Qu’est-ce qui fait qu’un film soit considéré comme un chef d’œuvre du septième art ? Pourquoi celui-là plus qu’un autre ? Un film intemporel ? Un film qui nous évade ? Un film qui nous fait réfléchir ?  Un film qui nous remet en questions ? Un film qui nous dérange ? Un film qui nous bouleverse ? Un film qui apporte un autre regard sur le monde ? Un film dont la mise en scène révèle un univers, reflète une pensée, dont le "travelling est affaire de morale" ? Un film qui est une "fenêtre ouverte sur le monde"? C’est l’épineuse question sur laquelle ont dû se pencher près de cent personnalités du cinéma (critiques, cinéastes, producteurs, scénaristes, directeurs de festivals…) pour établir la liste des « 100 plus beaux films » de toute l’histoire du septième art.

La première chose qui m’a interpellée, voire dérangée, dans cette liste c’est l’absence de films des années 80, la quasi absence de films des années 90 (un seul : « Van Gogh » de Maurice Pialat) et des années 2000 (seulement deux : « Mulholland drive » de David Lynch et « Parle avec elle » de Pedro Almodovar), ce qui est d’autant plus surprenant de la part de professionnels. Manque de recul ? Excès de modestie ? Incapacité à juger un cinéma avec lequel ils sont en prise directe ? Automatisme de pensée, réponses ? C’est en tout cas surprenant de voir que le cinéma actuel est aussi mal jugé par ses contemporains, de surcroît ceux qui le font.

On observe que Chaplin est le plus cité (5 fois),  devant Godard (3 fois),  que Renoir, Hitchcock, Resnais, Fellini sont également cités plusieurs fois, et que des films comme « 2001, Odyssée de l’espace » ou « ET » (Spielberg n’y figure d’ailleurs pas du tout) qui figurent toujours habituellement dans ce genre de classements n’y sont pas. Les années 50 y sont présentes en majorité.  Le cinéma policier est peu représenté. (Melville aurait pu y figurer…) Comme tout classement, cela demeure donc très subjectif…

Vous pouvez trouver sur ce blog les critiques de quelques films figurant dans cette liste en cliquant ici pour accéder à la rubrique "Gros plan sur des classiques du septième art" :  vous y trouverez "La Grande illusion", "Le Guépard", "La Règle du jeu".

 Si je vous parle de cette liste, c’est parce qu’elle donne lieu à un festival du 19 novembre 2008 au 6 juillet 2009, un festival initié par Claude-Jean Philippe (dont je vous ai déjà parlé au sujet de son ciné club, le dimanche matin, à l’Arlequin) et qui aura lieu au cinéma Le Reflet Médicis. Une initiative louable qui a pour objectif de faire découvrir ou redécouvrir des chefs d’œuvre du cinéma, avec deux ou trois films projetés chaque semaine. Une excellente manière de plonger « in the mood for cinema ».

Je vous recommande bien sûr tous ces films mais si je ne devais en choisir que quelques uns, je prendrais « L’Aurore », « Elle et lui », « Le Guépard », « Hiroshima mon amour », « Le Mécano de la Général », « Le Parrain », « Playtime »,  « La Règle du jeu », « Rio Bravo », « Le Dictateur », « Vertigo », « Certains l’aiment chaud », « La nuit du chasseur », « Pierrot le fou »… En fait, non, c’est impossible de choisir !

Et vous quels sont les films de cette liste que vous préférez ? Quels sont les films ou les cinéastes que vous regrettez de ne pas y trouver ? Y a-t-il, selon vous, des films des années 80, 90, 2000 qui devraient figurer dans cette liste ? Quels sont  ceux (s'il y en a...) qui, selon vous, ne devraient pas y figurer ?

Cinéma Le Reflet Médicis : 3-5 rue Champollion- 75005 Paris- Métro Saint-Michel ou Cluny

Les cartes Les Ecrans de Paris, UGC illimité, et Le Pass y sont acceptés.

Site internet : www.lesecransdeparis.fr  (notamment pour les horaires des projections)

Page Facebook de l’opération 

Liste des films projetés (par ordre alphabétique) et dates de projections

Les 400 coups François Truffaut (1959-1h33) semaine du 3 au 9 décembre

A bout de souffle Jean-Luc Godard (1960-1h29) semaine du 31 décembre au 6 janvier

Andreï Roublev Andreï Tarkovski (1966-2h30) semaine du 11 au 17 mars

Amarcord Federico Fellini (1974-2h07) semaine du 17 au 23 décembre

America America Elia Kazan (1963-2h54) semaine du 29 avril au 5 mai

Apocalypse now redux Francis Ford Coppola (1979-3h22) semaine du 25 au 31 mars

L’Atalante Jean Vigo (1934-1h29) semaine du 17 au 23 juin

L’aurore Friedrich Murnau (1927-1h37) semaine du 20 au 26 mai

L’avventura Michelangelo Antonioni (1960-2h15) semaine du 1 au 6 juillet

Barry Lyndon Stanley Kubrick (1975-3h07) semaine du 15 au 21 avril

Certains l’aiment chaud Billy Wilder (1959-2h01) semaine du 25 au 31 mars

Citizen Kane Orson Welles (1941-1h55) semaine du 19 au 25 novembre

Chantons sous la pluie Stanley Donen (1952-1h42) semaine du 10 au 16 décembre

Comme un torrent Vincente Minnelli (1958-2h17) semaine du 24 au 30 décembre

La comtesse aux pieds nus Joseph Mankiewicz (1954-2h08) semaine du 10 au 16 juin

Les contes de la lune vague après la pluie Kenji Mizoguchi (1953-1h37) semaine du 14 au 20 janvier

Les contrebandiers de Moonfleet Fritz Lang (1955-1h23) semaine du 25 février au 3 mars

Le cuirassé Potemkine Sergeï Eisenstein (1925-1h10) semaine du 31 décembre au 6 janvier

Le dictateur Charles Chaplin (1940-2h06) semaine du 4 au 10 mars

La dolce vita Federico Fellini (1960-2h40) semaine du 10 au 16 décembre

El Luis Bunuel (1952-1h40) semaine du 15 au 21 avril

Elle et lui Leo Mac Carey (1957-1h55) semaine du 17 au 23 décembre

Les enfants du paradis Marcel Carné (1945-1h35 +1h27) semaine du 18 au 24 février

Une étoile est née Georges Cukor (1954-2h31) semaine du 24 au 30 décembre

Freaks Tod Browning (1932-1h05) semaine du 6 au 12 mai

Gertrud Carl Dreyer (1964-1h59) semaine du 22 au 28 avril

La grande illusion Jean Renoir (1937-1h53) semaine du 28 janvier au 3 février

Le guépard Luchino Visconti (1963-3h25) semaine du 13 au 19 mai

Haute pègre Ernst Lubitsch (1932-1h22) semaine du 27 mai au 2 juin

Hiroshima mon amour Alain Resnais (1959-1h31) semaine du 4 au 10 février

L’intendant Sansho Kenji Mizoguchi (1954-2h04) semaine du 28 janvier au 3 février

Intolérance DW Griffith (1916-3h) semaine du 6 au 12 mai

Ivan le terrible Sergei Eisenstein (1944 et 1946-1h40 et 1h29) semaine du 20 au 26 mai

Johnny Guitar Nicholas Ray (1953-1h50) semaine du 22 au 28 avril

King Kong Schoedsack et Cooper (1933-1h40) semaine du 25 février au 3 mars

Laura Otto Preminger (1944-1h28) semaine du 1 au 7 avril

Lettre d’une inconnue Max Ophuls (1948-1h26) semaine du 11 au 17 février

La mort aux trousses Alfred Hitchcock (1959-2h16) semaine du 3 au 9 décembre

Les lumières de la ville Charles Chaplin (1931-1h30) semaine du 4 au 10 mars

M le maudit Fritz lang (1931-1h45) semaine du 24 au 30 juin

Madame de… Max Ophuls (1953-1h40) semaine du 1 au 7 avril

Manhattan Woody Allen, (1979-1h36) semaine du 29 avril au 5 mai

Ma nuit chez maud Eric Rohmer (1969-1h50) semaine du 8 au 14 avril

Le mécano de la générale Buster Keaton (1927-1h16) semaine du 18 au 24 mars

Le mépris Jean-Luc Godard (1963-1h45) semaine du 10 au 16 juin

Monsieur Verdoux Charles Chaplin (1947-2h13) semaine du 27 mai au 2 juin

Mulholland drive David Lynch (2001-2h26) semaine du 26 novembre au 2 décembre

Nosferatu Friedrich Murnau (1922-1h34) semaine du 1 au 7 avril

La nuit du chasseur Charles Laughton (1955-1h33) semaine du 14 au 20 janvier

Nuit et brouillard Alain Resnais (1955-32 mn) semaine du 4 au 10 février

Parle avec elle Pedro Almodovar (2002-1h52) semaine du 3 au 9 décembre

Le parrain Francis Ford Coppola (1972-2h55) semaine du 13 au 19 mai

Une partie de campagne Jean Renoir (1936-40 mn) semaine du 17 au 23 juin

The party Blake Edwards (1968-1h39) semaine du 18 au 24 mars

La passion de Jeanne d’Arc Carl Dreyer (1928-1h59) semaine du 31 décembre au 6 janvier

Pierrot le fou Jean-Luc Godard (1965-1h55) semaine du 8 au 14 avril

Le plaisir Max Ophuls (1952-1h37) semaine du 28 janvier au 3 février

Pickpocket Robert Bresson (1959-1h15) semaine du 7 au 13 janvier

Playtime Jacques Tati (1967-2h06) semaine du 18 au 24 mars

La prisonnière du désert John Ford (1956-2h) semaine du 11 au 17 février

La règle du jeu Jean Renoir (1939-1h55) semaine du 19 au 25 novembre

Rio Bravo Howard Hawks (1959-2h21) semaine du 14 au 20 janvier

Le roman d’un tricheur Sacha Guitry (1936-1h20) semaine du 27 mai au 2 juin

Rome ville ouverte Roberto Rossellini (1945-1h40) semaine du 7 au 13 janvier

La ruée vers l’or Charles Chaplin (1925-1h36) semaine du 25 février au 3 mars

Le salon de musique Satyajit Ray (1958-1h40) semaine du 3 au 9 juin

Scarface Howard Hawks (1932-1h30) semaine du 1 au 6 juillet

Les sept samouraïs Akira Kurosawa (1954-3h20) semaine du 3 au 9 juin

La soif du mal Orson Welles (1958-1h35) semaine du 24 au 30 juin

Les temps modernes Charles Chaplin (1936-1h27) semaine du 26 novembre au 2 décembre

Tous en scène Vincente Minnelli (1953-1h53) semaine du 18 au 24 février

Les vacances de mr Hulot Jacques Tati (1953-1h23) semaine du 17 au 23 juin

Van Gogh Maurice Pialat (1991-2h38) semaine du 11 au 17 mars

Vertigo Alfred Hitchcock (1958-2h09) semaine du 4 au 10 février

Le voleur de bicyclette Vittorio De Sica (1948-1h30) semaine du 7 au 13 janvier

Voyage à Tokyo Yasujiro Ozu (1953-2h16) semaine du 21 au 27 janvier

Voyage au bout de l’enfer Michael Cimino (1978-3h03) semaine du 21 au 27 janvier

Alain Delon. Woody Allen. Alain Resnais. Voilà quelques uns des (rares) artistes dont je ne manquerais un film, ou en l’occurrence une pièce, sous aucun prétexte. Pour le premier d’entre eux, tant pis pour ceux qu’il agace, qui ignorent l’autodérision dont il sait aussi faire preuve (comme en interprétant le mégalomaniaque César et en jouant avec son image dans « Astérix aux Jeux Olympiques »), qui se méprennent sur son immodestie. Après tout n’est-ce d’ailleurs pas plutôt de la lucidité puisque figurent dans sa filmographie au moins 10 chefs d’œuvre du septième art et des noms de réalisateurs aussi prestigieux que ceux de Visconti, Melville, Godard, Clément, Verneuil, Losey, Antonioni, Verneuil et tant d’autres ? Pouvez-vous même me citer un seul acteur dans la filmographie duquel figurent autant de chefs d’œuvre, parmi lesquels, pour ne citer que ceux que je préfère « Le Guépard », « La Piscine », « Le Samouraï », « Monsieur Klein », « Plein soleil », « La Veuve Couderc », « Le Cercle rouge », « Mélodie en sous-sol », « L’Eclipse », « Rocco et ses frères » ? Après tout n’est-ce toujours pas mieux d’agacer, de susciter la controverse (son talent lui, d’ailleurs, n’est pas controversé) plutôt que de laisser indifférent, ne vaut-il pas mieux avoir trop de charisme que d’en être dépourvu ? En tout cas, voilà ce sur quoi inconditionnels et détracteurs pourront sans doute se mettre d’accord : Alain Delon n’a  plus rien à prouver.  Ses choix sont donc guidés par la sincérité et le plaisir : d’une rencontre, d’un texte, de jouer avec un ou une partenaire. (Mireille Darc dans « Sur la route de Madison », Anouk Aimée en l’espèce.)

C’est donc la quatrième fois que je le vois au théâtre, après « Variations Enigmatiques », "Les Montagnes Russes " et « Sur la Route de Madison », le texte de la première de ces pièces et l’ambiguïté jubilatoire du personnage d’Abel Znorko qu’il y interprétait étant d’ailleurs selon moi la plus à la (dé)mesure de son talent.

Théâtre de la Madeleine hier soir. Première de la pièce. Il me tarde d’entendre les trois coups décisifs. Le hasard m’a affublée d’une voisine aux gestes amples, au parfum capiteux et agressif, au rire tonitruant. Les trois coups, enfin, déjà. La lumière s’éteint. Derrière le rideau qui reste délibérément fermé quelques secondes encore, deux voix naissent, s’élèvent et déjà nous emportent dans leur histoire. La salle retient son souffle. Je retiens mon souffle. Pas à cause du parfum capiteux. Déjà oublié, presque devenu inodore même, celui-là. Non, je suis déjà dans une autre dimension, de l’autre côté de l’Atlantique, avec ces deux voix si reconnaissables et pourtant soudain différentes, presque mystérieuses. Puis le rideau s’ouvre…

 Face à nous Alain Delon et Anouk Aimée. Ou plutôt non : Alexa et Thomas qui lisent les lettres qu’ils se sont écrites tout au long de leur vie. On oublie Tancrède, Jeff Costello, Corey, Robert Klein, Roger Sartet, Gino. On ne voit que cet enfant malicieux. Cela commence par quelques phrases griffonnées sur des cahiers d’écoliers. Les deux acteurs sont simplement assis derrière un bureau, sans artifices, sans décor et pourtant…et pourtant nous avons l’impression de voir deux enfants espiègles, de parcourir avec eux le New Hampshire, de voir leurs cadres familiaux se dessiner, plutôt dissolu et aisé pour l’une, aimant et uni pour l’autre. Dans leurs gestes et leurs regards, nous voyons, devinons : la malice, l’effronterie, la naïveté de l’enfance, ses blessures parfois aussi, et leurs deux caractères, si différents. Les mots prennent vie, sens, forme.

Nous oublions déjà le décor, son absence plutôt, le théâtre et ses autres spectateurs, le rire tonitruant et le manque de place pour cause de voisine indélicate. Nous sommes d’emblée plongés dans ces « Love letters », dans cette amitié qui s’ébauche, dans cet amour qui s’esquisse.  Au fil des lettres, au fil du temps, nous voyons leurs regards, leurs voix, leurs gestes changer, nous les devinons grandir, à l’image de leurs sentiments, et leur ambivalence. Leurs caractères  se révèlent: frondeuse, impertinente, fragile pour l’une; plus sage, respectueux, soucieux des convenances pour l’autre. Le destin, des kilomètres, la fierté, les malentendus vont les séparer mais ils vont continuer à s’échanger des lettres, quoiqu’il advienne. Des lettres incisives ou tendres, longues ou courtes, de louanges ou de reproches, amères ou drôles, crues ou plus en retenue, dont l’ absence ou la fréquence en diront plus long encore que les mots même.  

Leurs espoirs et leurs désespoirs, leurs désirs et leurs désillusions se font écho, la distance est abolie par cette proximité scénique et en même temps recréée puisque jamais ils ne se regardent, mais le pouvoir des mots et bien sûr l’immense talent des deux interprètes nous transportent bien au-delà, à tel point que je n’ai réalisé que tardivement qu’un bruit assourdissant retentissait (j’imagine un feu d’artifice -?-qui a d’ailleurs laissé Anouk Aimée absolument imperturbable et a tout juste suscité une interrogation d’Alain Delon qui semblait même incluse dans le texte) et qu’il n’était pas un effet de mise en scène.

On comprend aisément pourquoi Alain Delon a accepté de jouer ce texte (et je dis bien jouer et non lire) : pour Anouk Aimée (dont on se dit que, si elle aussi a tourné avec les plus grands parmi lesquels Carné, Lelouch évidemment, Demi, Fellini, Becker, Lumet, Cukor-, elle a encore de beaux rôles devant elle ) avec laquelle il n’avait jamais joué ou tourné, pour cette histoire poignante et universelle, pour les multiples émotions qu’elle suscite, nous faisant passer du rire aux larmes, jusqu’au dénouement qui à lui seul mérite le déplacement, secondes volées à la réalité et au parfum capiteux, cet instant si cinématographique où le samouraï, un autre guépard peut-être, ressurgit, un guépard blessé, terriblement touchant et vrai (que n’a-t-il pas fallu vivre et jouer auparavant pour nous bouleverser à ce point, en quelques mots, pour sembler les vivre si intensément,  la musique qui s’élève alors aussi sublime soit-elle est d’ailleurs superflue, le jeu et les mots pouvant en suggérer toute la cruelle , douloureuse, rageuse beauté) , en un mot :  magistral. Cette pièce, toute statique soit-elle a d’ailleurs un rythme et une progression dramatique très cinématographiques. J'ai eu l'impression d'être au cinéma, de voyager dans ces deux vies et ces deux âmes, à travers les Etats-Unis, et même plus loin. Un film beaucoup trop court.

Une pièce sensuelle et mélancolique légère et profonde, douce et amère, mais aussi un hymne à l’écriture (à l’art même à travers la vocation ratée d’Alexa), à son pouvoir cristallisateur, sa sublime violence, au pouvoir inestimable, parfois mésestimé des mots, qui peuvent enchaîner ou libérer, parfois plus douloureux qu’un poignard ou plus doux qu’une caresse, à ce qu’ils disent et ce qu’ils dissimulent, ce qu’ils voilent et dévoilent.

J’ai repensé à cette phrase dans le dernier film de Woody Allen que « le véritable amour romantique est celui qui n’est pas satisfait », une phrase que cette pièce, d’ailleurs comme « Sur la route de Madison »,  illustre magnifiquement. Une pièce qui nous donne envie d’écrire, d’histoires épistolaires douces et cruelles qui nous élèvent forcément,  nous perdent peut-être aussi, mais en tout cas nous font vibrer et exister bien au-delà des mots.

Alain Delon serait presque trop charismatique pour ce personnage aux idées conventionnelles mais il se glisse néanmoins dans sa peau, presque trop étroite pour lui, avec grâce. Quant à Anouk Aimée... elle a joué cette pièce pour la première fois en 1990, avec Bruno Crémer d’abord, puis avec Jean-Louis Trintignant, puis Jacques Weber, et enfin avec Philippe Noiret ; et cela se voit. Elle habite ce personnage, ne trébuche pas une seconde, tour à tour capricieuse, presque arrogante, lumineuse et sombre, lunatique et attachante, et finalement surtout blessée et bouleversante.

On les rêve dans un même générique de film. J’en imagine déjà le synopsis, qui sait: peut-être même en ai-je déjà écrit le scénario. A bons entendeurs…

Ecrite par Albert Ramsdell Gurney, cette histoire d’amour épistolaire traduite dans plus de 30 langues, montée pour la première fois à New York en 1989, a été adaptée de l’Américain par Anne Tognetti et Claude Baignères et mise en scène par Alain Delon, ou plutôt « mise en place » comme il aime à le dire lui-même.

Dépêchez-vous : seulement 20 représentations exceptionnelles sont prévues (jusqu’au 29 novembre) à moins que la pièce ne soit prolongée…  Je vous la recommande, mais je crois que vous l’aurez compris. Est-ce utile de préciser que la salle, à la fin de la représentation, était debout et les yeux embués de larmes?

Articles publiés sur « In the mood for cinema » ayant un lien avec celui-ci :

Critique de la pièce "Sur la route de Madison" avec Alain Delon, Mireille Darc

Critique de "La piscine" de Jacques Deray avec Alain Delon, Romy Schneider

Critique des "Montages russes" avec Alain Delon

Critique du "Guépard" de Luchino Visconti avec Alain Delon, Claudia Cardinale...

Soirée des 60 ans du Festival de Cannes 2007

Informations pratiques :

Au théâtre de la Madeleine, du vendredi 7 novembre à 19H au samedi 29 novembre à 19H

Du mardi au samedi à 19H, matinées le samedi à 16H.

Réservations: 01-42-65-07-09 ou sur fnac.com ou sur la page internet du Théâtre de la Madeleine consacrée à "Love Letters".

De 29€ à 49€ et 10€ ( - de 26 ans, selon disponibilités, mardi, mercredi, jeudi)

Sandra.M 

La semaine dernière sortait en salles « The Visitor », le film auquel fut décerné le  Grand Prix du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2008 par le jury présidé par Carole Bouquet, le seul de la compétition que j’avais manqué et que j’étais donc impatiente de voir. A l’heure à laquelle les Etats-Unis retrouvent un nouvel espoir et un nouvel élan, ce film apporte un éclairage édifiant sur les dysfonctionnements et les injustices du système américain et de nouveau sur l’immense attente que suscite le nouveau président américain Barack Obama.

Professeur d'économie dans une université du Connecticut, Walter Vale (Richard Jenkins), la soixantaine, est englué dans sa routine : il ne donne d’ailleurs plus qu’un cours par semaine, depuis 20 ans. Son seul loisir consiste à apprendre le piano, d’ailleurs sans grand enthousiasme. Lorsque l’Université l’envoie à Manhattan pour lire un article qu’il a cosigné (où il part seulement parce qu’on l’y oblige), il découvre qu’un jeune couple s’est installé dans l’appartement qu’il y possède : Tarek (Haaz Sleiman), d’origine syrienne et, et Zainab (Danai Jekesai Gurira), sa petite amie sénégalaise. Comme ils n’ont nulle part où aller, Walter leur propose de rester. Si Zainab est très réticente et méfiante, en revanche, Tarek, touché par la gentillesse de Walter, lui apprend le djembé. Malgré (ou grâce à) leurs différences, les deux hommes deviennent amis et Walter retrouve un sens à sa vie et lorsque Tarek est arrêté dans le métro, emprisonné, et menacé d’expulsion, Walter fait tout pour lui venir en aide…

Si la portée du film est évidemment politique, du moins sociale, son propos n’est jamais appuyé. C’est avant tout l’histoire de deux hommes, ou même de quatre personnages (la mère de Tarek interprétée par Hiam Abbass va les rejoindre) qui a priori n’auraient jamais dû se croiser mais que la magie et les aléas de l’existence font se rencontrer, et changer. Les personnages, à l’image du scénario et de la mise en scène, sont d’une grande pudeur et sobriété, et ne tombent jamais dans les clichés.

Si ce film nous montre (sans jamais démontrer avec ostentation), à travers l’exemple d’un drame humain, les conditions inhumaines de détention et d’expulsion des immigrés clandestins aux Etats-Unis et les conséquences d’une politique d’immigration rigide mais aussi de la paranoïa post 11 septembre, c’est aussi un hymne à la musique, la musique qui peut relier deux personnes que tout pourrait opposer, la musique qui leur sert de langage commun et qui transcende les différences, la musique qui redonne goût à la vie. Un échange et un enrichissement.

« The visitor » ce pourrait d’ailleurs autant être Walter que Tarek : Walter qui rend visite à Tarek en prison mais aussi Tarek qui en s’installant chez Walter lui redonne le goût de vivre, Walter qui au début du film regarde la vie s’écouler derrière sa fenêtre et à la fin est « dans » la vie, dans sa belle et redoutable violence. Le djembé va devenir son cri de révolte et de vie, l’allié et le réceptacle de ses sentiments.

Les 4 acteurs sont judicieusement choisis au premier rang desquels Richard Jenkins (habituellement abonné aux seconds rôles, qui trouve là son premier grand rôle), parfait en faux misanthrope retrouvant le goût des autres et de la vie, tout en retenue, mélancolie et révolte contenue qui explose dans une très belle scène où il crie son impuissance face au mur infranchissable de l’injustice, face au terrifiant silence de l’administration.

Ce film poignant est empreint de la douceur mélodieuse d’un air de piano et de la force entraînante du djembé, il vous ensorcelle doucement, vous parle de deuil, de retour à la vie, d’injustice, de tolérance, de solitude, sans jamais être moralisateur ou didactique, mais il est alors plus parlant que n’importe quel discours.

 Avec ce second film après « The Station Agent », Thomas Mc Carthy (qui est également acteur) nous donne à voir une autre Amérique que celle des blockbusters avec un regard empli d’empathie, de justesse, de sensibilité et nous embarque avec ses personnages que nous quittons, laissons, à leur rage et désespoir, avec regrets, mais que nous embarquons avec nous bien plus loin et bien après le générique de fin, avec, en mémoire, le tempo douloureusement répétitif et le son sublimement retentissant du djembé, lors de la dernière scène, terrible et magnifique.

Pour tout savoir sur le 34ème Festival du Cinéma Américain de Deauville, rendez-vous sur mon blog consacré à celui-ci. Je reste persuadée qu’ « American son » de Neil Abramson aurait mérité de figurer au palmarès…

Site officiel du film: http://www.tfmdistribution.com/thevisitor/

Sandra.M

Une fois n’est pas coutume : c’est avec plaisir que je vous relaie un concours organisé par CinéCinéma, un panel de chaines de CanalSat sur lesquelles j’ai plaisir à m’évader, rêver, frissonner, m’émouvoir, parcourir les coulisses et l’Histoire du cinéma (le lot d’émotions étant aussi vaste que le choix de chaînes puisque CanalSat propose 7 chaînes cinéma avec les derniers succès du box office en exclusivité : Premier, Frisson, Emotion, Famiz, Star, Club, Classic) mais aussi de passionnants magazines pour cinéphiles comme « Bord cadre », bref des chaînes qui vous permettent de plonger « in the mood for cinema » sans modération et surtout de voir ce que ne proposent plus aujourd’hui les chaines généralistes à savoir les classiques du cinéma parmi lesquels de nombreux films critiqués sur ce blog (voir la rubrique « Gros plan sur des classiques du septième art »). Mon choix ce mois-ci : Le Parrain, Ma saison préférée (CinéCinéma Star), Lola (CinéCinéma Classic), Sur mes lèvres, La Californie, Pulp fiction (CinéCinéma Premier)…

 CinéCinéma, en plus de vous immerger « in the mood for cinema », vous donne ainsi l’occasion de laisser libre cours à votre imagination débordante (si, si, débordante) en organisant un concours qui vous invite à créer votre propre publicité pour CinéCinéma. Cette publicité doit durer 20 secondes maximum et vous devez utiliser le principe du dialogue entre deux éléments, accessoires, objets emblématiques de l’histoire du cinéma. (Vous pouvez en voir 4 exemples, ici: http://www.youtube.com/user/CanalSatCineCinema, et voir la vidéo à la fin de cet article ). Une fois votre spot créé par vos méninges électrisées vous n’avez plus qu’à poster votre vidéo sur le site www.dailymotion.com/cinecinema . Si votre pub fait partie du top 3, elle passera à l’antenne et vous remporterez de magnifiques cadeaux.

Moi-même lauréate d’un concours organisé par CanalSat (plus précisément Canal Plus) qui m’a permis d’être chroniqueuse dans l’émission Le Cercle, je vous recommande vivement de tenter votre chance pour celui-ci. C’est ludique, intelligent et ça peut rapporter gros ! Bonne chance à tous ! Vous avez jusqu’au 15 décembre pour envoyer votre chef d’œuvre !

Pour tout savoir sur le concours rendez-vous sur la site de CinéCinéma sur lequel vous pourrez également tout savoir sur les programmes des chaînes cinéma : http://www.cinecinema.fr/concours/dailymotion/index.html. Ci-dessous, un des 4 exemples de publicités créé par CinéCinéma :

De Catherine Deneuve, au-delà de tous ces films qui m’ont marquée (« Le dernier métro » de Truffaut, « Hôtel des Amériques » et « Le lieu du crime » de Téchiné étant sans doute les premiers que j’ai vus et aimés et que je revois toujours avec autant de plaisir), j’ai  surtout deux souvenirs, tous deux d’ailleurs liés au Festival de Cannes, la mémorable leçon de cinéma qu’elle y a donné en 2005 (cliquez ici pour lire le résumé de la leçon de cinéma de Catherine Deneuve, à Cannes, en 2005), et la projection de ce magnifique « documentaire » (qui est, aussi, une fiction) sur le Liban, « Je veux voir » de Khalil Joreige et Joana Hadjithomas  (cliquez ici pour lire ma critique du film et pour voir les photos et vidéos de la présentation cannoise) qu’elle a présenté cette année dans la section Un Certain Regard, un documentaire bouleversant et intense dans lequel elle est extraordinaire et que sans doute peu d’actrices auraient eu le cran d’accepter, et le talent et l’humilité pour s’y prêter. Je crois que c’est d’ailleurs à ces deux occasions que je l’ai vraiment découverte et que j’ai compris vraiment ce qu’elle peut représenter, et surtout pourquoi elle incarne ainsi  LA star française, même si je n’aime pas ce mot galvaudé, et réducteur.

Hier soir, c’est à l’invitation du Ciné club de Sciences Po qu’elle est venue dans les anciens  locaux  de l’ENA. Pas pour faire de la promotion. Simplement pour partager sa passion, ses expériences. La salle, pas très grande, est évidemment pleine. L’endroit,  plutôt monotone,  avec sa lumière blafarde, semble presque incongru. Après quelques échanges avec le journaliste Frédéric Bonnaud suite à la projection de « Belle de jour » de Buñuel et du court « Un chien andalou » de Buñuel avec la participation « scénaristique » de Dali  (dont il est amusant de constater que la scène de l’œil coupé heurte toujours les spectateurs, 80 ans après), comme prévu, à 20H Catherine Deneuve  arrive, apparait plutôt.  Les applaudissements sont timides et respectueux. Elle  fait d’abord part de son appréhension de se retrouver devant ces inconnus qui la connaissent, qui « connaissent beaucoup de [sa] vie », de sa crainte de nous décevoir. Et si elle ne nous avait rien dit, à peine sa respiration haletante, à peine, et son débit rapide l’auraient-ils trahie mais ce n’est certainement pas ce qui nous aurait marqué en premier. Non, ce qui nous aurait marqué c’est son extrême humilité (non une fausse modestie ou une coquetterie, une vraie humilité), son écoute attentive, sa passion intacte et sa curiosité insatiable pour tout ce qui concerne le cinéma.

 Elle évoque d’abord  le film de Buñuel que nous venons de voir, « Belle de jour », et son tournage difficile, un film auquel elle préfère d’ailleurs « Tristana » (moi aussi), le film suivant de Buñuel dans lequel elle a tourné. Sujet suivant. Un jeune homme commence sa question. « Vous étiez jeune à l’époque ». Rires de la salle. Et de Catherine Deneuve : « Vous riez parce qu’il a été maladroit. J’ai l’habitude. Pas de la maladresse. Mais de ces phrases mais c’est normal, cela fait plus de 40 ans…». Oui, elle m’a vraiment rappelée la Catherine Deneuve de « Je veux voir ».  A l’écoute. Avec ce souci de ne surtout pas blesser, davantage qu’un souci de sa propre image. C’est tellement rare… Elle cherche aussi ses mots, par souci d’exactitude, de sincérité.

On se dit que pour elle ce doit être vraiment difficile : ces regards qui la scrutent, pour certains guettent la fêlure, les stigmates du temps, le fossé, pour certains -cyniques peut-être- rassurant, entre le cinéma et la réalité. Un autre jeune homme se trompe, attribue « Est Ouest » de Régis Wargnier à un cinéaste russe et au lieu d’être ironique ou blessante, elle admet que ce film était tourné en Russie, que la confusion était possible. Dans ce film elle a un second rôle. Mais pour elle peu importe. Quand on  lui demande ce qu’elle aime dans le métier d’actrice, elle dit que ce sont les films. Pas les rôles. Les films. Peu lui importe d’avoir un second rôle dans un projet qu’elle aime et dans lequel elle croit. Comme dans "Est-Ouest". Pour elle, le critère, c’est que le film ne tienne plus si on enlève le rôle, que le rôle, petit ou grand, soit essentiel au déroulement de l’histoire.

On se demande ce qu’elle aurait fait si elle n’avait pas été actrice. Parce qu’elle ne voulait pas être actrice, Catherine Dorléac. Les hasards de la vie, des rencontres, un premier rôle à 15 ans pour accompagner sa sœur Françoise, et voilà,  aujourd’hui elle aime passionnément le cinéma, son métier, et transmettre cette passion.

Elle a commencé à 15 ans donc. Elle dit qu’à l’époque ce qui l’intéressait c’était plutôt « l’amour, les sentiments », que sans le cinéma elle se serait « mariée très jeune »  sans doute, aurait « divorcé 5 ans après », aurait fait des études d’art, d’architecture peut-être, elle ne sait pas trop à dire vrai. Mais maintenant, elle voit des films. Beaucoup de films. Souvent même tard le soir à la télévision. Ca aussi c’est plutôt rare, les acteurs ne sont pas toujours des cinéphiles.

Elle parle sans retenue mais avec beaucoup de pudeur. Des scènes de nudité aussi, qu’elle n’aime pas en tant qu’actrice, pas plus qu'en tant que spectatrice, ne voyant alors plus un acteur, un personnage mais une personne dénudée, à nu. Elle évoque ainsi la vulgarité et la familiarité auxquelles les scènes de nu exposent les acteurs, ont exposé Brigitte Bardot, ce dont elle a été témoin, à quel point les journalistes s’approprient ensuite ces scènes. On imagine combien le tournage de « Belle de jour » a dû être difficile pour elle avec Buñuel, peu loquace, déjà âgé, impressionnant, mais on imagine mal une autre actrice dans le rôle de Séverine.

On se demande alors pourquoi elle n’a pas tourné dans « Belle toujours », l’hommage à « Belle de jour », une sorte de suite tournée par Manuel de Oliveira dans lequel Michel Piccoli a, lui, accepté de reprendre son rôle. Simplement pour ne pas démythifier le film de Buñuel. Elle dit d’ailleurs que Bulle Ogier qui l’a remplacée y est parfaite. Elle regrette simplement de n’avoir pu expliquer de vive voix les raisons de son refus à Manuel de Oliveira, que son refus, par personnes interposées, lui ait sans doute paru abrupte.

On rêve de la voir au théâtre. Evidemment…  Mais probablement ne l’y verrons-nous jamais. Elle s’en dit incapable, à cause de l’appréhension de se retrouver devant toutes ces personnes silencieuses, là, à la regarder, la détailler. On en baisserait presque les yeux de peur de la gêner. Elle fait d’ailleurs régulièrement ce cauchemar, se retrouver sur scène sans avoir appris son texte.

D’ailleurs, pendant toutes ces heures d’attente dans des journées de 8 ou 10 h de tournage, que fait-elle ? Eh bien, elle ne lit pas. Non, elle dort, pour rester concentrée.  Professionnelle.

Elle vient de tourner le film d’une jeune réalisatrice (« La cuisine » de Julie Lopes-Curval) avec Marina Hands, et tournera certainement pour Téchiné l’an prochain même si le projet est encore flou et elle continue à suivre les films qu’elle a tournés, notamment « Un conte de noël » d’Arnaud Desplechin qu’elle dit avoir beaucoup aimé, dans lequel elle dit avoir tout aimé.  Elle dit cela les yeux brillants. Comme nous. Comme moi en tout cas à l’issue de cette heure trop courte, de ce beau moment, de cinéma, de réalité, je ne sais plus trop, surréaliste, comme un film de Buñuel ou une œuvre de Dali, comme « Un chien andalou ». Une heure déjà. Les applaudissements fusent. La salle se lève, respectueuse et admirative. Toujours constate-t-on que la salle a étrangement perdu sa monotonie et sa lumière blafarde.

Une grande actrice. A l’image du film de Buñuel d’une certaine manière :  très réelle, ancrée dans la réalité et irréelle, liée à des souvenirs et rêves cinématographiques,  grave et ironique (elle n’a jamais hésité à se moquer d’elle même, contrairement à cette image de froideur à laquelle on a tenté de la réduire, et notamment dans « Mes stars et moi » de Laetitia Colombani, actuellement à l’affiche-voir critique ci-dessous-). Une femme passionnée et touchante, sincère et mystérieuse, et évidemment talentueuse. Une « star » qui en est une justement parce qu’elle ne joue pas à l’être, elle n’en a pas besoin. Rare, lumineuse, éblouissante, éphémère et éternelle. Oui, une étoile filante…

La prochaine rencontre organisée par le Ciné club de Sciences Po aura lieu le 19 novembre pour le film « Ma mère » de Christophe Honoré avec, sous réserves, le réalisateur, Emma de Caunes et Louis Garrel . L’entrée est libre.

Lien, pour en savoir plus sur le Cinéclub de Sciences Po et avoir le programme : http://www.bdarts.org

Sandra.M

Je vous rappelle qu'aujourd'hui sort "La très très grande entreprise" de Pierre Jolivet  dont je vous parlais en avant-première il y a quelques semaines, suite à la projection chez Pathé, et que je vous recommande.

Cliquez ici pour lire ma critique et le récit du débat avec Pierre Jolivet.

Demain,  sur "In the mood for cinema", retrouvez mon récit du passionnant débat avec Catherine Deneuve à SciencesPo.

En cette belle journée historique qui, par l’élection du Démocrate Barack Obama comme 44ème Président des Etats-Unis, symbolise le début d’une nouvelle ère et cristallise tellement d’espoirs Outre-Atlantique et dans le monde entier,  mettant ainsi fin à huit années de calamiteuse présidence du Républicain George W. Bush, j’ai choisi de vous parler du film éponyme d’Oliver Stone qui résume ce nom en une simple lettre à laquelle est accolé ce qualificatif ironique et terrible « improbable », une lettre qui, par ce qu’elle sous-entend,  en dit tellement sur les motivations de l’ancien président (qui l’est néanmoins officiellement jusqu’au 20 janvier 2009) qui a tristement transformé la face du monde, du moins du Moyen Orient.

W. c’est donc deux récits que le montage entremêle judicieusement : l’histoire du fils d’un homme politique qui brigue la présidence américaine (James Cromwell dans le rôle de George Bush, senior), un fils alcoolique, impulsif (Josh Brolin dans le rôle de W.) qui rate tout ce qu’il entreprend et que le manque de confiance et de considération paternelles conduiront jusqu’à la Maison Blanche et l’histoire d’un Président, ledit fils, qui se lance dans une guerre aux motivations troubles qui le conduira à sa perte, à devenir le plus mauvais Président américain. Le parcours d’un homme alcoolique notoire qui devient l’improbable Président des Etats-Unis.

J’ai lu ou entendu ça et là que certains déploraient que George W. paraisse sympathique comme si être sympathique occultait tous les autres défauts qu’Oliver Stone décrypte malicieusement, comme si paraître sympathique suffisait pour être Président des Etats-Unis. C’est à mon sens d’ailleurs bien pire, la critique n’en est que plus percutante et virulente. W. n’est pas un idiot sanguinaire mais un homme qui malgré ses faiblesses, ses failles (et peut-être à cause d’elles) arrivera à la tête de la plus grande puissance mondiale. Il pourrait même nous inspirer de la pitié. Mais il est juste pitoyable. Et la caméra d’Oliver Stone, souvent placée là où ça fait mal, ne lui épargne rien, soulignant souvent son ridicule, le montrant comme un enfant capricieux, plutôt rustre, pas très cultivé mais doté d’une mémoire considérable,  un enfant dont la relation a son père a bouleversé la face du monde, un enfant qui s’intéresse essentiellement au baseball mais qui, à 40 ans, trouve la foi, se convertit, cesse de boire et se retrouve dans les pas historiques de son père, lequel aurait préféré y voir son frère qui, d’ailleurs, échouera.

W. : c’est donc une simple lettre qui en dit long car c’est justement pour n’être pas que W., pas que « le fils de » que ce dernier se lancera en politique et qu’il briguera la présidence sans jamais avoir vraiment le soutien de son père à la personnalité écrasante avec lequel il entretient une relation orageuse par laquelle Oliver Stone explique ici en partie la guerre en Irak, W. reprochant à son père de ne pas avoir éliminé Saddam Hussein et expliquant ainsi qu’il n’ait pas été réélu. (Les conversations entre le père et le fils à ce sujet ou les réunions de l’administration Bush sont réellement passionnantes et tristement instructives.) Ce complexe œdipien serait sans doute touchant si W. n’était à la tête de la plus grande puissance mondiale et de son armée. Un homme comme les autres (qui a d’ailleurs bien compris le bénéfice qu’il pouvait en tirer)  à une place qui n’est pas comme les autres.

 Un film captivant, édifiant qui décrit un système dont le président n’est parfois qu’un rouage et auquel la caméra d’Oliver Stone, toujours intelligemment placée, apporte un regard incisif, parfois un second degré, démontrant de manière implacable à quel point ce président est improbable. Seul regret : la fin, certes explicite et significative, un peu expéditive et abrupte après une scène néanmoins consternante d’une conférence de presse où il apparaît, perdu, tel un enfant pris en faute, en manque d’arguments, un enfant qui a mené un pays à la guerre, pour de fallacieuses raisons.

Cette critique serait incomplète sans évoquer  l’interprétation, celle, magistrale, de Josh Brolin ( que l’on a vu récemment dans « No country for old men ») avant tout mais aussi de tous ceux qui incarnent l’administration Bush. Si le voir jeune manque parfois un  peu de crédibilité (l’acteur a 40 ans) en revanche lorsqu’il l’incarne comme Président des Etats-Unis, nous retrouvons sa voix, ses gestes, sa démarche de cow-boy, un mimétisme troublant que l’on retrouve également chez les autres acteurs, notamment avec Thandie Newton dans le rôle de Condoleezza Rice ou Jeffrey Wright dans celui de Colin Powell dont on découvre ici les réticences pour entrer en guerre et ensuite sa capacité à la défendre (Colin Powell a finalement appelé à voter Obama …).

Après « JFK » en 1991 et « Nixon » en 1995, Oliver Stone signe donc son troisième film consacré à un Président américain et la première fiction réalisée sur un président encore en exercice. Nous imaginons déjà quel film magnifique et poignant pourrait être la vie de celui, si posé et charismatique,  qui incarne  désormais l’American dream, de celui, entre autres symboles tellement cinématographiques d’un indéniable potentiel dramatique, dont la grand-mère qui l’a élevé expire son dernier souffle (non sans avoir voté !)  la veille du jour où son petit-fils en donne un nouveau au monde, de celui qui est bien plus et mieux que tous les symboles auxquels certains tentent de le réduire,  de celui qui incarne aussi tellement d’espoirs comme personne n’en avait incarné depuis longtemps, de celui qui redonne le sourire au monde, de celui qui démontre que l’improbable, dans tous les sens est toujours possible à condition d’y croire et de s’en donner les moyens. Yes, we can!

Un film que je recommande à tous ceux qui désirent en savoir plus, comprendre comment W. est arrivé au pouvoir, comment l’improbable a été possible, mais aussi comprendre le parcours d’un homme qui aurait été touchant s’il n’avait été Président des Etats-Unis. Malheureusement.

Site officiel du film : http://www.w-lefilm.com

Sandra.M