« L’art est une émotion supplémentaire qui vient s’ajouter à une technique habile. » Chaplin

« L’art du cinéma consiste à s’approcher de la vérité des hommes, et non pas à raconter des histoires de plus en plus surprenantes. » Jean Renoir

Alors que je vous parlais il y a quelques jours du palmarès des Paris Film Critics Awards (dont j’ai le plaisir de faire partie du collège des votants) qui ont couronné La Nuit du 12 de Dominik Moll, élu meilleur film de l’année mais aussi récompensé du prix de la meilleure adaptation et du meilleur second rôle féminin par Anouk Grinberg (également nommée dans cette catégorie aux César), dans une semaine, ce sera au tour de l’Académie des César de dévoiler le sien lors de la 48ème cérémonie.

Deux films figurent en tête avec, respectivement, 11 et 10 nominations : L’innocent de Louis Garrel et La nuit du 12 de Dominik Moll, suivis de En corps de Cédric Klapisch et Pacifiction – Tourment sur les îles d’Albert Serra avec 9 nominations chacun.

De ce quatuor ressort une première bonne nouvelle : ce sont quatre films de genres et styles très différents, ce qui démontre, à qui en douterait encore, la diversité du cinéma français qui (ré)concilie ces deux définitions du cinéma par Chaplin et Renoir.

Nous pouvons en revanche déplorer que de nombreux films soient oubliés de ces nominations, trop peu vus (ou pas vus du tout) par les « professionnels de la profession » (du moins ceux qui ont voté, soit 67,8% des membres seulement) parmi lesquels les films suivants :  Une belle course de Christian Carion, Frère et sœur de Arnaud Desplechin, Goliath de Frédéric Tellier , Un autre monde de Stéphane Brizé, Ténor de Claude Zidi Jr., Années 20 de Elisabeth Vogler, La Brigade de Louis-Julien Petit, Adieu Monsieur Haffmann de Fred Cavayé, Kompromat de Jérôme Salle, Maria rêve de Lauriane Escaffre et Yvo Muller …

Mais aussi une seule nomination pour :

-  Chronique d’une liaison passagère de Emmanuel Mouret, pour Vincent Macaigne comme meilleur acteur. La mise en scène aurait aussi mérité d’être nommée pour son inventivité. La caméra virevolte entre les acteurs, les accompagne dans leurs mouvements incessants, dans leur indécision, leur ambivalence, notamment par des plans-séquence magistraux ou les plongeant dans des décors plus grands qu’eux, ceux de la grande aventure de leur vie. Ils sont aussi souvent filmés dans de superbes contre-jours ou de dos. Ces choix de mise en scène incitent ainsi le spectateur à interpréter leurs émotions dans leurs gestes tout en retenue au contraire de ceux des personnages de Scènes de la vie conjugale d’Ingmar Bergman que les protagonistes vont voir au cinéma comme un malin contrepoint à leur relation. La (trompeuse) légèreté de cette fable fait un bien fou…et ne rend que plus émouvants la partie finale qui nous cueille savamment et subitement et ces plans de décors vides où ils vécurent des moments heureux auxquels la musique apporte une douce mélancolie. Kiberlain et Macaigne sont tellement parfaits dans leurs rôles qu’il est impossible d’imaginer quels autres acteurs auraient pu incarner aussi bien ce contraste, et apporter cette fantaisie à leurs personnages, ce ton si particulier, sur le fil, entre légèreté et gravité. D’infimes variations dans leur jeu nous font comprendre l’évolution des sentiments indicibles de leurs personnages.

- pour Les jeunes amants de Carine Tardieu, pour la magistrale Fanny Ardant, nommée comme meilleure actrice, absolument bouleversante, toujours si éblouissante, fascinante, singulière, un film d’une rare délicatesse sur un sublime amour qui échappe aux conventions, un film qui aurait aussi mérité d’être nommé dans d'autres catégories, au moins pour son scénario.

- pour Revoir Paris, pour Virginie Efira, également nommée comme meilleure actrice, un film d’une rare sensibilité, celle qu’il fallait pour traiter de ce sujet si récent (des attentats de Paris de 2015) et si présent dans les mémoires. Mais aussi un film sur la mémoire traumatique qui donne des visages à cette épreuve collective avec tact et dignité. Un poignant élan de vie, de réconciliation (avec soi, le passé) et d’espoir. Une fois de plus, Virginie Efira est troublante de justesse, de nuance, d’émotions, de force et fragilités mêlées.

Face à Virginie Efira et Fanny Ardant, il faudra aussi compter sur Juliette Binoche dans le passionnant Ouistreham de Emmanuel Carrère dans lequel cette dernière incarne une journaliste infiltrée parmi des femmes de ménage, et qui est aussi passionnant pour le tableau social "à la Ken Loach" qu’il dresse que pour sa réflexion sur le mensonge. L’actrice s’est glissée magistralement dans la peau de Florence Aubenas, autrice du livre dont le film est l’adaptation.

Il faudra également compter sur Laure Calamy dans le trépidant A plein temps de Eric Gravel,  journées d’une femme filmées comme un thriller accompagnée de la musique haletante de Irène Drésel, également nommée pour la musique originale, et Mathilde Van de Moortel pour le montage, mais aussi sur Adèle Exarchopoulos dans un autre film qui n’a pas reçu les échos qu’il aurait mérités, Rien à Foutre de Emmanuel Marre et Julie Lecoustre, portrait générationnel d’une jeune femme hôtesse de l’air en fuite permanente pour tenter d’échapper à son passé et à la réalité.

- une seule nomination pour Une jeune fille qui va bien de Sandrine Kiberlain, pour Rebecca Marder comme meilleur jeune espoir féminin. Rebecca Marder est une Irène qui irradie de joie de vivre. Avec sa charmante maladresse et sa vitalité contagieuse, elle est absolument irrésistible. Elle vibre de l’amour du théâtre et de la vie, des premiers élans amoureux aussi. Et elle contamine tout le film de la fouge de sa jeunesse. Derrière sa légèreté perce pourtant par moments une gravité qui n’en est que plus ravageuse.  Elle apporte toute sa grâce à ce rôle magnifique, délicat, plein de charme et de candeur derrière lesquels elle dissimule la lucidité de ce qui se trame et que son corps lui rappelle par ses évanouissements. Un film aux résonances universelles comme l'est le Journal d’Anne Frank, qui doit tout autant être montré aux jeunes générations. Pour ne pas oublier. Que cela fut. Que cela pourrait advenir à nouveau. Que le présent et la liberté sont aussi précieux que fragiles. Cette ode à la vie les célèbre magnifiquement et nous laisse avec leur empreinte, pugnace et sublime. Un grand premier film qui nous rappelle qu’il ne faut jamais oublier, et que l’on n’oubliera pas.

-pour Falcon Lake de Charlotte Le Bon, nommé comme meilleur premier film. « Certains fantômes ne réalisent pas qu'ils sont morts. Souvent c'est des gens qui n'étaient pas près de mourir, ils vivent avec nous sans pouvoir communiquer avec personne » dit ainsi le personnage masculin principal, Bastien, à un moment du film. Une phrase qui résonnera d’autant plus fort après cette fin, ce plan du personnage Chloé face au lac, avec sa mèche blonde, qui se tourne à demi quand Bastien l’appelle. Une fin entêtante, magnifique, énigmatique qui fait confiance au spectateur et au pouvoir de l’imaginaire. Une fin comme ce film, magnétique, dont le fantôme ne cessera ensuite de nous accompagner…Une histoire d’amour et de fantômes, certes, mais surtout une exceptionnelle et sublime histoire d’amour et de fantômes  qui vous hantera délicieusement très longtemps.

Notre Dame brûle de Jean-Jacques Annaud récolte également une seule nomination pour les effets visuels, signés Laurent Ehrmann.

 De nombreux commentateurs ont déploré l’absence de femmes dans la catégorie « meilleur réalisateur ». Toujours est-il que ces quatre films, au moins (Une jeune fille qui va bien, Revoir Paris, Les jeunes amants, Falcon lake) en auraient mérité davantage. Fait paradoxal quand un des films les plus nommés, La nuit du 12, succès surprise de cet été avec presque 500000 entrées, évoque justement la condition féminine et les féminicides. Ce film inspiré de faits réels, âpre et ciselé, est le septième long-métrage de Dominik Moll. A l’heure où les féminicides demeurent dramatiquement nombreux, ce film est un plaidoyer retentissant, glaçant et vibrant contre les violences faites aux femmes. L’intérêt de l’enquête au cœur du film réside ainsi moins dans la résolution du crime que dans l’auscultation de la vision de la femme par les 6 hommes qui sont les potentiels suspects responsables de l’assassinat d’une jeune femme mais aussi par certains policiers dont les propos font écho à ceux de ces derniers. N'y voyez pas là du manichéisme, bien au contraire ! Les formidables personnages incarnés par Bastien Bouillon et Bouli Lanners viennent les contrebalancer. Bouli Lanners et Bastien Bouillon sont ainsi perdus et tourmentés, et leur désespoir, leur fragilité, leur solitude face à cette affaire irrésolue nous hantent autant que cette dernière après le film. Anouk Grinberg campe aussi une juge profondément humaine.  La procédure est décortiquée mais ce sont surtout les âmes humaines qui le sont comme dans un film de Tavernier (on songe à L627). Le décor de cette vallée grisâtre autour de Grenoble se prête parfaitement à ce thriller sombre. Un film noir dont on ressort bousculé par le portrait de la misogynie « ordinaire. Le dernier plan, celui de l’enquêteur de la PJ qui s'échappe du vélodrome et roule le jour est la respiration tant attendue qui nous marque longtemps après la projection comme ce film qui ne peut laisser indifférent, tant il entre en résonance avec les plaies à vif de notre époque.

 Dans d’autres catégories plus techniques, nous pouvons déplorer que ce soit toujours les mêmes noms qui reviennent. Sans nier le talent des personnes concernées, cela témoigne aussi peut-être d’une certaine facilité de voter pour des noms « retentissants ».

Pour le César du meilleur film étranger, je me réjouis de la présence de Close de Lukas Dhont, un film d’une maitrise (de jeu, d’écriture, de mise en scène) rare, empreint de poésie qui ne nuit pas au sentiment de véracité et  de sincérité. Et puis il y a ce regard final qui ne nous lâche pas comme l’émotion poignante, la douce fragilité et la tendresse qui parcourent et illuminent ce film. Un regard final qui résonne comme un écho à un autre visage, disparu, dont le souvenir inonde tout le film de sa grâce innocente. Un des grands films de cette année 2022, étourdissant de sensibilité, bouleversant.

L’emportera-t-il face à As Bestas de Rodrigo Sorogoyen, grand vainqueur de la dernière cérémonie des Goya… ?  Le village en déclin et la campagne de Galice, sauvage, grisâtre et monotone, constituent un personnage à part entière, à la fois fascinant et inquiétant, hostile et admirable.  Ajoutez à cela un scénario impeccable (de Isabel Peña et Rodrigo Sorogoyen), une interprétation de Marina Foïs et Denis Ménochet d’une justesse qui ne flanche jamais, et qui contribue beaucoup au parfait équilibre de l'ensemble, et vous obtiendrez un film âpre mais remarquable.

Autre prétendant sérieux au César du meilleur film étranger, Sans Filtre de Ruben Östlund, la palme d’or du dernier Festival de Cannes…Tantôt réjouissante, tantôt dérangeante (à dessein) et finalement peut-être vaine, cette farce cruelle et satirique, sans la moindre illusion sur le monde, nous laisse une impression mitigée, se terminant par une pirouette facile destinée à nous montrer que la boucle est bouclée, que le cycle infernal ne prendra jamais fin.  

Parmi les autres nominations notables, celle de Charlotte Gainsbourg pour son documentaire, Jane par Charlotte. Charlotte Gainsbourg « capture l'instant présent » reprenant ainsi les mots et la démarche de Varda (le titre se réfère à Jane B. par Agnès V) mais avec sa singularité et sa sensibilité, à fleur de peau. Un dialogue intime mais jamais impudique entre Gainsbourg et Birkin qui, pendant 3 ans et avec un dispositif minimaliste, au gré des voyages, du Japon à la Bretagne en passant par les États-Unis, et au gré de l’évocation des « petits riens » devient un dialogue universel entre une mère et sa fille, un zoom progressif d'une fille sur sa mère, sans fards. Jane Birkin y apparaît telle qu’elle est : sans méfiance, fantasque, empathique. Mais aussi seule, insomniaque, tourmentée. Tourmentée par les deuils et leurs chagrins inconsolables. La maladie. Le drame ineffable la perte de sa fille Kate. Le temps insatiable et carnassier qui altère la beauté et emporte les êtres chers. Au milieu de tout cela, la visite « comme dans un rêve » de la maison de la rue de Verneuil, l'ombre de Serge Gainsbourg et les silences éloquents et émouvants. Le portrait d’une femme majestueuse. Un portrait qui s’achève par la voix mélodieuse et les mots bouleversants de sa fille se livrant à son tour, enfin, et évoquant la peur terrifiante et universelle de la perte de sa mère et qui, par ce film, tente d'appréhender l'inacceptable, de l'apprivoiser, de retenir chaque poussière d’instant en compagnie de celle dont l'intermédiaire de la caméra lui permet paradoxalement de se rapprocher. Un bijou de tendresse et d’émotion portée par une judicieuse BO (de Bach aux interludes électroniques de Sebastian). D’humour aussi, d'humour beaucoup, grâce au regard décalé, espiègle et clairvoyant que Jane Birkin porte sur elle-même, la vie, les autres, mais aussi celui que sa fille porte sur sa mère. Un film comme elles, réservées et terriblement audacieuses : riche de leurs séduisants paradoxes. Léger dans la forme et teinté de touches de gravité. Libre aussi. Et encore cela : délicat, iconoclaste, éperdument vivant et attachant. Un documentaire qui, en capturant le présent et sa fragilité, nous donne une envie folle d’étreindre chaque seconde de notre vie et aux filles de s'accrocher à leurs mères comme elles deux dans ce dernier plan avec l'illusion d'empêcher ainsi l'inexorable, que la vague effroyable de l'impitoyable faucheuse ne les emporte un jour, à tout jamais... Je voudrais remonter le temps. Redevenir celle qui, en 1999, avait eu la chance de partager 5 jours mémorables avec Jane Birkin en tant que membre d'un jury qu'elle présidait au Festival du Film Britannique de Dinard.. Et lui dire à quel point sa bienveillance, cette confiance sans filtre envers les autres qui transpire dans ce documentaire, m'avaient émue...Et lui dire merci tout simplement.  Alors merci Jane et merci Charlotte Gainsbourg pour ce portrait qui entremêle les émotions. Vous l'aurez compris, je souhaite un César pour ce documentaire.

LE film de l’année reste pour moi En corps de Cédric Klapisch.  Ce film lumineux met le cœur en joie, vous cueille quand vous ne vous y attendez pas, par un flashback et un plan, de loin, d’un père qui enlace sa fille, filmés tout en pudeur. Ajoutez à cela des seconds rôles remarquables au premier rang desquels celui qui incarne le père, Denis Podalydès, aussi terriblement gauche qu’émouvant, François Civil en kinésithérapeute éthéré et Muriel Robin, propriétaire de la résidence pour artistes, qui interprète avec sobriété cette autre blessée de la vie à l’écoute bienveillante. Et vous obtiendrez un joyeux élan de vie, de danse, d’espoir. Un film duquel se dégage une grâce énergique qui vous donne envie de croire encore (en corps) et plus que jamais qu’il est toujours possible de faire danser la vie, de se relever, de s’élever même, malgré les chutes et les blessures. Pour moi, il y aura désormais deux films références sur la danse. Un film entrelaçant le noir et le blanc, une quête de perfection obsessionnelle, une expérience sensorielle, une danse funèbre et lyrique, un conte obscur sensuel et oppressant à la beauté hypnotique : Black swan de Darren Aronofsky. Et son exact contraire, En corps. Dans l'un, la passion de la danse détruit. Dans l'autre, elle élève. Alors, n’écoutez pas les critiques vengeresses qui qualifient ce beau film de mièvre. C’est tout sauf cela. C’est tendre, drôle, émouvant, faussement léger, profond, réconfortant, énergique, optimiste. Cela donne envie d’étreindre l’existence. Rien que son (sublime) générique vaut le déplacement ! 

Il faudrait encore citer En attendant Bojangles, la poignante adaptation du roman éponyme d'Olivier Bourdeaut par Régis Roinsard qui récolte une seule nomination (pour les costumes, une nomination pour l'adaptation aurait été méritée)  et  Judith Chemla nommée pour le poignant film de Léopold Legrand, Le sixième enfant.

Notons également que Simone, le voyage du siècle d’Olivier Dahan, n'est nommé que dans deux catégories, pour les costumes et les décors, malgré 2, 5 millions d’entrées.

Enfin, François Ozon pourrait récolter deux César pour Peter Van Kant pour lequel sont nommés Denis Menochet, comme meilleur acteur, et Stefan Crepon, comme meilleur espoir masculin, dans un rôle aussi muet que marquant…

N’oublions pas non plus les court-métrages nommés que vous pouvez visionner sur Arte.fr et Universcine.com.

Rendez-vous le 24 février pour savoir lequel parmi les films suivants succèdera à Illusions perdues de Xavier Giannoli comme meilleur film.

Leïla Bekhti, Jérôme Commandeur, Jamel Debbouze, Emmanuelle Devos, Léa Drucker, Eye Haïdara, Alex Lutz, Raphaël Personnaz et Ahmed Sylla présenteront collégialement la cérémonie, sous la présidence de Tahar Rahim : "Une présentation collégiale et joyeuse en soutien à la création cinématographique, une mobilisation collective au service d’une cérémonie renouvelée qui mettra en valeur la diversité et la richesse du cinéma en France. Des artistes, Maîtres et Maîtresses de Cérémonie, qui partageront leur amour du cinéma et célèbreront le temps de ce grand événement, celles et ceux qui l’auront fait briller cette année."

La Direction Artistique de la Cérémonie sera assurée par le réalisateur Éric Lartigau.

Le César d'Honneur sera remis au cinéaste David Fincher par Virginie Efira.

Marina Foïs présentera l’hommage à Jean-Louis Trintignant, disparu le 17 juin dernier, et Charlotte Gainsbourg  chantera en français.

La Cérémonie sera diffusée vendredi 24 février sur CANAL+, en clair, en direct et en exclusivité depuis l’Olympia, et sera également disponible sur myCANAL.

En attendant l'édition 2023, retrouvez l'article détaillé que j'avais consacré à l'édition 2022 des César, ici.

Pour l’affiche de l’édition 2023, c’est Annette de Leos Carax qui est à l’honneur, son conte musical tragique et flamboyant, mon coup de coeur de l'année 2022 pour lequel Leos Carax avait remporté le César de la Meilleure Réalisation. Dans cette scène merveilleusement mise en lumière par la directrice de la photographie Caroline Champetier, dont est tirée cette année l’affiche de la Cérémonie, la cantatrice erre au milieu d’un décor d’opéra représentant la forêt, élément clé, souvent magique, du cinéma de Leos Carax. Ce décor est sur le point de s’ouvrir pour laisser place à une véritable forêt, dans laquelle elle va s’engouffrer. Comme souvent chez Leos Carax, tout est dualité. L’opéra se mêle à la forêt. L’imaginaire à la réalité. Leos Carax nous fait voyager sur cette fine frontière entre les deux univers. C’est ce qu’est le cinéma, cette passerelle entre la fiction et la réalité.

NOMINATIONS COMPLETES :

Sont nommées pour

le CÉSAR DE LA MEILLEURE ACTRICE

FANNY ARDANT dans LES JEUNES AMANTS

JULIETTE BINOCHE dans OUISTREHAM

LAURE CALAMY dans À PLEIN TEMPS

VIRGINIE EFIRA dans REVOIR PARIS

ADÈLE EXARCHOPOULOS dans RIEN À FOUTRE

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR ACTEUR

JEAN DUJARDIN dans NOVEMBRE

LOUIS GARREL dans L’INNOCENT

VINCENT MACAIGNE dans CHRONIQUE D’UNE LIAISON PASSAGÈRE

BENOÎT MAGIMEL dans PACIFICTION - TOURMENT SUR LES ÎLES

DENIS MÉNOCHET dans PETER VON KANT

Sont nommées pour

le CÉSAR DE LA MEILLEURE ACTRICE DANS UN SECOND RÔLE

JUDITH CHEMLA dans LE SIXIÈME ENFANT

ANAÏS DEMOUSTIER dans NOVEMBRE

ANOUK GRINBERG dans L’INNOCENT

LYNA KHOUDRI dans NOVEMBRE

NOÉMIE MERLANT dans L’INNOCENT

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR ACTEUR DANS UN SECOND RÔLE

FRANÇOIS CIVIL dans EN CORPS

BOULI LANNERS dans LA NUIT DU 12

MICHA LESCOT dans LES AMANDIERS

PIO MARMAÏ dans EN CORPS

ROSCHDY ZEM dans L’INNOCENT

Sont nommées pour

le CÉSAR DU MEILLEUR ESPOIR FÉMININ

MARION BARBEAU dans EN CORPS

GUSLAGIE MALANDA dans SAINT OMER

REBECCA MARDER dans UNE JEUNE FILLE QUI VA BIEN

NADIA TERESZKIEWICZ dans LES AMANDIERS

MALLORY WANECQUE dans LES PIRES

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR ESPOIR MASCULIN

BASTIEN BOUILLON dans LA NUIT DU 12

STEFAN CREPON dans PETER VON KANT

DIMITRI DORÉ dans BRUNO REIDAL, CONFESSION D’UN MEURTRIER

PAUL KIRCHER dans LE LYCÉEN

ALIOCHA REINERT dans PETITE NATURE

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR SCÉNARIO ORIGINAL

ÉRIC GRAVEL pour À PLEIN TEMPS

VALERIA BRUNI TEDESCHI, NOÉMIE LVOVSKY, AGNÈS DE SACY pour LES AMANDIERS

CÉDRIC KLAPISCH, SANTIAGO AMIGORENA pour EN CORPS

LOUIS GARREL, TANGUY VIEL, NAÏLA GUIGUET pour L’INNOCENT

ALICE DIOP, AMRITA DAVID, MARIE NDIAYE pour SAINT OMER

Sont nommés pour

le CÉSAR DE LA MEILLEURE ADAPTATION

MICHEL HAZANAVICIUS pour COUPEZ !

THIERRY DE PERETTI, JEANNE APTEKMAN pour ENQUÊTE SUR UN SCANDALE D’ÉTAT

GILLES MARCHAND, DOMINIK MOLL pour LA NUIT DU 12

Sont nommés pour

le CÉSAR DE LA MEILLEURE MUSIQUE ORIGINALE

IRÈNE DRÉSEL pour À PLEIN TEMPS

ALEXANDRE DESPLAT pour COUPEZ !

GRÉGOIRE HETZEL pour L’INNOCENT

OLIVIER MARGUERIT pour LA NUIT DU 12

MARC VERDAGUER, JOE ROBINSON pour PACIFICTION - TOURMENT SUR LES ÎLES

ANTON SANKO pour LES PASSAGERS DE LA NUIT

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR SON

CYRIL MOISSON, NICOLAS MOREAU, CYRIL HOLTZ pour EN CORPS

LAURENT BENAÏM, ALEXIS MEYNET, OLIVIER GUILLAUME pour L’INNOCENT

CÉDRIC DELOCHE, ALEXIS PLACE, GWENNOLÉ LE BORGNE, MARC DOISNE pour NOVEMBRE

FRANÇOIS MAUREL, OLIVIER MORTIER, LUC THOMAS pour LA NUIT DU 12

JORDI RIBAS, BENJAMIN LAURENT, BRUNO TARRIÈRE pour PACIFICTION - TOURMENT SUR LES ÎLES

Sont nommés pour

le CÉSAR DE LA MEILLEURE PHOTO

JULIEN POUPARD pour LES AMANDIERS

ALEXIS KAVYRCHINE pour EN CORPS

PATRICK GHIRINGHELLI pour LA NUIT DU 12

ARTUR TORT pour PACIFICTION - TOURMENT SUR LES ÎLES

CLAIRE MATHON pour SAINT OMER

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR MONTAGE

MATHILDE VAN DE MOORTEL pour À PLEIN TEMPS

ANNE-SOPHIE BION pour EN CORPS

PIERRE DESCHAMPS pour L’INNOCENT

LAURE GARDETTE pour NOVEMBRE

LAURENT ROUAN pour LA NUIT DU 12

Sont nommés pour

le CÉSAR DES MEILLEURS COSTUMES

CAROLINE DE VIVAISE pour LES AMANDIERS

PIERRE-JEAN LARROQUE pour COULEURS DE L’INCENDIE

EMMANUELLE YOUCHNOVSKI pour EN ATTENDANT BOJANGLES

CORINNE BRUAND pour L’INNOCENT

PRAXEDES DE VILALLONGA pour PACIFICTION - TOURMENT SUR LES ÎLES

GIGI LEPAGE pour SIMONE - LE VOYAGE DU SIÈCLE

Sont nommés pour

le CÉSAR DES MEILLEURS DÉCORS

EMMANUELLE DUPLAY pour LES AMANDIERS

SEBASTIAN BIRCHLER pour COULEURS DE L’INCENDIE

MICHEL BARTHÉLÉMY pour LA NUIT DU 12

SEBASTIAN VOGLER pour PACIFICTION - TOURMENT SUR LES ÎLES

CHRISTIAN MARTI pour SIMONE - LE VOYAGE DU SIÈCLE

Sont nommés pour

le CÉSAR DES MEILLEURS EFFETS VISUELS

GUILLAUME MARIEN pour LES CINQ DIABLES

SÉBASTIEN RAME pour FUMER FAIT TOUSSER

LAURENS EHRMANN pour NOTRE-DAME BRÛLE

MIKAËL TANGUY pour NOVEMBRE

MARCO DEL BIANCO pour PACIFICTION - TOURMENT SUR LES ÎLES

Sont nommés pour

le CÉSAR DE LA MEILLEURE RÉALISATION

CÉDRIC KLAPISCH pour EN CORPS

LOUIS GARREL pour L’INNOCENT

CÉDRIC JIMENEZ pour NOVEMBRE

DOMINIK MOLL pour LA NUIT DU 12

ALBERT SERRA pour PACIFICTION - TOURMENT SUR LES ÎLES

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR FILM DE COURT MÉTRAGE D’ANIMATION

CÂLINE

réalisé par MARGOT REUMONT,

produit par BENOÎT AYRAUD

NOIR-SOLEIL

réalisé par MARIE LARRIVÉ,

produit par NICOLAS DE ROSANBO, CÉLINE VANLINT

LA VIE SEXUELLE DE MAMIE

réalisé par URŠKA DJUKIĆ, ÉMILIE PIGEARD,

produit par OLIVIER CATHERIN, EDWINA LIARD, NIDIA SANTIAGO

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR FILM DE COURT MÉTRAGE DOCUMENTAIRE

CHURCHILL, POLAR BEAR TOWN

réalisé par ANNABELLE AMOROS,

produit par CLARISSE TUPIN

ÉCOUTEZ LE BATTEMENT DE NOS IMAGES

réalisé par AUDREY JEAN-BAPTISTE, MAXIME JEAN-BAPTISTE,

produit par AUDREY JEAN-BAPTISTE, MAXIME JEAN-BAPTISTE

MARIA SCHNEIDER, 1983

réalisé par ELISABETH SUBRIN,

produit par HELEN OLIVE, MARTIN BERTIER

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR FILM DE COURT MÉTRAGE DE FICTION

HAUT LES CŒURS

réalisé par ADRIAN MOYSE DULLIN,

produit par LUCAS TOTHE

PARTIR UN JOUR

réalisé par AMÉLIE BONNIN,

produit par BASTIEN DARET, ARTHUR GOISSET, ROBIN ROBLES

LE ROI DAVID

réalisé par LILA PINELL,

produit par EMMANUEL CHAUMET

LES VERTUEUSES

réalisé par STÉPHANIE HALFON,

produit par ANNE BERJON, CAROLINE ADRIAN

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR FILM D’ANIMATION

ERNEST ET CÉLESTINE : LE VOYAGE EN CHARABIE

réalisé par JEAN-CHRISTOPHE ROGER, JULIEN CHHENG,

produit par DAMIEN BRUNNER, DIDIER BRUNNER

MA FAMILLE AFGHANE

réalisé par MICHAELA PAVLATOVA,

coproducteur France RON DYENS

LE PETIT NICOLAS - QU’EST-CE QU’ON ATTEND POUR ÊTRE HEUREUX ?

réalisé par AMANDINE FREDON, BENJAMIN MASSOUBRE,

produit par ATON SOUMACHE

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR FILM DOCUMENTAIRE

ALLONS ENFANTS

réalisé par THIERRY DEMAIZIÈRE, ALBAN TEURLAI,

produit par STÉPHANIE SCHORTER, THIERRY DEMAIZIÈRE, ALBAN TEURLAI, ROMAIN ICARD

LES ANNÉES SUPER 8

réalisé par ANNIE ERNAUX, DAVID ERNAUX-BRIOT,

produit par DAVID THION, PHILIPPE MARTIN

LE CHÊNE

réalisé par LAURENT CHARBONNIER, MICHEL SEYDOUX,

produit par BARTHÉLÉMY FOUGEA, MICHEL SEYDOUX

JANE PAR CHARLOTTE

réalisé par CHARLOTTE GAINSBOURG,

produit par MATHIEU AGERON, MAXIME DELAUNEY, ROMAIN ROUSSEAU, CHARLOTTE GAINSBOURG

RETOUR À REIMS [FRAGMENTS]

réalisé par JEAN-GABRIEL PÉRIOT,

produit par MARIE-ANGE LUCIANI

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR PREMIER FILM

BRUNO REIDAL, CONFESSION D’UN MEURTRIER

réalisé par VINCENT LE PORT,

produit par THIERRY LOUNAS, ROY ARIDA, PIERRE-EMMANUEL URCUN

FALCON LAKE

réalisé par CHARLOTTE LE BON,

produit par DAVID GAUQUIÉ, JULIEN DERIS, JEAN-LUC ORMIERES, JALIL LESPERT

LES PIRES

réalisé par LISE AKOKA, ROMANE GUERET,

produit par MARINE ALARIC, FRÉDÉRIC JOUVE

SAINT OMER

réalisé par ALICE DIOP,

produit par TOUFIK AYADI, CHRISTOPHE BARRAL

LE SIXIÈME ENFANT

réalisé par LÉOPOLD LEGRAND,

produit par FRÉDÉRIC BRILLION, GILLES LEGRAND

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR FILM ÉTRANGER

AS BESTAS

réalisé par RODRIGO SOROGOYEN,

coproduction France LE PACTE (Jean Labadie)

CLOSE

réalisé par LUKAS DHONT,

coproduction France DIAPHANA FILMS (Michel Saint-Jean)

LA CONSPIRATION DU CAIRE

réalisé par TARIK SALEH,

coproduction France MEMENTO PRODUCTION (Alexandre Mallet-Guy)

EO

réalisé par JERZY SKOLIMOWSKI,

distribution France ARP SÉLECTION

SANS FILTRE

réalisé par RUBEN ÖSTLUND,

coproduction France COPRODUCTION OFFICE (Philippe Bober)

Sont nommés pour

le CÉSAR DU MEILLEUR FILM *

LES AMANDIERS

produit par ALEXANDRA HENOCHSBERG, PATRICK SOBELMAN,

réalisé par VALERIA BRUNI TEDESCHI

EN CORPS

produit par BRUNO LEVY,

réalisé par CÉDRIC KLAPISCH

L’INNOCENT

produit par ANNE-DOMINIQUE TOUSSAINT,

réalisé par LOUIS GARREL

LA NUIT DU 12

produit par CAROLINE BENJO, BARBARA LETELLIER, CAROLE SCOTTA, SIMON ARNAL,

réalisé par DOMINIK MOLL

PACIFICTION - TOURMENT SUR LES ÎLES

produit par PIERRE OLIVIER BARDET,

réalisé par ALBERT SERRA

* Les 5 films nommés au César du Meilleur Film seront également soumis au vote de 1 979 lycéens pour le César des Lycéens

Récapitulatif des nominations

11 pour L’INNOCENT

10 pour LA NUIT DU 12

 9 pour EN CORPS

 9 pour PACIFICTION - TOURMENT SUR LES ÎLES

 7 pour LES AMANDIERS

 7 pour NOVEMBRE

 4 pour À PLEIN TEMPS

 4 pour SAINT OMER

 2 pour BRUNO REIDAL, CONFESSION D’UN MEURTRIER

 2 pour COULEURS DE L’INCENDIE

 2 pour COUPEZ !

 2 pour PETER VON KANT

 2 pour LES PIRES

 2 pour SIMONE - LE VOYAGE DU SIÈCLE

 2 pour LE SIXIÈME ENFANT

 1 pour ALLONS ENFANTS

 1 pour LES ANNÉES SUPER 8

 1 pour AS BESTAS

 1 pour CÂLINE

 1 pour LE CHÊNE

 1 pour CHRONIQUE D’UNE LIAISON PASSAGÈRE

 1 pour CHURCHILL, POLAR BEAR TOWN

 1 pour LES CINQ DIABLES

 1 pour CLOSE

 1 pour LA CONSPIRATION DU CAIRE

 1 pour ÉCOUTEZ LE BATTEMENT DE NOS IMAGES

 1 pour EN ATTENDANT BOJANGLES

1 pour ENQUÊTE SUR UN SCANDALE D’ÉTAT

1 pour EO

1 pour ERNEST ET CÉLESTINE : LE VOYAGE EN CHARABIE

1 pour FALCON LAKE

1 pour FUMER FAIT TOUSSER

1 pour HAUT LES COEURS

1 pour JANE PAR CHARLOTTE

1 pour LES JEUNES AMANTS

1 pour LE LYCÉEN

1 pour MA FAMILLE AFGHANE

1 pour MARIA SCHNEIDER, 1983

1 pour NOIR-SOLEIL

1 pour NOTRE-DAME BRÛLE

1 pour OUISTREHAM

1 pour PARTIR UN JOUR

1 pour LES PASSAGERS DE LA NUIT

1 pour LE PETIT NICOLAS - QU’EST-CE QU’ON ATTEND

POUR ÊTRE HEUREUX ?

1 pour PETITE NATURE

1 pour RETOUR À REIMS [FRAGMENTS]

1 pour REVOIR PARIS

1 pour RIEN À FOUTRE

1 pour LE ROI DAVID

1 pour SANS FILTRE

1 pour UNE JEUNE FILLE QUI VA BIEN

1 pour LES VERTUEUSES

1 pour LA VIE SEXUELLE DE MAMIE

Total : 113 nominations

Le critique de cinéma Claude Beylie parlait de « drame gai » à propos de César et Rosalie, terme en général adopté pour La Règle du jeu de Renoir, qui lui sied également parfaitement. Derrière l’exubérance et la truculence de César, on ressent en effet la mélancolie sous-jacente. César donc c’est Yves Montand, un ferrailleur qui a réussi, vivant avec Rosalie (Romy Schneider) divorcée d’Antoine (Umberto Orsini), et qui aime toujours David (Sami Frey), un dessinateur de bandes dessinées, sans cesser d’aimer César. Ce dernier se fâche puis réfléchit et abandonne Rosalie à David. Des liens de complicité et même d’amitié se tissent entre les deux hommes si bien que Rosalie, qui veut être aimée séparément par l’un et par l’autre, va tenter de s’interposer entre eux, puis va partir…

Dans ce film de 1972, qui fut souvent comparé à Jules et Jim de Truffaut, on retrouve ce qui caractérise les films de Claude Sautet : les scènes de café, de groupe et la solitude dans le groupe, la fugacité du bonheur immortalisée, l’implicite dans ce qui n’est pas -les ellipses- comme dans ce qui est -les regards-. Ah, ces derniers regards entre les trois personnages principaux ! Ah, le regard de David lorsque l’enfant passe des bras de Rosalie à ceux de César, scène triangulaire parfaitement construite !

Les regards sont toujours particulièrement signifiants et significatifs dans les films de Sautet, comme également dans Les choses de la vien certainement le film de Sautet que j’ai le plus de mal à revoir tant il me bouleverse à chaque fois, sans doute parce qu’il met en scène ce que chacun redoute : la fatalité qui fauche une vie en plein vol. Le film est en effet placé d’emblée sous le sceau de la fatalité puisqu’il débute par un accident de voiture. Et une cacophonie et une confusion qui nous placent dans la tête de Pierre (Michel Piccoli). Cet accident est le prétexte à un remarquable montage qui permet une succession de flashbacks, comme autant de pièces d’un puzzle qui, reconstitué, compose le tableau de la personnalité de Pierre et de sa vie sentimentale. Dans Les choses de la vie, on se souviendra ainsi longtemps du regard d’Hélène qui, de l’autre côté de la porte de son immeuble et à travers la vitre et la pluie, regarde, pour la dernière fois, Pierre dans la voiture, allumer sa cigarette sans la regarder, et partir vers son fatal destin. Et quand il relève la tête pour regarder, elle n'est plus là et il semble le regretter. Et quand elle revient, il n’est plus là non plus. Un rendez-vous manqué d’une beauté déchirante….Les regards sont aussi capitaux dans la séquence sublime du restaurant dans laquelle ils passent du rendez-vous d’amour à la dispute, une scène qu’ils ne paraissent pas jouer mais vivre sous nos yeux, dans un de ces fameux cafés ou brasseries qu’on retrouvera ensuite dans tous les films de Claude Sautet, dans les scènes de groupe dont Vincent, François, Paul et les autres est le film emblématique. On retrouvera aussi la solitude dans et malgré le groupe. « A chaque film, je me dis toujours : non, cette fois tu n’y tournes pas. Et puis, je ne peux pas m’en empêcher. Les cafés, c’est comme Paris, c’est vraiment mon univers. C’est à travers eux que je vois la vie. Des instants de solitude et de rêvasseries. »  dira ainsi Claude Sautet. 

Annie Girardot et Yves Montand puis Lino Ventura déclinèrent les rôles d'Hélène et de Pierre dans Les choses de la vie. Romy Schneider et Michel Piccoli seront ainsi à jamais Hélène et Pierre. Inoubliables. Comme le rouge d’une fleur. Peut-être la dernière chose que verra Pierre qui lui rappelle le rouge de la robe d’Hélène. Comme cet homme seul sous la pluie, mortellement blessé, gisant dans l'indifférence, tandis que celle qu’il aime, folle d’amour et d’enthousiasme, lui achète des chemises. Et que lui rêve d’un banquet funèbre. Et qu’il murmure ces mots avec son dernier souffle de vie qui, là encore, résonnent comme les paroles d’une chanson :  «J'entends les gens dans le jardin. J'entends même le vent. » Et ces vêtements ensanglantés ramassés un à un par une infirmière, anonymes, inertes.

Sur la tombe de Claude Sautet au cimetière Montparnasse, il est écrit : « Garder le calme devant la dissonance », voilà probablement la phrase qui définirait aussi le mieux son cinéma : d’abord parce que son cinéma est un cinéma de la dissonance, de l’imprévu, de la note inattendue dans la quotidienneté (ici, dans César et Rosalie, l’arrivée de David) et ensuite parce que cette épitaphe fait référence à la passion de Claude Sautet pour la musique. Claude Sautet a ainsi été critique musical au journal Combat, un journal de la Résistance, il avait ainsi une vraie passion pour le jazz et pour Bach (auquel il associera d’ailleurs le baroque César), notamment. Il a par ailleurs consacré un film entier à la musique, Un cœur en hiver, le meilleur film de Sautet selon moi tant les personnages y sont ambivalents, complexes, bref humains, et tout particulièrement le personnage de Stéphane interprété par Daniel Auteuil, le « cœur en hiver », pouvant donner lieu à une interprétation différente à chaque vision du film. Le tempo de ses films est ainsi réglé comme une partition musicale, impeccablement rythmée, une partition dont on a l’impression qu’en changer une note ébranlerait l’ensemble de la composition. C’est évidemment aussi le cas dans César et Rosalie. Les dialogues et la voix même y exhalent une vraie musicalité comme l’inoubliable Lettre de Rosalie ("Ce n'est pas ton indifférence qui me tourmente, c'est le nom que je lui donne : la rancune, l'oubli. David, César sera toujours César, et toi, tu seras toujours David, qui m'emmène sans m'emporter, qui me tient sans me prendre et qui m'aime sans me vouloir…"). La sublime musique de Philippe Sarde est bien sûr aussi indissociable de César et Rosalie.

« L’unité dans la diversité ». Pour qualifier le cinéma de Claude Sautet et l’unité qui le caractérise malgré une diversité apparente, nous pourrions ainsi paraphraser cette devise de l’Union européenne. Certes a priori, L’arme à gauche est un film très différent de Vincent, François, Paul et les autres, pourtant si son premier film Classe tous risques est un polar avec Lino Ventura et Jean-Paul Belmondo ( Bonjour sourire, une comédie, a été renié par Claude Sautet qui n’en avait assuré que la direction artistique), nous pouvons déjà y trouver ce fond de mélancolie qui caractérise tous ses films. Tous ses films se caractérisent d’ailleurs aussi par le suspense (il était fasciné par Ford et Hawks ) : le suspense sentimental avant tout, concourant à créer des films toujours haletants et fascinants. Claude Sautet citait ainsi souvent la phrase de Tristan Bernard : « il faut surprendre avec ce que l’on attend ». On ne peut certainement pas reprocher au cinéma de Claude Sautet d’être démesurément explicatif, c’est au contraire un cinéma de l’implicite, des silences et du non-dit. Pascal Jardin disait de Claude Sautet qu’il « reste une fenêtre ouverte sur l’inconscient ».

Dans Nelly et M. Arnaud se noue ainsi une relation ambiguë entre un magistrat à la retraite, misanthrope et solitaire, et une jeune femme au chômage qui vient de quitter son mari. Au-delà de l’autoportrait ( Serrault y ressemble étrangement à Sautet ), c’est l’implicite d’un amour magnifiquement et pudiquement esquissé, composé jusque dans la disparition progressive des livres d’Arnaud, dénudant ainsi sa bibliothèque et faisant référence à sa propre mise à nu. La scène pendant laquelle Arnaud regarde Nelly dormir, est certainement une des plus belles scènes d’amour du cinéma: silencieuse, implicite, bouleversante. Le spectateur retient son souffle, le suspense, presque hitchcockien y est à son comble. Sautet a atteint la perfection dans son genre, celui qu’il a initié: le thriller des sentiments.

Les films de Sautet ont tous des points communs : le groupe, (dont Vincent, François, Paul et les autres est le film emblématique), des personnages face à leurs solitudes malgré ce groupe, des scènes de café,( « A chaque film, avouait Sautet, je me dis toujours : non, cette fois tu n’y tournes pas. Et puis, je ne peux pas m’en empêcher. Les cafés, c’est comme Paris, c’est vraiment mon univers. C’est à travers eux que je vois la vie. Des instants de solitude et de rêvasseries. ») les personnages filmés à travers les vitres de ces mêmes cafés, des scènes de pluie qui sont souvent un élément déclencheur, des scènes de colère (peut-être inspirées par les scènes de colère incontournables dans les films de Jean Gabin, Sautet ayant ainsi revu Le jour se lève …17 fois en un mois!), des femmes combatives souvent incarnées par Romy Schneider puis par Emmanuelle Béart, des fins souvent ouvertes et avant tout un cinéma de personnages : César, Rosalie, Nelly, Arnaud, Vincent, François, Paul, Max, Mado, …et les autres, des personnages égarés affectivement et/ou socialement, des personnages énigmatiques et ambivalents.

Claude Sautet, en 14 films, a imposé un style, des films inoubliables, un cinéma du désenchantement enchanteur, d’une savoureuse mélancolie, de l’ambivalence et de la dissonance jubilatoires, une symphonie magistrale dont chaque film est un morceau unique indissociable de l’ensemble. Il a signé aussi bien des « drames gais » avec César et Rosalie, ou encore le trop méconnu, fantasque et extravagant Quelques jours avec moi, un film irrésistible, parfois aux frontières de l’absurde, mais aussi des films plus politiques notamment le très sombre « Mado » dans lequel il dénonce l’affairisme et la corruption…

« Les films de Claude Sautet touchent tous ceux qui privilégient les personnages par rapport aux situations, tous ceux qui pensent que les hommes sont plus importants que ce qu’ils font (..). Claude Sautet c’est la vitalité. », disait Truffaut. Ainsi, personne mieux que Claude Sautet ne savait et n’a su dépeindre des personnages attachants, fragiles mais si vivants (à l’exception de Stephan interprété par Daniel Auteuil dans Un cœur en hiver, personnage aux émotions anesthésiées quoique…) comme le sont César et Rosalie.

Ici au contraire ce n’est pas « un cœur en hiver », mais un cœur qui bat la chamade et qui hésite, celui de Rosalie, qui virevolte avec sincérité, et qui emporte le spectateur dans ses battements effrénés. Et effectivement on retrouve cette vitalité, celle de la mise en scène qui épouse le rythme trépidant de César face au taciturne David. César qui pourrait agacer ( flambeur, gouailleur, lâche parfois) face à la fragilité et la discrétion de l’artiste David. Deux hommes si différents, voire opposés, dans leur caractérisation comme dans leur relation à Rosalie que Sautet dépeint avec tendresse, parfois plutôt une tendre cruauté concernant César.

Là se trouve la fantaisie, dans ce personnage interprété magistralement par Yves Montand, ou dans la relation singulière des trois personnages, si moderne. Un film qui n’est pas conventionnel jusque dans sa magnifique fin, ambiguë à souhait. Sans effets spéciaux. Simplement par la caractérisation ciselée de personnages avec leurs fêlures et leur déraison si humaines.

On a souvent dit de Claude Sautet était le peintre de la société des années 70 mais en réalité la complexité des sentiments de ses personnages disséquée avec une rare acuité est intemporelle. S’il est vrai que la plupart de ses films sont des tableaux de la société contemporaine, notamment de la société d’après 1968, et de la société pompidolienne, puis giscardienne, et enfin mitterrandienne, ses personnages et les situations dans lesquelles il les implique sont avant tout universels, un peu comme La Comédie Humaine peut s’appliquer aussi bien à notre époque qu’à celle de Balzac.

César et Rosalie est un film à l’image de son personnage principal qui insuffle ce rythme précis et exalté : truculent et émouvant, mélancolique et joyeux, exubérant et secret. Un film intemporel et libre, qui oscille entre le rire et les larmes, dans lequel tout est grave et rien n’est sérieux (devise crétoise, un peu la mienne aussi). Un film délicieusement amoral que vous devez absolument voir ou revoir ne serait-ce que pour y voir deux monstres sacrés (Romy Schneider et Yves Montand, l’une parfaite et resplendissante dans ce rôle de femme riche de contradictions, moderne, amoureuse, indépendante, enjouée, et triste, incarnant à elle seule les paradoxes de ce « drame gai » ; l’autre hâbleur, passionné, cabotin, bavard, touchant face à Sami Frey silencieux, posé, mystérieux, séduisant mais tous finalement vulnérables, et les regards traversés de voiles soudains de mélancolie ) au sommet de leur art et pour entendre des dialogues aussi incisifs, précis que savoureux (comme pour le scénario également cosigné par Jean-Loup Dabadie)…

Claude Sautet disait lui-même que ses films n’étaient pas réalistes mais des fables. Son univers nous envoûte en tout cas, et en retranscrivant la vie à sa « fabuleuse » manière, il l’a indéniablement magnifiée. Certains lui ont reproché son classicisme, pour le manque de réflexivité de son cinéma, comme on le reprocha aussi à Carné. On lui a aussi reproché de toujours filmer le même milieu social (bourgeoisie quinquagénaire et citadine). Qu’importe ! Un peu comme l’ours en peluche du Jour se lève  qui a un œil qui rit et un autre qui pleure, nous ressortons de ses films, entre rires et larmes, bouleversés, avec l’envie de vivre plus intensément encore car là était le véritable objectif de Claude Sautet : nous « faire aimer la vie »…et il y est parvenu, magistralement. Personne après lui n’a su nous raconter des « histoires simples » aux personnages complexes qui nous parlent aussi bien de « choses de la vie ».

Dans un précédent article, je citais cette célèbre phrase de François Truffaut : « Le cinéma est un mélange parfait de vérité et de spectacle. » Ce nouveau film de Jean-Paul Salomé, projeté dans le cadre de la dernière Mostra de Venise, en est l’incarnation parfaite, maintenant constamment un admirable équilibre entre les deux, vérité et spectacle, pour aboutir à ce film aussi instructif que passionnant grâce au brillant scénario de Fadette Drouard et Jean-Paul Salomé qui s’appuie principalement sur le livre éponyme de la journaliste Caroline Michel-Aguirre, une enquête très approfondie sur cette édifiante affaire.

Trois ans après La Daronne, le cinéaste retrouve Isabelle Huppert, qui incarne La Syndicaliste donc, Maureen Kearney, déléguée CFDT chez Areva, qui, en 2012, est devenue lanceuse d’alerte pour dénoncer un secret d’Etat qui a secoué l’industrie du nucléaire en France : le démantèlement d’Areva par le PDG d’EDF, Henri Proglio, qui rêvait de devenir le numéro un du nucléaire français, peu importe que pour cela il faille brader les compétences françaises à la Chine avec pour conséquences la perte de l’indépendance énergétique française et des dizaines de milliers d’emplois menacés.  Seule contre tous, malgré les intimidations, Maureen Kearney s’est battue bec et ongles contre les ministres et les industriels pour faire éclater ce scandale et défendre plus de 50 000 emplois. Jusqu’au jour où elle fut violemment agressée…

Que cette histoire brûlante soit une histoire vraie contribue à captiver encore plus notre attention et à rendre ce film, dénué de temps mort, encore plus haletant. Le long-métrage se divise ainsi en deux parties et presque en deux genres distincts : thriller politique et thriller psychologique.

Le cinéma français, avec notamment Costa-Gavras et Boisset, a longtemps affectionné le genre du thriller politique inspiré d’histoires vraies, le délaissant quelque peu ces dernières années, avec pour exceptions le remarquable Grâce à Dieu de François Ozon en 2019, et, l’an passé, Goliath de Frédéric Tellier inspiré des affaires des "Monsanto Papers" mettant en cause ladite entreprise et le glyphosate utilisé dans son herbicide (un film que je vous recommande à nouveau au passage). On pense aussi au cinéma de Pakula (Les Hommes du président, l’Affaire Pélican…) ou à celui de Soderbergh (Effets secondaires, Erin Brockovich…). Ou encore, plus récemment, au cinéma plus social de Louis-Julien Petit ou Stéphane Brizé, au passage deux oubliés des César 2023 qui auraient mérité d’y figurer, respectivement pour La Brigade et Un autre monde. À nouveau, dans La Syndicaliste, comme dans les films précités, il s’agit du combat de David contre Goliath.

Dans L’ivresse du pouvoir de Claude Chabrol, Isabelle Huppert incarnait Jeanne Charmant Killman, une juge d’instruction chargée de l’affaire de corruption et de détournement de fonds mettant en cause le président d’un grand groupe industriel. Elle se mettait en scène (notamment avec des gants rouges) dans son propre rôle de juge. L’ivresse que ce pouvoir engendrait lui faisait oublier la réalité jusqu’à ce qu’elle retourne dans l’ombre (au propre comme au figuré dans le dernier plan du film). Dans le film de Jean-Paul Salomé, aussi, Isabelle Huppert porte une armure, sa frange et ses cheveux blonds souvent cadenassés en un chignon savamment structuré, des bijoux et des vêtements colorés, et un indéfectible rouge à lèvres. C’est d’ailleurs avec ce rouge à lèvres qu’elle se maquillera devant le médecin qui l’aura examinée après son agression, un des éléments qui feront dire aux enquêteurs qu’elle n’a pas réagi « comme une femme violée ». Les regards masculins qui l’auscultent, dans tous les sens du terme, sont alors dubitatifs, surtout remplis de préjugés.

Comme ce film, dichotomique, Maureen est forte et fragile, combative et blessée, condamnant ceux que le pouvoir enivre et parfois elle-même grisée par le sien. Isabelle Huppert, une fois de plus, excelle dans ce rôle, dans un troublant mimétisme avec la vraie Maureen, emportant notre empathie face aux épreuves et l’injustice auxquelles elle est doit faire face, et la solitude dans laquelle son combat l’enferme peu à peu. Autour d’elle figure toute une pléiade d’acteurs remarquables judicieusement choisis :  Marina Foïs dans le rôle (trouble) d’Anne Lauvergeon, Yvan Attal dans le rôle du colérique et ambitieux Luc Oursel, numéro 2 d’Areva, François-Xavier Demaison dans le rôle du compatissant bras droit de Maureen à la CFDT, Aloïse Sauvage dans le rôle d’une femme gendarme qui seule semble croire Maureen. Mais aussi Pierre Deladonchamps dans le rôle de l’enquêteur pétri de convictions, et Gégory Gadebois, toujours d’une justesse sidérante, dans le rôle du mari de Maureen, ingénieur du son pour des concerts de variétés, à mille lieux de l’univers de son épouse incarnée par Isabelle Huppert avec laquelle il forme un couple a priori improbable mais qui fonctionne merveilleusement à l’écran.

Ce film est passionnant à bien des égards : le portrait de femme qu’il dresse et les obstacles et préjugés auxquels Maureen se trouve confrontée en tant que telle (on aimerait se dire que les temps ont changé, mais je n’en suis pas tellement persuadée), le suspense à la fois lié à la psychologie du personnage principal mais aussi à l’affaire et toutes ses ramifications, les différents pouvoirs dont il brosse le portrait ( écono­mique, politique et industriel) que Maureen doit affronter, les résonances dans l’actualité (Lauvergeon, Proglio, Sarkozy, Montebourg, Hollande sont ouvertement cités), l’idée de vérité qu’il interroge.

Ajoutez à cela la magnifique photographie de Julien Hirsch, le montage particulièrement rythmé, la musique de Bruno Coulais qui instille un degré supplémentaire dans l’émotion et le suspense, et vous obtiendrez un réquisitoire politique puissant qui réussit le défi d’être aussi un grand film populaire comme l’étaient de précédents films de Jean-Paul Salomé pas toujours estimés à leur juste valeur (Belphégor, Le fantôme du Louvre, Arsène Lupin, Les femmes de l’ombre…). En sortant de la séance, bouleversée, on se dit que le cinéma vient d’offrir ce qu’il a de meilleur : un film à la fois didactique et palpitant, engagé et divertissant, ne négligeant ni la forme ni le fond, respectant son sujet et le spectateur. Dans L’ivresse du pouvoir, la juge incarnée par Isabelle Huppert passait de la lumière à l’ombre tandis que, ici, à l’inverse, Maureen que l’on a voulu bâillonner, qui au début du film est évoquée par une voix off et n’apparaît à l’image qu’au bout de quelques minutes, retrouve une voix, puissante, devant l’Assemblée nationale, et en donne une à tous ces licenciés, victimes sans visages.  Un film important à côté duquel il serait dommage de passer et qui, peut-être, ouvrira une nouvelle page de cette histoire et qui, en tout cas, suscitera fortement le débat sur les zones d’ombre de cette affaire. Au cinéma le 1er mars 2023.

Un collège de votants constitué de 80 critiques et journalistes professionnels de cinéma et culture basés à Paris (l’académie des Paris Film Critics) -dont j'ai le plaisir de faire partie- a désigné les meilleurs longs-métrages (sortis en salles ou sur des plateformes durant l’année 2022) et talents du cinéma français et international qui étaient en compétition pour cette 2ème édition des Paris Film Critics Awards.

Le palmarès de la première édition des Paris Film Critics Awards avait couronné beaucoup de films français et avait ainsi témoigné de la diversité de la production cinématographique française en 2021, ce qui fut d'ailleurs à nouveau le cas cette année. C’est ainsi le long-métrage de Xavier Giannoli, Illusions perdues, qui avait reçu le Paris Film Critics Awards du meilleur film tandis que son acteur Vincent Lacoste recevait celui du meilleur second rôle masculin pour cette adaptation magistrale du chef-d’œuvre de Balzac. Vous pouvez retrouver mon compte-rendu complet de cette édition 2021 des Paris Film Critics Awards ainsi que le palmarès, dans mon article, ici.

Créés à l’initiative de Sam Bobino (co-président du Festival du Film de La Baule -retrouvez, ici, mon compte-rendu de l'édition 2022 du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule-, délégué général de la Semaine du Cinéma Positif à Cannes), les 2èmes Paris Film Critics Awards ont été décernés lors d’une cérémonie qui a eu lieu ce dimanche 5 février au cinéma Le Silencio des Prés à Paris.

Au cours de cette cérémonie, l’académie des Paris Film Critics Awards a honoré les membres de l'industrie cinématographique qui ont excellé dans leur domaine durant l’année précédente. À l’image des New York Film Critics Circle Awards, Los Angeles Film Critics Association Awards ou London Critics Film Awards, les Paris Film Critics Awards récompensent chaque année le meilleur du cinéma mondial.

Parmi les nouveautés cette année, la création de deux nouveaux prix, celui des meilleurs décors et de la meilleure série télévisée.

La Nuit du 12 a ainsi été élu meilleur film de l’année. Le film de Dominik Moll a également reçu le prix de la meilleure adaptation et du meilleur second rôle féminin par Anouk Grinberg.

Zabou breitman & Dominik Moll_ (c) Julien Mouffron Gardner Gardner

Ce film inspiré de faits réels, âpre et ciselé, est le septième long-métrage de Dominik Moll. A l’heure où les féminicides demeurent dramatiquement nombreux, ce film est un plaidoyer retentissant, glaçant et vibrant contre les violences faites aux femmes. L’intérêt de l’enquête au cœur du film réside ainsi moins dans la résolution du crime que dans l’auscultation de la vision de la femme par les 6 hommes qui sont les potentiels suspects responsables de l’assassinat d’une jeune femme mais aussi par certains policiers dont les propos font écho à ceux de ces derniers. N'y voyez pas là du manichéisme, bien au contraire ! Les formidables personnages incarnés par Bastien Bouillon et Bouli Lanners viennent les contrebalancer. Bouli Lanners et Bastien Bouillon sont ainsi perdus et tourmentés, et leur désespoir, leur fragilité, leur solitude face à cette affaire irrésolue nous hantent autant que cette dernière après le film. Anouk Grinberg campe aussi une juge profondément humaine.  La procédure est décortiquée mais ce sont surtout les âmes humaines qui le sont comme dans un film de Tavernier (on songe à L627). Le décor de cette vallée grisâtre autour de Grenoble se prête parfaitement à ce thriller sombre. Un film noir dont on ressort bousculé par le portrait de la misogynie « ordinaire. Le dernier plan, celui de l’enquêteur de la PJ qui s'échappe du vélodrome et roule le jour est la respiration tant attendue qui nous marque longtemps après la projection comme ce film qui ne peut laisser indifférent, tant il entre en résonance avec les plaies à vif de notre époque.

Le cinéaste Jean-Jacques Annaud a reçu un prix d’Honneur de la part de la presse, décerné à Claude Lelouch l’an passé, l’occasion pour le réalisateur de Notre-Dame brûle de déclarer avec humour que « le prix est celui des survivants des mauvaises critiques » et que « finalement j’aime assez bien les mauvaises critiques. François Truffaut avait raison: ne lisez pas les critiques. Il faut les lire avec un double décimètre. Ce qui est important, c’est la surface. » L’occasion pour moi de vous recommander à nouveau Or noir (dont je vous parle ici) à l’occasion de la sortie duquel j’avais interviewé le cinéaste, un des films de ce dernier largement sous-estimé. Une fable initiatique flamboyante avec des péripéties haletantes dignes d’une tragédie grecque, un conte qui permet une métaphore d’autant plus maligne des heurts de notre époque, un conte intemporel et très actuel au souffle épique incontestable, aux paysages d’une beauté vertigineuse dans la lignée des films de David Lean. Un cinéma romanesque, flamboyant où tout est plus grand que la vie sans pour autant en être totalement déconnecté mais qui en est au contraire le miroir réfléchissant (dans les deux sens du terme). Un film emp(h)athique qui rend hommage à ces terres lointaines et plus largement au cinéma qu’il montre à l’image du désert : une redoutable splendeur à côté de laquelle le spectateur se sent dérisoire mais tellement vivant. Fin de digression...

Benoit Magimel (c) Julien Mouffron-Gardner

L’acteur Benoît Magimel a reçu le prix du meilleur acteur pour Pacifiction, le film d’Albert Serra qui remporte aussi deux autres trophées, celui de la meilleure photographie et des meilleurs décors.

Roschdy Zem, quant à lui, a reçu le prix du meilleur acteur dans un second rôle pour L’Innocent, de Louis Garrel (celui de la meilleure actrice dans un second rôle revenant à sa partenaire dans le film Anouk Grinberg, également récompensée pour La Nuit du 12).

Le compositeur Alexandre Desplat a reçu le prix de la meilleure musique pour Pinocchio de Guillermo del Toro.

Parmi les autres trophées, celui de la meilleure actrice a été décerné à Virginie Efira pour Revoir Paris de Alice Winocour, film dans lequel elle incarne Mia, prise dans un attentat dans une brasserie parisienne. Trois mois plus tard, alors qu’elle n’a toujours pas réussi à reprendre le cours de sa vie et qu’elle ne se rappelle l’évènement que par bribes, Mia décide d’enquêter dans sa mémoire pour retrouver le chemin d’un bonheur possible. Alors forcément, impossible de ne pas être bouleversée par ce Revoir Paris qui résonne en nous, que nous ayons vécu ce traumatisme ou un autre. Nous pensons à toutes ces âmes blessées pour qui « revoir Paris » doit être encore si difficile et qui y déambulent, anonymes, comme si de rien n’était, mais blessés dans leur chair et dans leur âme. La grande force de ce film est sa pudeur. L’émotion n’en est pas moins palpable. Quand on balaie les fleurs déposées en mémoire des victimes Place de la République, comme s’il s’agissait de vulgaires détritus, ou quand une jeune fille qui a perdu ses parents dans l’attentat cherche à retrouver dans le tableau éponyme le détail des Nymphéas figurant sur la carte qu’ils lui avaient envoyée, avant de mourir dans l’attentat. Mais ce film, ce n’est pas seulement celle d’êtres brisés, c’est aussi celle d’êtres qui ensemble cheminent vers la reconstruction, qui tissent des liens et un chemin vers la lumière, qui après cela se posent les questions sur le bonheur, ou qui encore sans se connaître se sont tenus la main, au sens propre comme au sens figuré. Si Mia « revoit » Paris, c’est aussi parce qu’elle la voit autrement, mais aussi qu’elle voit sa vie autrement. Elle souffre du trouble de « la mémoire récurrente involontaire » et va essayer de reconstituer les fils de cette effroyable soirée. Revoir Paris, c’est avant tout une histoire de résilience. Une fois de plus, Virginie Efira est troublante de justesse, de nuance, d’émotions, de force et fragilités mêlées. Force et fragilité mêlées, c’est aussi ce qui définit le personnage de Benoît Magimel. Un film d’une rare sensibilité, celle qu’il fallait pour traiter de ce sujet si récent et présent dans les mémoires. Mais aussi un film sur la mémoire traumatique qui donne des visages à cette épreuve collective avec délicatesse et dignité. Un poignant élan de vie, de réconciliation (avec soi, le passé) et d’espoir.

Le prix du Meilleur réalisateur a été décerné à James Cameron pour son film Avatar : la voix de l’eau, qui atteindra le chiffre des 13 millions d’entrées en France cette semaine.

Un prix pour l’ensemble de sa carrière a été décerné au cinéaste culte américain de 96 ans, Roger Corman.

Le prix du meilleur premier film a été attribué au remarquable Falcon Lake de Charlotte Le Bon qui avait déjà reçu le prix D’Ornano-Valenti du dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville. Une histoire d'amour et de fantômes. Ainsi le pitch officiel présente-t-il ce premier long-métrage de Charlotte Le Bon également projeté à la Quinzaine des Réalisateurs 2022. Pour son premier long-métrage, Charlotte Le Bon a choisi de porter à l’écran le roman graphique de Bastien Vivès, Une sœur. Cette adaptation très libre le transpose de la Bretagne à un lac des Laurentides, situé au Québec, au Nord-Ouest de Montréal. C’est là, pendant l’été, qu’un jeune Français, Bastien (Joseph Engel), ses parents et son petit frère viennent passer quelques jours, dans un chalet situé au bord d’un lac où sa mère québécoise (Mona Chokri) venait déjà avec son amie d’enfance. Il est décidé que Bastien dormira dans la même chambre que Chloé (Sara Montpetit), de trois ans son ainée. Une adolescente frondeuse, étrange et un peu fantasque. Chloé, qui passe d’habitude son temps avec des garçons plus âgés qu’elle, est d’abord contrariée par l’arrivée de celui qu’elle considère comme un enfant. Bastien qui a 13 ans « bientôt 14 » n’en est pourtant plus tout à fait un. Il éprouve immédiatement de la fascination pour Chloé. Cette dernière en joue. Mais n’est-ce véritablement qu’un jeu entre celui qui se cherche et celle qui pense n’avoir sa place nulle part ? Les deux adolescents se rapprochent peu à peu…Cela commence comme un conte funèbre. Un plan sur un lac sur lequel on distingue ensuite comme un corps mort qui flotte à la surface.  Puis le corps prend vie. Ensuite, une voiture s’engouffre dans une forêt dense et mystérieuse, à la fois admirable et presque menaçante. Dans la voiture qui s’enfonce dans cette forêt, Bastien touche son petit frère qui ne s’en rend pas compte, comme s’il était une présence fantomatique. La famille entre ensuite dans un chalet plongé dans l’obscurité. Toute la puissance énigmatique et ensorcelante du film est déjà là, dans ces premiers plans. En effet, dès le début, dans ce chalet isolé au milieu de cette nature aussi captivante qu’inquiétante, une indicible menace plane. Ce mélange de lumière et d’obscurité, de candeur et de gravité, instaure d’emblée une atmosphère singulière. Cet été flamboyant contraste avec la rudesse de l’hiver à venir, et rend chaque minute plus urgente, faussement légère et presque brusque. Comme une allégorie de l’adolescence… Baignade dans la nuit, ombres sur les murs...: Charlotte Le Bon s’amuse avec les codes du film de genre. Quand Chloé apparaît la première fois, c’est de dos, comme un fantôme. Ces fantômes dont l’adolescente ne cesse de parler. La mort est là qui rode constamment. Bastien raconte qu’il a peur de l’eau, ayant failli se noyer petit. Chloé s’amuse à disparaître dans l’eau. Elle joue à la morte et dit « j’ai pas l’air assez morte ». Elle s’approche de Bastien pour lui faire peur, déguisée en fantôme. Ils jouent à se mordre jusqu’au sang. Bastien trouve un animal mort. Il s’adonne à une danse endiablée avec un masque fantomatique sur le visage etc.Tout cela ressemble-t-il encore à des jeux d’enfant ? Pour aller à une soirée, Chloé habille Bastien comme elle le ferait avec une poupée ou un enfant et pour désamorcer une éventuelle ambiguïté lui dit que « Les petites filles vont devenir folles ». Chloé et Bastien aiment jouer à se faire peur, à se draper d’un voile blanc pour jouer aux fantômes, à feindre la mort. Chloé photographie ainsi Bastien recouvert d’un voile blanc près d’un arbre mort. Et Chloé est surtout obsédée par la présence d’un fantôme suite à une mort accidentelle dans la partie sauvage du lac, une mort dont elle semble la seule à avoir entendu parler. Ce récit initiatique est envoûtant du premier au dernier plan. Chloé et Bastien sont à une période charnière où tout est urgent, où les émotions sont à fleur de peau. D’un instant à l’autre, dans ce décor de fable, tout semble pouvoir basculer dans le drame. La réalisation particulièrement inspirée de Charlotte Le Bon, entre plans de natures mortes et images entre ombre et lumière (sublime photographie de Kristof Brandl), avec son judicieux mode de filmage (pellicule 16mm), plonge le film dans une sorte de halo de rêve nostalgique, comme un souvenir entêtant. Le format carré en 4/3 semble être un hommage au film A ghost story. Dans ce long-métrage de David Lowery, un homme décède et son esprit, recouvert d'un drap blanc, revient hanter le pavillon de banlieue de son épouse éplorée, afin de tenter de la consoler. Mais il se rend vite compte qu’il n’a plus aucune emprise sur le monde qui l’entoure, qu’il ne peut être désormais que le témoin passif du temps qui passe, comme passe la vie de celle qu’il a tant aimée. Fantôme errant confronté aux questions profondes et ineffables du sens de la vie, il entreprend alors un voyage cosmique à travers la mémoire et à travers l’histoire. Dans ce conte poétique et philosophique sur le deuil, l’absence, l’éphémère et l’éternel, l’impression d’étirement du temps est renforcée par le format 4/3, un film inclassable qui remuera les entrailles de quiconque aura été hanté par un deuil et la violence indicible de l’absence. Cette référence n’est certainement pas un hasard tant le scénario de Charlotte Le Bon et François Choquet est d’une précision remarquable. D'une précision (et d'une justesse) remarquable, les deux jeunes comédiens qui insufflent tant de véracité à cette histoire aux frontières du fantastique le sont aussi. Le travail sur le son est également admirable, qu’il s’agisse des sons de la nature mais aussi des sons du monde des adultes comme un bruit de fond étouffé, lointain, appartenant à une autre réalité ou tout simplement même à la réalité. La musique de Shida Shahabi à l’aura fantastique et mélancolique, est aussi un acteur à part entière. Elle vient apporter du mystère et de l’angoisse dans des moments plus légers. Elle ne force jamais l’émotion mais la suscite et nous intrigue comme lorsque quelques notes plus tristes viennent se poser sur des moments joyeux pour nous signifier qu’ils appartiennent peut-être déjà au passé. « Certains fantômes ne réalisent pas qu'ils sont morts. Souvent c'est des gens qui n'étaient pas près de mourir, ils vivent avec nous sans pouvoir communiquer avec personne » dit ainsi Bastien à un moment du film. Une phrase qui résonnera d’autant plus fort après cette fin, ce plan de Chloé face au lac, avec sa mèche blonde, qui se tourne à demi quand Bastien l’appelle. Une fin entêtante, magnifique, énigmatique qui fait confiance au spectateur et au pouvoir de l’imaginaire. Une fin comme ce film, magnétique, dont le fantôme ne cessera ensuite de nous accompagner…Une histoire d’amour et de fantômes, certes, mais surtout une exceptionnelle et sublime histoire d’amour et de fantômes  qui vous hantera délicieusement très longtemps.

Enfin, Decision to leave de Park Can-Wok a été récompensé pour son montage. Dans ce film, Hae-Joon, détective chevronné, enquête sur la mort suspecte d’un homme survenue au sommet d’une montagne. Bientôt, il commence à soupçonner Sore, la femme du défunt, tout en étant déstabilisé par son attirance pour elle. Ce onzième long-métrage de Park Chan-wook (qui n’avait pas réalisé de long-métrage depuis 6 ans) est un peu la quintessence de son cinéma, avec certes moins de violence que dans ses précédents films mais plus que jamais ce sens aiguisé de la mise en scène. Evidemment, on pense à Vertigo d’Hitchcock (1958 – Sueurs froides) à la lecture de ce pitch faisant écho à celui du film en question du maître du suspense dans lequel un enquêteur tombe amoureux de la femme qu’il doit surveiller. Les personnages, dans une sorte de mise en abyme du cinéma, jouent constamment un rôle, si bien que la frontière entre vérité et mensonge est très floue. C’est aussi le cas ici, dans ce film noir dans lequel le polar est avant tout un prétexte à une poignante histoire d’amour qui commence en haut d’une montagne et s’achève sous la mer. Entre les deux, se déroule pour le spectateur un voyage sinueux, à la fois captivant et opaque. La mise en scène d’une élégance rare interroge le réel et la vérité. Elle joue constamment avec les focales, le flou, les amorces, le premier et le second plan...et se joue de nous aussi, y compris avec le titre, également à double sens (qui s'avère bouleversant au dénouement). Le suspense plus que celui du polar est celui du désir, latent, constant. Ce n’est pas un film facile mais si on accepte de se laisser emporter dans ce jeu de dupes, on ressort bouleversé de ce labyrinthe émotionnel habile et malin qui évoque bien davantage la langueur d’In the Mood for Love de Wong Kar-wai que des films précédents de Park Chan-wook comme Old boy. Ce mélange de thriller et de mélodrame est évidemment très hitchcockien. Le cinéaste dissèque la complexité des sentiments, l’homme pudique face à la femme manipulatrice dont il va tomber amoureux. Le titre est comme le film : double. Il résulte ainsi d’une chanson populaire coréenne, La brume, une histoire d’amour mélodramatique, mais aussi une série de romans policiers suédois, série de Martin Beck traduite récemment en coréen. La mise en scène particulièrement brillante nous montre notamment comme Hae-Joon observe Sore de l’extérieur et par esprit se projette chez elle en des projections fantasmagoriques dont il nous appartient de déterminer s’il s’agit de la vérité. Tout est signifiant jusque dans le décor de l’appartement avec ses motifs de papiers peints qui reprennent des idées de vagues et montagnes. Les transitions sont aussi particulièrement brillantes comme une goutte dans une tasse de thé à laquelle répond une goutte dans une sonde à l’hôpital. La mise en scène distend et distord le temps et l’espace. Même quand ils sont ensemble, elle les sépare car ils ne s’aiment pas en même temps.  Ce film poignant nous laisse avec une impression entêtante et un mot, comme une litanie : brisé.

L’intégralité du Palmarès des Paris Film Critics Awrards 2023 :

MEILLEUR FILM

La Nuit du 12 - Dominik Moll

MEILLEUR RÉALISATEUR

James Cameron - Avatar : La Voix de l'eau

MEILLEURE ACTRICE

Virginie Efira - Revoir Paris

MEILLEUR ACTEUR

Benoît Magimel - Pacifiction : Tourment sur les Îles

MEILLEURE ACTRICE DANS UN SECOND RÔLE

Anouk Grinberg - L’Innocent et La Nuit du 12

MEILLEUR ACTEUR DANS UN SECOND RÔLE

Roschdy Zem - L’Innocent

MEILLEURE RÉVÉLATION FÉMININE

Nadia Tereszkiewicz - Les Amandiers

MEILLEURE RÉVÉLATION MASCULINE

Stefan Crepon - Peter von Kant

MEILLEUR SCENARIO ORIGINAL

La Conspiration du Caire - Tarik Saleh

MEILLEURE ADAPTATION

La Nuit Du 12 - Dominik Moll et Gilles Marchand

MEILLEURE PHOTOGRAPHIE

Pacifiction : Tourment sur les îles - Artur Tort

MEILLEUR MONTAGE

Decision to Leave - Kim Sang-bum

MEILLEURE MUSIQUE ORIGINALE

Pinocchio - Alexandre Desplat

MEILLEURS DÉCORS

Pacifiction : Tourment sur les Îles - Sebastian Vogler

MEILLEUR FILM D’ANIMATION

Le Petit Nicolas : Qu’est-ce qu’on attend pour être heureux ? - Amandine Fredon et Benjamin Massoubre

MEILLEUR DOCUMENTAIRE

The Beatles : Get Back -The Rooftop Concert - Peter Jackson

MEILLEUR 1ER FILM

Falcon Lake - Charlotte Le Bon

MEILLEURE SÉRIE

The White Lotus

PRIX D’HONNEUR

Jean-Jacques Annaud

PRIX POUR L’ENSEMBLE D’UNE CARRIÈRE

Roger Corman