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  • Merci Laval...

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    Photo ci-dessus, "L'Amor dans l'âme" en bonne place au Salon du Livre du Premier Roman.

    Après le festival du premier roman et des littératures contemporaines de Laval dans le cadre duquel j'ai eu le plaisir de débattre avec François Bégaudeau, Antoine Mouton, Kiko Herrero, François-Henri Désérable autour du thème "Comment la jeune littérature interroge-t-elle le monde?", le portrait du mois de mai dans le journal de la ville de Laval.

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  • Festival du premier roman et des littératures contemporaines de Laval 2016 : le programme et ouverture ce soir

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    Si "la beauté n'est que la promesse du bonheur", pour paraphraser Stendhal, une belle affiche de festival (à l'exemple de celle-ci, solaire, lumineuse, aux accents méditerranéens) n'est que la promesse de réussite d'un festival. Une promesse qui devrait être tenue si on en croit le riche programme du festival auquel je me réjouis de participer en tant qu'auteur après y avoir assisté à plusieurs reprises en tant que spectatrice. Vous pourrez également retrouver mon compte rendu ici.

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    Photo de Laval ci-dessus à retrouver sur mon compte Instagram @sandra_meziere

    Le festival est organisé par l’association Lecture en tête (qui s’occupe du festival mais aussi de nombreuses manifestations littéraires tout au long de l’année). Il est cette année parrainé par Yahia Belaskri (je vous recommande son édito dans le programme du festival), le Président du prix du 2ème roman est Sorj Chalandon.

    En 24 ans, ce festival a réussi à s’imposer comme le rendez-vous incontournable de la vie culturelle et littéraire mayennaise et bien au-delà avec, cette année, une quarantaine d'invités  et, pendant 4 jours, des cafés et gourmandises littéraires, tables rondes, lectures, salon du livre, dédicaces, atelier slam-jazz, spectacles, exposition, journée pro, rencontres scolaires, ...  Le lieu phare du festival sera à nouveau le chapiteau place de la Trémoille même si toute la ville se mettra à l’heure et aux couleurs du festival.

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    Photo de Laval ci-dessus à retrouver sur mon compte Instagram @sandra_meziere

    Les auteurs invités au festival sont les suivants :  François Bégaudeau, Yahia Belaskri, Jean-Marie Blas de Roblès, Olivia Burton, Sorj Chalandon, Frédéric Ciriez, Julien Delmaire, Pierre Deram,  François-Henri Désérable, Joël Egloff, Stéphane Fière, Marion Guillot, Hubert Haddad, Benjamin Haegel, Zadig Hamroune, Kamil Hatimi, Kiko Herrero, Leïla Houari,  Mohammed Idali, Aram Kebabdjian, Bernardo Kucinski, Hicham Lasri, Guillaume Lemiale, Michèle Lesbre, Astrid Manfredi, Christophe Manon, Pascal Manoukian,  Hélène Merlin-Kajman, Serge Mestre, Sandra Mézière, Fabrice Millon Desvignes, Isabelle Monnin, Antoine Mouton, William Navarrete, Makenzy Orcel, Ronald C. Paul,
    Alexandre Postel, Atiq Rahimi, Parisa Reza, Charles Robinson, Andrea Salajova, Marlène Tissot, Martin Wable, Carole Zalberg,  les éditions du Chemin de fer, Marie Boralevi, Jordy Martin, Samir Aouad, Margot Châron et le Begat Theater…

    L’ouverture du festival aura lieu avec une "inauguration -spectacle", le 29 avril à 19H au théâtre de Laval, avec une lecture musicale, voix et contrebasse, poésie, jazz et slam par Julien Delmaire et Jordy Martin, « un long poème de Julien Delmaire qui est une interrogation sur l’exil et l’altérité ». Le festival se clôturera par un spectacle à l’Avant-scène, à  19H, le 1er mai. Depuis plusieurs mois l’auteur en résidence en Mayenne, Makenzy Dorcel, anime des ateliers d’écriture. Le spectacle sera une mise en voix et en espace de textes poétiques.

    Entre les deux, une quantité impressionnante d’événements qui devraient ravir les amoureux de la lecture parmi lesquels :

    - une carte blanche au magazine Transfuge le 30 avril à 10H sous le chapiteau,

    -le prix SGDL Révélation 2015 (le 30 avril à 15H15 sous le chapiteau),

    -un grand entretien avec Hubert Haddad intitulé "Hubert Haddad , l'imaginaire au pouvoir", le 1er mai, à 11H15,

    -le mouvement social dans la littérature et le cinéma marocains: film et conversation, le 1er Mai, à 13H30 à l'Avant-Scène (en partenariat avec Atmosphères 53),

    -le prix littéraire du 2ème roman 2016 -Alexandre Postel,

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    -les "Histoires cachées" le 30 avril à 11H et 19H et le 1er mai à 16H sur le parvis du Château neuf: une balade sonore grâce à laquelle "la ville devient une scène de théâtre où s'entremêlent le réel et la fiction",

    -des lectures nomades dont le point de départ sera le parvis du Château-neuf le 30 avril à 16H et le 1er mai à 17H: deux circuits pour découvrir des lieux insolites et patrimoniaux de la ville et entendre des extraits des premiers romans sélectionnés pour le festival,

    -un happening lecture à la librairie M'Lire le 30 avril. Des romanciers offriront ainsi un face-à-face de lecture de leur propre texte:

    à 11H30, Hubert Haddad et Benjamin Haegel

    à 15H30: Sorj Chalendon et Kiko Herrero

    -le prix concours d'écriture pour les jeunes entre 15 et 25 ans,

    - un tête à tête poétique (le 30 avril à 16H30) sous le chapiteau avec Martin Wable et Makenzy Dorcel,

     -une ode à l'autre (poésie soufie) le 30 avril à  19h sous le chapiteau avec une lecture de Mohammed Idali (en arabe) et Yahia Belaskri (en français) sur une musique de Samir Aouad (luth),

    - des "taxi lectures" le 30 avril et le 1er mai entre 10H et 12H et 13h et 15H: quelques minutes de lecture et de balade en tête-à-tête avec la comédienne Margot Châron,

    -de nombreux débats: "Quand les jeunes découvrent la littérature contemporaine"(le 28 avril à 20H30 au Café Etienne),  "Comment la jeune littérature interroge-t-elle le monde" (le 30 avril à 10H30 à la Médiapole), "A l'épreuve du réel" (café littéraire à 11H15 sous le chapiteau), "L'exil ou une certaine vision de l'avenir" (le 30 avril à 14H sous le chapiteau),  "La littérature marocaine: regard incisif et émouvant sur une société" (à 17H45 sous le chapiteau), "D'une mémoire l'autre" (le 1er mai sous le chapiteau), "Etre - Naître au monde" le 1er mai à 14H sous le chapiteau), "Les territoires de la langue" (le 1er mai à 14H à la médiapole), , "Singularités" (le 1er mai à 15H15 sous le chapiteau),  "En quête" (le 1er mai à 15h15 à la médiapole), "Quelle place pour la fiction" (le 1er mai, à 16H30 sous le chapiteau, table ronde animée par Yahia Beslaskri)

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    -mais aussi des rencontres scolaires, des journées professionnelles, une exposition au musée d'art naïf ("Exposition: Marie Boralevi, figures chimériques"), la scénographie "Ma maison est le monde" de Joëlle Bondil et bien sûr un salon du livre et des dédicaces (cf horaires ci-dessous).

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    J'essaierai d'assister à un maximum d'événements pour vous les relater via twitter (@moodforcinema) et sur ce blog. Vous pourrez également me retrouver le samedi 30 avril à 10h30 pour une table ronde et à 11H30 pour la séance dédicace. Je serai présente tout au long du festival et ravie d'échanger avec vous. Pour en savoir plus sur mon premier roman, vous pouvez consulter la rubrique "Mon premier roman" de ce blog mais aussi la page consacrée au roman sur le site de ma maison d'édition, "Les Editions du 38", ici. Pour les Lavallois, vous pouvez retrouver mon roman à la librairie M'Lire rue de la Paix et bien sûr sur commande dans toutes les librairies mais aussi en ligne (en papier et numérique).

    Le programme des dédicaces:

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    Pour en savoir plus sur le festival: www.lecture-en-tete.fr et page Facebook "Lecture en tête".

    Quelques-unes de mes (nombreuses) photos de Laval à retrouver sur mon compte Instagram: @sandra_meziere:

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  • Mon 1er roman publié - les dédicaces (Episode 4)

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    C'est le moment tant attendu qui approche enfin. La confrontation (pourquoi confrontation d'ailleurs, la rencontre plutôt) avec les lecteurs. Alors que je m'éclate à écrire (expression familière certes mais je n'en trouve pas d'autre pour qualifier ce qui est une vraie jubilation) le prochain manuscrit que j'espère vous livrer en septembre (toujours aux Editions du 38, bien évidemment, les auteurs s'y sentent particulièrement bien et y sont dorlotés, j'ai beaucoup de chance!) et dans lequel je crois avoir tiré les enseignements des difficultés rencontrées pour écrire ce premier roman (et certainement aussi des défauts inhérents à un premier roman), bref, tandis que je me remets avec bonheur à l'écriture, je vais enfin sortir de l'exercice solitaire de la rédaction pour échanger autour de celle-ci.

    D'ailleurs, c'est déjà un peu le cas. Ce matin, j'ai eu le plaisir d'être invitée dans les locaux de France Bleu Mayenne que je commence à bien connaître (je leur dois d'ailleurs une participation à un jury de festival, au Festival de Cabourg en 2002, le concours permettant d'en faire partie -il s'agissait alors d'écrire une lettre sur le cinéma romantique!- étant alors organisé par la radio qui en était partenaire) et où l'accueil est toujours chaleureux et joyeux. Depuis, j'y vais de temps en temps pour parler cinéma, quand ce n'est pas un duplex de Cannes pour évoquer le Festival du Film.

    Retrouvez mon interview de ce matin sur France Bleu Mayenne,  en podcast ci-dessous.

    Ci-dessus, les photos de la vitrine de la librairie MLire qui m'a fait l'honneur de placer mon roman "L'amor dans l'âme" en vitrine (et en prestigieuse compagnie) et où je serai en dédicace (la première, d'autres suivront, ailleurs, je vous en reparlerai très bientôt) le samedi 16 avril à 16H.

     

     

    Retrouvez France Bleu Mayenne sur leur site, ici, et la librairie MLire sur sa page Facebook, là et sur son site internet.

  • Programme des Reflets du Cinéma Américain indépendant en Mayenne

     

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    S'il y a un cinéma que je peux m'enorgueillir de plutôt bien connaître, c'est sans aucun doute le cinéma américain indépendant, mes connaissances au sujet de celui-ci s'étant forgées au gré de mes 22 années de présence au Festival du Cinéma Américain de Deauville (auquel je consacre un autre de mes 7 blogs "In the mood for Deauville) qui, depuis 1995, propose une compétition de longs-métrages du cinéma indépendant américain et qui a permis ainsi à nombre de cinéastes américains de se faire connaître en France ou en Europe et même d'émerger. Y furent ainsi récompensés des films comme "Dans la peau de John Malkovich" de Spike Jonze ou "Little miss sunshine" de Jonathan Dayton et Valérie Faris.

    Pour leur 20ème édition, après les reflets du cinéma japonais, les Reflets se penchent donc sur le cinéma américain indépendant en proposant une cinquantaine de films, principalement des rétrospectives  et quelques avant-premières. L'association lavalloise organisatrice du festival, Atmosphères 53, définit ainsi le cinéma indépendant comme "le refus de se soumettre aux diktats des grands studios".

    Au programme du festival (dont je déplore chaque année la dispersion géographique et temporelle): des projections, des conférences, des expositions, des spectacles. Plutôt que de vous donner ici l'intégralité du programme que vous pouvez retrouver en cliquant là, je vous propose ci-dessous ma propre sélection avec quelques critiques. Un très grand nombre de films projetés dans le  cadre de ces Reflets l'ont d'ailleurs été dans le cadre de la compétition du Festival du Cinéma Américain de Deauville, dont certains sont cités ci-dessous.

    Etant dans ma ville natale au moment du festival (dont je vous propose quelques photos ci-dessous extraites de mon compte instagram @sandra_meziere), je ne manquerai pas de vous relater quelques séances ici et sur mon site http://inthemoodforfilmfestivals.com. 

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    Un festival à suivre et vivre du 11 au 22 mars (avec quelques projections dès le  5 mars) dans les différents cinémas mayennais (précisions pratiques en bas de cette page.)

    "Les Bêtes du Sud Sauvage" de Benh Zeitlin- Critique

    « Quand le cinéma est beau comme le vôtre, quand les films sont beaux comme le vôtre, cela rassemble à ça », avait déclaré la présidente du jury Sandrine Bonnaire lors de la cérémonie du palmarès du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2012 lors de laquelle le film avait été couronné du Grand Prix et du prix de la révélation Cartier. C'est en effet un des pouvoirs magiques du cinéma que de pouvoir rassembler ainsi des spectateurs différents dans un tourbillon d'émotions agréablement dévastateur.

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    Ci-dessus, Benh Zeitlin, lors de la cérémonie du palmarès de Deauville (photo inthemoodfordeauville.com )

    A Cannes, déjà, où je l'avais manqué et où le film a notamment été couronné de la caméra d’or, c’était une incessante litanie « il faut voir Les Bêtes du Sud sauvage ». Alors, ce film méritait-il autant de louanges et autant de prix ?

    « Les Bêtes du Sud sauvage » est le premier long-métrage de Benh Zeitlin adapté de « Juicy and Delicious», une pièce écrite par Lucy Alibar, une amie de Benh Zeitlin qui a coécrit le scénario avec lui. Il se déroule dans le Sud de la Louisiane, dans le bayou, «le « bathtub », une terre sauvage et âpre où vit Hushpuppy (Quvenzhané Wallis), une petite fille de 6 ans et son père Wink (Dwight Henry). Soudain cette nature rebelle s’emballe, les glaciers fondent, des aurochs apparaissent, le monde s’effondre pour Hushpuppy (la nature qui l’environne mais aussi le sien, son monde, puisque la santé de son père décline) ; elle va alors partir à la recherche de sa mère.

    Ne vous fiez pas à mon synopsis réducteur car ce film possède tout ce qu’un synopsis ou une critique ne pourront jamais refléter. Il en va ainsi de certains films, rares, comme de certaines personnes qui possèdent ce charme indescriptible, cette grâce ineffable, ce supplément d’âme que rien ni personne ne pourront décrire ni construire car, justement, il n’est pas le fruit d’un calcul mais une sorte de magie qui surgit presque par miracle (et sans doute grâce à la bienveillance et la sensibilité du regard du cinéaste) comme celle qui peuple les rêves de Hushpuppy.

    Dès les premières secondes, malgré la rudesse de la vie qu’il décrit, malgré l’âpreté de cette terre et celle du père de Hushpuppy, ce film vous séduit et vous emporte pour ne plus vous lâcher. C’est à travers les yeux innocents et l’imagination débordante de Hushpuppy que nous sommes embarqués dans cette histoire guidés par sa voix qui nous berce comme un poème envoûtant.

     La vie grouille, palpite, dans chaque seconde du film, dans cet endroit où elle  est (et parce qu'elle est) si fragile, son cœur bat et résonne comme celui de ces animaux qu’écoute Hushpuppy pour, finalement, faire chavirer le vôtre. Un monde qu'il donne envie de préserver avant que les marées noires ne le ravagent et que la magie n'en disparaisse à jamais.

    Son monde est condamné mais Hushpuppy (incroyable présence et maturité de la jeune Quvenzhané Wallis) , avec son regard attendrissant, opiniâtre et frondeur résiste, lutte, et s’invente un univers magique où le feu s’allume au passage d’une belle femme, où elle résiste aux aurochs du haut de ses 6 ans. Benh Zeitlin filme à hauteur d'enfant et du regard d'Hushpuppy imprégnant tout le film de son riche imaginaire.

    Film inclassable : autant une histoire d’amour fantastique ou fantasmagorique ( d’un réalisateur pour une terre sauvage et noble qui se confond avec la mer dans un tumulte tourmenté que pour ses habitants, fiers et courageux, viscéralement attachés à leur terre mais aussi  d’une fille pour son père et réciproquement dont les relations sont faites de dureté attendrissante),   que conte philosophique et initiatique, « Les bêtes du sud sauvage » est aussi un poème onirique qui mêle majestueusement tendresse et rudesse (des êtres, de la terre), réalité et imaginaire, violence (des éléments) et douceur (d’une voix), dureté et flamboyance (comme lors de ce défilé d'une gaieté triste pour célébrer la mort).  Voilà, ce film est beau et contrasté comme un oxymore.

    Un film d'une beauté indescriptible, celle des êtres libres, des êtres qui résistent, des êtres qui rêvent, envers et contre tout, tous et cela s’applique aussi bien au film qu’à celui qui l’a réalisé avec un petit budget et des acteurs non professionnels sans parler des conditions de tournage puisque l’explosion de la plateforme Deepwater Horizon de BP s’est produite le premier jour du tournage le 20 avril 2010.

    Un film universel, audacieux et dense, un hymne à la vie et l’espoir, au doux refuge de l'imaginaire aussi quand la réalité devient trop violente, un film d’une beauté âpre et flamboyante qui vous emmènera loin et vous accompagnera longtemps comme cette voix (texte de la voix off dit par Hushpuppy magnifiquement écrit), ce regard et cette musique qui reflètent ce mélange de force et de magie, de grâce et de détermination ( une musique dont Benh Zeitlin est le coauteur, elle fut même utilisée pour la campagne d’Obama) et, à l'image de son affiche, un feu d'artifices d'émotions. Un film rare qui méritait indéniablement son avalanche de récompenses.

    Vox,Renazé : samedi 12/03 à 20h30 •  Yves robert, évron : dimanche 13/03 à 20h30, mardi 22/03 à 11h • Le Palace, château-gontier : dimanche 13/03 à  18h30 • L’aiglon,St pierre-des-nids : dimanche  13/03  à  18h  • Le majestic,Ernée :  dimanche  13/03  à  16h30  • Le Vox,Mayenne : lundi 14/03 à 10h • Le trianon,Le bourgneuf-la-forêt : jeudi 17/03 à 20h30 • Cinéville, Laval : lundi 21/03 à 20h30

    "Drive" de Nicolas Winding Refn- Critique

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    « Drive » de Nicolas Winding Refn avait créé l’évènement lors du  Festival de Cannes 2011 duquel il était d’ailleurs reparti avec un prix de la mise en scène. L’ayant alors manqué, je l’avais finalement vu à Deauville, dans le cadre du Festival du Cinéma Américain, où il était présenté en avant-première après la remise des trophées du Nouvel Hollywood (nouveauté de ce festival 2011) à Jessica Chastain et Ryan Gosling en leur absence (mais ne manquez pas le discours de ce dernier lu par Nicolas Winding Refn, petit bijou de lucidité et d’humour).

    Drive est l'adaptation du livre éponyme écrit par James Sallis, c’est  le scénariste Hossein Amini qui a  transformé le roman en scénario.

     C’est l’histoire d’un jeune homme solitaire, "The Driver" (Ryan Gosling),  qui conduit le jour à Hollywood pour le cinéma en tant que cascadeur et la nuit pour des truands. Il a pour « principe » de ne participer aux crimes de ses employeurs qu’en conduisant et de n’être jamais armé. Sa  route croise celle d’Irene (Carey Mulligan) et de son jeune fils, ses voisins, et il succombe rapidement au charme de l’un et l’autre, et réciproquement. Lorsque le mari d’Irene sort de prison et se retrouve enrôlé de force dans un braquage pour s’acquitter d’une dette, il décide pourtant de lui venir en aide. L’expédition tourne mal… Doublé par ses commanditaires, et obsédé par les risques qui pèsent sur Irene, il n’a dès lors pas d’autre alternative que de les traquer un à un…

    Cela commence sur les chapeaux de roue : une mise en scène époustouflante, flamboyante et crépusculaire, qui nous fait ressentir les sensations trépidantes, périlleuses et vertigineuses de ce chauffeur hors pair et  mutique, au sourire retenu, dans une ville de Los Angeles tentaculaire, éblouissante et menaçante. Mais « The Driver » porte un masque, au propre comme au figuré (symbolisme un peu simpliste pour nous dire de nous méfier des apparences qui ne reflètent pas la réalité et pour symboliser la fragile frontière entre cinéma et réalité) et derrière ce chauffeur mutique d’allure plutôt sympathique va se révéler un vengeur impitoyable, sournois et trompeur comme le scorpion qu'il arbore sur sa veste, prêt à tous les excès pour protéger ceux qu’il « aime ».

     La violence psychologique s’annonce palpitante : pris dans un étau, il n’a d’autre solution que de commettre un méfait pour le mari d’Irène, pour sauver celle-ci … malheureusement ce qui dans la première partie s’annonçait comme un film à suspense se transforme en règlement de compte sanguinolent dans lequel l’intrigue devient inexistante et simple prétexte à une suite de scènes sanglantes, invraisemblables et vaines sans parler du personnage féminin totalement velléitaire.

     Là où un cinéaste comme James Gray -même si la mise en scène de Nicolas Winding Refn lorgne plus du côté de celle de Michael Mann- sublime une ville, en l’occurrence New York, et traite lui aussi de vengeance et d’amour, mais sans jamais mettre le scénario de côté, ou sans qu’un de ces aspects prennent le pas sur les autres, Nicolas Winding Refn se laisse entraîner par une sorte de fascination pour la violence (me rappelant ainsi la phrase de Coppola lors de sa master class deauvillaise « Montrer la guerre, c’est déjà faire l’éloge de la guerre »), montrant pourtant le temps d’un meurtre sur la plage qu’il savait très bien filmer la mort, avec une force prenante, sans que cela tourne à la boucherie ridicule.

    Ryan Gosling est certes époustouflant (et il a confirmé dans "Crazy, stupid love," la large palette de son jeu et sa capacité à tourner son image en dérision, au passage comédie romantique qui détourne puis respecte habilement les codes du genre) et derrière sa gueule d’ange il dissimule une violence froide, se transformant en un vengeur impitoyable qu’il est pourtant difficile de prendre en sympathie ou même en empathie alors que tout, au début, s'y prêtait pourtant.

    Dommage car la première partie était jubilatoire, réellement, de par la mise en scène qui nous fait éprouver ses sensations de vitesse et de mélancolie vertigineuses (sombre et belle alliance) mais aussi de par les contradictions du personnage principal et des conflits que cela annonçait. Dommage encore car la première partie était particulièrement prometteuse  avec des scènes plus calmes d’une beauté saisissante  comme ce face-à-face entre Irène et The Driver, dans l’appartement d’Irène, scène dans laquelle le temps est suspendu et dans laquelle les échanges évasifs de regards et les silences d’une douce sensualité en disent tellement. Sans parler évidemment d’une bo remarquable qui contribue fortement au caractère jubilatoire de la première partie.

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    Nicolas Winding Refn a ravi le prix de la mise en scène à Pedro Almodovar à Cannes qui, à mon avis, l’aurait davantage mérité (pour « La Piel que habito »), ne serait-ce que  parce qu’il a brillamment raconté une histoire cruelle, terrible, effroyable dans laquelle toute la finesse de la mise en scène réside justement dans ce qui n’est pas montré et qui n’en a que plus de force…

    A voir néanmoins pour les amateurs de séries B auxquelles le film rend hommage, pour ceux pour qui la virtuosité de la mise en scène prédomine sur un scénario bancal, voire vide (dans la deuxième partie), ce qui n’enlève certes rien à la force de l’univers visuel de Nicolas Winding Refn mais ce qui pour moi a gâché tout le plaisir engendré par la première partie. La violence absurde et les excès du personnage principal (qui promettait là aussi d'être d'une complexité passionnante), sans parler des réactions invraisemblablement vélléitaires du personnage féminin, le manichéisme des méchants du film, l’ont emporté ainsi sur une première partie prometteuse comme rarement avec des images et une musique qui, encore maintenant, me restent en tête. Un magnifique clip, à défaut du grand film que la première partie annonçait pourtant.

    Parc de l’oisellerie, château-gontier : samedi 19/03 à 21h(drive-in)

    "Somewhere" de Sofia Coppola- Critique

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     Quatrième long-métrage de la cinéaste après « Virgin suicides », « Lost in translation » et « Marie-Antoinette », « Somewhere » a reçu le Lion d’or du  Festival de Venise « à l’unanimité » selon le président du jury Quentin Tarantino, malgré l’accueil mitigé que le film avait reçu à la Mostra mais Quentin Tarantino (que certains ont accusé de favoritisme) n’en est pas à sa première remise de prix controversée, on se souvient ainsi de la controverse suite à la palme d’or que le jury cannois qu’il présidait avait attribuée à Michael Moore pour « Fahrenheit 9/11 », en 2004.

    Le synopsis de « Somewhere » n’est pas sans rappeler celui de « Lost in translation » :  Johnny Marco (Stephen Dorff), acteur de son état, promène sa lassitude désenchantée dans les couloirs du Château Marmont, célèbre hôtel (réel) de Los Angeles fréquenté par le tout Hollywood, jusqu’au jour où arrive Cléo (Elle Fanning), sa fille de 11 ans.  Avec elle, il va enfin se réveiller et révéler, et cesser de tourner en rond pour retrouver le « droit chemin ».

    La première scène  nous montre ainsi une voiture (la Ferrari rutilante de l’acteur dont on se demande parfois si le film n’en est pas le spot publicitaire même si, certes, elle n’est pas sans symboles, notamment  de son luxueux enfermement ) qui tourne en rond sur un circuit, à l’image de Johnny dans les couloirs du Château Marmont, et de sa vie qui ne semble aller nulle part, et n’être qu’une errance dans les couloirs de l’hôtel où il croise notamment Benicio Del Toro, Aurélien Wiik et Alden Ehrenreich (dont je vous laisse retrouver les très courtes apparitions) mais surtout des silhouettes lascives, fantomatiques et désincarnées quand il n’en ramène pas dans sa chambre, semble-t-il sa seule occupation. Lorsque la gracile, solaire et sage Cléo débarque, il porte un regard nouveau sur ce qui l’entoure, ou même tout simplement il porte un regard, enfin.

     Ce regard c’est celui de la cinéaste, habituée des lieux, gentiment ironique : sur la télévision italienne et ses personnages hauts en couleurs, les conférences de presse aux questions consternantes (dont les questions et la perplexité de l’acteur n’ont pas été sans me rappeler celle-ci, notamment, mais aussi bien d’autres), la promotion contrainte et souvent absurde.

    La mode est désormais indissociable de Sofia Coppola. Pas seulement parce que cette dernière figure fréquemment dans les magazines féminins à la rubrique mode mais aussi parce que son cinéma, d’ailleurs qu’il se passe au XVIIIème ou en 2010, semble compiler les effets de mode : musicaux (hier Air, aujourd’hui Phoenix, avec la musique de Thomas Mars), géographiques (l’hôtel Château Marmont de Los Angeles) ou visuels ( trèèès longs plans fixes ou plans séquences).

    Le problème c’est qu’à force d’être « à la mode », Sofia Coppola nous donne l’impression de regarder la couverture glacée d’un magazine (à moins que ce ne soit délibéré que nous ne voyions rien comme Johnny aveugle à ce qui l’entoure). Le Château Marmont est un lieu décadent nous dit-elle, mais son regard semble s’arrêter à l’apparence, à cette première page sans jamais en franchir réellement le seuil. A l’image du premier plan et de son protagoniste, le cinéma de Sofia Coppola semble par ailleurs tourner en rond : le cadre, les personnages, la fin rappellent ceux de « Lost in translation » (notamment avec ses paroles inaudibles),  et on retrouve ses thématiques récurrentes : personnages esseulés, en transition, célébrité.

     Là où « Lost in translation » était avant tout centré sur le scénario (recevant un Oscar, mérité, pour celui-ci), « Somewhere » ressemble davantage à un exercice de style imprégné de cinéma d’auteur français  et de Nouvelle Vague(jusqu’au prénom Cléo, probablement en référence à Varda) ou de cinéastes américains comme Gus Van Sant, mais je ne vois toujours pas ce que ce film a de plus qu’un grand nombre de films indépendants américains (notamment ceux projetés en compétition dans le cadre du Festival du Cinéma Américain de Deauville, au moins aussi bons) et donc ce qui justifie son prix à la Mostra.

    Finalement ce film est à l’image de sa réalisatrice qui dégage un charme discret et dont on ne sait si on la trouve charmante à force qu’on nous ait rabâché qu’elle l’était ou si elle l’est réellement. J’avoue n’avoir toujours pas réussi à trancher, et à savoir si son film lui aussi est juste une image ou si il a une réelle consistance. Ou s’il n’est qu’un masque comme celui que Johnny est contraint de porter (au propre comme au figuré). Cela me rappelle d’ailleurs cette anecdote significative, Sofia Coppola passagère connue et anonyme dans un bus et que j’étais la seule à remarquer, témoignant du fait qu’on ne la remarque comme une icône de mode que parce que les magazines nous la désignent comme telle, et je me demande ainsi si ce n’est pas à l’image de son cinéma qui serait « remarquable » car « à la mode ». En tout cas, et pour mon plus grand plaisir, n'a-t-elle pas cédé à une mode: celle des films avec dialogues (quand il y en a) et rythme effrénés pour vous empêcher de réflèchir (ce qui, en général, serait fortement nuisible aux films en question).

    « Somewhere », à la fois très dépouillé et stylisé (qualité et défaut d’un premier film dont il a les accents), n’est donc néanmoins pas dénué de charme ou de grâce (par exemple le temps d’un survol en hélicoptère où Johnny prend la mesure de la beauté du monde, en tout cas de son monde, d’une danse aérienne sur la glace, ou d’une caméra qui s’éloigne lentement, prenant du recul comme Johnny va le faire progressivement), et son ironie désenchantée est plutôt réjouissante. La photographie langoureuse d’Harris Savides (notamment chef opérateur de « Gerry », "Elephant", "Whatever works", "The Game", ou « The Yards »), les plans lancinants souvent intelligemment métaphoriques retiennent notre attention et, malgré la lenteur, ne laissent jamais l’ennui s’installer mais nous permettent au contraire de nous laisser porter par l’atmosphère du Château Marmont et, comme Johnny d’en éprouver les facéties étouffantes. Stephen Dorff est parfaitement crédible en acteur débraillé, lucide, blasé et passif que tout le monde trouve en pleine forme, et la jeune Elle Fanning dégage une grâce, une maturité et une justesse rares qui illuminent le film et promettent une jolie carrière. Ils forment un duo tendre et attachant, crédible.

     Malgré cela, ce « Somewhere » certes indéniablement plein de charme, m’a laissée sur ma faim, et je m’interroge encore pour savoir si cette longue route droite mène réellement quelque part et si, plus encore qu’intimiste, ce film n’en est pas démesurément personnel, voire narcissique, pour oublier d’être ce qu’est tout grand, voire tout bon film, et ce qu’étaient à mon sens les excellents « Lost in translation » et « Marie-Antoinette » : universels.

    Le Vox, Mayenne : dimanche 13/03 à 16h, vendredi 18/03 à 14h.

    "States of Grace" de Destin Cretton

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     "States of Grace" était en compétition du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2013 sous le titre "Short term 12".

    Grace, la vingtaine, est surveillante dans un foyer d’accueil pour adolescents en difficulté : le Short Term 12. Tourmentée par un sombre passé, elle n’en reste pas moins passionnée par son travail et s’occupe des jeunes pensionnaires avec le plus grand soin. Lorsque Jayden, une adolescente douée mais très perturbée, est admise dans l’établissement, Grace doit alors affronter ses propres démons…

    Première réalisation de Destin Cretton, Short Term 12 est un film indépendant américain réunissant notamment à l’écran Brie Larson (Don Jon), John Gallagher Jr. (The Newsroom) et Rami Malek (The Master). L’histoire s’intéresse à Grace (interprétée par Brie Larson), une jeune femme sensible et déterminée qui est à la tête d’un foyer californien d’adolescents en difficulté. Dans son équipe de formateurs, tous aussi jeunes qu’elle, tout le monde n’a pas la même expérience mais, face aux problèmes des ados, la solidarité et le bon esprit sont de mise. Jusqu’à l’arrivée soudaine d’une fille tourmentée qui ignore les règles du centre, bouscule le groupe et renvoie Grace à sa propre adolescence… pas si lointaine.

    Ce n’est pas l’originalité qui marque dans ce film mais le naturel et la justesse de l’interprétation, la crédibilité des personnages rendent cette histoire particulièrement juste et vibrante sublimée par une bo d’une belle sobriété. A voir aussi pour Brie Larson qui vient d'obtenir l'Oscar de la meilleure actrice.

    Le film sera projeté le lundi 14 mars à Gorron.

    "Les chansons que mes frères m'ont apprises" de Chloé Zhao

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    Beaucoup plus fragile mais plus touchant et incarné, le film de Chloé Zhao, « Les chansons que mes frères m’ont apprises »  présenté en compétition officielle du dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville et dans lequel Johnny vient de terminer ses études. Lui et sa petite amie s’apprêtent à quitter la réserve indienne de Pine Ridge pour chercher du travail à Los Angeles. La disparition soudaine du père de Johnny vient bousculer ses projets. Il hésite également à laisser derrière lui Jashaun, sa petite sœur de treize ans dont il est particulièrement proche. C’est tout simplement son avenir que Johnny doit maintenant reconsidérer…

    Les failles et les fêlures des personnages sont ici (aussi, encore!) expliquées par une figure paternelle défaillante. Porté par une voix off (au début principalement) qu’affectionne le cinéma indépendant américain et qui, toujours, produit son effet, créant d’emblée lyrisme et empathie, par des acteurs pour la plupart non professionnels et issus véritablement de la réserve indienne, le film de Chloé Zhao dépeint avec beaucoup de délicatesse ce territoire d’une beauté à couper le souffle, paradoxalement un univers clos qui devient comme une prison étouffante pour ceux qui y (sur)vivent. Une plongée passionnante dans un univers méconnu servie par des personnages (et acteurs) attachants et une réalisatrice visiblement viscéralement attachée à son sujet.

    Cinéville, Laval : samedi 12/03 à 15h30 • Le majestic, ernée : samedi 12/03 à 20h30 • Le Vox,Mayenne : mardi 15/03 à  10h  • Yves robert,  évron : mardi 22/03 à 14h.

    "Nebraska" d'Alexander Payne

    "Nebraska", c'est l’histoire d’un vieil homme persuadé qu’il a gagné le gros lot à un improbable tirage au sort par correspondance, qui cherche à rejoindre le Nebraska pour y recevoir son gain. Sa famille, inquiète de ce qu’elle perçoit comme un début de sénilité, envisage de le placer en maison de retraite, mais un de ses deux fils se décide à l’emmener en voiture pour récupérer ce chèque auquel personne ne croit. En chemin, le père se blesse les obligeant à s’arrêter quelques jours dans sa petite ville natale du Nebraska. Épaulé par son fils, le vieil homme retrouve tout son passé.

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    Sur un ton doux amer et avec une tendre cruauté, Alexander Payne prend le prétexte de cet improbable gain pour faire revenir le vieil homme, aussi bourru qu’attendrissant, sur les traces de sa jeunesse,  un retour dans le passé filmé avec un noir et blanc d’une intemporelle nostalgie. C’est aussi le prétexte à la découverte d’une classe moyenne américaine, décrite avec ironie et causticité. C’est encore le prétexte pour filmer de splendides paysages déserts aussi arides que les cœurs de ceux qui y vivent, en apparence seulement pour certains. En chemin, le vieil homme perdra un dentier, engloutira quelques bières, retrouvera quelques vieilles connaissances et surtout apprendra à connaître son fils tandis que ce dernier, au cours de ce voyage dans le passé, découvrira des éléments du passé de son père qui permettront d’en dresser un portrait moins médiocre que celui qu’en font les autres membres de la famille. Un film teinté de la cruelle nostalgie de la jeunesse à jamais perdue et de la tendresse d’un fils pour son père ( père et fils entre lesquels les rôles s’inversent d’ailleurs, une inversion des rôles intelligemment mise en scène), et qui est, malgré ses défauts, à l’image de ce père: attachant. Un “petit” film, avec une photographie d’une splendide mélancolie, qui met joliment en scène l’amour filial (très belle scène de fin) et donne envie de profiter de ces instants inestimables en famille et d’étreindre ceux qui nous entourent et que nous aimons. Bruce Dern est parfait dans le rôle de ce vieux bougon sans doute moins sénile qu’il n’y parait et qui lui a valu le prix d'interprétation à Cannes en 2013.

    "Things people do" de Saar Klein

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     Le jury du Festival du Cinéma Américain de Deauville avait choisi d’attribuer il y a deux ans un prix  du 40ème anniversaire à un premier film. Ce fut "Things people do",  un film qui écorne le vernis de la société américaine et de la famille « idéale ». Cela commence autour d’une piscine sous un soleil éclatant. Mais c’est bien connu tout ce qui brille n’est pas de l’or… THINGS PEOPLE DO, premier film de Saar Klein nous raconte le tournant de la vie de  Bill, un père de famille dévoué, qui perd son travail du jour au lendemain. Il n’a alors pas d’autre choix que celui d’entrer, presque à son insu, dans l’illégalité. Quand il se lie d’amitié avec un inspecteur de police, c’est la double vie qui est désormais la sienne qui risque à terme d’être révélée…  Un homme de la classe moyenne dont la vie bascule suite au scandale des subprimes. Un film immoral et amoral: «  ce que font les gens » (Things people do) se réfère à ceux qui agissent pour satisfaire leurs désirs ou arriver à leurs fins, à commencer par ne pas respecter les règles qu’eux-même énoncent. Jusqu’à la fin, cette immoralité nous tient en haleine et suscite les rires (grinçants) avec un dernier plan, brillant, qui les suspend…et nous laisse choisir entre le mensonge et la vérité, l’honnêteté et le cynisme, le courage et la lâcheté…et rien que pour cela, cette intelligence de ne pas choisir quand tant de films nous disent, ordonnent, même quoi penser, je vous le recommande…

    A voir également :

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    -Les films de de John Cassavetes "Opening night" et "Meurtre d'un bookmaker chinois" dans le cadre d'une soirée Cassavetes au cinéma "Le Vox" à Mayenne, le samedi 19 mars.

    -Les  chefs d'œuvre   "Les temps modernes" de Charlie Chaplin (mais aussi des courts-métrages de Chaplin) et "Paris, Texas" de Wim Wenders.

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    -Le samedi 5 mars 2016, à Changé: une sélection des courts-métrages des Oscars 2016.

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    -Des avant-premières comme "Nasty baby" de Sébastian Silva le 18 mars à 20H30 au Cinéville de Laval  ou encore le film d'ouverture "Maggie a un plan" de Rebacca Miller, le 11 mars à 20H au Cinéville de Laval ou encore le documentaire "Jodorowsky's dune" de Franck Pavich notamment au Cinéville de Laval le 14 mars à 20H30 ou enfin "Boulevard" de Dito Montiel au Cinéville de Laval, le 19 mars à 20H.

    -Un ciné-concert à l'Avant-scène de Laval, à 15h, le 23 mars

    Informations pratiques et tarifs

    Carte accès illimité Reflets : 65 €
    Nominative avec  photo, valable pour  toutes les séances du  festival (disponible au local de l’association Atmosphères 53, le jour de l’ouverture,  à la librairie M’Lire)

    Tarifs à la séance à voir selon les cinémas.

    Printemps du cinéma du 20 au 22 mars: 4 € pour tous.

    Atmosphères 53
    12, rue guimond-des-Riveries
    53 100 Mayenne
    02 43 04 20 46
    contact@atmospheres53.org
    www.atmospheres53.org
    facebook : Atmosphères 53

  • Aux auditeurs de France Bleu Mayenne qui...

    france6.jpg...découvriraient ce blog suite aux émissions de cette semaine, je souhaite la bienvenue (vous pourrez encore m'entendre demain et après-demain à 10H50). Si vous voulez en savoir plus sur ce blog (en direct de Paris quand ce n'est pas d'un festival ailleurs, mais d'une Lavalloise d'origine) rendez-vous sur cette page (origines, objectifs, présence des blogs sur les réseaux sociaux et dans les médias...)  ou encore sur celle-ci (avec mon bilan de l'année 2010 et mes voeux pour 2011) et n'hésitez pas à laisser un commentaire. Je serais curieuse de savoir si des Mayennais suivent (régulièrement ou pas) ce blog ou mes autres blogs. Et merci à France Bleu Mayenne pour ce sympathique troisième clin d'oeil de l'année (après notamment un direct de Cannes au milieu du brouhaha, juste avant le palmarès, pour livrer mes impressions et pronostics).

  • Avant-première – Dany Boon présente « Rien à déclarer » au Cinéville de Laval (vidéo et critique)

     

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    laval.jpgDélaissant pour un (court) temps les avant-premières parisiennes et projections presse, c’est dans mon charmant et malheureusement méconnu palindrome natal que j’ai assisté à l’avant-première du nouveau film de Dany Boon en tant que réalisateur (et interprète d’ailleurs) : « Rien à déclarer ». Ce dernier était accompagné de Bruno Lochet et de Julie Bernard et finalement pas de Benoît Poelvoorde, pourtant annoncé (cf les explications de Dany Boon dans ma vidéo).

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     Dany Boon dégage tellement de gentillesse et humilité rares que j’aurais adoré aimer son film et le défendre ardemment contre les journalistes ou pseudo-journalistes qui, pour la plupart, ne prendront certainement même pas le temps d’aller le voir (comme un détracteur de « Bienvenue chez les chtis » l’a récemment avoué…). Malheureusement, tout comme « Bienvenue chez les chtis » et même a fortiori, « Rien à déclarer » fait preuve d’un humour suranné, enfantin et gentil(let) qui, d’ailleurs,  dans la salle faisait surtout rire les enfants et qui tranche, certes, avec beaucoup de bonne volonté avec le (tout aussi) désolant cynisme à la mode.

    Le synopsis est lui aussi d’une simplicité enfantine. 1er janvier 1993 : passage à l'Europe oblige, deux douaniers, l'un Belge francophobe interprété par Benoît Poelvoorde, l'autre Français, interprété par Dany Boon, apprennent la disparition prochaine de leur petit poste de douane fixe situé dans la commune de Courquain France et Koorkin Belgique. Les deux ennemis d’hier vont devoir cohabiter et vaincre leurs préjugés.

    Même si la réalisation s’améliore, comme « Bienvenue chez les chtis », « Rien à déclarer » nous plonge dans un cinéma et une France anachroniques, voire ici d’un autre temps. « Rien à déclarer » se présente comme une leçon de morale adressée aux enfants, sur les préjugés racistes symbolisés par le francophobe douanier belge. Hier Dany Boon combattait les préjugés sur le Nord, aujourd’hui les préjugés racistes qualifiant son film de « comédie sociale » (Mike Leigh et Ken Loach n’ont qu’à bien se tenir...)

    Dany Boon semble avoir pioché des idées ici et là : dans les « Gendarmes à Saint-Tropez », dans le duo Bourvil / De Funès (il fait un charmant Bourvil et Poelvoorde un De Funès aigri, râleur, raciste plus vrai que nature  et on s’attend à tout instant à ce qu’ils disent « forcément elle va moins bien marcher maintenant» à propos de leur 4L), dans « Taxi »,  dans les comédies américaines avec le chien pataud de rigueur ou encore dans les séries B avec les seconds rôles décalés et surjoués.

    Si cette troisième réalisation de Dany Boon à l’image des deux premières est toujours pleine de naïveté et de bons sentiments, cette fois il a rajouté une couche d’humour vulgaire racoleur assez consternant.

    La tendresse avec laquelle Dany Boon filme ses personnages, et à nouveau l’absence totale de cynisme (qui n’empêche pas la vulgarité, donc) sont certes louables mais même malgré des acteurs convaincants (François Damiens, Karin Viard) qu’il prend visiblement plaisir à filmer autant que ces derniers en prennent à jouer (des rôles très caricaturaux), ni lui ni ces derniers ne sont parvenus à empêcher l’ennui de s’installer.

    Une sortie anticipée est prévue dans le Nord et en Blegique le 26 janvier et dans le reste de la France le 2 février. Sans doute était-il difficile de repasser derrière la caméra après le plus gros carton du cinéma français au succès aussi irrationnel et imprévisible que serait pour moi celui, éventuel, de ce « Rien à déclarer » obsolète. Un conseil : regardez la vidéo où Dany Boon apparaît drôle, tendre et humble, une attitude à l'image de laquelle nous ne pouvons que lui souhaiter de parvenir à faire ressembler son cinéma.