Photo  © Romain Ricard

« Un film ne parle pas seulement à l’intellect mais aussi à l’âme. » Orson Welles

Lorsque nous sommes émus par un film ou par un lieu, il en va de même : se réveillent en nous des émotions bien souvent indicibles, liées à des réminiscences, à des résonances lointaines. C’est sans doute pour cela que du cinéma-hôtel mk2 Paradiso qui allie les deux (lieu et cinéma) émane cette aura émouvante, d’emblée, dès l’entrée.

Le paradis des cinéphiles : mk2, inventeur de rêves

Il y a quelques semaines, j’évoquais, ici, la formidable programmation de Cinéma Paradiso Louvre qui eut lieu du 2 au 5 juillet 2025, dans la cour carrée du Musée du Louvre. Mk2, premier circuit art-et-essai en France, défend en effet depuis sa création une volonté de sélection, de transmission et d’ouverture à l’autre, à travers divers évènements, de l’Hôtel Paradiso, un projet mûri pendant plus de 6 ans, à des projections exceptionnelles sous la nef Grand Palais ou ailleurs. Créée par mk2 au début des années 2010, la marque Paradiso entend créer des expériences de vie autour du cinéma.

Je voulais depuis longtemps découvrir cet hôtel que j’imaginais (à raison) comme un paradis pour cinéphiles. Cet article inaugure ainsi une nouvelle rubrique que je consacrerai régulièrement aux hôtels, dans la lignée de ce que j’écris pour cet autre site. Aucun hôtel n’aurait pu réaliser aussi bien le pont entre ces deux domaines. Hôtellerie et cinéma contribuent à nous emmener en voyage et à nous émerveiller (pas seulement concernant le second, certes, évidemment). L’alliance des deux représente donc une sorte de quintessence de l’évasion.

Sans doute aviez-vous déjà vu ces deux collages monumentaux signés JR, visibles depuis certaines chambres de l’hôtel. Le photographe et réalisateur français nommé à l’Oscar du meilleur film documentaire en 2018 pour Visages, villages (2017), coréalisé avec Agnès Varda, connu notamment grâce à ses portraits gigantesques collés dans l’espace public (les séries Face 2 Face ou Women Are Heroes), a créé deux collages, apposés sur les façades aveugles des immeubles d’en face, qui s’affichent sur plus de 15 mètres de haut et 3 mètres de large. Visibles uniquement par les clients de l’hôtel des chambres avec fenêtres sur cour, l’œuvre rend hommage à deux grands classiques de l’histoire du cinéma. Le premier est une réinterprétation d’un plan du Kid de Charlie Chaplin (1921) ; le second reprend l’image iconique d’Harold Lloyd suspendu aux aiguilles d’une horloge dans Monte là-dessus ! de Fred C. Newmeyer et Sam Taylor (1924). Qui mieux que Chaplin, qui a lui seul représentait et sublimait tous les métiers du septième art, pour nous inviter à cette échappée belle ? Une échappée belle qui nous convie au cinéma mais aussi à savourer l’art en général. Dans ce cinéma-hôtel, vous trouverez aussi bien du cinéma classique, des nouveautés, des séries, de la musique, des jeux vidéo, de l’art contemporain…

Photo  © Romain Ricard

Derrière la façade avec ses bow windows aux proportions d’écrans de cinéma, lien d’échange entre la ville et le cinéma, osmose entre architecture haussmannienne et architecture contemporaine, intemporelle, au 135 Boulevard Diderot, l’entrée discrète de l’hôtel quatre étoiles jouxte ainsi celle du cinéma mk2 Nation.

Derrière la porte se trouvent le café-restaurant et la réception, presque confidentielle : on n’entre pas portes grandes ouvertes et avec tonitruance dans un tel antre pour cinéphiles, mais presque religieusement. Puis, s’offrent aux regards émerveillés et aux pas précautionneux les murs de béton bruts où sont exposées des affiches collectors de films, images et livres de la collection personnelle mk2, scènes de films diffractées par l’artiste Ruben Brulat. Vous y trouverez notamment l'affiche du poignant Juste la fin du monde de Xavier Dolan dont je vous avais parlé avec enthousiasme, ici.

Sous la plume de la décoratrice Alix Thomsen, c’est tout l’univers du 7ème art qui se décline ; son atmosphère, ses codes et ses couleurs. L’atmosphère est discrète mais chaleureuse, épurée mais stylisée.

L’architecte d’intérieur signe la décoration de l’hôtel, orchestrant le dialogue entre convivialité et cinéma.

L’escalier qui mène aux étages et aux chambres est travaillé comme une sortie de cinéma, des couloirs feutrés énigmatiques où en perspective un fragment de film nous invite à le rejoindre.

L’expérience cinéma se vit aussi dans les 6 salles obscures du cinéma mk2 Nation, situé au rez-de-chaussée, dans les couloirs tapissés d’affiches mythiques et d’une collection de 2 000 DVD et Blu ray à emprunter (des trésors du cinéma mondial parmi les catalogues mk2, Arte, Ciné Tamaris, Carlotta Films, Potemkine ou Criterion) -j’ai pris en photo Ariane de Billy Wilder dont je vous parlais il y a quelques jours en visitant un autre hôtel dans le cadre duquel l’intrigue se déroule…mais vous pourrez évidemment trouver une multitude d’autres chefs-d’œuvre-, ou même sur le toit-terrasse et son cinéma en plein air - avec une imprenable vue sur les toits et monuments de Paris.

Photo  © Romain Ricard

 L'hôtel Paradiso est donc un concept inédit, le tout premier cinéma-hôtel qui ouvrit ses portes en mars 2021. À travers ce lieu alliant confort, cinéphilie et  convivialité, Nathanaël et Elisha Karmitz, les deux  frères à la tête de mk2, ont souhaité prolonger  l’ambition initiale de la société fondée par leur  père, Marin Karmitz, en 1974 : offrir une autre  idée du cinéma

Emplacement et équipements

Situé au-dessus du cinéma mk2 Nation, cet hôtel si bien nommé, rappelant le titre du chef-d’œuvre de Giuseppe Tornatore est un lieu unique au monde qui bouleverse les codes de l’hôtellerie mais aussi du cinéma puisqu’il offre une expérience singulière, que ce soit sur son toit-terrasse (avec une remarquable programmation pour cet été 2025, je vous la détaille plus bas), dans sa loge (formidable innovation qui vous permet d’assister aux projections du cinéma mk2 Nation depuis une loge située dans l’hôtel, seul ou à plusieurs) ou dans les chambres (films accessibles sur les plateformes) ou suites (le rêve : vous pourrez y voir des films à l’affiche).

Les chambres et suites

Photo  © Romain Ricard

Les 34 chambres et deux suites-cinéma ont ainsi été imaginées pour être le meilleur endroit pour visionner un film. Les chambres ont toutes pour point de convergence l’écran de projection. La scénographie allie confort, chaleur et convivialité avec, selon les termes de la décoratrice « un certain dénuement et une retenue pour créer une narration abstraite. J’ai choisi de mettre en scène une neutralité pour privilégier la projection fantasmagorique de chacun. J’ai joué avec le spectre lumineux, dans une gamme allant de l’ultraviolet au rouge pour finir sur la lumière blanche. Je me suis aussi appuyée sur l’iconographie très riche de mk2. »

Elles sont toutes équipées d’un vidéoprojecteur laser, d’un écran de 3 mètres de large et se métamorphosent en quelques secondes en salles de cinéma. Un parcours 100% digitalisé sur tablette donne un accès illimité à une programmation hebdomadaire de films et de séries et aux meilleures plateformes de SVOD - le cinéma d’auteur est mis à l’honneur avec mk2 Curiosity et des partenariats avec MUBI le Vidéo Club Carlotta Films, complété par les offres d’Arte, Netflix, MyCanal ou encore Disney+.  En ce moment, au programme : David Lynch, Robert Guédiguian, Quentin Tarantino, Steven Spielberg et Lena Dunham  avec Blue Velvet, Marius et Jeannette, Pulp Fiction, E.T.,l’extra-terrestre et Too Much (série). En projection privée, dans la suite cinéma, vous pourrez même découvrir L’Accident de piano de Quentin Dupieux, actuellement à l’affiche.

La tablette permet de piloter tout son séjour directement depuis son lit : playlist musicale, lumière, films, ainsi qu’un accès à tous les services de l’hôtel comme le menu à commander en room service. L’interface développée avec l’entreprise Bowo permet au client de profiter de tous les services de conciergerie digitalisés : du room service, à la commande d’un VTC en passant par le e-shop de l’hôtel ou le City Guide des lieux recommandés par mk2 à Paris. La tablette permet également de manière simple de piloter tous les équipements de la chambre : lumières, son, vidéoprojecteur et écran.

L’expérience cinéma : dans la chambre

Les différentes catégories de chambres (Paradiso, Paradiso Supérieure, Grande Paradiso et Paradiso Twins) sont pensées pour répondre à toutes les façons de voyager et s’adressent aussi bien aux parisiens avides d’une expérience inédite (vous pouvez ainsi réserver la chambre en journée, à partir de 100 euros), aux touristes qui souhaitent découvrir Paris en famille, qu’aux voyageurs d’affaire à la recherche d’un lieu pratique, connecté à la ville et à la programmation riche.

Fidèle aux valeurs de sélection et de transmission de mk2, l’Hôtel Paradiso propose chaque semaine une programmation éditorialisée de films et de séries recommandés par les équipes de programmation de mk2 et du magazine Trois Couleurs, à découvrir en chambre. Accessible directement sur la tablette tactile et envoyée tous les lundis aux abonnés de la newsletter, cette sélection rassemble des films classiques ou récents, séries incontournables, pépites méconnues ou blockbusters tout juste sortis.

C’est face au lit que la séance commence vraiment, à travers une fenêtre qui se transforme en une toile de cinéma de trois mètres de large ou un mur qui s’habille d’un écran de projection, sublimé par de longs rideaux de velours. Une fois le film choisi, il suffit de lancer la lecture depuis la tablette tactile fournie dans chaque chambre pour que les lumières s’éteignent, que l’écran se déploie, que le vidéoprojecteur se mette en route et que le film débute.

 Et en guise de mini-bar, une série d’indispensables à grignoter vient accompagner l’expérience : pop-corn bio et friandises japonaises au thé vert entre autres. Les clients auront aussi accès à un room service grâce à la carte bien fournie imaginée par Marc Grossman du Bob’s Juice Bar.

Mais, sans aucun doute, le meilleur écrin pour vivre le cinéma pour quelques heures ou quelques nuits se situe au 7ème et dernier étage : dans les deux Suites-Cinéma qui viennent compléter l’offre hôtelière, proposant de vivre une expérience totalement inédite. Outre tous les services déjà disponibles en chambre s’ajoute la possibilité de visionner seul ou en couple, en famille ou entre amis, les derniers films à l’affiche. Ici, ambiance feutrée, pimpée par les créations d’affiches de films cultes de l’artiste Flore Maquin (à qui on doit notamment les affiches des éditions 2018 et 2019 du Festival de Cannes), grands volumes, terrasse spacieuse avec vue dégagée, douche géante et véritable salle de projection privée. Les cinéphiles se coupent du monde pour entrer dans un univers qui traverse l’écran.

Toutes les chambres sont dotées d’un projecteur laser Optoma ZU506Te, compatible 4K et HDR pour projeter sur un écran de 3 mètres de large. Côté son, une barre Yamaha MusicCast YSP-5600, installée au-dessus de l’écran et comptant pas moins de 34 haut-parleurs, permet de reproduire un son 3D. De quoi simuler du 7.1.2 en se servant des murs en béton extrêmement bien isolés pour faire rebondir les sons jusqu’au spectateur installé sur le lit. Les volumes maximum sont réglés selon les standards des salles de cinéma ; jusqu’à 85dB, les sons ne s’entendent pas d’une chambre / salle à l’autre.

Les deux suites sont équipées comme un véritable cinéma : une cabine de projection contient un projecteur DCI Cinema DP2K-6E et un processeur son cinéma CP950 permettant une diffusion en 5.1. Un système Line Array (utilisé dans les spectacles et les concerts) haut de gamme K-ARRAY a été installé, avec l’aide de Cinemeccanica France, pour coller aux normes cinéma à respecter. Ces salles sont agréées par la CST (commission qui effectue le contrôle technique des cinémas) et sont aux normes DCI (standard technologique du cinéma numérique)

L’Hôtel Paradiso prolonge la volonté de mk2 d’ouvrir la culture et le cinéma au plus grand nombre, notamment aux enfants et aux ados qui ne sont pas en reste. Quatre chambres sont communicantes : d’un côté une chambre Paradiso avec lit double et de l’autre une chambre Twin avec deux lits jumeaux. Chacune étant indépendante techniquement, les enfants peuvent voir un programme différent de celui de leurs parents, parmi une offre adaptée au jeune public. Un contrôle parental est activable sur tablette pour permettre aux enfants un parcours autonome en toute sécurité. En outre, chaque semaine les équipes mk2 concoctent une sélection de films parmi l’offre disponible sur les différentes plateformes de streaming, incluant une proposition jeune public éditorialisée.

La Loge

Photo  © Romain Ricard

J’ai eu un vrai coup de cœur pour cette loge qui surplombe la salle 2 du mk2 Nation (100 places), cet écrin de 24 m2, accessible sur réservation et pouvant accueillir jusqu’à 8 spectateurs se configure selon les envies. On peut assister à la séance de cinéma, confortablement installé dans les célèbres LoveseatsTM conçus pour mk2 par Martin Szekely mais revisités pour l’occasion dans un tissu Kvadrat. On peut aussi se faire sa propre sélection une fois la dernière séance de la journée terminée ou encore jouer aux jeux vidéo sur l’écran de la salle de cinéma. Enfin, il est possible de profiter du room service pendant sa séance sans gêner le reste de la salle. Pour partager un moment cinématographique unique, vous disposerez ainsi du grand écran (ainsi que d’un bar) jusqu’au bout de la nuit.

Le Rooftop

Photo  © Romain Ricard

Chaque dimanche et lundi à 21h30, le Rooftop se transforme ainsi en cinéma à ciel ouvert. Cocktail à la main, coucher de soleil sur la tour Eiffel, et une programmation signée mk2 :  le spot parfait pour vos soirées d’été. Vous pourrez y admirer la vue panoramique sur la Ville Lumière (à couper le souffle, non ?).

Parquet boisé, cadre végétalisé, bar à cocktail et barbecue privé. Accessible à tous, il propose des ciné-clubs thématiques et des projections sur l’écran de 4 mètres de large. Pouvant accueillir jusqu’à 45 personnes, il peut se privatiser à volonté pour tout type d’événements : showcase, séance de cinéma ou de sport, bar éphémère, corner de marque, soirée VIP, ateliers, meeting...

 Ce mois d’août 2025, au programme : La vie est un roman d’Alain Resnais (dimanche 3 et lundi 4 août à 21H30), Chat noir, chat blanc d’Emir Kusturica (dimanche 10 et lundi 11 août à 21H30), Laurence anyways de Xavier Dolan (dimanche 17 et lundi 18 août à 21h30), L’amour à la mer de Guy Gilles (dimanche 24 et lundi 25 août à 21H30), Les Temps modernes de Charlie Chaplin (lundi 1^er septembre à 21h »).

Le karaoké

Vous trouverez aussi une salle de karaoké dédiée aux musiques de films, nommée La La Land, évidemment en référence à la comédie musicale de Damien Chazelle. L’espace privé de 17m² est totalement modulable et peut accueillir jusqu’à 8-10 personnes. Un lieu inédit avec système son audiophile et vidéo de très haute qualité grâce à un écran géant full HD de 80 pouces.

Le Café-Restaurant

Le Café-Restaurant Paradiso, vous permet de vous installer au comptoir du bar, sur la terrasse extérieure ou à l’une des 28 places intérieures.

Le cinéma mk2 Nation

Le mk2 Nation est un vrai cinéma de quartier. Petit plus pour les clients de l’hôtel qui se voient offrir un ticket de cinéma pour découvrir les films à l’affiche dans ses salles pendant leur séjour. Situé au rez-de-chaussée de l’hôtel, le cinéma a été entièrement rénové en 2019. Lieu de culture incontournable de l’Est parisien, il accueille toute l’année, en plus de sa programmation de films, des événements, masterclass et rencontres. Ses six salles sont privatisables, avec des espaces allant de 40 à 130m2 et des jauges de 17 à 226 personnes. Un chaleureux loft de 97m2 disposant d’un accès direct à l’hôtel et aux salles de cinéma s’adapte à tous les besoins : studio de podcast, plateau TV, livestream, meeting room ou atelier.

En conclusion...

J’ai commencé en évoquant le film de Tornatore, Cinema Paradiso. Rappelez-vous : ce lieu suintant de vie et de chaleur, au cœur de la Sicile, où se trouve le Cinema Paradiso, ce lien si touchant entre Toto et d’Alfredo, ces extraits de films qui transpirent la passion du cinéma. Tout ce que l’enfance laissait deviner, et ce que l’âge adulte a permis d’expérimenter. La nostalgie. La mélancolie. L’écoulement du temps qui emporte tout, même les êtres chers. L 'inoubliable musique d’Ennio Morricone  qui vient renforcer toute la poésie mélancolique qui se dégage du film et du visage de Jacques Perrin. De ce "rêve merveilleux" comme Elena qualifiera son histoire d'amour avec Salvatore. Un rêve merveilleux, comme l'est le cinéma...Cinema Paradiso, c'est le récit nostalgique d'une époque révolue. Une ode au rêve. À la puissance du cinéma à laquelle le film par ses nombreux extraits de classiques rend le plus beau des hommages. Mais aussi par ce dernier plan sur le visage de Jacques Perrin qui, par le pouvoir magique du 7ème art, retrouve les émotions de son enfance et le message d'amour que lui envoie Alfredo, par-delà la mort. Un parfum d'éternité. Le cinéma est décidément un paradis. Celui des vivants. Peut-il y avoir plus belle invention que celle qui nous permet d'accéder vivants à ce paradis ? Comment ne pas aimer un film dont toute l'histoire traduit ainsi la magie du cinéma ?

Cinéma Paradiso est avant tout cela, une déclaration d’amour fou au cinéma. À sa capacité à procurer à tout ce qui est éphémère des accents d’éternité. Le cinéma, dans ce film, est plus que jamais une fenêtre ouverte sur les rêves, ceux qui bercent d’illusions réconfortantes. Il en est de même de cet hôtel dans lequel j’ai retrouvé mon regard d’enfant émerveillé. Vraiment, un paradis pour cinéphiles : pour une séance en loge ou sur le rooftop, pour une après-midi à découvrir un film dans une de ses chambres ou suites, pour un karaoké. Là, le temps s’écoule au rythme de 24 images par seconde. Un film « fantastique» dans lequel vous pouvez vous immerger. Un rêve de cinéphile, non ?!

Merci à Augustin Kedzia de l'Agence Melchior pour la découverte personnalisée de l'établissement et au directeur de l'hôtel, Fabien Beauvallet, pour l'accueil.

Chambre à partir de 100 euros

Adresse : 135 Boulevard Diderot 75012 Paris

Site internet :  mk2hotelparadiso.com

Réservation : reservation@mk2hotelparadiso.com

 Instagram : @mk2hotelparadiso

 Téléphone :  +33 1 88 59 2001

Trois ans après En corps, et après une incursion dans la série avec Salade grecque en 2023, Cédric Klapisch revient au cinéma avec ce film grâce auquel il a pour la première fois intégré la sélection cannoise. Ce quinzième long-métrage du cinéaste, coécrit (comme le précédent) avec Santiago Amigorena, fut ainsi projeté hors-compétition dans le cadre du 78ème Festival de Cannes.

Alors que son avant-dernier long métrage, Deux moi (2019), s’achevait par un cours de danse lors duquel les destinées parallèles de ses protagonistes se croisaient enfin, son précédent, En corps, était entièrement consacré à cet art. En corps commence ainsi par quinze minutes fascinantes. Quinze minutes entre la scène et les coulisses. Un tourbillon éblouissant de bleu et de rouge. Une explosion étourdissante de couleurs et de mouvements (déjà évoquant presque ce geste pictural qu'exalte La Venue de l’avenir). Klapisch y célèbre la force des fragilités. La beauté du ballet aussi, qu’il soit classique, aérien, poétique même, presque abstrait et celle de la danse contemporaine, une beauté brute, presque véhémente et pourtant tout aussi vibrante.
Ce film lumineux met le cœur en joie, vous cueille quand vous ne vous y attendez pas, par un flashback et un plan, de loin, d’un père qui enlace sa fille, filmés tout en pudeur. Une fois de plus, Klapisch, dans En corps, capte la beauté et le romanesque de Paris mais aussi l’air du temps.  

C’était déjà le cas, dans le film Paris (2008), dans lequel il filme comme nul autre cette ville au cœur battant. Klapisch dans ce film choral, sublime et confronte l’éphémère dans la ville éternelle. Des destins d’abord présentés comme autant de quartiers épars. Des destins vus ou entrevus ou même imaginés peut-être par Pierre (Romain Duris) qui, du haut de son balcon démiurgique qui surplombe la capitale, atteint d’une maladie cardiaque, ne sachant pas s’il va survivre, porte un regard neuf et différent sur Paris et ceux qui s’y croisent, s’y manquent. Chacun devient le héros des histoires qu’il s’invente, sorte de double de Klapisch scénariste car que fait d’autre le scénariste que de faire des gens qu’il croise, connaît ou devine, les héros d’histoires qu’il s’invente ? Rien ne les rassemble a priori si ce n’est cette ville, les ramifications du destin, telles des lignes de métro qui de toute façon finissent en un même point : le cœur. Tous les chemins mènent au cœur de Paris. Le cœur, justement, celui qui menace de lâcher à tout instant. L’éphémère face à l’éternel. L’insignifiant face à l’essentiel. La vie face à la mort. La ville vue par le prisme d’un condamné à mort : une ville dont le cœur bat, insouciante, une ville qui vibre, qui danse, une ville de tous les possibles, une ville et une vie où rien n’empêche personne de « donner une chance au hasard », de faire valser les fils du destin comme il le fait du haut de son balcon.

Alors, justement, les fils du destin, Klapisch les fait plus que jamais danser et s’entrelacer dans La Venue de l’avenir qui est une nouvelle fois une ode à l’art : la peinture et la photographie, après la danse, mais aussi à nouveau une ode à la beauté romanesque de Paris.

Il s’agit également une nouvelle fois d’un récit choral comme il les affectionne et comme les affectionnent ceux qui, comme moi, aiment son cinéma dans lequel les destins se tissent en s'entrecroisant. Pour son premier film en costumes, il n’a pas choisi la facilité puisqu’il se déroule sur deux périodes distinctes, 1895 et 2025, principalement à Paris. Peut-être (1999) se déroulait déjà sur deux époques…et aurait d’ailleurs aussi pu s’intituler La Venue de l’avenir.

Ainsi, dans ce nouveau film de Cédrid Klapisch qui commence en 2025, une trentaine de personnes issues d’une même famille apprennent qu’ils vont recevoir en héritage une maison située en Normandie, abandonnée depuis des années. Quatre d'entre eux, Seb (Abraham Wapler), le créateur de contenus digitaux, Abdel (Zinedine Soualem), le professeur bientôt à la retraite, Céline (Julia Piaton), l’ingénieure en état dépressif, et Guy (Vincent Macaigne), l’apiculteur idéaliste, sont chargés d’en faire l'état des lieux. Ces lointains « cousins » vont alors découvrir des trésors cachés dans cette vieille maison normande dont le terrain est convoité par des promoteurs immobiliers qui souhaitent y construire un hypermarché avec parking écoresponsable. Ils vont se retrouver sur les traces d'une mystérieuse Adèle Vermillard (Suzanne Lindon) qui a quitté sa Normandie natale, à 20 ans. Cette Adèle se retrouve à Paris en 1895 (quelle année..., évidemment que ce soit celle de la naissance du cinéma n'est pas un hasard), au moment où cette ville est en pleine révolution industrielle et culturelle. Cette fille de la campagne veut y retrouver sa mère (Sara Giraudeau) qu’elle n’a pas connue. Là, elle croisera la route de Sarah Bernhardt, Nadar, Claude Monet…

Les quatre cousins vont alors découvrir cette période charnière de la fin du XIXème siècle, la naissance d’un nouvel art, la photographie, et d’un courant pictural, l’impressionnisme. Ce voyage dans le passé va les conduire à se questionner sur leur présent et leur avenir et va questionner aussi l’héritage que nous laissent la peinture et la photographie, mémoires d’une époque, et l’art en général.

Le premier court-métrage de Cédric Klapisch, Ce qui me meut, avait déjà pour cadre de Paris de la fin du XIXème siècle. Avec ce nouveau long-métrage, il mêle les histoires et l’Histoire. Le roman Scènes de la vie de bohème d’Henri Murger a particulièrement nourri le travail du réalisateur et de son coscénariste.

Chacun des quatre cousins incarne un rapport différent au progrès, le professeur représentant celui pour qui finalement les choses ne changent guère, celui-ci exerçant de surcroît le métier qui devint celui de son ancêtre, Adèle. « Il y a deux manières d'envisager l’avenir : une logique continue du présent ou une rupture » dit ainsi le personnage de Julia Piaton. Lors de la conférence de presse du Festival de Cannes, Klapsich (précisant que sa mère était psychanalyste) a ainsi expliqué : « On a plus dessiné les personnages sur les rapports qu'ils ont avec le futur. Chaque personnage a été construit en fonction de son impact sur le futur »

Klapisch oppose et relie deux époques, deux façons de regarder le monde qui nous entoure (la première scène, au musée, montre des visiteurs qui tournent le dos aux Nymphéas, plus occupés à regarder leurs smartphones et à faire des selfies qu’à admirer l’œuvre de Monet), et deux rapports au temps : les uns se téléportent quasiment en TGV quand les autres éprouvent le temps long et enrichissant du voyage. Un temps de rencontre aussi puisque c’est à cette occasion qu’Adèle rencontrera le peintre et le photographe, incarnés par Paul Kircher et Vassili Schneider, qui changeront eux aussi son regard sur la vie. Le montage avec des transitions toujours très (bien) pensées rend les passages d’une époque à l’autre fluides et ludiques.

Le chef opérateur Alexis Kavyrchine a par ailleurs réalisé un travail remarquable en cherchant à imiter les autochromes, premières photos en couleur, pour les scènes ayant lieu en 1895 qui nous immergent dans un Montmartre à la beauté picturale. Ils ont aussi repris des cadrages directement inspirés de tableaux de Monet ou Degas, autre manière de rendre hommage à cette période de la peinture que le film narre.

La musique fait aussi souvent le lien entre les deux époques. Pour la première fois, Cédric Klapisch a travaillé avec le compositeur Rob -Robin Cudert - (ancien peintre !) pour créer une musique instrumentale moderne qui évoque aussi l’univers de Debussy ou de Satie. Une musique impressionniste qui crée un pont judicieux entre les époques et souligne la majesté des paysages. Le mélange de musique classique (Mozart, Mendelssohn, Schubert, Debussy, Donizetti), d'électro, pop, variété française et de techno (Sawtooz, Alexzavesa, Bequadro, Yvette Guilbert, Léon Malaquais, Aphex Twin, Kompromat) permet aux deux époques de se fondre astucieusement. Et la chanson de Pomme, La Nuit, intégrée à l’intrigue, renforce l’impression de douceur mélancolique qui se dégage film et sublime sa beauté picturale. D’ailleurs sur sa palette, Klapisch mêle les époques mais aussi les tonalités, le film oscillant toujours habilement entre humour et émotion.

Cela commence sur un portable dos tourné aux œuvres, au milieu de la foule, avec une influenceuse qui se demande si on la voit assez et qui veut changer la couleur des Nymphéas - !- (en opposition au personnage de Pomme qui demande si on ne la voit pas trop devant le spectacle splendide de Paris). Et cela se termine comme si le passé avait imprégné le présent de sa lenteur et de sa douceur. Entre les deux, un film aussi riche, foisonnant, captivant et rassurant qu’un tableau impressionniste. On entre ainsi dans un film de Klapisch, comme dans une œuvre picturale avec une vision d’ensemble, celle qui s’offre à notre premier regard, avant d’en découvrir les multiples nuances. Chacun y trouve sa résonance avec son histoire. Et on en ressort avec la même envie que devant un tableau réussi : le revoir pour en capter les détails et pour ressentir à nouveau les émotions multiples qu’il nous a procurées.

Comme dans tout film de Klapisch, il est évidemment aussi question d’amour, dans le présent comme dans le passé. Selon Guy : « L’amour c'est une réinvention de la vie et réinventer l'amour, c'est une réinvention de cette réinvention. »

Dans une sorte de mise en abyme, Klapisch dépeint la venue du jour, immortalise la beauté fugace de l’instant. Et, pour notre plus grand plaisir, fait revivre Monet dessinant Impression, soleil levant : « C'est pas le port que je peins mais juste un instant. » Une réalité à la fois abstraite et poétique...comme le titre du film avec ses allitérations en v et en n.

L'équipe du film lors de la conférence de presse au 78ème Festival de Cannes - Photo par Inthemoodforcinema.com

« J’aime bien mettre de la poésie dans le réel. J'aimais par exemple ce qu'était le réalisme poétique du temps de Marcel Carné. » a déclaré Klapisch lors de la très joyeuse conférence de presse du film à Cannes. Il y a en effet du réalisme poétique dans ce film, du Prévert, et du Carné, peintre « des choses derrière les choses ». On imagine à tout instant Garance elle aussi traverser le temps, faire un bond en 1895, surgir et dire : « Paris est tout petit pour ceux qui s'aiment d'un aussi grand amour. »  

Comme toujours, le voyage dans l’univers de Klapisch fait du bien, donne envie d’embrasser la vie : « Il vaut mieux regretter de choses qu'on a faites plutôt que de choses qu'on n’a pas faites. »  C’est finalement Vincent Macaigne qui en a parlé le mieux lors de la conférence de presse cannoise : « Le film est comme une sorte de caresse sur nos peurs. À toute époque, on essaie d'être ensemble, de se lier, de tomber amoureux, on a peur de l'avenir et finalement ce qui reste ce sont les œuvres d'art. Ce film nous donne envie et de créer et d'être ensemble et tous les personnages portent ça en eux. »

C’est le personnage incarné par Abraham Wapler, Seb, élevé par son grand-père avec lequel il vit toujours, pour lequel ce voyage dans le passé va le plus éclairer le présent et l’avenir. Le jeune photographe va se trouver des liens avec ses illustres aïeux, ce qui éclaire ainsi la voie qu’il doit emprunter, personnellement et professionnellement. : « Je regardais toujours devant et cela m'a fait du bien de réparer derrière. » La transmission est toujours très présente dans le cinéma de Klapisch qui y avait même consacré un film : Ce qui nous lie (2017). Et c’est en effet avant tout de liens qu’il est question ici : des liens avec le passé, des liens amoureux, des liens amicaux, des liens familiaux, des liens que nous entretenons avec l’art. Cet art qui traverse le temps, crée un présent éternel et qui relie les générations.

Si Abraham Wapler est la découverte du film, lui aussi teintant son jeu sobre de mille nuances, les seconds rôles comme dans les films du réalisme poétique sont aussi savoureux : Cécile de France en historienne de l’art aussi snob que passionnée et finalement attachante, Claire Pommet (Pomme), douce enchanteresse comme sa voix,  Sara Giraudeau dont le timbre si particulier apporte toujours une touche d’enfance à ses personnages écorchés, François Berléand dans le rôle de Victor Hugo… Et, en premiers rôles, le quatuor des cousins fonctionne parfaitement, et Suzanne Lindon est parfaite pour nous transporter dans les dédales du Paris du XIXème siècle, avec sa beauté à la fois intemporelle et singulière.

Klapisch entremêle brillamment fantaisie et mélancolie, tendresse et nostalgie. Par ce dialogue inventif entre les générations, il brosse le portrait de ce qui nous lie, l’amour et l’art. C’est reposant, coloré, festif, et gaiement nostalgique comme une promenade à Giverny, comme une avenue de l’Opéra qui s’illumine et trace le chemin au milieu d’un Paris plongé dans l’obscurité, comme un tableau de Monet, comme une rencontre sur un bateau qui mène vers le passé. Une fresque qui relève de la fable savoureuse, teintée de nostalgie. Woody Allen, avec son conte jubilatoire, Minuit à Paris, d’une autre manière, avait réenchanté le présent, en montrant qu’on peut s’enrichir du passé pour en saisir l’étendue de la beauté. Klapisch, lui, veut réenchanter le présent et l’avenir, sous l’éclairage du passé, et nous enjoint à ne jamais délaisser l’éblouissement auquel invitent l'amour et surtout l'art, que ce soit la photographie, la peinture...ou le cinéma, et même à les réinventer. Ce film en suscite aussi un, réjouissant.

Il y a quelques semaines, ainsi vous présentais-je le dernier film de Thierry Frémaux, Lumière, l’aventure continue ! :

« Le cinéma est un mélange parfait de vérité et de spectacle. » Cette citation de François Truffaut résume parfaitement ce qu’était déjà le cinéma à ses origines, lors de la première projection publique payante qui eut lieu dans le Salon Indien du Grand Café, à Paris, le 28 décembre 1895. Dès cette première projection, il était évident que le cinéma n'était pas simplement le reflet d’une réalité, mais aussi un spectacle, une vérité légèrement mensongère, une écriture singulière. Les frères Lumière ne filmaient pas seulement le mouvement, ils l’écrivaient déjà. Ils n’étaient pas seulement des inventeurs mais aussi des cinéastes. Telle est d’ailleurs la signification du substantif Cinématographe, « écrire le mouvement ».

Sans doute est-ce pour cela que j’aime si peu regarder les films ailleurs que dans un cinéma, parce que pour moi pour que cet art se déploie pleinement, il doit être vu, dégusté même, dans une salle, sans quoi il ne serait pas totalement ce « mélange parfait de vérité et de spectacle. »

J’étais ainsi invitée à découvrir le Cinéma Pathé BNP Paribas à Paris, cinéma fraîchement rénové dans le deuxième arrondissement de Paris, qui a ouvert le 30 avril 2025, destiné à accueillir de nombreux évènements cinéma exclusifs organisés par BNP Paribas. Entièrement modernisé, le cinéma Pathé BNP Paribas, ancien Pathé Opéra Premier situé au 32 rue Louis Le Grand, accueille les spectateurs dans les meilleures conditions. Les 5 salles de 42 à 192 fauteuils pour un total de 440 places sont équipées de larges fauteuils en velours de laine rouge inclinables, de projecteurs Laser de dernière génération pour une qualité d’image exceptionnelle. Alors que certains cinémas parisiens sont vétustes et infestés d’insectes parasites, une offre d’un cinéma moderne et accueillant comme celle-ci est plus que jamais appréciable, nous rappelant aussi qu’aller au cinéma n’est jamais anodin : c’est aller au spectacle, par définition collectif, c’est lever les yeux vers l’écran, c’est profiter d’un moment unique, en l’occurrence dans des conditions idéales.

Sans avoir réellement lu le synopsis, je décidai d’aller voir la comédie qui avait remporté le Grand Prix au Festival du Film de Comédie de l’Alpe d’Huez 2025, Avignon. En ce jour de canicule, le flambant neuf Cinéma Pathé BNP Paribas était vraiment le havre de paix, de fraîcheur et de rêves idéal pour le découvrir.

En 2022, Johann Dionnet réalisa le court-métrage Je joue Rodrigue. Trois ans plus tard, à quelques jours du début du 79ème Festival d’Avignon ( qui aura lieu du 5 au 26 juillet 2025) sort donc sur les écrans sa version longue, son premier long métrage : Avignon (coécrite par ce dernier, Benoît Graffin, et Francis Magnin).

Cela commence comme cela se termine : sur une scène de théâtre auquel le film rend un magnifique hommage. Mais aussi à ces comédiens pour qui jouer est une passion viscérale. Parmi eux, Stéphane (Baptiste Lecaplain), qui débarque avec sa troupe à Avignon pour jouer une pièce de boulevard intitulée Ma sœur s’incruste. Là, il recroise Fanny (Elisa Erka), une comédienne qui, des années auparavant, avait suivi le même stage de théâtre que lui. Seulement, alors que sa carrière à lui piétine, Fanny a récemment reçu un Molière. Stéphane est sous le charme et profite d’un quiproquo pour lui faire croire qu’il est à Avignon pour interpréter Rodrigue dans Le Cid, une pièce qu’il n’a pourtant même jamais lue, et dont il ignorait tout jusqu’alors. Il va s’enfoncer de plus en plus dans un mensonge dont il sera d’autant plus compliqué de se défaire que Fanny va commencer elle aussi à tomber sous le charme...

Avignon est d’abord un film de troupe. Celle de la pièce Ma sœur s’incruste est menée par Serge (Lyes Salem) confronté à des soucis pécuniaires qui le rendent souvent irascible. Elle comprend aussi notamment sa compagne Coralie (Alison Wheeler), actrice principale de la pièce dans laquelle joue également Patrick (Johann Dionnet). Il y a aussi Marc (Rudy Milstein), l’apprenti régisseur, aussi maladroit que surprenant.

Ce film est une douceur estivale, savoureuse, entre la comédie romantique à la Richard Curtis, la comédie à la Toledano Nakache, et la critique sociale, égratignant le mépris d’un certain théâtre, à la Jaoui/Bacri  (Le Goût des autres...).

Avignon s’inspire de l’expérience de Johann Dionnet, scénariste, réalisateur mais aussi acteur (il joue d’ailleurs dans le film, un acteur de la troupe en quête d’amour, attachant). Le scénario réussit le parfait équilibre entre rire et romantisme. Contrairement à de nombreuses comédies qui oublient souvent la forme pour se concentrer sur les dialogues (le plus souvent filmés en champ /contre-champ), elle est ici particulièrement soignée, grâce au travail du chef-opérateur Thomas Rames, avec notamment un magnifique plan-séquence devant le Palais des Papes ou encore une scène de hamac lors de laquelle la caméra tourne autour des personnages dans un jeu d’ombres éclairées par la lune.

Le film se déroule au rythme qui est celui du festival, joyeux, effréné, intense, dans une atmosphère estivale suffocante, palpable, dont la chaleur semble traverser l’écran. Stéphane promène sa tendresse mélancolique dans les rues d’Avignon, ville qui est un personnage à part entière de cette comédie. Baptiste Lecaplain, avec son air un peu lunaire, de doux rêveur aux cheveux ébouriffés, un peu égaré dans ses rêves et la réalité, est l'acteur idéal pour incarner Stéphane. Face à lui Fanny évolue avec des comédiens qui pratiquent ce qu’ils considèrent comme le seul théâtre qui vaille : la tragédie classique. Ils assènent leurs avis péremptoires sur les goûts des autres (pour eux, la comédie populaire n’est qu’un sujet de moquerie et non du théâtre). À ce petit jeu cruel, l’horripilant David (Amaury de Crayencour) est absolument et odieusement irrésistible. Les personnages et intrigues secondaires sont impeccablement dessinés. Alison Wheeler est ainsi d’un naturel saisissant.

Si le film égratigne un certain snobisme, il n’en est pas moins une ode au théâtre (à toutes les formes de théâtre), à la puissance des mots et au jeu en général (illusion théâtrale, illusion amoureuse) et à la ville qui est le décor fascinant de cette échappée ludique. Les mots enchanteurs de Corneille se faufilent entre ses rues jusqu’aux cœurs : l’illusion théâtrale crée l’illusion amoureuse.

Les dialogues sont soignés. La musique originale l'est aussi, elle a été confiée à Sébastien Torregrossa qui a privilégié la guitare pour teinter le film de couleurs chaudes (comme la photographie, très solaire), comme la voix de Elisa Erka qui interprète une chanson qui envoûte Stéphane.

 Le film nous fait aussi découvrir les coulisses du festival : les locations de salles à des prix exorbitants, les pantomimes diverses auxquelles doivent se plier les acteurs en arpentant la ville pour vendre leurs places, les terrasses bondées sous un soleil écrasant, le rythme trépidant, la concurrence, la joie contagieuse « d'en être », …

« L'amour est un tyran qui n'épargne personne. » , « Jamais nous ne goûtons de parfaite allégresse : Nos plus heureux succès sont mêlés de tristesse. » Le film illustre parfaitement ces citations du Cid dont il met en lumière la beauté et la poésie enchanteresses.

La fête du cinéma, c’est l’essence même du cinéma tel qu’inventé par les frères Lumière. Il vous reste encore deux jours pour en profiter et pour découvrir Avignon. Vous l’aurez compris, je vous recommande cette pépite tendre, émouvante, délicate, ensoleillée, qui réconcilie le théâtre populaire et le théâtre classique, qui sublime les mots, le jeu, les illusions théâtrale et amoureuse, et qui donne envie de prendre immédiatement un billet direction Avignon, pour se fondre dans ce spectacle permanent à la gaieté communicative dont on ressort les yeux brillants comme ceux d'enfants émerveillés, découvrant pour la première fois le théâtre de Boulevard...ou une tragédie classique. Je vous le mets : vous ne regretterez pas le voyage !

 La fête du cinéma 2025 est ainsi un véritable succès avec 920000 spectateurs le premier jour, prouvant ainsi l’attachement du public pour ce mélange de « vérité et de spectacle » : le cinéma en salle. Vous pouvez encore en profiter jusqu’au 2 juillet au tarif de 5 euros la séance. Comme le Printemps du Cinéma, la Fête du Cinéma est organisée par le FNCF. BNP Paribas est partenaire pour la 21ème année consécutive de ce bel évènement qui célèbre cette année ses 40 ans. Et si vous en profitiez pour découvrir Avignon et le magnifique cinéma Pathé BNP Paribas ?

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A propos du Cinéma Pathé BNP Paribas : complément d’information

L’ouverture du Pathé BNP Paribas vient enrichir l’offre cinématographique du quartier de l’Opéra et de la rive droite, les spectateurs parisiens bénéficieront d’un choix plus large tant en termes de programmation de films, de confort que d’équipements innovants. En s’associant à Pathé pour la réouverture de ce cinéma emblématique, pour la première fois en France, BNP Paribas appose son nom sur ce cinéma, renforçant ainsi son engagement pour soutenir le 7ème art et permettre au public d’y avoir accès dans les meilleures conditions.

BNP Paribas fera de ce cinéma un lieu privilégié pour accueillir ses avant-premières et ses événements exclusifs autour du cinéma à Paris, notamment des événements dédiés à la communauté de fans de cinéma welovecinema.

En complément, les clients de BNP Paribas bénéficieront de tarifs préférentiels. BNP Paribas finance un film sur deux produits en France, soit plus de 150 films chaque année.

Pathé est leader de l’exploitation cinématographique en France, aux Pays-Bas et en Suisse, et est également présent en Belgique et en Afrique. Pathé exploite 128 cinémas pour un total de 1 282 écrans (76 cinémas et851 écrans en France). La stratégie de montée en gamme et de modernisation des cinémas Pathé repose sur une politique active de création, de reconstruction et de rénovation ainsi qu’une innovation permanente avec les meilleures technologies, des services inédits et adaptés pour un parcours spectateur optimisé, en salles et sur le digital. Pathé est l’un des principaux producteurs et distributeurs européens de films de cinéma.

Je vous parlais récemment du Plaza Cinéma Club à l'hôtel Plaza Athénée à Paris. Les hôtels parisiens ne sont cependant pas les seuls à mettre le septième art à l’honneur.  Le cinéma est également à l’honneur à Deauville et à La Baule, dans deux hôtels dont je vous ai souvent parlé ici (retrouvez ici mon dernier article sur l'hôtel Barrière L'Hermitage de La Baule).  

Du 12 au 27 juillet, le Ciné-Club Barrière fait en effet son grand retour et vous propose une parenthèse cinématographique inédite à L'Hermitage La Baule et à L'Hôtel du Golf Deauville. Les hôtes des trois hôtels Barrière de Deauville et de La Baule pourront assister à la projection d'un film iconique, en présence d'une personnalité du cinéma. Après le triomphe de la première édition l'été dernier, le Ciné-Club Barrière revient pour la saison 2 ! En présence des plus grands noms du cinéma français, Géraldine Nakache, Julie Delpy, Pascal Elbé ou encore Hafsia Herzi, vos soirées cinéma prennent une autre dimension. À Deauville ou La Baule, installez-vous confortablement, casque sur les oreilles, coupe de champagne à la main, et profitez de soirées cinéma exclusives avec des films français cultissimes à l'affiche.

Après la projection, place à la rencontre. Un échange rare avec ceux qui écrivent, jouent et vivent le cinéma.

À L'AFFICHE

L'Hermitage, La Baule

12/07 : Film "Les Barbares" • En présence de Julie Delpy

15/07 : Film "Tout ce qui brille" • En présence de Géraldine Nakache

16/07 : Film "On est fait pour s'entendre" • En présence de Pascal Elbé

L'Hôtel du Golf, Deauville

25/07 : Film "Le sens de la fête" • En présence d'Olivier Nakache

26/07 : Film "Alibi.com" • En présence de Philippe Lachaux & Elodie Fontan

27/07 : Film "La petite dernière" • En avant-première • En présence de Hafsia Herzi

Inscription sur place à votre arrivée, auprès de la Conciergerie de l'hôtel.

 Retrouvez, ici, mon article sur la saison 1 du ciné-club Barrière et mon avis sur l'hôtel Castel Marie-Louise.