L’existence de Benjamin Button (Brad Pitt) débute à la Nouvelle Orléans à l’âge auquel elle s’achève pour certains : à 80 ans. Il nait avec le corps d’un vieillard rabougri et il rajeunit progressivement sans que rien ne puisse arrêter l’impitoyable course du temps. Sa mère meurt en lui donnant la vie. Son père (Jason Flemyng), effrayé par cet être étrange, le dépose sur les marches d’une maison de retraite (ce n’est évidemment pas anodin) où il sera recueilli par la charmante Queenie (Taraji P.Henson), il grandira au contact des autres pensionnaires.

 Son histoire est lue dans une chambre d’hôpital par une fille (Julia Ormond) à sa mère Daisy (Cate Blanchett), une vieille dame à l’agonie qui possède le journal intime de Benjamin. Cette vieille dame est la femme dont Benjamin est tombé amoureux dès qu’il l’a vue, alors qu’elle n’était qu’une petite fille, la petite fille d’une des pensionnaires de la maison de retraite.

Tandis qu’à l’extérieur de l’hôpital l’ouragan Katrina gronde, la lecture déroule le cours de cette étrange vie à rebours, de 1918 à nos jours…

Adaptée d’une nouvelle de Scott Fitzgerald écrite en 1922, « L’étrange histoire de Benjamin Button »  (elle-même inspirée d’une pensée de Mark Twain : «  La vie serait bien plus heureuse si nous naissions à 80 ans et nous approchions graduellement de nos 18 ans ») est avant tout une idée prodigieuse, une métaphore magistrale sur la course-évidemment perdue d'avance- contre le temps, contre la mort, une brillante allégorie sur l’effroyable écoulement de temps. En cela, la très alléchante bande-annonce est à la fois fidèle et trompeuse. Fidèle en ce qu’elle reflète le sujet du film. Trompeuse en ce qu’elle n’en reflète que partiellement l’atmosphère, violemment mélancolique.

Plus que quiconque, Benjamin se sait condamné par l’inéluctable compte à rebours mais aussi condamné à profiter intensément de chaque instant. Son existence est jalonnée de rencontres insolites, touchantes, marquantes (parmi lesquelles celle avec le troublant personnage  incarné par la talentueuse Tilda Swinton) inéluctablement tragiques car prisonnières de l’emprise du temps.

Le film aurait pu être outrancièrement mélodramatique mais l’écueil est brillamment évité : toutes les morts surviennent hors-champ. Benjamin grandit et rajeunit pourtant entouré par la mort comme si un autre cyclone balayait son entourage. David Fincher n’a pas réalisé de ces films caricaturalement hollywoodiens qui usent et abusent du gros plan suréclairé et de la musique à outrance.  Le film est essentiellement en clair-obscur, la musique, judicieuse, d’Alexandre Desplat souligne sans surligner et laisse le plus souvent place au tic-tac récurrent, obsédant, omniprésent, terrifiant de l’horloge, symbole de ce temps que rien ne peut arrêter, même une horloge qui fonctionne à rebours, métaphore qui résonne d’autant plus dans une industrie hollywoodienne où rien ne semble arrêter la course effrénée et souvent ridicule au jeunisme.

Malgré son sujet qui relève du conte (finalement plus philosophique que fantastique) costumes, décors, époques savamment reconstituées, tout concourt au réalisme (option finalement aussi courageuse que judicieuse), de même que les réactions ou plutôt la relative absence de réactions à la particularité de Benjamin contre laquelle personne, pas même lui-même, ne cherche à lutter. En cela, c’est un hymne à la différence, de surcroît parce que Queenie qui l’adopte, est une jeune femme noire qui adopte donc un enfant blanc né dans des circonstances très étranges, à une époque où le racisme régnait.

« L’étrange histoire de Benjamin Button » est aussi et avant tout une magnifique histoire d’amour entre Benjamin et Daisy, une histoire qui défie les apparences, la raison, le temps et même la mort. L’histoire de deux destins qui se croisent, que les fils, tortueux, impitoyables et sublimes, du destin finissent toujours pas réunir, malgré le fracas du temps, de leurs temps, s’écoulant irrémédiablement dans deux directions opposées.

C’est encore une formidable prouesse technique (qui a nécessité 150 millions de dollars et 150 jours de tournage) qui l’est d’autant plus qu’elle n’est jamais là pour épater mais pour servir admirablement l’histoire. Ainsi, il fut un temps question de Robert Redford pour incarner Benjamin Button vieux. C’est finalement Brad Pitt qui interprète Benjamin Button tout au long de sa vie. L’impact dramatique et visuel à le voir ainsi rajeunir sublimement jusqu’à incarner la jeunesse dans toute sa ténébreuse splendeur, puis dramatiquement à redevenir un enfant ayant tout oublié, n’en est que plus fort. Sa nomination aux Oscars en tant que meilleur acteur est amplement méritée (le film est nommé 13 fois) et doit davantage à sa performance d’acteur qu’au maquillage, prouvant après « Babel » et « L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford » (cliquez sur le lien ci-contre pour voir ma vidéo de la conférence de presse au Festival du Cinéma Américain de Deauville 2007 ainsi que la présentation du film) la très vaste palette de son jeu mais aussi l’intelligence de ses choix d’acteur. Face à lui Cate Blanchett incarne parfaitement cette femme finalement presque plus irréelle que lui, qui irradie, danse avec la vie, la dévore et la savoure.

Certes, le film comporte quelques longueurs (L’épisode de la guerre était-il vraiment nécessaire ?) sans pour autant être jamais ennuyeux, tout concourant à servir son thème principal et à rappeler le temps qui s’écoule tragiquement. Le temps de la séance (2H44) épouse ainsi judicieusement le thème du film incitant à ne pas vouloir aller à tout prix contre le temps et à apprendre à l’apprivoiser, à laisser le temps au temps, profiter de chaque rencontre et chaque instant sans pour autant vouloir tout obtenir, réussir, immédiatement.

 Ce film est comme ces personnes (et comme son personnage principal) qui ne vous sont pas immédiatement sympathiques parce qu’elles ne cherchent pas à plaire à tout prix et par tous les moyens mais qui, quand vous les découvrez, progressivement et vraiment, vous procurent  une impression, émotion même, qui n’en sont que plus profondes et intenses. Le charme est alors plus durable que celui, volatile, d’une beauté éphémère et incandescente.

« L’étrange histoire de Benjamin Button », malgré la singularité de son protagoniste, est un film à portée universelle sur la perte d’être chers,  la cruelle et inexorable fuite du temps, l’amour inconditionnel et intemporel.

 Au-delà de sa mélancolie, c’est aussi un magnifique hymne à la vie, dont chaque plan (une danse dans la nuit, un lever de soleil, une bouchée ou une gorgée dont ils se délectent…) chaque réplique incitent à « savourer » chaque instant, à croire en l’avenir, malgré tout, parce qu’ « on ne peut jamais savoir ce que l’avenir nous réserve ».

Ce n’est peut-être pas le chef d’œuvre auquel je m’attendais, mais à l’image de l’existence il n’a peut-être que plus de mérite et ne  recèle que plus de beauté à sortir des sentiers battus et à charmer plus insidieusement, en cela c’est un beau et grand film qui porte et/ou hante bien après l’ouragan. Un film mélancolique , et  donc, malgré tout sombre, tendre aussi, un hymne à la vie dont on ne ressort en tout cas pas indemne tant il bouscule en soi (en moi en tout cas) tout ce qui constitue l’essence même de l’existence, de son sens et de son temps, inéluctablement destructeur et fatal.

 Ce sera déjà (et seulement ) la 7ème édition du Festival Lumière, un festival qui, en 7 ans, a réussi à s’imposer comme un événement cinématographique incontournable pour les cinéphiles de France et d’ailleurs.

Comme je vous le disais dans mon compte rendu de l’édition 2014 que vous pouvez retrouver ici, ce festival est unique, singulier, rare, festif ( peu nombreux sont les festivals qui se souviennent ainsi de la racine du substantif qui les désigne), convivial (l’accueil, invariablement affable dans toutes les salles du festival), cinéphile, généreux, populaire (« un festival de cinéma pour tous » indique l’affiche du festival, ce qu’il est incontestablement),  passionnant. Et son nom, au-delà de la référence aux célèbres frères, lui va à merveille.  Cinq jours sur la planète cinéphile dont, l’an passé, je suis revenue enthousiaste et enchantée, ensorcelée par cette lumineuse atmosphère. Le programme était tellement riche et varié que les choix furent cornéliens et de véritables tortures. Un film de Capra ou un film d’Almodovar? Une master class d’Isabella Rossellini ou un film de Sautet? Un ciné-concert ou un film d’Ida Lupino? Il était impossible de choisir! Les choix risquent d’être encore plus cornéliens cette année pour cette 7ème édition qui aura lieu du 12 au 18 octobre et dont la programmation s’annonce au moins aussi riche que celle de l’an passé.

Pour ma part, entre le prix Lumière décerné à Martin Scorsese (je me réjouis déjà de le voir tourner sa version de « La sortie de l’Usine Lumière », retrouvez mon récit de la version 2014, ici, avec Pedro Almodovar, Paolo Sorrentino et Xavier Dolan) et la projection de plusieurs de mes films préférés comme les films de Duvivier, « Docteur Jivago », « Casablanca » sans oublier les inénarrables séances présentées par le passionné et érudit Bertrand Tavernier (sa coprésentation des films Lumière avec Thierry Frémaux lors du Festival de Cannes 2015 reste pour moi le meilleur moment de cette édition) ou encore le show Lumière sans oublier les ciné-concerts (quel souvenir que la projection du film de Murnau l’an passé, « Le dernier des hommes »), je ne sais déjà plus où donner de la tête…

-la première réjouissante annonce concerne le prix Lumière qui, cette année, sera décerné à Martin Scorsese, qui succède ainsi à Pedro Almodovar, un choix incontestable que de décerner ce prestigieux prix (qu’ont reçu  Clint Eastwood, Milos Forman, Gérard Depardieu, Ken Loach, Quentin Tarantino, Pedro Almodvar) à l’un des cinéastes les plus cinéphiles qui, en plus des nombreux chefs d’œuvre qu’il a réalisés outre sa palme d’or de 1976 « Taxi driver », apportant ainsi lui-même sa pierre à l’édifice, contribue aussi à la restauration de films notamment par le truchement de « The World Cinema Foundation » (quel inoubliable moment que sa présentation de la copie restaurée du « Guépard » de Visconti à Cannes!). Plusieurs films en copies restaurées seront ainsi présentés Lyon. Ce sera le premier voyage de Martin Scorsese à Lyon : « Ce que signifie le festival Lumière est très important, a-t-il déclaré. Et il représente beaucoup pour moi. Je suis fier d’y être invité et de recevoir le Prix Lumière. » Le Prix Lumière lui sera remis le vendredi 16 octobre au Centre de Congrès – salle 3000 de Lyon, en présence du public français et de nombreux invités venus du monde entier. Voilà déjà une excellente raison que de venir au festival…

-A l’occasion du festival, vous pourrez aussi découvrir le SHOW LUMIÈRE, mardi 29 septembre à 20h00 à l’Auditorium de Lyon. Après la projection à Cannes 2015, dans la grande salle du Palais, devant un public international de 2000 spectateurs (dont j’ai eu la chance de faire partie, sans aucun doute, mon meilleur moment de ce Festival de Cannes 2015, un grand moment de cinéphilie et de plaisir) qui a fait un triomphe aux films, une soirée exceptionnelle aura lieu à l’Auditorium de Lyon avec la projection inédite de Lumière, le film, en version restaurée 4K.

-Autre grand moment de ce festival : La Passion de Jeanne d’Arc, le chef-d’œuvre de Dreyer en ciné-concert à l’Auditorium de Lyon, le Dimanche 18 octobre à 11h avec, à l’orgue, Karol Mossakowski.

-Vous pourrez également redécouvrir Toy Story, mercredi 14 octobre à 14h30 à la Halle Tony Garnier. En exclusivité pour le festival, les studios Pixar ont réalisé une superbe copie numérique de leur chef d’œuvre, qui permettra aux petits et aux grands de le redécouvrir dans les meilleures.

- dans le cadre des « grandes projections de Lumière 2015 », la projection d’un des plus romanesques films de l’Histoire du cinéma, « Docteur Jivago » de David Lean, inoubliable pas seulement pour sa musique célèbre dans le monde entier, et d’un autre chef d’œuvre romantique dont la musique a fait le tour du monde « Out of Africa » de Sydney Pollack. A (re)voir absolument!

-le Festival Lumière 2015 rendra également hommage à l’acteur, scénariste, metteur en scène Jean Yanne mais aussi à Alexandre Desplat, le compositeur maintes fois récompensé notamment aux Oscars 2013 pour « Argo », un hommage sera également rendu à Akira Kurosawa avec la projection de films restaurés et rares mais aussi à une étoile filante du cinéma russe, Larissa Shepitko dont 3 films seront ainsi projetés,

-Nicolas Winding Refn, sera ainsi invité de Lumière 2015 pour parler de ses passions de cinéma avec, également, la sortie de « L’art du Regard », le livre de Nicolas Winding Refn chez Acte Sud, pendant le festival,

-Sophia Loren sera l’invitée d’honneur du festival,

-Le Festival fêtera les 120 ans de Gaumont avec des projections spéciales,

-Bertrand Tavernier poursuivra cette année son voyage dans le cinéma français avec les années 30 aux années 50, des séances que son érudition, son amour fou du cinéma, la passion communicative avec laquelle il le transmet, rendent toujours absolument mémorables,

-7 grands classiques de Julien Duvivier seront projetés parmi lesquels « Pépé le Moko », « « La belle équipe », « La bandera », «  Carnet de bal ». Je vous les recommande tout particulièrement.

-les amateurs de films de genre se délecteront de « La nuit de la peur » à la halle Tony Garnier avec The Thing, La nuit des Morts-Vivants, Insidious…

-Lumière 2015 fêtera aussi les 100 ans du Technicolor et rendra aussi hommage au nitrate

-Le marché du film classique: pendant trois jours, les professionnels du cinéma (producteurs, distributeurs, exploitants, diffuseurs TV et VOD, éditeurs DVD-Blu-ray, ayants-droit, institutionnels…) sont invités à débattre et échanger sur l’état présent et sur l’avenir de l’exploitation du cinéma classique, ses défis et ses perspectives dans un environnement en pleine mutation. Un espace Marché, des tables rondes, des projections, des déjeuners et des rencontres. L’endroit idéal et désormais incontournable afin de nouer des relations d’affaire et mener à bien des échanges économiques.

En plus de cette incroyable programme qui sera complété fin août et sur lequel je reviendrai plus en détails, lors de la conférence de presse de ce 18 juin, Thierry Frémaux a rappelé que le festival Lumière travaille activement et depuis longtemps à un auto-financement accru et que cette année il s’autofinance à 55% avec des ressources propres.

Ce Festival présente l’avantage d’être accessible à tous et de permettre à chacun une véritable immersion cinéphilique. Rendez-vous sur la page « Accréditations » du site officiel du festival (une mine d’informations à consulter) pour en savoir plus. Suivez également le festival sur twitter (@FestLumiere) pour être régulièrement informés de sa riche actualité.

Cliquez ici pour lire mon compte rendu de la formidable édition 2014 du Festival Lumière.

BONUS: critique d’un des nombreux chefs d’œuvre de Scorsese: SHUTTER ISLAND

Cela faisait longtemps. Longtemps que j’entendais parler de cette adaptation tant attendue du best seller de 2003 de Dennis Lehane (que je n’ai pas lu et qui est également l’auteur de best-sellers ayant donné lieu à d’excellentes adaptations cinématographiques comme « Mystic river » de Clint Eastwood et, dans une moindre mesure, « Gone baby gone » de Ben Affleck). Longtemps que je n’avais pas ressenti un tel choc cinématographique. Longtemps qu’un film ne m’avait pas autant hantée des heures après l’avoir vu… Un grand film, c’est en effet comme un coup de foudre. Une évidence. Une évidence qui fait que les mots à la fois manquent et se bousculent. Je vais essayer de trouver les plus justes pour vous faire partager mon enthousiasme sans trop en dévoiler.

Avant toute chose, il faut que je vous présente « Shutter island ». Shutter island est une île au large de Boston sur laquelle se trouve un hôpital psychiatrique où sont internés de dangereux criminels. Une île séparée en trois bâtiments : un pour les femmes, un pour les hommes et un pour les criminels les plus dangereux, enfin quatre si on compte son phare qui détient la clef de l’énigme. En 1954, l’une des patientes, Rachel Solando, a mystérieusement disparu… alors que sa cellule était fermée de l’extérieur, laissant pour seul indice une suite de lettres et de chiffres. Le marshal Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) et son coéquipier Chuck  Aule (Mark Ruffalo) sont envoyés sur place pour résoudre cette énigme… Alors qu’une forte tempête s’abat sur l’île isolée, une plongée dans un univers étrange, sombre, angoissant s’annonce alors pour Teddy qui devra aussi affronter ses propres démons.

Rarement un film aura autant et si subtilement fait se confondre la fond et la forme, le ressenti du personnage principal et celui du spectateur. Dès le premier plan, lorsque Teddy, malade, rencontre son coéquipier sur un ferry brinquebalant et sous un ciel orageux, Scorsese nous embarque dans l’enfermement, la folie, un monde mental qui tangue constamment, flou, brouillé. Tout est déjà contenu dans cette première scène : cette rencontre qui sonne étrangement, le cadre  qui enferme les deux coéquipiers et ne laisse voir personne d’autre sur le ferry, cette cravate dissonante, le mal de mer d’un Teddy crispé, le ciel menaçant, les paroles tournées  vers un douloureux passé.

Puis, c’est l’arrivée sur l’île et toute la paranoïa que Scorsese suggère en un plan : un visage informe, un regard insistant… En quelques plans subjectifs, Scorsese nous « met » dans la tête de Teddy, nous incite à épouser son point de vue, à ne voir et croire que ce que lui voit et croit. Nous voilà enfermés dans le cerveau de Teddy lui-même enfermé sur « Shutter island ». Avec lui, nous nous enfonçons dans un univers de plus en plus menaçant, sombre, effrayant, déroutant. L’étrangeté des décors gothiques, l’instabilité du climat coïncident avec cette fragilité psychique. Tout devient imprévisible, instable, fugace, incertain.

Commence alors la quête de vérité pour Teddy alors que surgissent des images du passé : des images de sa femme défunte et des images de l’horreur du camp de concentration de Dachau dont Teddy est un des « libérateurs », images qui se rejoignent et se confondent parfois. L’hôpital, autre univers concentrationnaire  rappelle alors les camps, avec ses êtres moribonds, décharnés, ses barbelés…, d’autant plus qu’il est dirigé par l’Allemand Dr Naehring. La guerre froide pendant laquelle se déroule l’intrigue, période paranoïaque par excellence, renforce de climat de suspicion. L’action est par ailleurs concentrée sur quatre jours, exacerbant encore l’intensité de chaque seconde, le sentiment d’urgence et de menace.

Chaque seconde, chaque plan font ainsi sens. Aucun qui ne soit superflu. Même ces images des camps dont l’esthétisation à outrance m’a d’abord choquée mais qui en réalité sont le reflet de l’esprit de Teddy qui enjolive l’intolérable réalité. Même (surtout) cette image envoûtante d’une beauté poétique et morbide qui fait pleuvoir les cendres.

A travers la perception de la réalité par Teddy, c’est la nôtre qui est mise à mal. Les repères entre la réalité et l’illusion sont brouillées.  A l’image de ce que Teddy voit sur Shutter island où la frontière est si floue entre l’une et l’autre, nous interrogeons et mettons sans cesse en doute ce qui nous est donné à voir, partant nous aussi en quête de vérité. Le monde de Teddy et le nôtre se confondent : un monde de cinéma, d’images trompeuses et troublantes qui ne permet pas de dissocier vérité et mensonge, réalité et illusion, un monde de manipulation mentale et visuelle.

Pour incarner cet homme complexe que le traumatisme de ses blessures cauchemardesques et indélébiles et surtout la culpabilité étouffent, rongent, ravagent, Leonardo DiCaprio, habité par son rôle qui, en un regard, nous plonge dans un abîme où alternent et se mêlent même parfois angoisse, doutes, suspicion, folie, désarroi (interprétation tellement différente de celle des « Noces rebelles » mais tout aussi magistrale qui témoigne de la diversité de son jeu). La subtilité de son jeu  fait qu’on y croit, qu’on le croit ; il est incontestablement pour beaucoup dans cette réussite. De même que les autres rôles, grâce à la duplicité des interprétations (dans les deux sens du terme): Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams, Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Max von Sydow…

Le maître Scorsese n’a pas son pareil pour créer une atmosphère oppressante, claustrophobique, pour déstabiliser les certitudes. Une œuvre pessimiste d’une maîtrise formelle et scénaristique impressionnante, jalonnée de fulgurances poétiques, dont chaque plan, jusqu’au dernier, joue avec sa et notre perception de la réalité. Un thriller psychologique palpitant et vertigineux. Une réflexion malicieuse sur la culpabilité, le traumatisme (au sens éthymologique, vcous comprendrez en voyant le film)  et la perception de la réalité dont le film tout entier témoigne de l’implacable incertitude. Ne cherchez pas la clef. Laissez-vous entraîner. « Shutter island », je vous le garantis, vous emmènera bien plus loin que dans cette enquête policière, bien plus loin que les apparences.

Un film multiple à l’image des trois films que Scorsese avait demandé à ses acteurs de voir  avant le tournage: « Laura » d’Otto Preminger, « La griffe du passé » de Jacques Tourneur, « Sueurs froides » d’Alfred Hitchcock.  Un film noir. Un film effrayant. Un thriller. En s’inspirant de plusieurs genres, en empruntant à ces différents genres, Martin Scorsese a créé le sien et une nouvelle fois apposé la marque de son style inimitable.

Un film dont on ressort avec une seule envie : le revoir aussitôt. Un film brillant. Du très grand Scorsese. Du très grand cinéma. A voir et encore plus à revoir. Immédiatement !

Ce soir, à 20H50, sur Arte, ne manquez sous aucun prétexte le magnifique "Mademoiselle Chambon" de Stéphane Brizé avec Vincent Lindon (qui cette année a obtenu le prix d'interprétation à Cannes pour "La loi du marché"du même Stéphane Brizé) et Sandrine Kiberlain, un des meilleurs films de l'année 2009. Retrouvez ma critique ci-dessous:

Cela pourrait se résumer en une phrase : Jean (Vincent Lindon), maçon, bon mari et père de famille, croise la route de la maîtresse d'école de son fils, Mademoiselle Chambon (Sandrine Kiberlain) ; leurs sentiments réciproques vont s'imposer à eux. Enfin non, justement, cela ne se résume pas en une phrase parce que tout ce qui importe ici réside ailleurs que dans les mots, même si ce film est inspiré de ceux du roman d'Eric Holder.

Les mots sont impuissants à exprimer cette indicible évidence. Celle d'un regard qui affronte, esquive, tremble, vacille imperceptiblement. Celle d'une lèvre dont un rictus trahit un trouble ou une blessure. Celle d'une rencontre improbable mais impérieuse. Entre un homme qui ne sait pas manier les mots (la preuve, c'est son fils qui lui apprend ce qu'est le complément d'objet direct) et vit du travail de ses mains et une femme dont c'est le métier que de manier les mots, les apprendre. Lui construit des maisons, elle déménage sans cesse. Lui est ancré dans la terre, elle est évanescente. Il a un prénom, elle est avant tout mademoiselle. Lui a un lien douloureux et charnel avec son père, ses parents à elle ne lui parlent que par téléphone interposé et pour lui faire l'éloge de sa sœur. Et pourtant, et justement : l'évidence. La musique va alors devenir le langage qui va cristalliser leurs émotions, et les sanglots longs des violons (pas de l'automne, comme ceux de Verlaine, mais ici du printemps, avec une langueur plus mélancolique que monotone) exprimer la violence de leurs irrépressibles sentiments.

Comme dans le magnifique « Je ne suis pas là pour être aimé », on retrouve cette tendre cruauté et cette description de la province, glaciale et intemporelle. Ces douloureux silences. Cette sensualité dans les gestes chorégraphiés, déterminés et maladroits. Cette révolte contre la lancinance de l'existence. Et ce choix face au destin. Cruel. Courageux ou lâche. (Magnifique scène de la gare dont la tension exprime le combat entre ces deux notions, la vérité étant finalement, sans doute, au-delà, et par un astucieux montage, Stéphane Brizé en exprime toute l'ambivalence, sans jamais juger ses personnages...). On retrouve aussi cet humour caustique et cette mélancolie grave, notamment dans la scène des pompes funèbres qui résume toute la tendresse et la douleur sourdes d'une existence et qui fait écho à celle de la maison de retraite dans « Je ne suis pas là pour être aimé. »

Mais ce film ne serait pas ce petit bijou de délicatesse sans l'incroyable présence de ses acteurs principaux, Vincent Lindon ( déjà magistral notamment dans "Welcome, "Pater", "Pour elle" ) d'abord, encore une fois phénoménal, aussi crédible en maçon ici qu'en avocat ailleurs. Son mélange de force et de fragilité, de certitudes et de fêlures, sa façon maladroite et presque animale de marcher, de manier les mots, avec parcimonie, sa manière gauche de tourner les pages ou la manière dont son dos même se courbe et s'impose, dont son regard évite ou affronte : tout en lui nous faisant oublier l'acteur pour nous mettre face à l'évidence de ce personnage. Et puis Sandrine Kiberlain, rayonnante, lumineuse, mais blessée qui parvient à faire passer l'émotion sans jamais la forcer. Aure Atika, qui interprète ici l'épouse de Vincent Lindon, est, quant à elle, absolument méconnaissable, d'une justesse irréprochable et d'une sobriété remarquable. Elle parvient à faire exister son personnage, dans l'ombre pourtant. Sans doute faut-il aussi une direction d'acteurs d'une précision, d'une sensibilité rares pour arriver à une telle impression d'évidence et de perfection ( la preuve, les seconds rôles sont d'ailleurs tout aussi parfaits).

Une histoire simple sur des gens simples que Stéphane Brizé (avec la complicité de Florence Vignon, déjà co-scénariste du très beau « Le bleu des villes ») compose avec dignité dans un film épuré, sensible qui fait de ses personnages des héros du quotidien emprisonnés dans un fier et douloureux silence (résumé par le dernier plan d'une belle luminosité derrière les barreaux d'une fenêtre ). Un film qui, encore une fois, rappelle le cinéma de Claude Sautet (notamment par l'utilisation du violon et de la musique comme éléments cristallisateurs qui rappellent mon film fétiche « Un cœur en hiver » mais aussi par la sublimation d'une « histoire simple ») qui, tout en « faisant aimer la vie » et la poésie des silences, en souligne toute la quotidienne et silencieuse beauté, cruelle et dévastatrice.

Comme toujours, aux critiques expéditives (qui fleurissent pourtant un peu partout), je préfère un long compte rendu détaillé (que vous pourrez donc lire a posteriori) pour lequel le temps me manque, donc en attendant de vous en dire plus sur les dernières projections ("I smile back", "Le Prodige", "Day out of days"...) et les conférences de presse (de Zoe Cassavetes, Orlando Bloom) et hommages mais aussi sur "the place to be" de ce 41ème Festival du Cinéma  Américain, à savoir le club Kiehl's, voici quelques clichés de ces deux derniers jours alors que, aujourd'hui, seront projetés de nouveaux films de la compétition avant l'hommage à Orson Welles et une projection de Citizen Kane en version restaurée dans la splendide salle du CID, écrin idéal pour ce chef d'œuvre des chefs d'œuvre. Vous pouvez aussi toujours suivre mon live tweet du festival (avec photos et vidéos) sur twitter ( @moodforcinema, @moodfdeauville) et sur instagram ( @sandra_meziere).

Alors que, ce matin, les planches se réveillent sous un soleil radieux (ne vous avais-je pas dit hier -dans mon premier compte rendu à retrouver, ici- que Deauville, le temps du festival, se transformait en décor de film où tout est possible?), revenons sur la journée d'hier avec trois films qui montrent l'éclectisme de ce festival (sans compter les Docs de l'oncle Sam et les rétrospectives auxquels je n'ai pas eu le temps d'assister).

La journée a débuté avec le premier film en compétition de ce 41ème Festival du Cinéma Américain: "99 homes" de Ramin Bahrani.

Un homme dont la maison vient d'être saisie par sa banque (Andrew Garfield), se retrouve à devoir travailler avec le promoteur immobilier véreux (Michael Shannon) qui est responsable de son malheur.

Cela commence par une image choc. Un homme  ensanglanté, mort, chez lui. Dès le début, musique, montage vif, caméra fébrile au plus près des visages contribuent à souligner le sentiment d'urgence, de menace qui plane. Si la situation est manichéenne: les autorités contre les propriétaires expulsés tels les méchants contre les gentils d'un western dont le film emprunte d'ailleurs les codes, bien vite le spectateur décèle la complexité de la situation (notamment grâce au jeu plus nuancé qu'il ne semble de Michael Shannon, dont le cynisme se craquèle par instants fugaces), un "far west" des temps modernes dans lequel chacun lutte pour sa survie, au mépris de la morale. C'est l'envers de l'American dream. Dans cette Amérique-là, pour faire partie des "gagnants", tous les coups sont permis. Ramin Bahrani a retranscrit des situations réelles d'expulsion pour enrichir son film, lui apportant un aspect documentaire intéressant qui montre comment la machine (étatique, judiciaire, bancaire) peut broyer les êtres et les âmes.  Dommage cependant que, pour appuyer un propos déjà suffisamment fort et qui se suffisait à lui-même, il ait fallu recourir à cette musique dont l'effet d'angoisse produit est certes incontestable mais qui est peut-être superflue. Le drame social devient alors thriller. La fin (sauver sa peau) justifie alors les moyens, tous les moyens.  L'homme qui travaille pour le promoteur immobilier (avec lequel une sorte de relation filiale s'établit, l'un et l'autre ayant en commun de ne vouloir devenir ce que leurs pères furent, à tout prix), prêt à tout pour sauver sa famille, même faire vivre à d'autres le même enfer que celui qu'il a vécu (en essayant tout de même d'y mettre les formes) deviendra-t-il un parfait cynique ou finira-t-il par recouvrer une conscience, une morale? C'est autour de ce suspense que tient le film. La tension culmine lors de la scène finale, attendue, et qui finalement emprunte là aussi aux codes du western: la morale est sauve.  N'est-elle pas un peu facile ? Je vous en laisse juges...

Beaucoup plus sobre était le deuxième film en compétition de cette journée: un premier long-métrage de Chloé Zhao intitulé "Les chansons que mes pères m'ont apprises".

Johnny vient de terminer ses études. Lui et sa petite amie s'apprêtent à quitter la réserve indienne de Pine Ridge pour chercher du travail à Los Angeles. La disparition soudaine du père de Johnny vient bousculer ses projets. Il hésite également à laisser derrière lui Jashaun, sa petite sœur de treize ans dont il est particulièrement proche. C'est tout simplement son avenir que Johnny doit maintenant reconsidérer…

Si ce film est donc beaucoup plus sobre que celui précédemment évoqué, ils ont en revanche en commun d'expliquer les failles et les fêlures de leurs personnages par une figure paternelle défaillante. Porté par une voix off (au début principalement) qu'affectionne le cinéma indépendant américain et qui, toujours, produit son effet, créant d'emblée lyrisme et empathie, par des acteurs pour la plupart non professionnels et issus véritablement de la réserve indienne, le film de Chloé Zhao dépeint avec beaucoup de délicatesse ce territoire d'une beauté à couper le souffle, paradoxalement un univers clos qui devient comme une prison  étouffante pour ceux qui y (sur)vivent. 

La sobriété était aussi au rendez- vous (et c'est pour moi une grande qualité) dans le très attendu "Life"d'Anton Corbijn présenté en avant-première, en présence du réalisateur Anton Corbijn (dont l'excellent précédent film "Un homme très recherché" était en compétition l'an passé à Deauville) et le comédien principal Dane DeHaan. Robert Pattinson à qui le festival devait cette année remettre le prix du Nouvel Hollywood était finalement absent, retenu sur le tournage du dernier film de James Gray depuis lequel il a laissé un message vidéo aux festivaliers.

"Life", c'est l'histoire d'un jeune photographe (Robert Pattinson) qui cherche à se faire un nom  et qui croise  un acteur débutant, un certain... James Dean (Dane DeHaan) et décide de lui consacrer un reportage. Cette série de photos iconiques rendit célèbre le photographe Dennis Stock et immortalisa celui qui allait devenir une star.

Anton Corbijn a été photographe avant d'être réalisateur et cela se ressent dans chacun de ses films à la mise en scène et photographie d'une élégance remarquable. "Life" est ainsi son 4ème long-métrage après "Control" (2007), "The American" (2010), "Un homme très recherché " (2014). Peu à peu, il dessine ainsi les contours de son univers et de ses personnages, des (anti?)héros solitaires, tel George Clooney dans "The American" (ma critique, ici), dans ce petit village des Abruzzes aux paysages rugueux, d’une beauté inquiétante et âpre avec un personnage qui n'était pas sans rappeler "Le Samouraï" de Melville. Le photographe et James Dean sont aussi à leurs manières des incarnations de ce Samouraï.

Si Dane DeHaan ne possède pas ce charisme et la séduction implacables que dégageait l'acteur de "A l'Est d'Eden", "La Fureur de vivre" et "Géant", son jeu n'en est pas moins d'une réelle intensité. A l'image de ce que fuyait James Dean, les tapis rouges, les flashs, les mondanités, Anton Corbijn a délaissé l'image de papier glacé pour privilégier la "dimension humaine" du personnage, des personnages même car, comme l'a souligné le réalisateur en conférence de presse, hier, le film n'est pas un Biopic mais le portrait de la relation entre ces deux hommes. Il est en effet bien plus intéressant que cela. Il n'en demeure pas moins qu'il passionnera ceux qui, comme moi, aiment ce cinéma des années cinquante et les trois chefs d'œuvre dans lesquels cet écorché vif irremplaçable, cet acteur hors du commun, a tournés.

Si le titre se réfère à celui du magazine dans lequel ont été publiées les célèbres photos de James Dean, il se réfère peut-être aussi à la passionnante réflexion sur la vie (en général et celle de l'acteur) que le film porte en filigrane. Cette vie basée un peu trop sur le passé, pas assez dans le présent, et réfutant l'avenir, cette vie que James Dean a vécue à cent à l'heure, pour oublier le passé, défier le présent et cet avenir qu'il semblait redouter et narguer.

Un film mélancolique et ensorcelant, à la lenteur et la sobriété judicieuses, en accord avec le propos mais jamais ennuyeuses, porté par une réalisation particulièrement élégante et deux acteurs remarquables : si Dane DeHaan ne peut de toute façon "être" James Dean, il donne incontestablement une âme à son personnage et face à lui, Robert Pattinson confirme ce que Cronenberg a su si bien souligner, le potentiel immense d'un acteur qui n'a certainement pas fini de nous surprendre.

Je vous parlerai à nouveau et plus longuement de ce film mais le temps me manque (d'où cette pseudo critique un peu expéditive), je dois vous laisser pour la première projection du jour...

Pour finir, comme chaque jour, je vous invite à suivre mes pérégrinations en direct du festival, sur twitter (@moodforcinema et @moodfdeauville) et sur instagram (@sandra_meziere). Sur mes comptes twitter, je mets également à nouveau quelques pass en jeu. Pour remporter le pass ci-dessous, pour le lundi 7 septembre, retrouvez le règlement en remontant mon fil twitter. Bonne chance!

Arrivée à Deauville quelques jours avant l'ouverture, j'ai vu la petite ville qui m'est si chère se transformer peu à peu. Les "Union flags" ont progressivement fleuri un peu partout (sur les planches, dans les rues, sur les bâtiments), les tapis rouges ont commencé à orner les entrées des hôtels, des restaurants et bien sûr du CID où, comme chaque année, se déroule cette 41ème édition du Festival du Cinéma Américain.

La ville s'est alors transformée en un décor de film, (sous un ciel d'une beauté changeante et si cinématographique)n celui qui chaque année depuis 22 ans, me plonge dans une autre réalité, même une autre irréalité, même si cette irréalité nous donne à voir également les tourments du monde, notamment à travers les films en compétition dont les projections débutent ce matin.

Chaque année, j'éprouve cette douce et troublante impression que le temps s'arrête ou s'est accéléré pour que je reprenne le fil(m) là où je l'avais laissé un an auparavant,  laissant cette frénésie étourdissante  m'emporter et me griser.

Le coup d'envoi du festival a été donné hier soir avec, tout d'abord, les discours du Maire de Deauville, M.Philippe Augier, et par l'ambassadeur des Etats-Unis, Jane Hartley (qui a notamment évoqué le Festival de Deauville comme " le plus remarquable festival de films" exclusivement américains), récemment nommée, l'un et l'autre visiblement émus, et nous transmettant cette émotion en particulier, lorsque, cette dernière, faisant référence au thème des héros mis à l'honneur dans cette édition du festival, a évoqué ceux du Thalys  à la remise de la légion d'honneur desquels elle venait d'assister.

Lionel Chouchan a ensuite rendu hommage à Keanu Reeves avant que, (comme le veut la tradition du festival, lorsqu'il est rendu hommage à un artiste) soient projetées des images de ses rôles les plus emblématiques: dans "My own private Idaho", "Dracula", "Matrix" et bien sûr dans le chef d'œuvre de Stephen Frears dont il est pour moi indissociable, l'acteur étant à jamais pour moi Danceny dans "Les Liaisons dangereuses" (1988).

Rappelons que, aujourd'hui, à 17H Keanu Reeves sera également présent sur la scène du CID pour l'avant-première mondiale de "Knock Knock".

Keanu Reeves a ensuite descendu l'imposant escalier du CID sur la musique de "Matrix". Dans un discours professionnel, teinté d'humour, il est revenu sur ses débuts, saluant avec émotion quelques personnes qui ont jalonné sa carrière.

Les deux jurys, le jury Révélation présidé par Zabou Breitman, et le jury "principal" présidé par Benoît Jacquot, ont ensuite été présentés.

Retrouvez, en cliquant ici mon article avec la programmation détaillée commentée et la composition complète de ces deux jurys.

L'équipe du film d'ouverture, "Everest" de Baltasar Kormakur, est ensuite montée sur scène avant la première du film qui a plongé les festivaliers dans une autre atmosphère bien différente (en 3D s'il vous plait)...glaçante!

Comme s'en enorgueillit son affiche, le film a été écrit "d'après une histoire vraie", voilà qui récuse d'emblée toute accusation éventuelle d'invraisemblance.

Le film de Baltasar Kormákur est en effet une adaptation du livre autobiographique "Tragédie à l'Everest"  écrit par l'écrivain, journaliste et alpiniste Jon Krakauer. Le livre raconte, comment, en 1996, huit alpinistes réputés ont péri dans une redoutable tempête  alors qu'ils effectuaient l'ascension de l'Everest.  Krakauer avait ainsi été envoyé par le magazine Outside pour participer à cette expédition.

Inspiré d'une désastreuse tentative d'ascension de la plus haute montagne du monde, Everest suit deux expéditions distinctes confrontées aux plus violentes tempêtes de neige que l'homme ait connues. Luttant contre l'extrême sévérité des éléments, le courage des grimpeurs est mis à l'épreuve par des obstacles toujours plus difficiles à surmonter alors que leur rêve de toute une vie se transforme en un combat acharné pour leur salut.  

Si l'effet est indéniablement réussi au point de nous faire éprouver le vertige et une véritable sensation de peur et la conscience de notre petitesse face à la force redoutable, irréfragable, destructrice des éléments, si le film est incontestablement spectaculaire, il souffre en revanche d'un scénario conventionnel et convenu  et/ou d'un montage qui sacrifie les personnages les plus intéressants et qui, surtout, en oublie certains en cours de route à commencer par Krakauer lui-même qui pose la question la plus intéressante aux alpinistes (pourquoi faites-vous cela?) à laquelle le film, ne voulant pas heurter la sensibilité des victimes et des survivants, ne répond jamais vraiment.

C'est pourtant l'aspect le plus intéressant du film: pourquoi ces hommes et ces femmes ont-ils besoin d'affronter et même de défier la mort? Eprouver leurs limites? Se sentir vivants? Il passe aussi à côté d'une réflexion sur l'exploitation de la nature par l'homme (à ce propos, ne manquez pas "La glace et le ciel" de Luc Jacquet) que laissait d'ailleurs présager ce choix symptomatique de la 3D (tout comme les alpinistes veulent éprouver toujours plus de sensation, le spectateur devient un consommateur à qui il en faut toujours plus pour ressentir des émotions que les mots et les images devraient suffire à susciter).

 Un bon divertissement, idéal pour l'ouverture, qui passe néanmoins à côté de la passionnante réflexion à laquelle il aurait pu donner lieu, en raison d'une volonté délibérée d'absence de point de vue. Mais si vous voulez faire un voyage éprouvant et vertigineux sur le plus haut sommet du monde alors le voyage est fait pour vous...

Le film sortira en salles en France le 23 septembre 2015

Je vous laisse, en route, non pas pour l'Everest mais pour une journée bien chargée qui commence par le premier film en compétition de cette édition, "99 homes" et qui s'achèvera par l'avant-première très attendue de "Life".

Suivez-moi tout au long de cette journée en direct du festival sur twitter (@moodforcinema, @moodfdeauville) et sur instagram (@sandra_meziere).

Ci-dessus, mes premiers clichés pris en amont de ce 41ème Festival du Cinéma Américain de Deauville et, ci-dessous, mon article sur le programme complet détaillé en attendant de me retrouver en direct de l'ouverture, demain soir. Bon festival!

 Le programme de cette 41ème édition foisonne de belles surprises, de grands événements ( la projection du très attendu « Life » de Anton Corbijn, le prix d’Ornano-Valenti attribué au premier film en tant que réalisateur de Thomas Bidegain…), d’hommages événementiels  (à Terrence Malick, Keanu Reeves, Orson Welles, Orlando  Bloom, Michael Bay, Patricia Clarkson, Ian McKellen, Lawrence Bender), de premières attendues (« Knight of cups » de Terrence Malick, « Life » de Anton Corbijn, « The Green inferno » de Eli Roth, « Le Prodige » de Edward Zwick…), de films en compétition très prometteurs (« Day out of days » de Zoe Cassavetes, « Les chansons que mes frères m’ont apprises » de Chloé Zhao…).

Les séries seront également à l’honneur dans le cadre de « Deauville saison 6″ avec « Bosch ».

A ne pas manquer non plus, comme chaque année, Les Docs de l’Oncle Sam qui nous réservent de belles projections qui mettront la mise en abyme et le 7ème art à l’honneur avec, notamment « Altman », « By Sidney Lumet », Hitchcock-Truffaut », « This is Orson Welles »…

Si pour moi ce sera cette année le 22ème Festival du Cinéma Américain, je n’ai pas souvenir d’un tel générique et d’un tel programme (dignes d’un improbable et formidable film américain) depuis l’édition 2007 qui avait tant marqué les esprits.

41 ans, déjà! Difficile de croire que ce festival qui ne cesse de se renouveler et d’innover (et cette édition ne dérogera à la règle au regard de ce beau programme) est un jeune quadragénaire.

Tant de souvenirs (au point de m’en être inspirée pour un roman, plus récemment pour quelques nouvelles de mon  recueil de nouvelles sur le cinéma « Ombres parallèles » sur la couverture duquel figure d’ailleurs… Deauville mais aussi pour quelques scènes essentielles d’un prochain roman dont je vous parlerai très prochainement), tant de découvertes de cinéastes aujourd’hui mondialement reconnus (la compétition initiée en 1995 est aujourd’hui un des temps forts du festival et permet chaque année de découvrir des pépites à l’image de Whiplash de Damien Chazelle, grand lauréat l’an passé) et tant d’hommages, d’avant-premières, d’instants de cinéma et de vie gravés (que vous pouvez retrouver en flânant dans les archives de ce blog « In the mood for Deauville »).

Ce festival, c’est une fenêtre qui s’ouvre ou un voile qui se lève (à l’image de la très belle affiche  de cette édition 2015) sur le ciel étoilé (de la bannière et pas seulement) ou le ciel plus sombre des USA et qui nous fait découvrir les mille visages de l’Amérique, ses tourments, ses blessures, ses aspirations, ses victoires, ses héros. Un festival qui séduit autant les cinéphiles que les simples amateurs de cinéma américain ou même de blockbusters auxquels il fait pareillement la part belle, de même qu’aux séries. Bref, un festival pour tous les goûts!

Même si aujourd’hui, j’ai le plaisir de parcourir de nombreux autres festivals de cinéma, Deauville reste celui auquel je suis viscéralement attachée. Pour avoir une idée de ce festival si vous ne le connaissez pas encore, retrouvez, en cliquant ici, mon compte rendu de son édition 2014.

Comme chaque année depuis un certain temps maintenant, j’aurai le plaisir de vous faire gagner vos pass pour cette édition, un plus grand nombre (36 nouveaux pass journaliers après le pass permanent pour 2 que l’une d’entre vous a déjà remporté), ce qui me réjouit puisque vous serez ainsi plus nombreux à pouvoir en profiter.

Ce festival sera aussi plus que jamais immersif pour moi donc vous pourrez retrouver de très nombreux articles sur In the mood for Deauville (mon blog consacré à Deauville) en amont puis en direct, de l’ouverture à la clôture, et sur mes sites In the mood for film festivals, In the mood for cinema, In the mood le mag et In the mood for luxe . Je serai d’ailleurs à Deauville dès le 30 août avec aussi déjà de nombreuses photos à découvrir sur mon compte instagram http://instagram.com/sandra_meziere .

Grâce au CID (Centre International de Deauville), la somptueuse et impressionnante salle où se déroule le festival (et pour avoir parcouru tous les plus grands festivals français, je vous garantis que, pour le son comme pour l’image, c’est sans aucun doute la meilleure de France, un véritable écrin pour un festival comme celui-ci), j’ai donc le plaisir de vous faire gagner 36 pass journaliers, la plus grande partie dès à présent (cf concours en bas de cet article après le programme détaillé), et quelques-uns pendant le festival, que je mettrai en jeu sur mes comptes twitter (@moodforcinema et @moodfdeauville) et sur mon compte instagram (http://instagram.com/sandra_meziere).

Puisque du CID il est question, j’en profite pour vous dire que vous pouvez  réserver vos pass pour le festival, en vous rendant sur leur site, là. Vous pouvez aussi suivre le CID sur twitter (@CID_Deauville), et la page Facebook officielle du Festival du Cinéma Américain de Deauville, là, et pour en savoir plus, vous pouvez enfin vous rendre sur le site officiel du Festival du Cinéma Américain de Deauville. Le hashtag officiel du festival est #Deauville2015 et le compte twitter officiel du festival est @DeauvilleUS. A suivre impérativement pour être informés des dernières actualités.

Dates du festival:

Cette édition 2015 aura lieu du 4 au 13 septembre.

Les deux jurys du festival:

Le jury sera présidé par le cinéaste Benoît Jacquot (son magnifique film, « Trois cœurs« , passe actuellement sur Canal plus,  retrouvez ma critique et mon article à ce sujet, en cliquant ici, ) qui succède ainsi à Costa-Gavras. « Le cinéma est une Amérique qu’on découvre à chaque film, le rêve à chaque fois d’un moment inoubliable: je rêve de découvrir et de faire découvrir à Deauville un film inoubliable », a ainsi déclaré le président du jury de ce 41ème Festival du Cinéma Américain de Deauville.

Benoît Jacquot sera entouré de: Pascal Bonitzer, Louise Bourgoin, Louis-do de Lencquensaing, Marc Dugain, Sophie Fillières, Marie Gillain, Julien Hirsch, Marthe Keller.

Le jury Révélation sera cette année présidé par l’actrice Zabou Breitman (actuellement à l’affiche dans l’excellent « Nos futurs » de Rémi Bezançon dont vous pouvez retrouver ma critique, ici).

Elle sera entourée de Alice Isaaz, Rachelle Lefevre, Géraldine Nakache, Stanley Weber.

Film d’ouverture

Le film d’ouverture sera « EVEREST » de Baltasar Kormákur La projection promet d’être d’autant plus palpitante qu’elle aura lieu en présence de l’équipe du film. Le film sera présenté en 3D et en Dolby Atmos. Interprètes: Jason Clarke, Josh Brolin, John Hawkes, Robin Wright, Michael Kelly, Sam Worthington, Keira Knightley, Emily Watson, Jake Gyllenhaal. Le film sortira en salles le 23 septembre 2015.

Synopsis officiel:  Inspiré d’une désastreuse tentative d’ascension de la plus haute montagne du monde, Everest suit deux expéditions distinctes confrontées aux plus violentes tempêtes de neige que l’homme ait connues. Luttant contre l’extrême sévérité des éléments, le courage des grimpeurs est mis à l’épreuve par des obstacles toujours plus difficiles à surmonter alors que leur rêve de toute une vie se transforme en un combat acharné pour leur salut.

Film de clôture:

 Voilà qui promet également un bel événement. Il s’agit ainsi de « Sicario » de Denis Villeneuve avec Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin, Victor Garber, Jon Bernthal, Daniel Kaluuya. Le film figurait en compétition officielle du dernier Festival de Cannes et sortira en salles le 7 octobre 2015.

Synopsis officiel: La zone frontalière entre les Etats-Unis et le Mexique est devenue un territoire de non-droit. Kate, une jeune recrue idéaliste du FBI, y est enrôlée pour aider un groupe d’intervention d’élite dirigé par un agent du gouvernement dans la lutte contre le trafic de drogues. Menée par un consultant énigmatique, l’équipe se lance dans un périple clandestin, obligeant Kate à remettre en question ses convictions pour pouvoir survivre.

Les hommages du 41ème Festival du Cinéma Américain de Deauville

La liste des hommages de cette 41ème édition du Festival du Cinéma Américain de Deauville est pour le moins impressionnante: Michael Bay, Orlando Bloom, Patricia Clarkson, Terrence Malick, Ian McKellen, Keanu Reeves, Orson Welles, Lawrence Bender.

 Le festival rendra  hommage à Terrence Malick. A cette occasion, seront présentés à Deauville, en avant-première, son nouveau film Knight of Cups, (avec, notamment, au casting Christian Bale et Natalie Portman) ainsi que The Tree of Life – L’Arbre de Vie et À la merveille (To the Wonder).
« A l’heure où l’Homme s’efface devant la figure du monde, il nous a semblé intéressant d’honorer un cinéaste qui place l’humain au cœur de ses préoccupations artistiques. Refusant le nihilisme du néant des jours, Terrence Malick filme l’essence de la poésie en scrutant à travers nos comportements et nos sens, les soubresauts de la transcendance. Ainsi nous pouvons dire de son art qu’il est régulier et sacré. L’expérience qu’il propose, grâce à ses films, nous porte à ce dépassement délicieux du « soi » au bénéfice de l’être, rendant ainsi son cinéma unique, nécessaire et primordial. Il fait de nos errances des chemins de vie. » a ainsi déclaré Bruno Barde, le directeur du festival.

Un hommage sera également rendu à un autre maître du 7^ème art, Orson Welles.  À l’occasion du centenaire de la naissance d’Orson Welles, le festival nous propose ainsi de (re)voir trois longs métrages du cinéaste, ainsi qu’un documentaire consacré à cette légende éternelle du cinéma mondial. Dans le cadre de cet hommage, seront présentés : Citizen Kane, La Dame de Shanghai (The Lady from Shanghai), et La Soif du mal (Touch of Evil), ainsi que le documentaire This Is Orson Welles de Clara et Julia Kuperberg (Production I TCM Cinéma & Wichita Films). »

Après l’hommage à Orson Welles et l’hommage à Terrence Malick, le Festival du Cinéma Américain de Deauville avait également annoncé un autre prestigieux hommage: à Keanu Reeves.

Cet hommage aura lieu en sa présence, et le festival proposera également une rétrospective de ses films les plus marquants. Outre une impressionnante carrière d’acteur (« Eternel Neo de Matrix, Jonathan Harker de Dracula ou chevalier Danceny des Liaisons Dangereuses (Dangerous Liaisons), Keanu Reeves aura, tout au long d’une filmographie impressionnante, côtoyé des réalisateurs comme Gus Van Sant, Francis Ford Coppola, Bernardo Bertolucci ou plus récemment Richard Linklater, et a su montrer sa capacité à endosser des rôles extrêmement variés » comme le souligne le communiqué de presse officiel du festival), il a récemment produit le documentaire « Side by side » consacré à l’impact du numérique sur le cinéma contemporain.  A cette occasion, il était invité au Festival Lumière 2014. Retrouvez mes vidéos ci-dessous en attendant mes vidéos de sa conférence de presse à Deauville à laquelle je ne manquerai pas d’assister.

Décidément, cette édition 2015 du Festival du Cinéma Américain de Deauville s’annonce riche en événements. En effet, après les hommages à Orson Welles, Terrence Malick, Keanu Reeves, le festival vient d’annoncer un hommage à Ian McKellen et Orlando Bloom.

Ian McKellen:

Le Festival du Cinéma Américain rendra hommage, en sa présence, au comédien Ian McKellen. Comédien de légende, après s’être imposé sur la scène londonienne comme l’un des meilleurs interprètes shakespeariens de sa génération, il s’illustre aussi bien au cinéma, au théâtre qu’à la télévision. Reconnu dans le monde entier pour ses rôles de Magnéto dans la saga X-Men et Gandalf dans la trilogie du Seigneur des anneaux, il compte à son palmarès plus d’une cinquantaine de prix.

Orlando Bloom:

Figure emblématique des sagas Le Seigneur des anneaux, Le Hobbit et Pirates des Caraïbes, Orlando Bloom a récemment montré une nouvelle facette de son talent en incarnant un détective en proie à l’alcool et à la violence dans Zulu. Au fil d’une filmographie considérable, il s’est imposé comme l’un des acteurs les plus en vue de ces quinze dernières années.

Après les hommages à Orson Welles, Terrence Malick, Keanu Reeves,  Ian McKellen, Orlando Bloom (la liste commence à être impressionnante!), le Festival du Cinéma Américain de Deauville a également annoncé un nouvel hommage, à la comédienne Patricia Clarkson, en sa présence.

Le festival rendra également hommage au producteur historique de Quentin Tarantino: Lawrence Bender.

Ces hommages vont donneront l’occasion de voir ou revoir des classiques du cinéma américain projetés au Morny Club à l’exemple de Citizen Kane ou encore de « Shutter island » de Martin Scorsese (hommage à Patricia Clarkson) ou « Inglourious Basterds » de Quentin Tarantino (hommage à Lawrence Bender) dont vous pouvez retrouver mes critiques en cliquant sur leurs titres.

Prix le Nouvel Hollywood: Robert Pattinson et Elisabeth Olsen

A nouveau une présence qui devrait créer l’événement! Robert Pattinson sera à Deauville pour le film « Life » (voir ci-dessous) et il recevra le prix du Nouvel Hollywood. A cette occasion, je vous propose de retrouver ma critique de « Cosmopolis » de David Cronenberg, ici (dans lequel il excelle de même que dans « Maps to the stars » du même Cronenberg).

Synopsis de « Life » de Anton Corbijn:

Un jeune photographe qui cherche à se faire un nom croise un acteur débutant et décide de lui consacrer un reportage. Cette série de photos iconiques rendit célèbre le photographe Dennis Stock et immortalisa celui-là même qui allait devenir une star : James Dean.

Elisabeth Olsen recevra également ce prestigieux prix du Nouvel Hollywood.

 Les films en compétition

Depuis 1995, le Festival du Cinéma Américain de Deauville est indissociable du cinéma indépendant américain qu’il mettait cette année-là en valeur avec la compétition officielle…dont je crois bien n’avoir pas manqué une seule séance depuis sa création. Je vous invite à faire de même tant la compétition promet toujours de belles découvertes.

99 HOMES

un film de Ramin Bahrani  | Matteo Zingales  | Matteo Zingales

BABYSITTER

un film de Morgan Krantz

COP CAR

un film de Jon Watts

DAY OUT OF DAYS

un film de Zoe Cassavetes

DIXIELAND

un film de Hank Bedford

DOPE

un film de Rick Famuyiwa

EMELIE

un film de Michael Thelin

GREEN ROOM

un film de Jeremy Saulnier

I SMILE BACK

un film de Adam Salky

JAMES WHITE

un film de Josh Mond

KRISHA

un film de Trey Edward Shults

LES CHANSONS QUE MES FRÈRES M’ONT APPRISES

un film de Chloé Zhao

MADAME BOVARY

TANGERINE

Un film de Sean Baker

Les Premières

Là aussi le festival nous réserve un beau programme que je vous laisse découvrir ci-dessous.

AGENTS TRÈS SPÉCIAUX : CODE U.N.C.L.E

un film de Guy Ritchie

CRAZY AMY

un film de Judd Apatow

DANNY COLLINS

un film de Dan Fogelman

EVEREST

un film de Baltasar Kormákur

EXPERIMENTER

un film de Michael Almereyda

JAMAIS ENTRE AMIS

un film de Leslye Headland

KNIGHT OF CUPS

un film de Terrence Malick

KNOCK KNOCK

un film de Eli Roth

LE PRODIGE

un film de Edward Zwick

LIFE

un film de Anton Corbijn

Mr. HOLMES

un film de Bill Condon

OCTOBER GALE

un film de Ruba Nadda

RUTH AND ALEX

un film de Richard Loncraine

SICARIO

un film de Denis Villeneuve

THE GREEN INFERNO

Un film de Eli Roth

Les Docs de l’Oncle Sam

ALTMAN

un film de Ron Mann

BY SIDNEY LUMET

un film de Nancy Buirski  | Anthony Ripoli

HITCHCOCK – TRUFFAUT

un film de Kent Jones

JANIS

un film de Amy Berg

STEVE McQUEEN: THE MAN & LE MANS

un film de Gabriel Clarke | John Mckenna

THIS IS ORSON WELLES

un film de Clara Kupererg & Julia Kuperberg

Le festival diffusera aussi des « films héroïques » du 4 au 13 septembre. (liste à suivre)

Deauville saison 6

BOSCH

un film de Ernest Dickerson | Jim Mckay  | Anthony Hemingway  | Kevin Dowling | Roxann Dawson  | Alex Zakrewski  | Matt Earl Beesley | Thomas Carte

synopsis

Création Eric Overmyer & Michael Connelly
Inspirée des romans à succès de Michael Connelly, cette nouvelle série policière met en scène le comédien Titus Welliver dans la peau d’Harry Bosch, un détective de la brigade criminelle de Los Angeles.
Harry Bosch est un inspecteur implacable. En proie aux pires dangers, il ne recule devant rien pour rendre justice aux victimes. Derrière sa loyauté et son dévouement se cachent néanmoins les blessures d’un passé douloureux et le poids d’un code moral où « tout le monde compte ou personne ne compte ».
Saison 1 | Épisode 1 | ‘TIS THE SEASON
Saison 1 | Épisode 2 | LOST LIGHT
Saison 1 | Épisode 3 | Inédit | BLUE RELIGION

Prix Michel d’Ornano Valenti

Chaque année, le prix Michel d’Ornano nous permet de découvrir des pépites du cinéma français.

Cette année, ce sera le premier film en tant que réalisateur du (grand) scénariste Thomas Bidegain.

LES COWBOYS

un film de Thomas Bidegain

Prix littéraire

Le Prix Littéraire Lucien Barrière 2015 sera décerné à Dinaw Mengestu pour « Tous nos noms ».

Partenariats

Le festival aura cette année également de nouveaux partenaires comme Kiehl’s et Urban Decay (retrouvez, ici, mon article à ce sujet).

Bonnes adresses à Deauville

Afin de compléter l’article du magazine ELLE de la semaine du 24 juillet dans lequel je vous donnais mes bonnes adresses Deauvillaises, je vous propose de retrouver ici mon nouvel article complet avec mes nombreuses bonnes adresses pour profiter au mieux du festival (hôtels, restaurants, cafés, salons de thé, boutiques…).