seule seconde. C’est ensuite grâce au choix judicieux de Kevin Kline et à leur troublante relation. Lui, d’abord, fier, imposant, blasé, misanthrope. Elle, d'abord courbée, frêle, fragile,  puis réapprenant le désir et le goût d’exister par et pour soi-même. Alors que lui va peu à peu s’affaiblir et s’humaniser, il va peu à peu l’aider à se redresser, à transgresser les règles, des échecs et de la vie, l'ordre établi.

     

    Et puis il y a les échecs dont la caméra caresse la sensualité des pièces, des gestes de ceux qui les manipulent, des regards qui s’affrontent avec une douce fièvre. Les échecs dont les règles même représentent  pour Hélène une métaphore rassurante de la vie, les échecs dont la reine est la pièce la plus forte.

     

    Sans emphase, juste appuyée de temps à autre par la musique de Nicola Piovani, la caméra accompagne avec sensibilité et sensualité le cheminement  d’Hélène vers la liberté et vers la confiance en elle.

     

    martineden.jpgEt puis un film qui évoque «  Martin Eden » de Jack London ne pouvait que me conquérir ( Si vous ne l’avez pas lu, achetez-le sur le champ ! C’est un roman d’un romantisme désenchanté empreint de passion puis de désillusions. C’est aussi et avant tout un roman sur la fièvre créatrice et la fièvre amoureuse qui emprisonnent, aveuglent et libèrent à la fois. Le roman le plus autobiographique de Jack London publié en 1909). La fièvre créatrice qui emprisonne, aveugle et libère. Comme les échecs libèreront Hélène qui, comme Martin,   être a priori taciturne, voire frustre,  avec la lecture et l’écriture, va se révéler et s’émanciper avec les échecs.

     

    S’il fallait émettre une réserve sur cette « Joueuse », ce serait de regretter une fin un peu expéditive et peut-être un plan de trop… mais l’ensemble est suffisamment séduisant, subtile, convaincant pour nous le faire oublier et pour que je vous le recommande. Vivement.

     

  • In the mood for news 16: actualité cinématographique de la semaine du 30 .01.2008

    Le film de la semaine recommandé par "In the mood for cinema" :

    Elle s'appelle Sabine,  le documentaire de Sandrine Bonnaire qui sort en salles après un succès en festivals et lors de sa diffusion sur France 3 en fin d'année dernière. Pour en savoir plus, cliquez ici pour lire mon compte-rendu du Festival du Film Romantique de Cabourg 2007 où il était présenté .

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    Les autres sorties de la semaine
    (Je précise n'en avoir vu aucun autre pour le moment)
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    Le surmédiatisé, surfinancé ( le plus gros budget du cinéma français: 78 millions d'euros), surexposé (1000 salles en France, 5000 à l'étranger) et je n'espère pas surestimé  Asterix aux Jeux Olympiques -  Film Français de Frédéric Forestier et Thomas Langmann avec Clovis Cornillac, Gérard Depardieu, Alain Delon, Franck Dubosc, Benoît Poelvoorde, José Garcia, Nathan Jones, Jérôme Le Banner, et Stéphane Rousseau  Genre : Aventure - Durée : 1H53 mn
    A voir surtout pour le retour d'Alain Delon sur grand écran, en César.
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    Cortex Un film français de Nicolas Boukhrief avec André Dussollier, Marthe Keller, Julien Boisselier, Pascal Elbé, Chantal Neuwirth, Olivier Lejeune, Claire Nebout, Aurore Clément, et Claude Perron Genre : Thriller - Durée : 1H45 mn

    Nos souvenirs brûlés - Un film américain de Susanne Bier avec Halle Berry, David Duchovny, Benicio Del Toro, Alison Lohman, Sarah Dubrovsky, Liam James, Paula Newsome, Quinn Lord, John Carroll Lynch, et Robin Weigert Genre : Drame - Durée : 1H58 mn

     Promets-moi - Un film serbe et français d'Emir Kusturica avec Marija Petronijevic, Uros Milovanovic, Ljiljana Blagojevic, Miki Manojlovic, Stribor Kusturica, Vladan Milojevic, Aleksandar Bercek, et Kosanka Djekic Genre : Comédie - Durée : 2H06 mn

    Le libre arbitre - Un film allemand de Matthias Glasner avec Jürgen Vogel, Sabine Timoteo, André Hennicke, Anne-Kathrin Golinsky, Maya Bothe, Frank Wickermann, Anna De Carlo, Manfred Zapatka, Judith Engel, et Anna Brass Genre : Drame - Durée : 2H48 mn

    Telepolis - Un film argentin de Esteban Sapir avec Alejandro Urdapilleta, Valeria Bertuccelli, Julieta Cardinali, Gustavo Pastorini, Carlos Pineiro, Florencia Raggi, Rafael Ferro, Raul Hochman, et Ricardo Merkin Genre : Drame - Durée : 1H35 mn

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    Le Voyage du ballon rouge - Un film français de Hou Hsiao Hsien avec Juliette Binoche, Hippolyte Girardot, Louise Margolin, Simon Iteanu, Song Fang, et Anna Sigalevitch Genre : Comédie dramatique - Durée : 1H53 mn

    Cliquez ici pour lire ma critique de "Three times" de Hou Hsiao Hsien

    Litvinenko. Un film russe de Andreï Nekrassov et Olga Konskaïa avec Alexandre Litvinenko, Marina Litvinenko, Walter Litvinenko, Anna Politkovskaïa, Mikhail Trepashkin, Andreï Nekrassov, Natalia Lazareva, Boris Berezovsky, Alexandre Gusak, Andreï ponkin, André Glucksmenn, Jurgen Roth, Bill Bowring, Ivan Demushkin, Sergeï Dorenko, Svetlana Sorokina, Andreï Lugovoï, et Vladimir Putin Genre : Documentaire - Durée : 1H50 mn

    Rêves de poussière Un film français, canadien, et burkinabè de Laurent Salgues avec Makena Diop, Rasmane Ouedraogo, Joseph Tapsoba, Souleymane Souré, et Fatou Tall-Salgues Genre : Drame - Durée : 1H26 mn

    Welcome Europa Un film français de Bruno Ulmer  Genre : Documentaire - Durée : 1H30 mn

    Battle For Haditha Un film britannique de Nick Broomfield avec Elliot Ruiz, Yasmine Hanani, Vernon Gaines, Danny Martinez, Joe Chacon, Eric Mehalacopoulos, Jase Willette, Andrew McLaren, Matthew Knoll, et Thomas Hennessy Genre : Drame - Durée : 1H33 mn

  • "Elle s'appelle Sabine" de Sandrine Bonnaire, ce soir sur France 3

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    Paris vibre et vocifère en bleu blanc rouge. J’ai encore la tête délicieusement endolorie, encore dans les étoiles blanches de la bannière étoilée, bleue, blanc, rouge, elle aussi, un autre. Dans le train qui me ramène vers Paris, des Anglo-saxons bruyants aux rires gras et satisfaits, visiblement en route pour la coupe du monde,  agacent  les passagers. Pas moi. Je me laisse bercer par leur accent chantant qui me donne l’illusion d’être encore à Deauville, de n’avoir pas encore tout à fait retrouvé la réalité et recouvré le sens des réalités. Matt Damon et son regard vengeur me toise et George Clooney me demande "What else" sur tous les murs de Paris, en sortant de chez moi je me retrouve nez-à-nez avec la présentatrice d’une nouvelle émission de cinéma -la précédente était peut-être meilleure non-(?) sans ce montage pseudo auteuriste qui brouille un peu la perception ? Mais au moins une émission de cinéma qui parle de cinéma (excusez moi du pléonasme qui n'en est d'ailleurs pas forcément un...) avec néanmoins pas mal d(im)pertinence -encore à Deauville il y a quelques jours… Les temporalités, et la fiction et la réalité se confondent douloureuseme- et ironiquement dans mon esprit. Peut-être la machine à remonter le temps que je réclame avec une rage naïve depuis lundi dernier et depuis la clôture du 33ème Festival du Cinéma Américain de Deauville m’a-t-elle été livrée et branchée à mon insu… Elle me fait même remonter un peu plus loin dans le temps que je ne l’aurais souhaité, un peu avant l’ouverture du Festival de Deauville et même au Festival de Cabourg  puisque les images de « Je m’appelle Sabine », le poignant et efficace documentaire de Sandrine Bonnaire défilent de nouveau sous mes yeux. Je vous invite à le regarder ce soir à sur France 3 à 20H55. Si vous voulez lire ma critique publiée lors des Journées romantiques de Cabourg où ce cri du cœur et de colère de Sandrine Bonnaire a été présenté en avant-première après sa sélection cannoise à la "Quinzaine des Réalisateurs", et où il a ému le public et parfois changé son regard,  cliquez ici. Si j’arrive à régler ma machine à  remonter le temps, à partir d’aujourd’hui « In the mood for cinema » se mettra aux couleurs de la capitale ... en attendant le Festival du Film Britannique de Dinard début octobre.

    A bientôt sur In the mood for cinema... in Paris.

    Sandra.M