« Les films sont plus harmonieux que la vie. Il n’y a pas d’embouteillage dans les films, il n’y a pas de temps mort. ».

Pourquoi cette citation pour vous parler de ce 46ème Festival du Cinéma Américain de Deauville ? Parce que Truffaut avait raison, non ? Au cinéma, tout est plus harmonieux. Ou à l'inverse follement dissonant. Mais aussi trépidant. Exaltant. Passionné. Passionnant. Intense. Sans temps mort. La succession de films qu'est un festival de cinéma (et évidemment celui de Deauville) nous plonge a fortiori dans une bulle d'irréalité où la frontière avec la fiction devient si délicieusement et délictueusement étanche. Où tout semble possible, pensable, où même la fin semble soudain n'être qu'une chimère puisque le générique passé, les cœurs broyés recommencent à battre. Moins intensément que sur grand écran peut-être. Où la réalité se tait avant de reprendre son assourdissant tintamarre. Même si ces films sont aussi des miroirs de la société, à Deauville en particulier où les films en compétition reflètent une réalité souvent âpre, d'autant plus depuis la présidence Trump depuis laquelle inégalités et iniquités s'accroissent terriblement. Sans doute cette parenthèse enchantée est-elle la raison pour laquelle plus de 20 ans plus tard, je reste fidèle au rendez-vous de ce festival. Quoiqu'il advienne. Malgré les vicissitudes de l'existence. Le Festival de Deauville a en effet toujours été le repère insubmersible. Malgré le temps qui dévore tout. Mais heureusement pas les rêves d'enfance. Pas cette passion ardente pour le cinéma que les festivals ont exacerbé, au premier rang desquels celui-ci. 

« Qu’on écrive un roman ou un scénario, on organise des rencontres, on vit avec des personnages ; c’est le même plaisir, le même travail, on intensifie la vie » écrivit encore Truffaut.

Intensifier la vie. Pouvoir suave et ensorceleur de l’écriture. De la musique aussi. Et du cinéma. Et des festivals qui en sont la quintessence. Alors que se consumeront les derniers feux de l'été (fragiles, si précieux, plus intenses) débutera le Festival du Cinéma Américain de Deauville 2020 lors duquel nous pourrons nous autoriser à imaginer que cette frontière entre réalité et fiction, en cet endroit si ténue, comme dans « La rose pourpre du Caire », abdiquera devant nos yeux de rêveurs intarissables avides de romanesque. Ou comme dans "Inception" que nous manipulerons les rêves jusqu'à nous égarer dans ce savoureux dédale filmique dont nous serions à la fois scénaristes et protagonistes, démiurges et marionnettes, dans lequel rien ne semblerait impossible pour peu qu'on le rêve ardemment. Pourquoi ne pas se permettre de feindre de le croire le temps d'un festival ? De CE festival. Comme des enfants qui ignoreraient que tout, irrémédiablement, s'achève par un générique de fin, d'un implacable prosaïsme. Et faire ainsi nôtre cette phrase extraite du film d’ouverture de l'édition 2019 du festival : « Laissons la réalité à ceux qui ne trouvent pas mieux ». Oubliant ainsi que la toupie ( forcément !), à l'issue de ces 9 jours, cessera de tournoyer. Et nos illusions de rêves éternels avec.

Pour sa 46ème édition qui aura lieu du 4 au 13 septembre 2020, le Festival du Cinéma Américain de Deauville a décidé de se réinventer. En cette année dramatiquement exceptionnelle, marquée par une crise sanitaire que n'auraient osé imaginer les scénaristes hollywoodiens les plus inventifs ou à l'imagination la plus retorse, sans doute car comme disait Truffaut (encore lui !) "La vie a beaucoup plus d'imagination que nous", le Festival du Cinéma Américain de Deauville innove donc pour cette 46ème édition et se veut ainsi solidaire de l’industrie du cinéma mondial durement éprouvée.

Au programme de cette édition, 100 films répartis en 13 catégories. « Ce sera le festival du cinéma américain mais aussi du cinéma tout court » a ainsi déclaré le Maire de Deauville, Philippe Augier. Ce sera en effet aussi le retour à la vie pour le cinéma, le Festival du Cinéma Américain de Deauville étant le deuxième festival de cinéma depuis la crise sanitaire (le Festival du Film Francophone d'Angoulême ouvrant le bal quelques jours plus tôt) à cause de laquelle de nombreux autres comme Cannes ou Beaune ont été annulés.

 

Le festival ouvre ainsi ses portes à deux des plus grands festivals internationaux de cinéma dont le déroulement, en France, a été perturbé : le Festival de Cannes et le Festival international du film d’animation d’Annecy. L’occasion pour le public de découvrir sur grand écran des films inédits dont il aura été privé.

 

 

 

 

Au programme de cette édition, la Croisette qui s'invite à Cannes avec dix films de Cannes et des films d'Annecy. 10 films sélectionnés parmi les 56 titres de la Sélection officielle du Festival de Cannes seront ainsi présentés en présence de Thierry Frémaux et de Pierre Lescure.

Tous les publics pourront découvrir ces films sur grand écran, en présence de son délégué général Thierry Frémaux et de son président Pierre Lescure.

Les films de Cannes irrigueront ainsi toutes les sections de cette édition 2020, conférant une teinte originale et cosmopolite à la programmation. De nombreuses équipes de films, pour une grande majorité française, seront présentes pour échanger avec le public. Pour les amoureux du cinéma d'outre-Atlantique, en dehors de cette sélection cannoise, le festival proposera, comme à son habitude, quelques 70 films américains. Et comme le dit Philippe Augier, Maire de Deauville, « Cette année, le festival de Deauville, c’est avant tout le rendez-vous du cinéma ».

Le films de la sélection cannoise  présentés dans le cadre du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2020 : 

ADN de Maïwenn
AMMONITE de Francis Lee
DES HOMMES de Lucas Belvaux
LES DEUX ALFRED de Bruno Podalydès
A GOOD MAN de MarieCastille Mention-Schaar
LAST WORDS de Jonathan Nossiter
PENINSULA de Yeon Sang-ho
ROUGE de Farid Bentoumi
SLALOM de Charlène Favier
TEDDY de Ludovic & Zoran Boukherma

Pour l’ouverture du festival qui se fera avec un film de la compétition, Bruno Barde a annoncé « un film qui rend heureux » : « Minari » de Lee Isaac Chung. Les organisateurs ont ainsi souhaité ouvrir ce fes­ti­val avec un film de la com­pé­ti­tion, afin d’affirmer celle-ci comme une prio­ri­té. Cette œuvre définie comme un film « aux accents for­diens » affirme leur « désir d’un ciné­ma exi­geant et popu­laire. »

Pitch : « Une famille américaine d’origine sud-coréenne s’installe dans l’Arkansas où le père de famille veut devenir fermier. Son petit garçon devra s’habituer à cette nouvelle vie, et à la présence d’une grand-mère coréenne qu’il ne connaissait pas. »

C’est cette même volon­té qui les a poussés à choi­sir en clô­ture Com­ment je suis deve­nu super-héros, film fran­çais en hom­mage aux héros mar­vel­liens (véri­table X‑Men à la fran­çaise) mais aus­si au ciné­ma amé­ri­cain dans sa veine fan­tas­tique. « Les deux films ont en com­mun de nous rendre heu­reux» ont précisé les organisateurs. Un film réalisé par Dou­glas Attal  avec Pio Mar­maï, Vima­la Pons, Benoît Poel­voorde, Leï­la Bekh­ti & Swann Arlaud. Une projection en pré­sence de l’équipe du film.

Ont également été annoncés les films de la compétition. Sur 14 films, 7 sont des premiers films et 8 sont des films de réalisatrices :

FIRST COW de Kelly Reichardt GIANTS BEING LONELY de Grear Patterson - 1er film

HOLLER de Nicole Riegel - 1er film

KAJILLIONAIRE de Miranda July - sortie le 30 septembre

LORELEI de Sabrina Doyle - 1er film

LAST WORDS de Jonathan Nossiter - sortie le 21 octobre

LOVE IS LOVE IS LOVE d‘Eleanor Coppola

MINARI de Lee Isaac Chung

SHIVA BABY d’Emma Seligman - 1er film

SOPHIE JONES de Jessie Barr - 1er film

SOUND OF METAL de Darius Marder - 1er film

THE ASSISTANT de Kitty Green - 1er film

THE VIOLENT HEART de Kerem Sanga

UNCLE FRANK de Alan Ball - 2e film

Le film THE NEST de Sean Dur­kin, avec Jude Law, Car­rie Coon & Anne Reid rejoint la com­pé­ti­tion lors de la conférence du 18 août portant à 15 le nombre de films en compétition.

Le Prix du Festival de Deauville est remis chaque année à un cinéaste qui a franchi l’Atlantique pour réaliser un film aux Etats-Unis, matérialisant ainsi un pont franco-américain issu d’une longue tradition artistique.

Après Jacques Audiard (Les Frères Sisters), Olivier Assayas (Cuban Network), c’est Barbet Schroeder qui sera honoré par la 46ème édition du Festival du Cinéma Américain de Deauville, non pas pour un film, mais pour l’ensemble de son oeuvre américaine.
Comme le précise le communiqué de presse du festival, "La simple évocation de son nom fait surgir des images mythiques de la Nouvelle vague et des jeunes turcs des « Cahiers du cinéma ». Mais c’est aussi bien sûr aussi aux Films du Losange que l’on songe, société de production qu’il créé à 20 ans à peine pour produire les films d’Eric Rohmer et qui continue d’éclairer le paysage de la cinéphilie française aujourd’hui." A cette occasion, je vous propose ci-dessous la critique de L'avocat de la terreur de Barbet Schroeder.

Comme chaque année, des films seront présentés dans la section « Premières » :

BAD EDUCATION de Cory Finley

COMMENT JE SUIS DEVENU SUPER-HEROS de Douglas Attal 

CRITICAL THINKING de John Leguizamo

DON’T TELL A SOUL de Alex McAulay

RESISTANCE de Jonathan Jakubowicz

SONS OF PHILADELPHIA (Sounds of Philadelphia) de Jérémie Guez

THE PROFESSOR AND THE MADMAN de P.B. Shemran 

WANDER de April Mullen

WENDY de Benh Zeitlin

Comme chaque année également, la section "Les Docs de l'Oncle Sam" nous réservera certainement de belles découvertes de documentaires. Seront au programme : 

BILLIE de James Erskine

DEAUVILLE ET LE REVE AMERICAIN de Daphné Baiwir

KIRK DOUGLAS, L’INDOMPTE de Hubert Attal

KUBRICK PAR KUBRICK de Gregory Monro

LEAP OF FAITH: WILLIAM FRIEDKIN ON “THE EXORCIST” d’Alexandre O. Philippe

PIERRE & LESCURE de Maxime Switek & Philippe Lézin

THE LAST HILLBILLY de Diane Sara Bouzgarrou & Thomas Jenkoe

WEED AND WINE de Rebecca Richman Cohen
 

Lors de la cérémonie du palmarès du Festival du cinéma américain de Deauville, le Prix d’Ornano-Valenti 2020 sera officiellement remis par Jean-Guillaume d’Ornano, Président du jury du Prix d’Ornano-Valenti composé de journalistes anglo-saxons, au long métrage français : Slalom réalisé par Charlène Favier qui succédera ainsi aux Misérables de Ladj Ly.

Synopsis : (Le film fait partie de la Sélection Officielle Cannes 2020)

Lyz, 15 ans, vient d'intégrer une prestigieuse section ski-études du lycée de Bourg-Saint-Maurice. Fred, ex-champion et désormais entraîneur, décide de tout miser sur sa nouvelle recrue. Galvanisée par son soutien, Lyz s'investit à corps perdu, physiquement et émotionnellement. Elle enchaîne les succès mais bascule rapidement sous l'emprise absolue de Fred.

Comme annoncé en juin, le Festival international du film d'animation d'Annecy viendra à Deauville avec un programme jeunesse de trois films, afin de "retrouver la joie de projections sur grand écran, en public, où la magnificence des trois films présentés prendra tout son essor." Au tarif de 10 euros*, le pass Annecy donnera accès aux trois films sélectionnés suivants :

CALAMITY de Rémi Chayé - Cristal d’or de l’édition 2020 - à partir de 6 ans

LUPIN III de Takashi Yamazaki - à partir de 10 ans

PETIT VAMPIRE de Joann Sfar - à partir de 6 ans

Pour les festivaliers amateurs de sensations fortes et de cinéma de genre, le Festival proposera également cette année le Pass Frissons. Pour un tarif exceptionnel de 10 euros, ils pourront découvrir en avant-première les films suivants :

PENINSULA de Yeon Sang Ho (Corée du Sud)

TEDDY de Ludovic Boukherma & Zoran Boukherma (France)

Un jury composé des journalistes et écrivains Ariane Bois Heilbronn, François Forestier, Éric Neuhoff, Patrick Poivre d’Arvor, Colombe Schneck et Laurent Seksick remettra le Prix littéraire Lucien-Barrière lors du Festival du cinéma américain de Deauville, sous la bienveillance de Béatrice Nakache Halimi.

Le Prix littéraire Lucien-Barrière 2020 est décerné au roman Le monde n’existe pas de Fabrice Humbert, publié aux éditions Gallimard.

Ce captivant roman  nous entraîne dans les pensées tortueuses d’Adam Voll­mann, lequel, jour­na­liste au New Yor­ker, voit s’afficher sur les écrans de Times Square le por­trait d’Ethan Shaw. Celui qui fut la star du lycée. Celui dont la beauté était le pouvoir. Celui qui faisait penser à Robert Redford dans « Nos plus belles années. » Celui qui a un nom et une allure de personnage hollywoodien d’ailleurs. Son seul ami d’alors, accu­sé de viol et de meurtre. Refu­sant de croire à sa culpa­bi­li­té, Adam retourne à Drys­den, où ils se sont connus pour enquêter. Là où certains ont été déçus par l’énigmatique dénouement, j’y ai vu la seule fin possible. Logique. Implacable. Brillante. Un monde qui n’existe pas ne peut s’achever, non ? Tel le MacGuffin cher à Hitchcock qu’il évoque d’ailleurs, la quête n’est ici qu’un prétexte. Une mise en scène pour nous emmener dans une ville morne qui concentre tout ce que Vollmann déteste en Amérique : la petitesse, le conformisme. Pour nous emmener dans un voyage dans les méandres de l’identité entre vérité et mensonge, réalité et fiction. Dans une mise en abyme vertigineuse, de poupées russes qui se dévoilent indéfiniment, il nous égare pour nous inviter à trouver la vérité, notre « rosebud ». Citizen Kane était ainsi « la somme de ses légendes et des cinq témoignages du film racontant cinq histoires différentes. » A nous de trouver la vérité dans ce monde qui affectionne les récits à rebondissements, qui fictionnalise la réalité. En partant à la rechercher d’un homme qui ne finissait jamais les puzzles, il nous confronte nous-mêmes à un puzzle dont il nous appartient de trouver la dernière pièce. Vollmann est d’ailleurs devenu journaliste par passion de la littérature. De la fiction donc. Vollmann ne signifie-t-il d’ailleurs pas « homme plein », lui qui recherche son ami de lycée…à propos duquel d’autres parlent de case vide ? Réflexion passionnante sur notre besoin de dramatisation, de « susciter la tempête des passions par la construction d’une intrigue simple », il nous interroge : « tout ce que nous vivons est un livre ou un film. En tout cas, une fiction recomposée ou non. » Non ? Il nous invite à composer notre fiction à nous interroger sur celles qui se composent (ou décomposent avec parfois autant d’obstination, il n’est qu’à voir les foisonnantes théories du complot) à nos regards, à nous interroger sur la manipulation du récit…tout en manipulant son personnage narrateur et à travers lui le lecteur. Laissez-vous embarquer par ce récit aux accents lynchiens qui, en vous égarant, vous invite à trouver une vérité sur une société (qui fait évidemment songer à celle de Trump, il suffit de voir ses clips de campagne qui pourraient rivaliser avec les plus abracadabrantesques et grandiloquents des blockbusters) qui en scénarisant tout brouille les repères…à l’image de ce roman dans lequel réalité et fiction, vérité et mensonges s’imbriquent pour finalement se confondre. Brillante mise en abyme vous dis-je !

Concernant la sécurité sanitaire, sachez que tout sera mis en œuvre pour que celle-ci  soit assurée au mieux :

Les lieux d’accueil sont nettoyés et désinfectés régulièrement.

La ventilation du C.I.D est contrôlée, l’air est renouvelé.

Le port du masque est obligatoire dans tous les lieux du Festival, à tout moment : - En intérieur - dans le C.I.D et les salles du Casino et du Morny - En extérieur - aux abords du tapis rouge, dans les files d’attente et sur les terrasses du Festival (retrait du masque autorisé une fois assis pour se restaurer).

La capacité d’accueil des salles est adaptée pour répondre aux exigences sanitaires en cours et garantir votre sécurité. Des solutions hydroalcooliques sont à disposition à l’entrée du C.I.D, du Casino et du Morny, et sur les terrasses du Festival.   La distanciation physique est recommandée.

Vous pouvez bien sûr d'ores et déjà réserver vos pass pour le festival, ici.

Venez fêter le retour du cinéma à Deauville 10 jours et près de 100 films projetés : 

RÉSERVEZ VOS PASS DÈS MAINTENANT www.festival-deauville.com

PASS JOURNÉE / 35€ (tarif réduit : 16€) PASS FESTIVAL / 160€ (tarif réduit : 99€)

En attendant de vous en dire plus sur cette 46ème édition du festival, je vous invite à lire mon article consacré à l'édition 2019 publié dans le magazine annuel Normandie Prestige (cf ci-dessous).

Vous pouvez aussi retrouver mon bilan détaillé de l'édition 2019, ici. 

Comme chaque année, je serai en direct du festival, de l'ouverture à la clôture. En attendant mon bilan du festival, suivez-moi en direct sur instagram et twitter (@sandra_meziere), je vous y livrerai chaque jour mon journal de bord du festival.

 

Critique - "Les Ensorcelés"  de Vincente Minnelli

Les films sur le cinéma se sont  multipliés dans le cinéma américain des années 1950, avec d’ailleurs également une commune structure en flashback comme dans les deux chefs-d’œuvre de Mankiewicz (« Eve » et « La Comtesse aux pieds nus ») qui, avec « Les Ensorcelés » de Minnelli, sont les films sur ce thème que je vous recommande, trois chefs-d’œuvre.

Synopsis : Le producteur Harry Pebel (Walter Pidgeon)  convoque dans son bureau Georgia Lorrison (Lana Turner), une grande actrice, Fred Amiel (Barry Sullivan), un jeune réalisateur, et James Lee Bartlow (Dick Powell), un écrivain. Pebel attend un coup de téléphone du producteur Jonathan Shields (Kirk Douglas) qui a permis à ces trois personnes d’accéder au rang de star mais s’est parfois mal comporté avec elles. Aujourd’hui en difficulté, il leur demande de l’aider. Avant d’accepter ou refuser, chacun d’eux raconte comment il les a rencontrés et comment il les a déçus, voire blessés…

« The Bad and The Beautiful ». Tel est le titre original en VO des « Ensorcelés » et qui résume parfaitement la sublime et subtile dualité du personnage de Jonathan (incarné par Kirk Douglas) et du film tout entier. Dualité entre son altruisme apparent et son ambition tueuse et ravageuse dont il est le masque. Lorsque le masque tombe, Minnelli a, à chaque fois, la judicieuse idée de le filmer en gros plan frontalement, le réduisant alors à son égoïsme, alors que le reste du temps il est souvent filmé en plan plus large et rarement de face.

 Dualité aussi des sentiments du spectateur face à ce personnage complexe, digne successeur d’un père diabolique à la personnalité, pour son fils, aussi fascinante qu’écrasante dont il suivra finalement le modèle et face à ce personnage qui, au nom de la gloire et l’ambition, sacrifiera ceux qu’il aime ou qu’il est incapable d’aimer … même si finalement ils y gagneront tous aussi la gloire.

La gloire ce pourrait aussi d’ailleurs être elle « The bad and the beautiful ». Etincelante en surface, au regard des autres mais qui a nécessité combien de « bad » compromis et de trahisons inavouables ?

 Dualité aussi entre la sincère Georgia (the beautiful)  et le manipulateur Jonathan (the bad).

 Dualité entre la forme et le fond. Le fond qui critique le monde du cinéma : son hypocrisie, l’arrivisme, la superficialité, la déchéance, le commerce qu’il est souvent, les trahisons, les manipulations. La forme qui est un des plus beaux hommages qu’on puisse lui rendre avec des plans d’une virtuosité admirable (Ah, cette scène où Georgia, époustouflante et lumineuse Lana Turner ici terrifiante tant elle semble réellement terrifiée, fuit en voiture et où le spectateur a la sensation de ressentir sa suffocation cauchemardesque !), un scénario d’une construction astucieuse, une photographie envoûtante et somptueuse, et des acteurs au sommet de leur art et de leur beauté. Dualité entre le rêve que représente le monde du cinéma et la réalité que dépeint Minnelli.

« Les Ensorcelés » est à la fois une magnifique déclaration d’amour au cinéma et un regard lucide sur ses travers s’inspirant de la réalité, notamment de David O.Selznick (le producteur et créateur d’ « Autant en emporte le vent ») ou encore de « La Féline » de Jacques Tourneur pour le script du « Crépuscule des hommes chats » que Jonathan produit.

Les Ensorcelés : ce sont Georgia, Fred et James, ensorcelés et aveuglés par Jonathan. C’est Jonathan, ensorcelé par le cinéma, prêt à tout au nom de celui-ci. Et c’est surtout le spectateur, ensorcelé par la magie du cinéma, de ce cinéma que Minnelli magnifie tout en le montrant dans toute son ambiguïté, d’une cruelle beauté. De ce cinéma qui finalement sort vainqueur. Malgré tout. Plus important que tout.

« Les Ensorcelés » (1952) remporta 6 Oscars : celui de la meilleure interprétation pour Kirk Douglas, du meilleur second rôle féminin pour Gloria Grahame,  de la meilleure photographie,  de la meilleure direction artistique, des meilleurs costumes et du meilleur scénario.

A la différence près que le rôle du producteur n’est aujourd’hui plus le même que celui du producteur du cinéma d’Hollywood des années 30, 40, 50 « Les Ensorcelés » est un film intemporel qui pourrait presque être tourné aujourd’hui. L’ambitieux Jonathan pourrait être le même aujourd’hui. Il se pourrait même que vous croisiez quelques Jonathan Shields, et surtout bien pire, à Cannes ou ailleurs. Alors si vous voulez découvrir Hollywood, son univers impitoyable, voir un film ensorcelant et éblouissant,  un personnage aussi manipulateur qu’amoureux du cinéma bien fait, et fascinant, et surtout si vous aimez le cinéma et forcément les films sur le cinéma, alors laissez-vous envoûter etne manquez pas ce chef-d’œuvre de Minnelli à (re)voir dans le cadre de ce Festival du Cinéma Américain de Deauville 2020.

Critique de L'AVOCAT DE LA TERREUR de Barbet Schroeder

Présenté en sélection officielle (Un Certain Regard) du Festival de Cannes , "L'avocat de la terreur" avait obtenu le César du meilleur documentaire en 2008, un prix entièrement mérité pour ce qui fut un des meilleurs film de cette année-là et que je vous recommande. Retrouvez ci-dessous ma critique de ce documentaire qui dresse le portrait de d'un avocat aussi énigmatique que médiatique : Jacques Vergès. 

Communiste, anticolonialiste, d’extrême droite ?  Quelle(s) conviction(s) guide(nt) Jacques Vergès ? Barbet Schroeder mène l’enquête pour élucider le mystère. Au départ de la carrière de cet avocat énigmatique : la guerre d’Algérie et Djamila Bouhired, la pasionaria qui porte la volonté de libération de son peuple. Le jeune homme de loi épouse la cause anticolonialiste (procès mémorable où il fait le procès de la justice, Djamila Bouhired sera ainsi condamnée à mort puis graciée !), et la femme. Puis, entre 1970 et 1978, il disparaît. 8 longues années de clandestinité qui suscitent les rumeurs les plus folles. A son retour, il défend les terroristes de tous horizons et des monstres historiques tels que Klaus Barbie, le tristement célèbre ancien chef de la Gestapo de Lyon (là, il ne fera pas le procès de la justice mais… celui de la Résistance !).

Le documentaire commence donc en Algérie, là où débute aussi la carrière de l’avocat qui y défendit Djamila Bouhired puis qui l’épousa.  Les images d’archives alternent avec l’interview de l’avocat, et les entretiens avec des proches de ce dernier, des fréquentations souvent peu recommandables (il revendique ainsi son amitié avec un ancien nazi notoire : le banquier suisse François Genoud).

 A travers le portrait de cet homme ambigu passant de l’extrême gauche à l’extrême droite, de la défense des persécutés à celle des persécuteurs, de la clandestinité à l’exposition médiatique, de l’opposition à l’Etat Français à une éventuelle collaboration avec les services secrets, ses 8 années de disparition n’ayant jamais réellement été élucidées (même si on évoque un exil au Cambodge…), c’est celui du terrorisme du 20ème siècle qu’effectue Barbet Schroeder.

 Dictateurs africains,  Khmers rouges et Pol Pot, Klaus Barbie…tout ce que le 20ème siècle a compté de terroristes semble avoir un jour ou l’autre croisé la route de Jacques Vergès qui, loin de s’en défendre, le revendique avec cynisme, suffisance et bravade.  L’Algérie, la Palestine, l’Afrique, le Cambodge, aucune partie du globe où règne ou où a régné la violence ne lui est inconnue.

Si la longueur de ce documentaire vous rebute, sachez que le parcours de cet avocat de la terreur se regarde comme un thriller palpitant, qu’il nous paraît trop court tant Barbet Schroeder fait preuve d’habileté dans sa mise en scène et dans son montage. Il  ne recourt ainsi jamais à la voix off mais à une musique qui donne des allures de films d’espionnage à ce documentaire  qui ressemble à s’y méprendre à une fiction qui nous permet de reconstituer les pièces du parcours mystérieux de l’avocat, puzzle aux multiples et dangereuses ramifications.

Il révèle l’ambiguïté d’un homme dont il explique l’engagement autant par ses origines desquelles résulterait son horreur de la soumission et de l’oppression que par ses histoires d’amour ( Djamila Bouhired puis la femme de Carlos) : l’ambiguïté de celui qui pleure dans les prisons des combattants algériens et qui défend Klaus Barbie sans un remord en déclarant, avec une jubilation délibérément ostentatoire qui ne peut que susciter le malaise du spectateur (et qui la suscite à dessein, la provocation étant l’arme favorite de l’avocat), que c’est « euphorisant de le défendre seul contre 39 avocats », l’épicurien parfois enfantin qui tire avec un pistolet à eau sur les passants et qui se déclare capable de tuer…

Barbet Schroeder (qui a eu le final cut) ne prend pas parti, mais certains plans sont particulièrement éloquents comme ceux des interviews de Vergès qui se met lui-même en scène avec une vanité stupéfiante, jouant du silence entre deux bouffées de cigare, entre deux paroles délibérément provocatrices, dans un décor aussi fastueux qu’était misérable celui de certains de ses clients, des paroles parfois démenties par les interviews qui leur succèdent grâce à un montage astucieux. Le générique de fin est ainsi un clin d'oeil ingénieux, il énumère les noms des clients de Jacques Vergès et défilent sous nos regards effarés les plus grands criminels du 20ème siècle.

 Plus qu’un documentaire, c’est une plongée passionnante et instructive dans l’Histoire du 20ème siècle, dans ses zones d’ombre à travers celles d’un homme (ses années de disparition, son énigmatique enrichissement…),  qui donne parfois froid dans le dos et est tellement réussie qu’elle nous fait presque oublier qu’elle relate des faits dramatiquement réels dont Vergès a tour à tour été le protagoniste, l’avocat et parfois la victime autoproclamée… Fascinant et terrifiant à l’image de son protagoniste, un documentaire qui est aussi une réflexion sur la vérité et la sincérité d’un engagement. A voir absolument !

 

Le Prix du Festival de Deauville est remis chaque année à un cinéaste qui a franchi l’Atlantique pour réaliser un film aux Etats-Unis, matérialisant ainsi un pont franco-américain issu d’une longue tradition artistique.

Après Jacques Audiard (Les Frères Sisters), Olivier Assayas (Cuban Network), c’est Barbet Schroeder qui sera honoré par la 46ème édition du Festival du Cinéma Américain de Deauville, non pas pour un film, mais pour l’ensemble de son oeuvre américaine.
Comme le précise le communiqué de presse du festival, "La simple évocation de son nom fait surgir des images mythiques de la Nouvelle vague et des jeunes turcs des « Cahiers du cinéma ». Mais c’est aussi bien sûr aussi aux Films du Losange que l’on songe, société de production qu’il créé à 20 ans à peine pour produire les films d’Eric Rohmer et qui continue d’éclairer le paysage de la cinéphilie française aujourd’hui." A cette occasion, je vous propose ci-dessous la critique de L'avocat de la terreur de Barbet Schroeder.

Lors de la cérémonie du palmarès du Festival du cinéma américain de Deauville, le Prix d’Ornano-Valenti 2020 sera officiellement remis par Jean-Guillaume d’Ornano, Président du jury du Prix d’Ornano-Valenti composé de journalistes anglo-saxons, au long métrage français : Slalom réalisé par Charlène Favier qui succédera ainsi aux Misérables de Ladj Ly.

Synopsis : (Le film fait partie de la Sélection Officielle Cannes 2020)

Lyz, 15 ans, vient d'intégrer une prestigieuse section ski-études du lycée de Bourg-Saint-Maurice. Fred, ex-champion et désormais entraîneur, décide de tout miser sur sa nouvelle recrue. Galvanisée par son soutien, Lyz s'investit à corps perdu, physiquement et émotionnellement. Elle enchaîne les succès mais bascule rapidement sous l'emprise absolue de Fred

Un jury composé des journalistes et écrivains Ariane Bois Heilbronn, François Forestier, Éric Neuhoff, Patrick Poivre d’Arvor, Colombe Schneck et Laurent Seksick remettra le Prix littéraire Lucien-Barrière lors du Festival du cinéma américain de Deauville, sous la bienveillance de Béatrice Nakache Halimi.

Le Prix littéraire Lucien-Barrière 2020 est décerné au roman Le monde n’existe pas de Fabrice Humbert, publié aux éditions Gallimard.

Critique de L'AVOCAT DE LA TERREUR de Barbet Schroeder

Présenté en sélection officielle (Un Certain Regard) du Festival de Cannes , "L'avocat de la terreur" avait obtenu le César du meilleur documentaire en 2008, un prix entièrement mérité pour ce qui fut un des meilleurs film de cette année-là et que je vous recommande. Retrouvez ci-dessous ma critique de ce documentaire qui dresse le portrait de d'un avocat aussi énigmatique que médiatique : Jacques Vergès. 

 Entre glamour et engagement. Entre rêves fragiles, âpres réalités et espoirs tenaces.

« Ni le feu ni la glace ne sauraient atteindre en intensité ce qu’enferme un homme dans les illusions de son cœur. »

« Ces rêveries servirent un temps d'exutoire à son imagination ; elles étaient une allusion satisfaisante à l'irréalité de la réalité, l'assurance que ce rocher, le Monde, solidement reposait sur l'aile d'une fée. »

Ces deux citations sont extraites de « Gatsby le magnifique » de Francis Scott Fitzgerald. Pourquoi Gatsby pour commencer cet article sur le Festival du Cinéma Américain de Deauville, me direz-vous ! Sans doute parce que c’était le prénom du personnage principal du film d’ouverture de ce 45ème Festival du Cinéma Américain de Deauville, l’ensorcelant « Un jour de pluie à New York » et sans doute parce que ces citations font écho à une de celles du film en question : « C’est la vraie vie. Laisse-la à ceux qui ne trouvent pas mieux ».

 Certainement aussi parce que les rêveries et les illusions sont indissociables du cinéma, et de la mélancolie de Gatsby et de Deauville. Le cinéma que nous a donné à voir ce Festival du Cinéma Américain de Deauville, aussi passionnant fut-il, nous a pourtant néanmoins ancrés dans la réalité même si le rêve et le glamour étaient incarnés par la présidente du jury, l’interprète des chefs-d’œuvre que sont « Les parapluies de Cherbourg », « Le Dernier Métro », « Le choix des armes », « Hôtel des Amériques », « Les Demoiselles de Rochefort », « Indochine », « Belle de jour », « Fort Saganne », « Drôle d'endroit pour une rencontre », « Un conte de noël »,« Elle s’en va », « Ma saison préférée, » « La tête haute », « La Sirène du Mississipi », « Je veux voir »… Avec elle, c’est une partie de la mythologie du cinéma qui était présente chaque jour dans la salle du CID. Les hommages (notamment à Geena Davis, Pierce Brosnan, Johnny Depp) étaient aussi des fenêtres ouvertes sur les rêves car l’occasion à chaque fois de la diffusion d’un montage des films dans lesquels ils jouèrent, réminiscences de tant d’émotions de cinéphiles.

 La réalité donc. Celle des Etats-Unis de Trump. Celle d’une époque impatiente et carnassière aussi. Comme ce plan du retentissant « American skin » de Nate Parker l’illustrait si bien, ces quelques mots lapidaires au journal télévisé pour traduire et trahir la complexité d'un drame humain, la mort d’un jeune garçon noir suite à un contrôle de police. Mots auxquels succèdent les louanges sur les performances d'un sportif noir énoncées par un présentateur guilleret. « Cachez ces crimes racistes que je ne saurais voir » semble nous dire Nate Parker du moment que l'apparence et les clichés soient saufs. Je vais y revenir. Telle est l'Amérique de Trump reflétée par les films de cette édition.  En proie à la paranoïa, la violence, éprise de liberté, de résistance. Des films militants. Des films qui brandissent le poing. Des films coups de poing. Des films qui mettent en scène des personnages enfermés, des femmes surtout, souvent prisonnières d’un carcan social ou familial, d’un drame, avides de vérité, d’émancipation, de liberté. Quand il s’agit d’hommes, ils sont aussi prisonniers d’atmosphères claustrophobiques, que ce soit d’un phare, d’un foyer, d’un milieu ou d’une amitié étouffante. Comme vous le verrez dans les extraits vidéos, les propos des cinéastes, acteurs et actrices étaient souvent salutairement engagés, voire militants à l'image des films projetés.

« De nombreux films de ce Deauville 2019 défient Trump » avait ainsi annoncé le directeur du festival, Bruno Barde, lors de la conférence de presse d’annonce de sélection du festival du 22 août. Le tableau de l’Amérique, vue à travers ces films, n’est pas glorieux entre résurgences d’idéologies nazies et populations abandonnées. Le portrait d’une Amérique qui broie les plus fragiles. « Il est important de reconnaître que nous avons à la Maison-Blanche quelqu'un de raciste et de sexiste, dont il faut essayer d'éviter qu'il soit réélu », a ainsi déclaré Carlo Mirabella-Davis le réalisateur de « Swallow » en recevant son prix. 

 L’année 2018, celle de l’après #MeToo, si la noirceur était aussi au rendez-vous dans les films présentés à Deauville, le pouvoir était déjà pris par les femmes. Deux titres des films de la compétition étaient ainsi des prénoms féminins (Nancy et Diane) et six d’entre eux avaient pour personnages principaux des protagonistes féminines. Des femmes souvent condamnées par l’existence, engluées ou même enfermées dans leur quotidien, leur passé, confrontées à la solitude, à la maladie, à la mort, aux traumatismes et même enfermées au sens propre et condamnées à mort dans le douloureux « Dead women walking ». Des femmes fortes et combattives qui s’emparaient néanmoins de leurs destins. Les films s’achevaient ainsi souvent par un nouveau départ (au sens propre). En route vers un lendemain peut-être plus joyeux. Une note d’espoir malgré tout. « Une Amérique où règne le désenchantement et la mélancolie, où l'espoir est tenace », comme l’avait très bien résumé la regrettée présidente du jury de la critique 2018, l’enthousiaste Danièle Heymann (à laquelle le festival a eu la louable idée de rendre hommage lors de l’ouverture de cette édition 2019). Le jury de la critique de l'édition 2018, lors de la cérémonie du palmarès, avait d’ailleurs également tenu à saluer « la quasi-parité de la compétition avec 6 films de femmes. » Ce fut a fortiori le cas cette année avec des films de femmes, des thématiques féminines, voire féministes, des portraits de femmes qui s’émancipent, prennent leurs destins en main, contre vents et marées et qui, là aussi, souvent, au dénouement prennent la route pour un nouveau départ.

Les titres des films nous en disaient déjà long : « Skin », « American Skin », « Knives and skin », « American woman », « Seberg », « Waiting for the Barbarians », « Tout peut changer, et si les femmes comptaient à Hollywood ». La barbarie. Les femmes. Et cette peau qui souvent condamne aux préjugés iniques ou à un destin tragique. Le festival dans sa programmation était ouvertement féministe. Même si aujourd’hui il semble y avoir une sorte de surenchère pour savoir qui s’autoproclamera le plus féministe (ou quel festival présentera le plus de film de femmes), ce festival avait le mérite, plus que dans le choix de ses invités, de nous donner à voir d’autres visages féminins, des personnages de femmes plus nuancés ou moins caricaturaux. Quatorze films « ambitieux et réussis » (selon la présidente du jury Catherine Deneuve) étaient ainsi en compétition, dont neuf premiers films et six réalisés par des femmes. Par ailleurs, dix mettaient en scène des héroïnes souvent broyées par l’existence ou par les hommes mais des héroïnes combattives, et trouvant seules le chemin de la liberté.

Cette année 2019, Bruno Barde avait d’emblée annoncé un festival féminin, non seulement dans les thématiques des films présentés mais aussi dans les deux jurys. Deux femmes les présidaient en effet, Catherine Deneuve et Anna Mouglalis. Catherine Deneuve succédait ainsi dans ce rôle à une autre actrice de grand talent, Sandrine Kiberlain. Le festival avait par ailleurs choisi cette année d’attribuer des prix spéciaux à quatre actrices : Kristen Stewart (venue présenter « Seberg », de Benedict Andrews), Geena Davis (venue quant à elle présenter le documentaire « This Changes Everything », de Tom Donahue), Sienna Miller (venue avec « American Woman », de Jake Scott, dans lequel elle incarne le rôle principal) et Sophie Turner (l’héroïne de « Game of Thrones » dont l’Intégrale était projetée à Deauville).

Cette édition 2019 était aussi nostalgique avec la soirée des 25 ans de la compétition et les formidables petits films de l’INA diffusés chaque soir, l’occasion d’entendre Kirk Douglas dire qu’il aimerait tourner avec Truffaut, Lelouch, Sautet ou encore d’entendre De Palma dire avec malice que personne n'est incorruptible et de se rappeler que toutes les stars du cinéma américain ou presque foulèrent un jour les planches de Deauville, en pleine gloire, ou à leurs débuts. L'INA, à l'occasion de cette soirée anniversaire, a également remis à Catherine Deneuve une distinction numérique (l'ensemble de sa carrière sur support numérique, distinction reçue auparavant notamment par De Niro ou Depardieu).

Cette année, Deauville célébrait ains les 25 ans de la compétition de films indépendants, une compétition qui a révélé tant de cinéastes et de films devenus cultes : Chloé Zhao (« The Rider », 2017) Spike Jonze («Dans la peau de John Malkovich», 1999), Jeff Nichols («Take Shelter», 2011)  Damien Chazelle («Whiplash »), Joshua Marston (« Maria, pleine de grâce », 2004), Paul Haggis (« Collision », 2005), Benh Zeitlin (« Les bêtes du sud sauvage », 2012)…

Quelques films néanmoins nous parlaient de rêves, ceux qu’il faut se construire. Le générique de ce festival renouant avec le glamour d’antan, nous y invitait d’ailleurs : Kristen Stewart, Sienna Miller, Geena Davis, Sophie Turner, Pierce Brosnan, Catherine Deneuve, Anna Mouglalis, Johnny Depp sans oublier les anciens présidents de jurys présents pour l’anniversaire des 25 ans de la compétition.

Comme chaque année la compétition (mais aussi une partie des Premières) nous proposait d’ausculter l’Amérique contemporaine, ses meurtrissures et ses élans. S’il est soucieux de vérité, ce festival protéiforme n’oublie pas non plus le glamour de ses origines. Cette année plus que jamais, flamboyance et noirceur, glamour et actualité, engagement et festivités s’entrelaçaient.

LA COMPETITION ET LE PALMARES

Le jury présidé par Catherine Deneuve a attribué le Grand Prix à « Bull », le premier film de la réalisatrice Annie Silverstein (qui fut lauréate de la Cinéfondation, toujours un vivier de talents), un gros plan sur l’âpre réalité de l'Amérique de Donald Trump (déjà en lice à Cannes dans la section « Un Certain Regard »).

 Ce premier film a d’ailleurs fait l’unanimité des trois jurys puisqu’il a également reçu le prix de la Révélation Louis Roederer et celui de la Critique. « Ce premier film « dresse un tableau extrêmement juste et troublant de l'Amérique de Donald Trump, cette Amérique abandonnée par ses politiques que ce soit dans l'école ou dans la santé », a ainsi ajouté Anna Mouglalis, la présidente du jury Révélation Louis Roederer. « C'est un film politique sans jamais être dogmatique », a-t-elle également précisé. Gérard Lefort, président du jury de la critique a évoqué « une histoire captivante, une actrice sidérante de maturité malgré son jeune âge, des situations dérangeantes et imprévisibles » spécifiant que ce film « invente un territoire tant par son cadrage, son montage, son scénario, sa façon d'entremêler le documentaire à la fiction ».  « Bull », c’est l’histoire de la rédemption de Kris, une adolescente de 14 ans qui vit dans la banlieue pauvre de Houston et qui donne l'impression de suivre le chemin de sa mère, qui purge une peine de prison. Après avoir saccagé la maison de son voisin dans un acte purement gratuit, elle doit faire amende honorable, et prêter main-forte au propriétaire de la maison vandalisée qui est une ancienne gloire du rodéo. Elle se découvre alors une passion pour l'art de monter les taureaux à cru. Mais les mauvaises fréquentations ne sont jamais bien loin. La réalisatrice a choisi de montrer l’Amérique des laissés-pour-compte, celle des citoyens en colère mais qui n'ont parfois comme la jeune Kris que la violence ou la rébellion pour l'exprimer  parce qu’on n’a pas même pris le temps de leur poser une main, consolatrice et apaisante sur leur front, comme le taciturne Abe le fait avec les taureaux.  La rencontre de ces deux solitudes qui s’apprivoisent comme ils apprivoisent les taureaux, c’est celle de deux visages de l’Amérique, deux figures que l’Amérique a abandonnées. Bien sûr, « Bull » n’est pas sans rappeler « The Rider » de Chloé Zhao, vainqueur du Grand Prix à Deauville en 2017.

 Là aussi l’animal en furie sur lequel il fallait tenir était une métaphore de cette vie chaotique, de ces âmes tourmentées qui devaient trouver leur équilibre malgré l’âpreté et les secousses de l’existence.  Brady, un jeune cow-boy, entraîneur de chevaux et étoile montante du rodéo, voyait sa vie basculer après un tragique accident de rodéo. On lui annonçait alors qu’il ne pourrait plus jamais faire d’équitation. De retour chez lui, il était confronté au vide qu’était devenue sa vie : celle d’un cow-boy qui ne peut désormais ni faire de rodéo ni même monter à cheval. Pour reprendre son destin en mains, Brady se lançait alors dans une quête identitaire en cherchant à comprendre ce que c’est vraiment qu’être un homme au cœur même de l’Amérique. Brady Jandreau, qui jouait son propre rôle aux côtés de sa famille et de ses amis est vraiment une jeune star du rodéo qui a vu sa vie basculer suite à un accident et cette véracité renforçait bien sûr l’émotion qui émane de chacun des plans. Brady devait faire face à un avenir sans espoir, à un parent immature, et lui aussi incarne de nombreux contrastes à l’image de cette Amérique pétrie de contradictions. La violence de l’arène dans laquelle il évoluait contrastait avec la tendresse dont il faisait preuve avec sa jeune sœur handicapée ou son ami victime d’un accident de rodéo. Les immenses plaines évocatrices de liberté contrastaient avec la blessure et l’arène qui l’enfermaient. Et c’est en renonçant au rodéo que le cowboy devenait un homme. On retrouve ce même contraste dans « Bull ». Le jury qui avait attribué le grand prix à « The Rider » avait salué sa poésie et son humanité. Sans doute, pour ces raisons, avais-je préféré ce film à « Bull » qui n’en dresse pas moins un portrait édifiant et sensible de cette Amérique des oubliés à travers cette amitié improbable, porteuse d’espoir malgré l’âpreté du quotidien qui en a permis l’éclosion.

Le jury présidé par Catherine Deneuve a également décerné un Prix spécial du 45ème anniversaire du Festival à « Swallow » (qui signifie « avale »), de Carlo Mirabella-Davis. Le film raconte l’histoire d’Hunter qui mène une vie parfaite (en apparence, seulement en apparence) aux côtés de son mari qui vient de reprendre l’entreprise familiale. Mais dès lors qu’elle tombe enceinte, elle développe un trouble compulsif du comportement alimentaire, le Pica, caractérisé par l’ingestion d’objets dangereux. Son époux et sa belle-famille décident alors de contrôler ses moindres faits et gestes pour éviter le pire : qu’elle ne porte atteinte à la lignée des Conrad… Mais cette inquiétante et incontrôlable obsession ne cacherait-elle pas un secret plus terrible encore ?

« Swallow », c’est le portrait d’une femme enfermée dans ses douleurs enfouies, dans son carcan social, dans son mariage illusoirement parfait et sa maison même, sorte de prison de verre aseptisée tout autour de laquelle la nature semble l'épier, comme un musée dont elle serait une pièce, condamnée à n'être qu'un objet que l'on admire mais à qui on refuse le droit de penser. La mise en scène épouse judicieusement les états d'âme de cette femme qui peu à peu s'émancipe et se découvre. Pour garder le contrôle sur cette vie qu'elle ne maîtrise pas et qui l'étouffe, elle va s'enfermer dans des troubles compulsifs alimentaires qui lui procurent la trompeuse sensation de maitriser son existence. Un moyen de se réapproprier son corps aussi, ce à quoi la réduit son mari, lui niant toute capacité à penser. « Je vois vraiment ce film comme un film féministe. Le film a été inspiré de la vie de ma grand-mère qui a vécu dans les années 50, alors femme au foyer. Pour essayer de s'accrocher, elle avait des rituels comme se laver les mains de manière compulsive. Elle a été internée et a perdu le sens du goût et de l'odorat. Elle a été punie car elle ne rentrait pas dans le carcan des femmes au foyer dans les années 50 », a ainsi déclaré le réalisateur en conférence de presse. Il s'est également dit « fasciné par Malick et la manière dont il nous introduit dans l'esprit des personnages par le paysage ». « J'aime beaucoup ses films et je les ai tous vus de nombreuses fois. Son travail sur la nature est fascinant. J'ai essayé d'approcher cela dans le film notamment par la relation presque mystique entre Hunter et les objets » a-t-il ajouté. En tentant d'organiser son monde chaotique, d'enfouir en elle ces objets comme son traumatisme l'est, le monde d’Hunter va peu à peu s'ébranler et le visage de chacun se révéler. Son monde parfait va se fissurer. Les couleurs chatoyantes de ses tenues vont se ternir pour se fondre dans le décor et elle va presque être absorbée par celui-ci. Le monde réel, la vie même, vont peu à peu reprendre leurs droits. Le cinéaste peut revendiquer sans rougir ses références citées en conférence de presse : Chantal Akerman, Todd Haynes, Douglas Sirk et Alfred Hitchcock pour ce film passionnant du premier du dernier plan, brillamment pensé, mis en scène et interprété (par une actrice magnétique, Haley Bennett). Un beau portrait de femme qui s'émancipe. Intemporel et universel.

Le Prix du public de la Ville de Deauville a été attribué à « The Peanut Butter Falcon » de Tyler Nilson et Michael Schwartz. Ce premier film raconte l'histoire de Zak, un jeune homme de 22 ans atteint de trisomie qui s’enfuit de son foyer de personnes âgées pour réaliser enfin son rêve : rejoindre l’école de catch de Salt-Walter Redneck, une vieille gloire de ce sport, et devenir catcheur professionnel répondant au nom du « faucon au beurre de cacahuète ». Il rencontre Tyler, un petit voyou en cavale, qui va devenir son improbable coach et compagnon de route. Ils vont remonter ensemble les rivières, échapper à leurs poursuivants. Ils vont aussi convaincre Eleanor, une aide-soignante dévouée trimballant ses propres démons, de les accompagner en chemin.  Ce film jubilatoire, à la fois tendre et drôle, est d’abord remarquable par sa distribution : Shia LaBeouf, Dakota Johnson, John Hawkes, Thomas Haden Church, Bruce Dern. « Nous avons écrit ce film pour un ami trisomique, qui rêvait de jouer dans un long métrage », a ainsi expliqué le coréalisateur Michael Schwartz. Tyler, dont on découvre par bribes qu’il a tragiquement perdu son frère, trouve en Zack un frère de substitution et avec lui va renouer avec les plaisirs simples auxquels cette épopée en pleine nature les confronte. Une ode à l’amitié, la fraternité, la nature, comme pansements sur les âmes blessées. Un prix du public mérité pour ce film rempli de bons sentiments (au sens noble) et de bienveillance.

Également au palmarès, couronné du  prix du jury, une autre histoire d’hommes, beaucoup plus conflictuelle celle-ci, celle de « The Lighthouse » de Robert Eggers, « l’histoire hypnotique et hallucinatoire de deux gardiens de phare sur une île mystérieuse et reculée de la Nouvelle-Angleterre dans les années 1890 » nous dit ainsi le synopsis officiel. Là aussi, il s’agit d’un monde oppressant et âpre dont on ne peut s’échapper. Oppressante, l’expérience l’est aussi pour le spectateur qui a l’impression de sombrer peu à peu dans la folie avec les protagonistes de ce huis-clos incarnés par Willem Dafoe (en vieux marin irascible) et Robert Pattinson (son nouveau collègue qui semble dissimulé un lourd secret), isolés sur ce phare et dans ce format carré qui nous enserre et enterre avec eux dans cet enfer maritime. C’est sans doute la performance des deux acteurs et la forme qui ont séduit le jury, quoique le terme de séduction convienne mal à ce film qui ne cherche justement jamais à séduire mais plutôt à nous confronter, à heurter.  Entre « les Oiseaux » d’Hitchcock et « Nosferatu » de Murnau, le réalisateur rend un hommage appuyé au cinéma muet, au noir et blanc et à l’expressionisme jouant constamment avec les ombres et la lumière, les plongées et contre plongées et les gros plans très expressifs. Un voyage effroyable aux confins de la folie, aux frontières des légendes et des mythes, après lequel on retrouve la sérénité et la lueur du jour avec soulagement.

Dans « The Climb » de Michael Angelo Covino, l’autre prix du jury, il s’agit aussi de l’histoire de deux hommes. Cette fois, ce n’est pas un phare mais une amitié qui les enferme dans une relation singulière. Là aussi, l’originalité de la forme n’est certainement pas pour rien dans le prix obtenu par ce film. Dans ce premier film, Kyle et Mike sont deux meilleurs amis aux tempéraments très différents, cependant leur amitié a toujours résisté aux épreuves de la vie. Jusqu’au jour où Mike avoue à Kyle avoir eu une relation avec la femme que ce dernier s’apprête à épouser. « Presque un film de Claude Sautet » avait dit Bruno Barde en conférence de presse pour qualifier ce film, sans doute en référence à l’amitié au cœur de chefs-d’œuvre du cinéaste français comme « Vincent, François, Paul et les autres », néanmoins ici il s’agit d’une amitié plus toxique, de personnages plus pathétiques, une tragi-comédie cruelle sur deux amis qui ne se séparent jamais réellement. Les deux acteurs qui les incarnent ont coscénarisé le film dont le réalisateur Michael Angelo Covino. Le début de la première séquence qui nous laisse voir deux cyclistes deviser au loin en plein effort sur les routes escarpées françaises donne le ton. Après quelques boutades, l’un des deux avoue à l’autre avoir eu une relation avec sa future épouse (incarnée par Judith Godrèche). Le récit est divisé en 8 chapitres et autant de plans-séquence (d’où la prouesse technique) que séparent de judicieuses ellipses qui permettent de suivre la relation entre Kyle et Mike sur une quinzaine d’années. « The Climb» avait déjà été récompensé du prix de la mise en scène de la section Un Certain Regard à Cannes.

Ce film n’est pas sans rappeler le Grand prix de l’édition 2018, « Thunder road » de Jim Cummings qui était aussi l’œuvre d’un réalisateur auteur (avec fantaisie et énergie débordantes) qui incarnait le rôle principal, un personnage englué dans une quotidienneté étouffante. Tout commençait d’ailleurs là aussi par un sidérant plan-séquence de plus de dix minutes qui était au départ le sujet d’un court-métrage de Jim Cummings qui lui valut une récompense à Sundance en 2016. La caméra passe fugacement sur l’assemblée d’un enterrement avant de s’attarder sur le fils de la défunte vêtu de son uniforme de policier. Il commence alors un long monologue tandis qu’un lent travelling avant nous rapproche doucement comme pour mieux débusquer les fêlures de plus en plus apparentes au fur et à mesure que le discours fantasque se déroule. Et comme tout le reste du film, autant dans son montage que dans les réactions de son personnage, « Thunder road » nous embarque toujours là où on ne l’attend pas. Tenter de danser devant un cercueil, quelle belle et déchirante métaphore de l'existence, non ? Cette digression pour vous recommander à nouveau ce bouleversant et fantasque portrait d’un homme désorienté et, au-delà, d’une Amérique déboussolée de laquelle une évasion semble possible, ou en tout cas un lendemain plus joyeux comme nous le dit cette ultime scène et ce regard final dans lequel passe une multitude d’émotions.

Je regrette l’absence au palmarès de ce Festival de Deauville 2019 de « The wolf hour » d’Alistair Banks Griffin.New York. Juillet 1977.  Naomi Watts incarne June Leigh, une ancienne romancière à succès en panne d’inspiration, retranchée dans son appartement du Bronx. Alors qu’un tueur en séries sévit dans la ville et que de violentes émeutes et des pillages plongent la ville dans le chaos, June est harcelée par un mystérieux individu. A nouveau il est question d’enfermement, d’une femme prisonnière, cette fois de ses propres démons. A l’inverse de « Swallow » ce n’est pas sa famille mais elle-même qui l’enferme. Dans les deux cas pourtant un drame est à l’origine de cette pathologie, ici la paranoïa. Là où l’une « avalera » (des objets, ses émotions), l’autre devra au contraire retrouver le désir pour « recracher » ses émotions. Le film s’ouvre sur le regard de June et l’enferme comme elle le sera dans cet environnement, son appartement dans nous ne sortirons qu’à la fin, ne voyant le monde extérieur que par sa fenêtre ou par le truchement d’informations anxiogènes, cet extérieur qui ne semble représenter que menaces comme cette sonnerie intempestive de l’interphone. L’angoisse ne cessera de croître après ses rencontres avec un policier inquiétant et immoral, un jeune livreur dont on ne sait s’il représente une aide ou une menace, une amie réprobatrice… mais de l’une de ces rencontres naitra aussi le désir de reprendre le pouvoir sur son existence et sur ses mots (et ses maux). La menace est-elle existante ou le fruit du cerveau perturbé de June, menace qui semble exacerbée par cette chaleur suintante qui plonge même la ville dans le noir ?  Peu importe, « The wolf hour », grâce au jeu habité de Naomi Watts est palpitant de la première à la dernière seconde et est une habile réflexion sur le processus, douloureux et libératoire, de création.

« Skin » de Guy Nattiv était annoncé comme le film choc de cette compétition. C’est encore d’une autre forme d’enfermement que doit se sortir le protagoniste dont le corps porte les marques. Les marques d’un passé ultraviolent.  « Skin » relate l’histoire vraie d’un jeune homme désorienté, élevé par un groupe de skinheads suprémacistes blancs, qui décide de renoncer à toute haine et violence pour une nouvelle vie. Bien que soutenu par un activiste noir et la femme qu’il aime, trahir ceux qui lui ont tout donné, y compris la colère, le mènera dans une situation inextricable. Guy Nattiv avait reçu l’Oscar du court métrage pour un film s’intitulant déjà « Skin », sur un sujet similaire. Dans la peau du skinhead repenti, Jamie Bell, dans un rôle aux antipodes de Billy Eliott qui le fit connaître. Le film est dédié à la mémoire du grand-père du réalisateur, survivant des camps de concentration.  Ou quand les barbaries d’hier résonnent tristement avec celles d’aujourd’hui, avec la résurgence des groupes suprémacistes blancs et de groupuscules nazis. Dès les premiers plans, nous est montrée la douleur que suscite l’effacement des tatouages sur son corps, douleur à laquelle fait écho la douleur infligée aux populations que les skinheads persécutent. Il faut effacer ce passé. A tout prix. Le film  décortique en parallèle les mécanismes de la déshumanisation, puis de sa rédemption et de son retour à un visage humain (et à une humanité). Embrigadé dès son plus jeune âge dans un camp dirigé par un couple qui ne répond qu’aux noms de « Ma » et « Pa » il n’a eu d’autre perspective que cette violence dévastatrice, à l’image de l’adolescent isolé Gavin (Russell Posner), qui revit les mêmes étapes de ce terrible embrigadement quasiment sectaire. C’est par l’amour et en fondant sa propre famille qu’il trouvera la voie de la rédemption. Malgré la force du propos et de cette plongée presque documentaire au milieu des suprémacistes, dommage que cette rédemption nous apparaisse presque artificielle et trop soudaine, sans réelle explication (si ce n’est la rencontre amoureuse), un comble pour une histoire vraie dont le cinéaste s’est peut-être senti prisonnier, de crainte de la trahir.

LES PREMIERES

C’est par l’hommage à Pierce Brosnan et par la nouvelle pépite de Woody Allen, « Un jour de pluie à New York » qu’avait débuté ce 45ème Festival du Cinéma Américain de Deauville.

En 2016 avec, « Café Society » (également diffusé cette année à Deauville dans le cadre de l’hommage à Kristen Stewart), Woody Allen nous avait emmenés dans les années 30, et nous avait laissés à la joie factice du réveillon dans ce fameux café. Le film éponyme, empreint d’une féroce nostalgie, était ainsi une chronique acide sur Hollywood, son vain orgueil et sa superficialité, et un nouvel hommage à la beauté incendiaire de New York mais c’était aussi un hymne aux amours impossibles qui auréolent l’existence d’une lumineuse mélancolie. Ensuite avec « Wonder wheel » il nous avait transportés deux décennies plus tard dans un lieu d’évasion qui s’apparente aussi à une prison, Coney Island, parc d’attraction, péninsule située à l'extrême sud de Brooklyn au centre de laquelle trône une grande roue qui tourne irrémédiablement sur elle-même, métaphore des destinées des personnages de « Wonder Wheel » et surtout de celle de Ginny (Kate Winslet). Comme avec, Cate Banchett dans « Blue Jasmine », la réussite de ce film devait beaucoup à l’écriture de ce personnage féminin et à sa remarquable interprétation. Cate Blanchett était parvenue à nous faire aimer son personnage horripilant, snob, condescendant, inquiétant même parfois mais surtout très seul, perdu, et finalement touchant, comme l’est Ginny. Jasmine maquillait ses failles derrière un culte de l’apparence, Ginny par un culte du passé. Dans « Un jour de pluie à New York » c’est Elle Fanning qui crève l’écran dans ce nouveau film de Woody Allen dont la sortie américaine n’a pourtant jamais eu lieu. Mars Films a en revanche choisi de sortir ce film qu’il aurait été dommage de ne pas découvrir.  C’est l’histoire de deux étudiants, Gatsby et Ashleigh, qui envisagent de passer un week-end en amoureux à New York. Pas le New York de Coney island, non, plutôt le New York idyllique et mythique de « Manhattan ». Mais le projet tourne court, aussi vite que la pluie succède au beau temps. Bientôt séparés, les deux tourtereaux enchainent chacun de leur côté les rencontres fortuites et situations insolites. Comme d’habitude, ce nouveau Woody Allen débute par une brillante scène d’exposition qui nous présente les protagonistes : l’étudiant décalé, surdoué, romantique Gatsby Welles le bien nommé (Timothée Chalamet) – Gatsby pour le romantisme et la mélancolie, Welles peut-être pour le pouvoir de création - , sorte de double de Woody Allen, et sa petite amie, Ashleigh Enright (Elle Fanning), étudiante naïve, apprentie journaliste en cinéma, qui va interviewer le grand cinéaste Roland Pollard (Liev Schreiber) pour son journal universitaire sauf que ce dépressif va s’échapper et conduire Ashley à travers New York tandis que Gatsby l’attend pour leur virée romantique et déambule dans New York où il fera une rencontre qui modifiera le cours de son destin, celle de Chan (Selena Gomez). « Un jour de pluie à New York ». Un titre à la Claude Sautet, qui affectionnait tant les scènes de pluie pour rapprocher les êtres.  Une promenade romantique à New York, pleine de charme, avec des personnages « pittoresques » comme toujours remarquablement brossés. Oui, « Laissons la réalité à ceux qui n'ont rien d'autre ». Alors osons rêver nos vies comme nous y invite cette escapade mélancolique dans New York, teintée d'humour cinglant et de dialogues ciselés. Une promenade à l’image des personnages, pleine de charme (décidément, mais le charme est vraiment ce qui définit ce film qui vous envoûte et enlace progressivement de son voile de mélancolie), riche de scènes marquantes comme celle lors de laquelle la mère de Gatsby (Cherry Jones) part dans un monologue inattendu qui est un film en soi, dévoilant un autre visage de cette mère possessive, ou comme lorsque Gatsby se met au piano. Soudain, la magie opère. Un film empreint de nostalgie, étonnamment jeune aussi, qui nous donne envie de déambuler sous la pluie, d’observer la beauté captivante de la ville, de croire aux rencontres impromptues, bref à la magie du cinéma. Une fable savoureuse qui nous donne envie de croire à ce qui arrive « dans les films, pas dans la vraie vie ». 

Autre invitation au rêve avec « Music of my life » de Gurinder Chadha à qui l’on doit notamment le réjouissant « Joue-la comme Beckham ». 1987. Angleterre.  Javed, adolescent d’origine pakistanaise, grandit à Luton, une petite ville qui n’échappe pas à un difficile climat social. Il se réfugie dans l’écriture pour échapper au racisme et au destin que son père, très conservateur, imagine pour lui.  Mais sa vie va être bouleversée le jour où l’un de ses camarades lui fait découvrir l’univers de Bruce Springsteen. Il est frappé par les paroles des chansons qui décrivent exactement ce qu’il ressent. Javed va alors apprendre à comprendre sa famille et trouver sa propre voie. Un film porté par la musique du « Boss » et dont le sujet tourne en plus autour de celle-ci pouvait difficilement être mauvais. A l’image de ses musiques, la légèreté n’est qu’apparente et on évoque ici aussi bien le décalage culturel, la résistance et l’intégration qui donnent lieu à des situations savoureuses. Le film est d’abord et avant tout un hymne à la création. Javed écrit. Mais c’est cette rencontre avec l’œuvre de Springsteen qui va le porter et l’aider dans l’Angleterre nationaliste et raciste de Thatcher, gangrénée par le chômage. A la fois feel good movie et chronique sociale, cette adaptation du roman autobiographique « Greetings from Bury Park : Race, Religion and Rock’n’Roll » du journaliste britannique Sarfraz Manzoor raconte comment ce jeune homme d’origine pakistanaise mal dans sa peau va s’émanciper grâce à la musique et l’écriture. Il veut en effet devenir écrivain mais sa « famille est coincée dans une autre époque ». Cela va lui permettre de « bâtir un pont » vers ses « ambitions » parce que ce que raconte le Boss de sa vie dans le New Jersey fait écho à la vie de ce jeune homme d’origine pakistanaise dans une ville anglaise, Bruce est pour lui « le lien direct vers la vérité ». Les paroles, universelles, dépassent les frontières, et vont l’aider à affronter son père. Vous quitterez le film avec en tête les musiques de Bruce Springsteen, l’envie de chanter (certaines chansons sont joliment mises en scène sous forme de comédie musicale) et cette phrase : « Ecris un rêve Fais en sorte qu’il se réalise ». Tout un programme. Une bulle d’optimisme non dénuée de fond, voilà qui fait beaucoup de bien.

Parmi les premières marquantes de cette 45ème édition il y eut indéniablement « Waiting for the barbarians » de Ciro Guerra, une première précédée de l'hommage à Johnny Depp, l’occasion de revoir des extraits de films inoubliables : « Edward aux mains d’argent », « Arizona dream », « Gilbert grape », « Dead man », « Las Vegas parano », « Sleepy hollow » … « Waiting for the barbarians » pourrait s’ajouter à cette liste. Une fois de plus, Johnny Depp est là où on ne l’attend pas, dans un rôle antipathique au possible. Dans un désert sans nom à une époque incertaine, un magistrat (Mark Rylance) gère un fort qui marque la frontière de l’Empire. Le pouvoir central s’inquiète d’une invasion barbare et dépêche sur les lieux le colonel Joll (Johnny Depp), un tortionnaire de la pire espèce (qui nomme sa méthode « patience »). Parmi les hommes et les femmes ramenés au fort et torturés, une jeune fille blessée attire l’attention du magistrat qui finit par contester les méthodes employées par le colonel et prendre fait et causes pour les soi-disant barbares. « Waiting for the barbarians » est une passionnante réflexion sur les mécanismes de l'abus de pouvoir, l'oppression, une métaphore à petite échelle des totalitarismes qui traversent les lieux et les époques, qu'ils soient dans le cadre d'une entreprise (ou même d'un cercle plus restreint social ou familial) ou étatiques. Évidemment il était judicieux pour incarner « le mal » de choisir un acteur plutôt habitué à des rôles de héros pour montrer que la monstruosité peut avoir tous les visages, que le masque arboré n'est pas forcément celui du Rhinocéros comme dans la pièce éponyme de Ionesco. La monstruosité n’en est pas moins là.  Adaptée du roman éponyme de l’écrivain sud-africain J. M. Coetzee, lauréat du prix Nobel de littérature en 2003, cette fable terrifiante à l'image de la pièce de Ionesco précitée est un vibrant plaidoyer pour la résistance. Pour s’agrandir, l’Empire paranoïaque (voilà qui rappelle les thématiques de films précédemment évoqués) va vouloir soumettre les peuples nomades considérés comme barbares et va aussi transformer les foules en masses grégaires et haineuses.  Ce fort qui pourrait faire songer à ceux du Far west avec certains plans (notamment d’embrasures de portes) à la John Ford et l’intemporalité de l’histoire la rendent d’autant plus universelle, forte et terrifiante.

Johnny Depp a ainsi évoqué son personnage qui, à l'image de son interprète tout au long de la conférence de presse, porte en permanence des lunettes, manière sans doute de se préserver des regards inquisiteurs. et de garder « la communication profonde » pour ceux à qui il souhaite lui aussi montrer son vrai visage ». « La vraie communication, la communication profonde se fait à travers les yeux. Il a construit des murs vraiment très forts. Il est juste une armure, stratégie. Il ne sera jamais rien d'autre que ce qu'il est. Cela vient d'une enfance cassée. Il se sert de sa colère pour faire mal aux autres », a ainsi déclaré Johnny Depp à propos de son personnage. Notons la délicatesse de Mark Rylance qui a pris soin de poser des questions aux deux producteurs du film pendant la conférence de presse à défaut de questions posées à ces derniers par les journalistes. Qui mieux que cet acteur élégant pouvait incarner ce magistrat qui s'élève contre la barbarie ? Cette barbarie aux mille visages et qui prend parfois celui fallacieux de la bonté.

Mark Rylance a ainsi expliqué à propos de son personnage et la réaction de rejet que lui témoigne la jeune femme à qui il vient pourtant en aide : « nous victimisons les femmes chacun à notre manière. »  Dans l’absence de manichéisme de ce personnage (au contraire de celui de Depp qui est l’archétype du « méchant », archétype qui n’est pas ici un défaut mais une nécessité pour appuyer le propos) réside tout l’intérêt de ce film marquant d’une force et d’une originalité incontestables.

La plus longue standing ovation à Deauville cette année fut néanmoins celle à l’issue de la projection d’ « American skin » de Nate Parker. Produit par Spike Lee, ce film est de ceux de ce festival annoncés comme « défiant Trump » ou en tout cas l'Amérique de Trump, une Amérique enfermée dans des préjugés par définition étriqués, dans la peur et ses conséquences, l'oppression de l'autre. Lincoln est un ancien combattant de la Marine. Aujourd'hui, il travaille comme concierge au sein d'une école et tente d’améliorer ses relations avec son fils. Un jour, lors d'un contrôle de police de routine, le jeune garçon est tué. Cependant, l'officier coupable d'avoir tiré sur lui est déclaré innocent. Lincoln (incarné par Nate Parker lui-même) choisit alors de faire justice lui-même.  L'enfermement, l'aspiration à la liberté, à pouvoir être soi-même sans entraves était décidément le thème récurrent de cette édition. Là encore en effet il est question d’enfermement. D’enfermement dans une société de préjugés qui conduit à ce que certains hommes se sentent moins libres que d’autres. D’enfermement pour faire surgir la vérité. Paradoxalement, les multiples moyens de communication (sous leurs nombreuses formes) et de filmer et donc supposément de s'ouvrir à l'autre sont aussi omniprésents et servent aussi le style faux documentaire du film mais également à montrer que dans nos sociétés ultra connectées tout est filmé constamment sans pour autant permettre de faire éclater la vérité ou de s'ouvrir l'autre et de communiquer posément. Vérité glaçante. Cela permet bien sûr aussi d'impliquer le spectateur, de susciter son empathie. Le film fait d’ailleurs l’éloge du documentaire comme moyen d’éveil des consciences, limité d’ailleurs puisqu’il est ici au service de la vérité mais peut tout aussi bien la trahir et non la traduire. Prenant de la première seconde (début sur le vif lors d'un contrôle de police tragique) au dénouement (qui rappelle cette première scène comme si tout cela n'était qu'un cycle infernal, condamnant tout espoir d'un lendemain meilleur où chacun s'écouterait et se libérerait de la peur dictée par les préjugés), ce faux documentaire fourmille d'idées brillantes. Comme de s'inspirer de « 12 hommes en colère », le face à face auquel ce « procès » improvisé donne lieu n’est d’ailleurs pas sans rappeler certaines scènes des « Misérables » (Prix d’Ornano-Valenti de cette édition dont je vous parle plus bas) en ce que l’un et l’autre de ces deux films montrent que la violence, dictée par la peur, exacerbe les tensions. Comme encore ces quelques mots lapidaires au journal télévisé pour traduire et trahir la complexité d'un drame humain. Mots auxquels succèdent les louanges sur les performances d'un sportif noir énoncées par un présentateur guilleret. « Cachez ces crimes racistes que je ne saurais voir », semble nous dire Nate Parker du moment que l'apparence et les clichés soient saufs. Telle est l'Amérique de Trump. Résultat : un film poignant, bouleversant, un coup de poing et un coup au cœur. Un plaidoyer aussi convaincant que nécessaire qui a bouleversé les festivaliers.

Parmi les évènements de cette édition, il y eut également l’hommage à Geena Davis venue présenter « Tout peut changer, et si les femmes comptaient à Hollywood » de Tom Donahue. Tout peut changer est un documentaire qui révèle ce qui se cache derrière l'une des aberrations de l'industrie du cinéma américain : la sous-représentation des femmes à Hollywood. Le réalisateur Tom Donahue met en avant des décennies de discrimination à l'égard des femmes derrière et devant la caméra, grâce notamment à une méthode inédite d’étude des données chiffrées, avec, à l’appui, des centaines de témoignages accablants.  Plus important encore, le film cherche et propose des solutions qui vont au-delà de l'industrie du cinéma et bien au-delà des frontières américaines, à travers les témoignages de nombreuses voix d'Hollywood, dont Meryl Streep, Cate Blanchett, Natalie Portman, Reese Witherspoon,  Jessica Chastain, Chloë Grace Moretz ou encore, Geena Davis, également productrice exécutive du film ; pour mettre en exergue ce qui peut et doit changer. Dommage que le message soit noyé parmi une floppée de chiffres et d’énonciations didactiques, une manière d’infantiliser le spectateur (en surlignant bien certaines données au cas où il n’aurait pas compris), un ton vindicatif voire guerrier en totale contradiction avec le propos, et une dispersion des sujets qui méritaient pourtant d’être traités. Il était cependant intéressant de voir le rôle majeur occupé par les femmes au temps du muet et comment celles-ci ont peu à peu été évincées de l’industrie cinématographique ou encore comment ces dernières sont enfermées (encore l’enfermement) dans des personnages stéréotypés. L’intention était donc louable même si le résultat n’est pas à la hauteur de l’enjeu. Geena Davis, qui a fondé un institut d'études sur la représentation des femmes à l'écran, l'Institute of gender in media, démontre que la discrimination est toujours d’actualité pour les femmes, qu’elles se trouvent devant ou derrière la caméra, que ce soit dans la manière dont elles sont représentées sur l’écran ou traitées sur les tournages. Ainsi, « En Amérique, seuls 4% des films produits sont réalisés par des femmes » alors que ce « chiffre est de 24% en France. »

Finalement plus parlant, militant, efficace était le film « American Woman » de Jake Scott, projeté après la remise du Deauville Talent Award à Sienna Miller, sans aucun doute le rôle de sa carrière, « le plus beau rôle de ma carrière » a-t-elle d’ailleurs elle-même déclaré, suite logique de judicieux choix pour celle qui a notamment tourné pour Clint Eastwood dans « American sniper »,  James Gray dans « The lost city of Z » ou encore Bennett Miller dans « Foxcatcher ». Un rôle beaucoup plus nuancé que ce qu’il paraît être dans les premières minutes du film où elle incarne une sorte de caricature de bimbo frivole, mère aimante d’une fille mère, laquelle adolescente disparaît mystérieusement. Le tout dans une ville rurale de Pennsylvanie. Deb Callahan (Sienna Miller donc), est ainsi une mère de 31 ans qui travaille comme caissière dans un supermarché. Elle se retrouve alors seule à élever son petit-fils encore bébé. Elle va devoir affronter ses errements passés pour se construire une nouvelle vie d'adulte. Mais sa quête est remise en question le jour où la vérité sur la disparition de sa fille éclate. Philippe Augier, le maire de Deauville, a ainsi rendu l’hommage à l’actrice : « Les femmes sont beaucoup représentées dans le cinéma, particulièrement à Deauville cette année, et c’est notre volonté d’affirmer leur émancipation de tous les carcans qui leurs sont imposés, souvent par erreur, par méconnaissance, par incompréhension de la beauté du genre qu’elles incarnent. »  « American Woman » est un film remarquable en ce qu’il déjoue et démonte les clichés qu’il semble de prime abord mettre en scène. Il évite aussi tous les écueils. Plutôt que de dresser un portrait larmoyant d’une mère éplorée qui a perdu sa fille ou de s’axer sur l’enquête, il se concentre sur la reconstruction de cette femme qui passe par son émancipation. Au fur et à mesure que son visage se démaquille, elle devient elle-même, prend peu à peu son destin en main. Le film n’a rien du thriller contrairement à ce que pourraient laisser entendre son pitch et son affiche. Ou alors un thriller de l’intime, une enquête sur la profondeur d’un être en apparence superficiel.  Cette disparition est finalement le prétexte à dresser le portrait de cette femme dans la tourmente. « La parole s’est libérée et s’il y a un problème, on peut le signaler en moins de cinq minutes. Aujourd’hui, je n’accepterais pas certaines choses que j’ai pu accepter par le passé, et je me félicite de l’égalité salariale entre les hommes et les femmes », a ainsi déclaré Sienna Miller en conférence de presse.

Autre femme forte et de conviction, Jean Seberg incarnée par une autre femme forte et de conviction Kristen Stewart dans le film éponyme de Benedict Andrews qu’elle est venue présenter à l’occasion de l’hommage que lui a rendu le Festival de Deauville qui lui a décerné un Deauville Talent Award. Ce film qui oscille entre thriller, film politique et histoire d’amour est surtout là aussi un magnifique portrait de femme auquel Kristen Stewart apporte à la fois force, fragilité, et une palette d’expressions et d’émotions d’une rare diversité. Ce film, qui n’est pas un biopic mais inspiré de faits réels, relate une période de la vie de l’actrice emblématique de la Nouvelle Vague et d’« A bout de souffle », épouse de Romain Gary (Yvan Attal) et éclaire certaines ombres de sa vie (et mort). L’actrice américaine  vit à Paris et se rend à Los Angeles pour un tournage. Dans l’avion, elle rencontre Hakim Jamal, activiste américain défenseur de la cause noire (ou plutôt ce dernier semble s’être arrangé pour qu’ils s’y rencontrent). Ils vont commencer une relation secrète tandis que Jean soutient publiquement la cause de Jamal. Seberg devient alors un des sujets de la surveillance du FBI qui surveillait déjà les agissements de Jamal et de son entourage. Cette surveillance va peu à peu se transformer en véritable harcèlement et détruire la jeune femme. Tout aussi intéressant est le personnage d’un jeune membre du FBI qui commence à douter de ses méthodes. Le film commence par la scène du bûcher de « Sainte Jeanne » d’Otto Preminger au cours de laquelle l’actrice fut blessée. Comme une marque indélébile présageant les souffrances morales à venir. Jean Seberg va peu à peu sombrer dans la paranoïa.  Kristen Stewart prouve une nouvelle fois qu’elle peut tout jouer après notamment « Sils Maria » d’Olivier Assayas (c’est d’ailleurs ce dernier qui lui a rendu hommage avant de recevoir le lendemain le prix du 45ème festival pour "Cuban network", j’en profite pour vous recommander vivement ce film dans lequel Kristen Stewart est d’une justesse remarquable, un film sur l'étanchéité des frontières entre l'art et la vie, et l'implacable violence du temps qui passe) et « Café Society » de Woody Allen (elle est éblouissante dans ce film dans lequel en un instant son regard s’évade et se voile de tristesse), deux films dans lesquels elle incarnait des rôles très différents et dans lesquels elle excellait déjà. Avec ce rôle, elle donne une nouvelle fois raison à Olivier Assayas qui lui a rendu hommage par ces mots : « Kristen est une artiste qui possède ce don rare d’être à la fois hors du temps et d’incarner son époque au meilleur sens de ce terme. Son âme est dans ses films et elle donne aussi une âme à tout ce qu’elle approche. Si je suis si heureux de lui donner ce prix ce soir c’est parce que Kristen incarne spontanément, avec sincérité et pureté, ce que le cinéma peut susciter de meilleur, donnant chair à l’idée même d’indépendance et de liberté. Et que je lui suis infiniment reconnaissant de porter avec autant de courage ces valeurs, à la fois si fragiles et si précieuses, et de le faire non seulement pour elle mais pour chacun et pour chacune. » Le film « Seberg », passionnant et bouleversant est basé sur « des faits, et des documents du FBI ». Le destin tragique d’une actrice si lumineuse comme l’histoire du cinéma en connut tant. Et s’il se concentre sur la période de 1968 à 1971, difficile de ne pas établir de lien avec la résurgence du racisme aux Etats-Unis.

Enfin, j’ai délibérément choisi de terminer ce bilan du festival par deux films qui, chacun à leur manière, défendent des messages forts, l’un pour dresser le portrait d’un héros, l’autre pour nous raconter l’histoire de Misérables du 21ème siècle, empruntant pour cela à Victor Hugo certaines de ses figures emblématiques du chef-d’œuvre éponyme.

Il s’agit d’abord d’« Une vie cachée » de Terrence Malick, présenté en mai dernier en compétition dans le cadre du Festival de Cannes (8 ans après sa palme d’or pour « The tree of life ») et en Première à Deauville. Dans ce film inspiré de faits réels, Franz Jägerstätter, paysan autrichien, refuse de se battre aux côtés des nazis. Reconnu coupable de trahison par le régime hitlérien, il est passible de la peine capitale. Mais porté par sa foi inébranlable et son amour pour sa femme, Fani, et ses enfants, Franz reste un homme libre. Une vie cachée raconte l'histoire de ce héros qui vit dans le Tyrol autrichien, au milieu d’une nature que la caméra de Malick effleure et caresse délicatement, amoureusement, une nature idyllique où vivent Franz et sa famille.  C’est le parcours christique de cet homme follement courageux que nous raconte Malick, filmant ce parcours avec le lyrisme qui le caractérise par d’amples travellings et des contre-plongées inspirées. C’est fascinant, beau et envoûtant, comme un poème tragique, comme un éloge funèbre. Son lyrisme grandiloquent rend le plus vibrant et flamboyant des hommages à ce fiévreux résistant. Enfiévré de son amour pour sa femme, porté par leurs souvenirs communs. De sa foi. De son combat qu’il sait juste et que seuls dieu et son épouse semblent pouvoir comprendre et accompagner. Un film méditatif sidérant d’éclat, de force. Une symphonie visuelle captivante qui rend un hommage bouleversant à cet homme qui trouve la lumière en combattant l’obscurantisme et dont la fin à la fois tragique, poignante et sublime nous laisse KO. Je vous reparlerai de ce film qui mérite plus que ces quelques lignes.

Terminons ce bilan subjectif et sélectif du Festival de Deauville 2019 par un film dont la fin m’a également laissée KO : « Les Misérables » de Ladj Ly dont nous venons d’apprendre qu’il représentera la France dans la course aux Oscars. C’est en tant que lauréat du prix d’Ornano-Valenti (qui récompense chaque année un film français dans le but d'aider à sa promotion et son exportation) qu’il était présenté à Deauville, succédant aux « Chatouilles » et recevant le même accueil enthousiaste auprès du public du festival.  Stéphane, tout juste arrivé de Cherbourg, intègre la Brigade Anti-Criminalité de Montfermeil, dans le 93. Il va faire la rencontre de ses nouveaux coéquipiers, Chris et Gwada, deux « Bacqueux » d’expérience. Il découvre rapidement les tensions entre les différents groupes du quartier. Alors qu’ils se trouvent débordés lors d’une interpellation, un drone filme leurs moindres faits et gestes. Ladj Ly nous plonge d’emblée dans le quotidien de ces policiers, et suscite notre empathie en nous mettant à la place de la nouvelle recrue qui, comme nous, découvre cet univers dans lequel la tension est palpable, constante et la réalité complexe. Loin de tout manichéisme, Ladj Ly filme  en effet la réalité qu’il connait dans toute sa complexité, ses rouages, la perversité que cela engrange, obligeant la police à traiter avec les voyous pour solutionner certaines situations (ou parfois employant leurs méthodes, et franchissant allègrement la ligne rouge). La caméra à l’épaule nous donne la sensation d’être immergés dans cet enfer urbain dans lequel la corruption règne. Jamais le rythme ne faiblit. La tension est constante. Personne n’est idéalisé ou épargné et, dans leur intimité, les policiers apparaissent tout aussi misérables que ceux qu’ils poursuivent. Le titre qui se réfère à la ville de Montfermeil (où se situent des passages des « Misérables ») fait ainsi le lien et les réunit dans une même réalité après un début sur ce qui les réunit aussi, le drapeau, la coupe du monde. « Sans cohésion pas d’équipe et sans équipe on est seul », entend-on ainsi, ce qui s’applique alors à l’un et l’autre des deux « camps ».  Avec Laurent nous découvrons cet équilibre précaire qu’un rien pour conduire à s’embraser jusqu’au chaos final, un final explosif, un piège qui se referme inexorablement. L’enfermement, encore. Une scène couper le souffle. Un final terrible et d’une logique implacable après un crescendo éreintant. Un final après lequel il était apaisant de retrouver la douceur des planches, la mélancolie charmante de Deauville qui n’a rien à envier à celle de « Un jour de pluie à New York » dont la phrase me revient aujourd’hui encore comme un leitmotiv : « C’est la vraie vie. Laisse-la à ceux qui ne trouvent pas mieux » et me donne l’envie de m’installer à une terrasse sur les planches. D’y observer le film de la vie. Ou d’y relire « Gatsby le magnifique ». Alors, en attendant de me replonger dans les livres de Francis Scott Fitzgerald, un peu de Victor Hugo : 

Après cette édition 2019 qui a su allier glamour et exigence artistique, mythes et engagement (films, femmes et cinéastes engagés étaient à l'honneur cette année) et révéler de nouveaux talents, je vous donne rendez-vous en 2020 pour la 46ème édition du Festival du Cinéma Américain de Deauville qui aura lieu du 4 au 13 septembre et, en attendant, dès vendredi au Festival du Film Britannique de Dinard. 

Ci-dessous, quelques photos complémentaires de Deauville aux couleurs du Festival du Cinéma Américain.

Je suis l'auteure de toutes les vidéos et photos de cet article. Merci au photographe Dominique Saint pour les photos de tapis rouge à retrouver sur mon compte instagram @Sandra_Meziere. Merci au CID, au magazine Normandie Prestige 2019 (dans lequel vous pourrez notamment retrouver mon article bilan de l'édition 2018 du festival), et à la radio France Bleu Normandie pour l'interview rituelle en direct du festival. Je continue à vous parler de Deauville, en fiction cette fois, puisque, après mon recueil "Les illusions parallèles" (Editions du 38) qui comprend deux nouvelles se déroulant dans le cadre du festival, Short Edition vient de sortir cette semaine un recueil dans lequel figure une de mes nouvelles, lauréate d'un de leurs concours d'écriture dont l'intrigue se déroule à... Deauville.

« L'art du cinéma consiste à s'approcher de la vérité des hommes, et non pas à raconter des histoires de plus en plus surprenantes » disait Jean Renoir. Cette vérité, chaque année, les films de la compétition du Festival du Cinéma Américain de Deauville la débusquent avec passion. Assister à tous les films de la compétition se transforme souvent en un périple particulièrement instructif à travers l’Amérique contemporaine, au cœur de ses tourments et de ses aspirations, comme ce sera sans aucun doute à nouveau le cas cette année. S’il est soucieux de vérité, ce festival protéiforme n’oublie pas non plus le glamour de ses origines, et les histoires de plus en surprenantes évoquées par Renoir. Et, cette année plus que jamais, flamboyance et noirceur, glamour et actualité, engagement et festivités devraient savamment s’entrelacer au regard de l’enthousiasmant programme annoncé cette semaine. Voyez plutôt ce générique, éclectique et réjouissant : Kristen Stewart, Woody Allen, Sienna Miller, Geena Davis, Sophie Turner, Pierce Brosnan, Olivier Assayas, Catherine Deneuve, Anna Mouglalis, Terrence Malick, Gurinder Chadha.… à qui s'ajouteront les anciens présidents du jury  présents pour la plupart pour le 45ème anniversaire du festival (cf la prestigieuse liste en image ci-dessous). En effet, cette édition 2019 célèbre trois anniversaires : les 45 ans du festival, les 25 ans de la compétition (au début de laquelle j'avais eu le plaisir d'assister !), et les 10 ans de Deauville séries. C'est donc avec un plaisir intact et même renouvelé que j'assisterai au festival pour une énième fois (ce nombre indécent dépasse allègrement la vingtaine).

Ce festival a donc 45 ans. Déjà ! Mais "les plus belles années d'une vie" ne sont-elles pas celles qu'on n'a pas encore vécues pour paraphraser Claude Lelouch alors... en route pour Deauville 45 ! Et petite digression pour vous recommander le film éponyme de Lelouch (ma critique, ici), film si lumineux, tendrement drôle, émouvant, joyeusement nostalgique, gaiement mélancolique, optimiste, hymne à la vie, à l’amour, hommage au cinéma, sublimé par la beauté si lumineuse de Trintignant et Aimée... comme le domaine de l'orgueil (cadre de scènes du film), si bien nommée.

En ce jeudi 22 août, les abords du CID (où s’est déroulée la conférence de presse du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2019, salle dans laquelle aura également lieu le festival) arboraient déjà l’affiche de cette 45^ème édition et la nouvelle identité visuelle du festival colorait déjà joyeusement ses allées.   Etaient présents à la conférence : Carine Fouquier, la directrice du CID, Philippe Augier, le Maire de Deauville, Bruno Barde, le directeur du festival, et David Parré, le directeur général du resort Barrière Deauville Trouville (partenaire historique du festival).

 « Tous les talents présents à Deauville, esquisseront des vagues d’éternité qui chasseront le vague à l’âme de l’Amérique d’aujourd’hui » a ainsi déclaré Bruno Barde. A Deauville, tout a des accents d’éternité, non ? La lumière qui auréole les planches. Et ces dix jours dont on se plait à imaginer qu’ils ne finiront jamais, comme si, le temps de ce festival (qui pourtant est une "fenêtre ouverte sur" les malheurs du monde) ces derniers faisaient une pause. « Dreams are dreams » entendait-on ainsi dans « Café Society »  de Woody Allen comme une rengaine aux accents de regret. 

« La vie a toujours plus que d’imagination que nous » disait Truffaut dans « La nuit américaine »  en 1973. Et à Deauville, elle en a aussi plus qu’ailleurs, a fortiori ces dix jours de rentrée qui célèbrent le cinéma américain à Deauville depuis 1975, date de création du Festival du Cinéma Américain qui, à ses origines, mettait surtout en avant les grandes productions hollywoodiennes et les mythes du cinéma américain.

Comme l’a souligné le Maire de Deauville, Philippe Augier, lors de la conférence de presse du festival, « ce festival sait s'adapter aux grands changements de la filière cinématographique et à l'évolution de la société ». En effet, c’est la diversité du cinéma américain qui est aujourd’hui à l’honneur, notamment ses nouveaux talents dont ce festival est un découvreur indéniable, par le biais de sa compétition mais aussi de ses prix comme le Nouvel Hollywood, le Prix Fondation Louis Roederer de la Révélation ou le Grand Prix qui récompense le lauréat de la compétition. Le Festival de Deauville a intelligemment su se renouveler en tenant compte des nouveaux impératifs liés à la distribution et à la sortie des films, ceux-ci ne permettant plus que des films soient projetés en avant-première à Deauville des mois avant leur sortie.

Plus d'une soixantaine de films seront ainsi présentés au public sur trois sites : le Centre International de Deauville, le Casino Lucien Barrière de Deauville et le Cinéma le Morny et, comme chaque année, ils seront accessibles à tous, professionnels ou passionnés de cinéma. Les nostalgiques du temps où les mythes du cinéma américain foulaient le tapis rouge et les planches de Deauville pourront cette année revoir les « mythes et légendes qui n’existent plus » dans un montage quotidien de 2 minutes, grâce à un judicieux nouveau partenariat du festival avec l’INA.

Quelle bonne idée de débuter le festival avec un film de Woody Allen le vendredi 6 septembre, un film annoncé par Bruno Barde comme « un chassé-croisé amoureux qu'aurait pu écrire Marivaux », intitulé « Un jour de pluie à New York ». 

Un film de Woody Allen comporte des incontournables, ce qui rend ses films singuliers et jubilatoires. La virtuosité de ses scènes d’ouverture qui vous embarquent en quelques mots, notes et images, vous immergent d’emblée dans un univers et brossent des personnages avec une habileté époustouflante.  Des dialogues cinglants et réjouissants qui suscitent un rire teinté de désenchantement.  Des personnages brillamment dessinés parfois caractérisés d’une réplique. La musique dont, souvent, la tristesse sous-jacente à ses notes joyeuses fait écho à la joie trompeuse des personnages. Des pensées sur la vie, l’amour, la mort. Une mise en scène élégante. Dans son dernier film, « Wonder wheel », la caméra virtuose de Woody Allen tournoyait à l’image de cette société virevoltante dont les excès et les lumières étourdissent et masquent la vérité et les désillusions. C’est avec impatience que j’attends ce nouveau tour de manège woodyallenien !

« De nombreux films de ce Deauville 2019 défient Trump » a ainsi annoncé le directeur du festival lors de la conférence de presse. Les films en compétition sont en effet chaque année le reflet des Etats d’Amérique et surtout de l’état de l’Amérique.  De ses colères aussi. L’année 2018, celle de l’après #MeToo, si la noirceur était aussi au rendez-vous, le pouvoir était pris par les femmes. Deux titres des films de la compétition étaient ainsi des prénoms féminins (Nancy et Diane) et six d’entre eux avaient pour personnages principaux des protagonistes féminines. Des femmes souvent condamnées par l’existence, engluées ou même enfermées dans leur quotidien, leur passé, confrontées à la solitude, à la maladie, à la mort, aux traumatismes…et même enfermées au sens propre et condamnées à mort dans le douloureux « Dead women walking ». Des femmes fortes et combattives qui s’emparaient néanmoins de leurs destins. Les films s’achevaient ainsi souvent par un nouveau départ (au sens propre). En route vers un lendemain peut-être plus joyeux. Une note d’espoir malgré tout. « Une Amérique où règne le désenchantement et la mélancolie, où l'espoir est tenace », comme l’avait très bien résumé la regrettée présidente du jury de la critique, l’enthousiaste Danièle Heymann. Le jury de la critique, lors de la cérémonie du palmarès, avait d’ailleurs également tenu à saluer « la quasi-parité de la compétition avec 6 films de femmes. »

Cette année 2019, Bruno Barde a d’emblée annoncé un festival féminin, non seulement dans les thématiques des films présentés mais aussi dans le jury. Deux femmes les président, Catherine Deneuve et Anna Mouglalis. Catherine Deneuve, qui se fait rare, présidera ainsi le jury. Elle succède ainsi dans ce rôle à une autre actrice de grand talent, Sandrine Kiberlain. Voilà qui place cette édition 2019 du Festival du Cinéma Américain sous le signe de l'élégance, du prestige, du glamour, et du talent donc. Tant de chefs-d’œuvre figurent dans sa filmographie qu'il me serait impossible de choisir entre ceux-ci parmi lesquels "Les parapluies de Cherbourg", "Le Dernier Métro", "Le choix des armes", "Hôtel des Amériques", "Les Demoiselles de Rochefort", Belle de jour", "Fort Saganne", "Drôle d'endroit pour une rencontre", "Un conte de noël", "Indochine", "Elle s'en va"... Dans l’article à lire, ici, je vous propose plusieurs critiques de films avec cette dernière et notamment celle du film "Les yeux de sa mère" de Thierry Klifa avec, en bonus, mon récit du déjeuner presse avec l'équipe du film (dont Catherine Deneuve) lors de sa sortie. 

L’intégralité de la carrière de Catherine Deneuve lui sera remise sur support numérique, grâce au partenariat avec l’INA, lors de l’ouverture du festival le vendredi 6 septembre. Encore un évènement à ne pas manquer !

Anna Mouglalis, quant à elle, présidera le jury  du Prix Fondation Louis Roederer de la Révélation. Notons également que Anna Mouglalis est l'ambassadrice de la maison Chanel (nouveau partenaire officiel du festival) depuis de nombreuses années. Elle avait d’ailleurs interprété Coco Chanel dans « Coco Chanel & Igor Stravinsky » de Jan Kounen. 

Les femmes derrière la caméra seront aussi à l’honneur dans le cadre de ce Festival du Cinéma Américain de Deauville 2019 avec 11 films réalisés par des femmes dont 6 en compétition mais aussi dans les prix remis et hommages puisque le prix du Nouvel Hollywood sera remis à Sophie Turner et puisque Kristen Stewart, Geena Davis et Sienna Miller recevront un Deauville Talent Award.  

Femme engagée, Geena Davis a par ailleurs créé en 2004 l’association See Jane qui lutte contre les représentations sexistes dans l’audiovisuel et les médias américains. Elle présentera le documentaire « This Changes Everything », qu’elle a produit, un documentaire à retrouver dans la section des « Docs de l’oncle Sam », film sur les disparités de genre à Hollywood. Y interviennent Meryl Streep, Sharon Stone, Jessica Chastain, Natalie Portman et Cate Blanchett.

Kristen Stewart recevra elle aussi un Deauville Talent Award 2019. Une soirée hommage aura lieu le vendredi 13 septembre, suivie de la première française de « Seberg » de Benedict Andrews. Kristen Stewart fut ainsi la première Américaine à décrocher un César, celui de la meilleure actrice dans un second rôle, pour son interprétation dans un film français,  « Sils Maria » d’Olivier Assayas ( encore une petite digression pour vous le recommander si vous ne l’avez pas encore vu :  un grand film  très ancré dans son époque, sa violence médiatique, un film sur l'étanchéité des frontières entre l'art et la vie, et l'implacable violence du temps qui passe. Un film au charme vénéneux, un jeu de miroirs et de reflets mélancolique, envoûtant et brillant au propre comme au figuré. Et réellement fascinant. Ou quand la vie devient un art... Et une révélation : Kristen Stewart, d'une justesse remarquable.). A l’occasion de sa venue seront projetés « Seberg » le biopic de l’actrice et « JT LeRoy » (à confirmer, celui-ci, annoncé en conférence, n'étant pas encore sur le site officiel). Synopsis de « Seberg » de Benedict Andrews : « Dans les années 1960, Jean Seberg, comédienne principale d'À bout de souffle et icône de la Nouvelle Vague, fut l'une des victimes du programme de surveillance COINTELPRO, mis en place par le FBI. Son engagement politique et romantique avec l'activiste des droits civiques Hakim Jamal fit d'elle une cible idéale qui permit au FBI de lancer une campagne de dénigrement à son encontre afin de discréditer le mouvement de revendications du Black Power. Jack Solomon, un jeune et ambitieux agent affecté à sa surveillance, ne pensait pas alors mettre sa carrière en danger... ».

A l'occasion de l'hommage à Kristen Stewart seront projetés plusieurs films avec cette dernière dont les excellents "Café Society" et "Sils Maria" dont vous pouvez lire mes critiques, ici.

-Le Prix du Nouvel Hollywood sera cette année attribué à Sophie Turner. Succédant à Jessica Chastain, Ryan Gosling, Shailene Woodley, Paul Dano, Elle Fanning, Daniel Radcliffe, Elisabeth Olsen et Chloë Grace Moretz, Sophie Turner viendra recevoir le prix Nouvel Hollywood lors de cette 45ème édition du Festival. Celle qui est l’une des héroïnes de la série "Game of Thrones", diffusée en France sur OCS et en intégralité pendant le festival, est aussi l’héroïne d’un spin-off de la franchise X-Men. Elle viendra aussi à Deauville pour « Heavy » de Jouri Smit projeté le soir de la remise de son prix Nouvel Hollywood.

-Le 3 septembre 2019 a été annoncé un hommage supplémentaire, à Johnny Depp. Le comédien  viendra présenter avec Mark Rylance, le film WAITING FOR THE BARBARIANS de Ciro Guerra le dimanche 8 septembre. Un hommage lui sera rendu à cette occasion.

Soucieux de rassembler tous les publics et de célébrer les 10 ans de Deauville Saison, la section consacrée aux séries, le Festival du cinéma américain de Deauville offrira en effet sur grand écran un « marathon » de plus de 70 heures de l’intégralité des 8 saisons de la série Game of Thrones. Les 73 épisodes de la série multi récompensée seront diffusés à raison d’une saison par jour du samedi 7 au samedi 14 septembre 2019. Cette projection est aussi une « manière de montrer la suprématie du grand écran » a souligné le directeur du festival lors de la conférence de presse. Entrée libre dans la limite des places disponibles, au Cinéma Morny.  Du 7 au 14 septembre 2019.

L’an passé, le festival avait par ailleurs déjà choisi de mettre en avant le talent de quatre femmes qui, toutes, par leurs choix exigeants et leurs parcours, témoignent d’une audace et d’une liberté qui font la force du cinéma indépendant contemporain dans toute sa diversité et sous toutes ses formes : Kate Beckinsale (Deauville Talent Award), Elle Fanning (Nouvel Hollywood), Mélanie Laurent, et Shailene Woodley (Nouvel Hollywood). » Il y eut aussi Sarah Jessica Parker, si lumineuse avec son « énergie unique et transgressive » comme l’avait souligné le Maire de Deauville. Les femmes étaient aussi à l’honneur dans les documentaires. Les films en compétition mettaient en scène des citoyens qui couraient après la liberté, l’émancipation, le droit d’exister simplement sans être discriminé, bien loin de l’American dream. Les films primés étaient pourtant pour la plupart parsemés de notes de poésie et de fantaisie, s’achevant le plus souvent par un regard ou un départ, bref un espoir opiniâtre… Espérons que l’espoir sera aussi au rendez-vous dans les 60 films gardés par le festival parmi les 300 films vus, avec 16 premiers films dont 9 en compétition sur 14, 36 nouveaux films et 11 sans distributeur.

C'est aussi une femme qui recevra le prix littéraire Lucien Barrière cette année, l'écrivaine Rael DelBianco pour le roman "A sang perdu", le mercredi 11 septembre.

Deauville reste une vitrine de prestige pour le cinéma américain qui représente 45% de part du marché français. Ainsi, en 2018, 576 films ont été produits aux États-Unis dont 469 films indépendants.  Bruno Barde a rappelé qu’ « Il n'y a pas de festival sérieux sans volonté politique, une volonté de soutenir la création » dont témoigne incontestablement le programme de ce Festival du Cinéma Américain de Deauville 2019. Il a aussi rappelé la concurrence accrue notamment de Toronto et les crédos du festival :  « une politique d'élégance, de non vulgarité et de talent » déplorant que, aujourd’hui, « Les lois marketing prennent le pas sur les lois artistiques », ce qui explique l’absence de certains grands studios autrefois présents.

Carine Fouquier, la directrice du CID, a  aussi rappelé quelques chiffres liés au Festival de Deauville : 15 jours montage et démontage,  80 mètres de tapis rouge, 170 personnes pour l’organisation dont 57 personnes uniquement pour la technique, 60000 festivaliers, 1 pass jour qui donne accès à 10 films, 5 tonnes de déchet (tri selectif, gaspillage alimentaire limité à 1%).

Dans ce programme enthousiasmant, en plus des éléments annoncés ci-dessus, nous pouvons aussi noter :

-l’hommage à un habitué des planches, Pierce Brosnan déjà venu 3 fois (dont la venue a été confirmée dans la nuit qui précèdait la conférence de presse),

- « Wasp » Network d'Olivier Assayas  projeté en clôture du festival. Ce dernier viendra recevoir le samedi 14 septembre le Prix du 45ème Festival du Cinéma Américain de Deauville succédant à Jacques Audiard qui avait reçu le prix du 44^ème festival pour « Les frères Sisters », conte à la fois cruel et doux dont le dénouement est ainsi aussi paisible que le début du film était brutal. Comme la plupart des films de cette sélection 2018, il s’achevait sur une note d’espoir. L’espoir d’une Amérique qui ouvre enfin les yeux, se montre apaisée et fraternelle. Si les frères Sisters, ces tueurs à gages sans états d’âme ont changé, qui ne le pourrait pas ? Tout est possible…Ajoutez à cela la photographie sublime de Benoît Debie, la musique d’Alexandre Desplat et vous obtiendrez un western à la fois sombre et flamboyant. Et d’une originalité incontestable. Mais revenons au prix du 45^ème Festival.

 « Il y a chez Olivier Assayas le plaisir du cinéma, du filmage et de sa ponctuation que l’on sent à chaque plan, chaque séquence et chaque scène. Une hélice d’avion, un vol, une perspective, un baiser, un travelling. Olivier applique parfaitement l’adage de Truffaut : un bon film est un film qui a un point de vue sur le monde et un point de vue sur le cinéma. Les deux sont respectés par le cinéaste. Dans la tradition des thrillers politiques, le montage rythme ici l’intrigue et devient vraiment partie prenante de la mise en scène comme un récit à la John Le Carré », déclare le Directeur du Festival Bruno Barde. Ce nouveau film tourné entre la Floride et Cuba, distribué prochainement en France par Memento Films est basé sur des faits réels survenus durant les dernières années de la guerre froide, Wasp Network offre un contrechamp aussi original qu’efficace à l’histoire américaine des liens entre Cuba et les Etats-Unis.
 Synopsis : « Début 1990. Un groupe de Cubains installés à Miami met en place un réseau d'espionnage. Leur mission : infiltrer les groupuscules anticastristes responsables d'attentats sur l'île. »

-un événement qui fera parler et ravira les habitués du festival pour célébrer ses 45 ans : « un hommage très particulier à l'intelligence des jurés qui ont permis de découvrir de nouveaux talents, invités à revenir pour ce 45ème anniversaire. Le festival leur a donc demandé d'être là, le premier samedi. » Le « gratin du cinéma français » selon Bruno Barde sera alors présent sur scène. (cf photo au début de l'article) La liste est en effet impressionnante, l’occasion aussi peut-être de retrouver à Deauville le « président à vie » du festival, Vincent Lindon dont chaque passage sur scène a tant enthousiasmé les festivaliers.

-Grand moment annoncé aussi avec la projection en Première du dernier film de Terrence Malick (en compétition dans le cadre du dernier Festival de Cannes), « Une vie cachée » qualifié par Bruno Barde de « chef-d’œuvre »,

-Parmi les films à ne pas manquer, en compétition, « The Climb » de Michael Angelo Covino, prix coup de cœur du Jury Un certain regard au dernier Festival de Cannes.  « The climb » est  "une comédie aux accents de Claude Sautet" selon Bruno Barde, voilà qui suscite d’autant plus mon intérêt... Synopsis : « Kyle et Mike sont deux meilleurs amis aux tempéraments très différents mais dont l'amitié a toujours résisté aux épreuves de la vie. Jusqu'au jour où Mike couche avec la fiancée de Kyle... Alors que l'amitié qui les lie aurait dû être irrémédiablement rompue, un événement dramatique va les réunir à nouveau. »

-La projection du prix d’Ornano-Valenti est toujours un grand moment. Souvenons-nous de la standing ovation à la fin des « Chatouilles » l’an passé. Vainqueur du prix du jury à Cannes, « Les Misérables » de Ladj Ly recevra cette année le prix Ornano-Valenti qui récompense un premier film français.

-Le lundi sera projeté « Un film très engagé sur la condition de la communauté noire aujourd'hui qui ne s'arrange pas avec le gouvernement d'aujourd'hui aux USA », « sorte de 12 hommes en colère dans un commissariat » selon Bruno Barde. Voilà qui est prometteur !

-Autre nouveauté cette année : des films seront projetés en copies restaurées dans la section « American heritage », une « nouvelle section qui continue le travail commencé avec les nuits américaines. » Au programme 6 films :

- « Angel heart » de Alan Parker (1987)

- « Hal Hartley – The long island trilogy » de Hal Hartley, en sa présence :

 « L’incroyable vérité » (1989)

« Trust me » (1990)

« Simple men » (1992)

- « Miracle en Alabama » de Arthur Penn (1962)

- « Rambo – first blood » de Ted Kotcheff (1982)

- En compétition, cette année comme ce fut souvent le cas dans cette section, les films mettront souvent des adolescents en scène. C’est le cas de : « Bull » de Annie Silverstein, « Ham on rye » de Tyler Taormina, « Knives and skin» de Jennifer Reeder, « Mickey and the bear » de Annabelle Attanasio, « Share » de Pippa Bianco. Un film nous transportera même au 17^ème siècle, « Judy and Punch » de Mirrah Foulkes.

On suivra aussi avec attention « Skin » de Guy Nattiv. Synopsis : « Un jeune homme désorienté, élevé par un groupe de skinheads suprémacistes blancs dont il est un illustre membre, décide de renoncer à toute haine et violence pour une nouvelle vie. Bien que soutenu par un activiste noir et la femme qu'il aime, trahir ceux qui lui ont tout donné, y compris la colère, le mènera dans une situation inextricable. Ou encore « Swallow » de Carlo Mirabella-davis : « Hunter semble mener une vie parfaite aux côtés de Richie, son mari qui vient de reprendre la direction de l'entreprise familiale. Mais dès lors qu'elle tombe enceinte, elle développe un trouble compulsif du comportement alimentaire, le Pica, caractérisé par l'ingestion d'objets dangereux. »

A ne pas manquer également « The Lighthouse » de Robert Eggers, « l'histoire hypnotique et hallucinatoire de deux gardiens de phare sur une île mystérieuse et reculée de Nouvelle-Angleterre dans les années 1890 », avec Robert Pattinson et Willem Dafoe, qui était présenté à la Quinzaine des Réalisateurs. 

Nous suivrons également avec attention « The Peanut Butter Falcon » de Tyler Nilson, Michael Schwartz. Synopsis : « Zak, un jeune homme atteint de trisomie, s'enfuit de son foyer pour réaliser enfin son rêve : rejoindre l'école de catch de Salt-Water Redneck, une vieille gloire de ce sport, et devenir catcheur professionnel. Il rencontre Tyler, une petite frappe en cavale, qui va devenir son improbable coach et compagnon de route. Ils vont remonter ensemble les rivières, échapper à leur poursuivant, boire du whisky, rencontrer Dieu, attraper du poisson et convaincre Eleanor, une aide-soignante dévouée trimbalant ses propres démons, de les accompagner en chemin. »

« The Wolf Hour » de Alistair Banks Griffin présente aussi un synopsis intrigant : « Juillet 1977. New York. June Leigh, ancienne romancière à succès en panne d'inspiration, est retranchée dans son appartement du Bronx. Alors que de violentes émeutes et pillages plongent la ville dans le chaos, June est harcelée par un mystérieux individu... »

« Watch List » de Ben Rekhi sera également à suivre avec attention : « Contrainte d'élever seule ses trois enfants après le meurtre de son mari dans des circonstances mystérieuses, Maria plonge dans le monde interlope de Manille pour mener l'enquête, mais réalise qu'elle va devoir se confronter à sa propre noirceur pour permettre à sa famille d'être à l'abri. »

Parmi les PREMIERES, nous ne manquerons pas :

- « Une vie cachée » de Terrence Malick :  « Franz Jägerstätter, paysan autrichien, refuse de se battre aux côtés des nazis. Reconnu coupable de trahison par le régime hitlérien, il est passible de la peine capitale. Mais porté par sa foi inébranlable et son amour pour sa femme et ses enfants, Franz reste un homme libre. »

- « Waiting for the Barbarians » de Ciro Guerra avec pour intérprètes Gana Bayarsaikhan , David Dencik , Johnny Depp , Joseph Long , Robert Pattinson , Sam Reid , Mark Rylance , Greta Scacchi (projection le dimanche 8). Synopsis : « Dans un désert sans nom à une époque incertaine, un magistrat gère un fort qui marque la frontière de l'Empire. Le pouvoir central s'inquiète d'une invasion barbare et dépêche sur les lieux le colonel Joll, un tortionnaire de la pire espèce. Parmi les hommes et les femmes ramenés au fort et torturés, une jeune fille blessée attire l'attention du magistrat qui finit par contester les méthodes employées et prendre fait et causes pour les soi-disant barbares. »

- « Angry Birds : Copains comme cochons » de Thurop Van Orman

- « Charlie Says » de Mary Harron. Synopsis : « Une jeune diplômée est envoyée dans un pénitencier de Californie pour donner des cours à trois jeunes femmes complices des crimes de Charles Manson. Initialement condamnées à la peine de mort, leur peine est finalement commuée en peine de réclusion à perpétuité. La jeune femme devient alors le témoin des transformations personnelles des trois prisonnières qui prennent peu à peu conscience de la réalité de leurs crimes atroces. »

- « Music of My Life » de Gurinder Chadha. Synopsis : « 1987, Angleterre. Javed, adolescent d'origine pakistanaise, grandit à Luton, une petite ville qui n'échappe pas à un difficile climat social. Il se réfugie dans l'écriture pour échapper au racisme et au destin que son père, très conservateur, imagine pour lui.  Mais sa vie va être bouleversée le jour où l'un de ses camarades lui fait découvrir l'univers de Bruce Springsteen. Il est frappé par les paroles des chansons qui décrivent exactement ce qu'il ressent. Javed va alors apprendre à comprendre sa famille et trouver sa propre voie… ».

DEAUVILLE TALENT AWARD

Sienna Miller présentera « American Woman » de Jake Scott. Synopsis : « Une jeune adolescente disparaît mystérieusement dans une ville rurale de Pennsylvanie. Deb Callahan, sa mère de 31 ans qui travaille comme caissière dans un supermarché, se retrouve alors seule à élever son petit-fils encore bébé. Elle va devoir affronter ses errements passés pour se construire une nouvelle vie d'adulte. Mais sa quête est remise en question le jour où la vérité sur la disparition de sa fille éclate… »

PRIX DU NOUVEL HOLLYWOOD

Sophie Turner présentera « Heavy », un thriller  et sera à l’affiche de l’intégrale de Game of Thrones. 
Prix du Nouvel Hollywood remis à Sophie Turner le premier vendredi du festival.

"Heavy"  de Jouri Smit. Synopsis :  « Seven est un dealer mondain qui partage son temps entre ses clients de confiance et les soirées folles où s'amusent top-models et consommateurs de drogue. Il partage cette vie idyllique avec Maddie, le yin de son yang et son âme sœur. Jusqu'au jour où un ami d'enfance avec lequel il n'avait plus de contact refait surface et lui demande de l'aide. Au mépris du bon sens, Seven accepte en souvenir du bon vieux temps, ignorant qu'il va s'enfoncer dans une spirale infernale où personne ne sera épargné mais où tout le monde sera à blâmer. »

Petite sélection parmi les DOCS DE L’ONCLE SAM  section qui, toujours, nous réserve des pépites :

« Apollo 11 » de Todd Douglas Miller  (le dimanche 8) :

« Réalisé à partir d'images 70 mm inédites récemment découvertes et plus de 11 000 heures d'enregistrements audio, ce film documentaire plonge au cœur de la plus célèbre mission de la NASA et des premiers pas de l'Homme sur la Lune. Ce voyage en immersion aux côtés des astronautes et du centre de contrôle de la mission permet de vivre au plus près ces inoubliables journées et heures de 1969 lorsque l'humanité fit un grand bond en avant vers le futur. »

-« 5B » de Paul Haggis  et Dan Krauss : « L'histoire de héros du quotidien, des infirmières et des membres du personnel soignant qui ont pris des mesures exceptionnelles pour réconforter, protéger et apporter des soins aux patients du premier service hospitalier consacré aux malades du sida aux États-Unis. L'histoire du service 5B est racontée avec émotion par ces infirmières et ces soignants qui l'ont bâti en 1983 au sein du San Francisco General Hospital, mais aussi par les patients, leurs proches et tous ceux qui se sont portés volontaires. Paul Haggis écrit le scénario de deux films récompensés par l'Oscar du meilleur film deux années de suite : Million Dollar Baby de Clint Eastwood (2004) et Crash (2005), qu'il a lui-même réalisé. En 2007, il écrit, produit et réalise Dans la vallée d'Elah, puis Les trois prochains jours (2008)."

- « Miles Davis: Birth of the Cool » de Stanley Nelson : « La vie et la carrière de l'immense musicien et icône culturelle Miles Davis, un compositeur visionnaire et innovateur qui défia toute catégorisation et incarna à lui seul le « cool ». Le fil conducteur de son existence a toujours été sa détermination sans failles à casser les codes, à se renouveler continuellement et à vivre intensément sa vie comme il le souhaitait. Il est devenu un monument de la musique au fil des années, mais aussi un artiste versatile avec qui il était difficile de vivre au quotidien, surtout pour ceux qui l'ont aimé le plus. »

-« This Changes Everything » de Tom Donahue : « Ce documentaire révèle ce qui se cache derrière l'une des aberrations de l'industrie américaine du divertissement : la sous-représentation et la fausse représentation des femmes. Soutenu par des centaines d'histoires et de données accablantes, le film met en avant des décennies de discrimination à l'égard des femmes à Hollywood, derrière et devant la caméra. Plus important encore, il cherche et propose des solutions qui vont au-delà de l'industrie du cinéma et bien au-delà des frontières américaines. »

-« Tout est possible » de John Chester :  « Le réalisateur John Chester et sa femme Molly décident de quitter Los Angeles pour transformer un terrain aride et usé en une ferme éco-responsable unique, à l'écosystème florissant et autorégulé : un défi qui présente beaucoup d'obstacles. Ce long, mais fascinant, processus pour vivre en harmonie avec la nature sera parsemé de réussites, mais également de rudes épreuves à traverser. Une ode à l'immense complexité de la nature et au cycle de la vie. »

PRIX D’ORNANO VALENTI

« Les Misérables » de Ladj Ly :  « Stéphane, tout juste arrivé de Cherbourg, intègre la Brigade anti-criminalité de Montfermeil, dans le 93. Il va faire la rencontre de ses nouveaux coéquipiers, Chris et Gwada, deux « bacqueux » d'expérience, et découvrir rapidement les tensions entre les différents groupes du quartier. Alors qu'ils se trouvent débordés lors d'une interpellation, un drone filme leurs moindres faits et gestes… ».

LES JURYS EN IMAGES (source : Le Public Système Cinéma)

- Remarque : Chanel sera partenaire du festival pour la première fois cette année, preuve que le glamour et le chic seront plus que jamais au rendez-vous. Il n'y a rien de surprenant néanmoins à ce que Chanel soit partenaire de ce festival, les liens entre Chanel et Deauville mais aussi Chanel et le cinéma étant particulièrement étroits. C'est en effet à Deauville que Gabrielle Chanel ouvrit sa première boutique en 1913 (sous l'hôtel Normandy où figure d'ailleurs une plaque en sa mémoire). Et, l'an passé, un parfum nommé Paris-Deauville a été mis en vente par la marque, vente associée à une très élégante campagne de communication orchestrée par Chanel. Retrouvez mon article à ce sujet, ici.

-David Parré, directeur général du resort Barrière de Deauville, également présent à la conférence, de son côté a annoncé que cette année le Club 13 (ancien Regine’s) serait le « lieu incontournable after tapis rouge ». Par ailleurs, tous les clients du resort Barrière pourront suivre les cérémonies du festival sur la chaine 45, nouvellement créée pour l’évènement. Il a également annoncé des expositions au Normandy, au Casino, à l’hôtel Royal et des dîners d’ouverture et de clôture plus festifs et dynamiques.

Je vous rappelle que, comme chaque année, et pour la 10ème année consécutive, en partenariat avec le CID (Centre International de Deauville, salle dans laquelle se déroule le Festival du Cinéma Américain), j’ai le plaisir de mettre en jeu 36 pass (valeur unitaire : 35 euros) pour cette 45ème édition du festival.  Le concours est à retrouver ici et vous pouvez participer jusqu'au 28 août à minuit et gagner de 1 à 9 pass par personne.

Si vous hésitez encore à venir, retrouvez mon compte rendu de l’édition 2018, ici, et mon article bilan dans le magazine Normandie Prestige 2019 ou encore mes articles quotidiens publiés l’an passé pendant le festival dans le quotidien Paris-Normandie. Dans ces différents articles, vous trouverez quelques réponses aux questions du concours qui vous permet de remporter vos pass.

(Pour lire mon article complet sur le Festival du Cinéma Américain de Deauville 2018 dans Normandie Prestige, retrouvez le magazine, présent dans tous les hôtels de Deauville).

Enfin, cette année pour la première fois, 9 films présentés en Compétition au Festival du cinéma américain de Deauville seront repris les samedi 21 et dimanche 22 septembre au Beau Regard. Le Beau Regard est un nouveau concept hybride situé Place Saint-Germain-des-Prés, union d’un restaurant, d’un cinéma de 208 places et bientôt d’un bar de nuit.  Programme : Samedi 21 septembre à 13h30 : MICKEY AND THE BEAR d’Annabelle Attanasio Samedi 21 septembre à 15h30 : WATCH LIST de Ben Rekhi Samedi 21 septembre à 17h30 : THE PEANUT BUTTER FALCON de Tyler Nilson et Michael Schwartz Samedi 21 septembre à 19h30 : SWALLOW de Carlo Mirabella-Davis Samedi 21 septembre à 21h30 : JUDY AND PUNCH de Mirrah Foulkes Dimanche 22 septembre à 13h45 : HAM ON RYE de Tyler Taormina Dimanche 22 septembre à 15h30 : SKIN de Guy Nattiv Dimanche 22 septembre à 18h : THE LIGHTHOUSE de Robert Eggers Dimanche 22 septembre à 20h15 : KNIVES AND SKIN de Jennifer Reeder  / Beau Regard Place Saint-Germain-des-Prés 75006 Paris

La 44ème édition du festival fut riche d’instants magiques à commencer par l’inoubliable concert de Renaud Capuçon. Il y eut aussi le discours lyrique et inspiré en hommage à Morgan Freeman prononcé par Vincent Lindon, les standing ovations à la fin de certaines projections (Puzzle, Les Chatouilles…), la remise du prix du 44ème Festival aux Frères Sisters de Jacques Audiard et une clôture qui s’est achevée dans la bonne humeur comme celle qui a régné pendant ces dix jours sans un soleil irréel et étincelant. Riche d’instants magiques, à lire ce programme, cette 45^ème édition le sera certainement aussi. Dreams are dreams…

Pour préparer au mieux votre séjour, rendez-vous dans la rubrique « Bonnes adresses » de mon blog consacré à Deauville, Inthemoodfordeauville.com. Vous en trouverez aussi sur mon blog Inthemoodforhotelsdeluxe.com.

RECAPITULATIF DU PROGRAMME

Compétition 2019

Bull  de Annie Silverstein

Ham on Rye  de Tyler Taormina

Judy and Punch de Mirrah Foulkes

 Knives and Skin de Jennifer Reeder

 Mickey and the Bear de Annabelle Attanasio

 Port Authority de Danielle Lessovitz  

Share de Pippa Bianco

 Skin de Guy Nattiv

 Swallow de Carlo Mirabella-davis

 The Climb de Michael Angelo Covino

 The Lighthouse de Robert Eggers

 The Peanut Butter Falcon de Tyler Nilson  | Michael Schwartz

 The Wolf Hour de Alistair Banks Griffin

 Watch List de Ben Rekhi

Premières 2019

American Woman  de Jake Scott

 Angry Birds : Copains comme...  de Thurop Van Orman

 Charlie Says  de Mary Harron

 Greener Grass  de Jocelyn Deboer  | Dawn Luebbe

 Heavy  de Jouri Smit

 Music of My Life  de Gurinder Chadha

 Seberg de Benedict Andrews

 Terre Maudite de Emma Tammi

 The Hummingbird Project  de Kim Nguyen

 Un jour de pluie à New York de Woody Allen

 Une vie cachée de Terrence Malick

 Waiting for the Barbarians de Ciro Guerra

 Wasp Network de Olivier Assayas

Les Docs de l'Oncle Sam 2019

 5B de Paul Haggis  | Dan Krauss

 Apollo 11 de Todd Douglas Miller

 Making Waves: The Art of... de Midge Costin

 Memory – The Origins of... de Alexandre O. Philippe

 Miles Davis: Birth of the... de Stanley Nelson

 This Changes Everything de Tom Donahue  

Tout est possible de John Chester

Deauville Saison 10 | Game of Thrones

NOUVEL HOLLYWOOD 2019

Sophie Turner

DEAUVILLE TALENT AWARD

 Pierce BROSNAN

Comédien & producteur

DEAUVILLE TALENT AWARD 2019

Geena DAVIS

Comédienne & productrice

DEAUVILLE TALENT AWARDS 2019

Sienna MILLER

Comédienne

DEAUVILLE TALENT AWARDS 2019

2018 | American Woman

 Kristen STEWART

Comédienne

DEAUVILLE TALENT AWARD 2019

2019| Seberg  

Je vous donne rendez-vous chaque jour à Deauville  dès le 6 septembre et le 15 septembre pour la cérémonie du palmarès en direct et pour savoir quel film succèdera à "Thunder road" de Jim Cummings, grand lauréat de l'édition 2018 .

Suivez-moi en direct sur les réseaux sociaux :

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Sur mes blogs Inthemoodforcinema.com et Inthemoodfordeauville.com, vous pourrez retrouver le programme au fur et à mesure des annonces et bien sûr un compte rendu détaillé du festival.

Et si vous voulez réserver dès maintenant votre pass au CID, vous le pouvez bien sûr également, ici.

 Enfin, je remercie le CID pour ce partenariat renouvelé, et une pensée émue et toute particulière pour Caroline Kuntz de la Librairie "Jusqu'aux lueurs de l'aube" de Deauville disparue en juin dernier...