Le réalisateur Neil LaBute (photo "In the mood for Deauville")

L'équipe du film ( photo "In the mood for Deauville")

L'équipe du film au CID , photo "In the mood for Deauville"

L'équipe du film au CID, photo "In the mood for Deauville"

Samuel L.Jackson à la conférence de presse, photo "In the mood for Deauville"

Hier soir avait lieu au CID la projection en Première d’un des films les plus attendus de ce 34ème Festival du Cinéma Américain  de Deauville ( « Lakeview Terrace » de Neil La Bute) notamment en raison de son acteur principal présent à Deauville dont il est un habitué puisque le festival lui avait rendu hommage il y a quelques années : Samuel L.Jackson.

 Pitch : Pout Chris (Patrick Wilson) et Lisa (Kerry Washington), emménager dans leur maison de « Lakeview Terrace » est un rêve devenu réalité. Pourtant, rapidement, les deux jeunes gens deviennent la cible de leur voisin, Abel Turner, ( Samuel L.Jackson) un policier qui désapprouve leur relation interraciale. Cet homme strict et austère, père célibataire et policier se montre de plus en plus oppressant envers le jeune couple allant jusqu’à les harceler chez eux.

 Il y a 10 ans, Neil LaBute avait obtenu le prix spécial du jury à Deauville pour « En compagnie des hommes », une vision acerbe de l’univers sombre et sexiste des cadres américains. Avec « Lakeview Terrace », le cadre est différent mais le regard du cinéaste aspire à être tout aussi mordant. Le cadre est donc ici Los Angeles, le quartier de « Lakeview Terrace », qui est un véritable acteur du récit puisque, au fur et à mesure que s’accroît la tension entre les voisins, les flammes se rapprochent inéluctablement de Lakeview Terrace. A travers des reportages télévisés ou des échos a priori anodins, la menace de l’incendie gronde, tout comme les remarques ou les actes a priori anodins d’Abel font eux aussi gronder une autre menace, tout aussi insidieuse, et qui ne cesse, elle aussi, de grandir, tout aussi incontrôlable, pour finalement ravager la vie de Chris et Lisa comme l’incendie va ravager la ville. 

 Le sentiment de situation inextricable et la tension sont accrus par le fait que le voisin soit policier et que celui censé représenter l’ordre et la loi soit source d’inquiétude. Les tensions avec celui-ci révèlent aussi celles qui existent dans le couple, (lié au père de Lisa qui n’accepte pas leur couple mixte et à l’envie d’enfant de Lisa).

 Le film présente deux intérêts principaux : la tension, constante, et l’interprétation, inquiétante, de Samuel L.Jackson qui magnétise la caméra, mange l’écran. Certes son personnage exige cette présence charismatique et menaçante mais le personnage de Chris est trop naïf et velléitaire par rapport à ce dernier, et leurs caractères trop stéréotypés dès le début, pour que cela soit vraiment crédible.  D’après ses propos en conférence de presse, le réalisateur a voulu éviter tout manichéisme, ce qui n’est, d’après moi, qu’en partie réussi, le personnage interprété par Samuel L.Jackson étant tout de même assez caricatural, de même que la relation entre Chris et Lisa.

 Quant au sujet, le racisme, que Neil LaBute a prétendu vouloir traiter de manière  plus ou moins tacite, à force d’être tacite, il en devient secondaire, les raisons de tensions étant finalement multiples : le sentiment de propriété, les différences sociales… Neil LaBute joue en effet habilement sur le sentiment d’insécurité, sur le sentiment presque violent de propriété mais construit un film et un dénouement trop prévisible et politiquement correct pour emporter une totale adhésion. Il  traite finalement davantage de la difficulté de communiquer dans des maisons cadenassés et ultra sécurisées que du racisme (qui en est néanmoins aussi une résultante).

 « Harcelés » reste un bon divertissement qui n’apprendra rien aux amateurs de suspense tant il reprend les poncifs du genre sans rien y apporter (le suspense, contrairement à ce que pourrait laisser entendre le titre de cette note, n’a ici rien d’hitchcockien…) et à vouloir que son thème principal soit tacite, il nous donne finalement l’impression de l’avoir seulement effleuré.

 Reste la prestation remarquable de Samuel L.Jackson dont, après avoir perçu et croisé son regard imperturbable et glacial, glaçant même, lors de la conférence de presse, je me demande si ses personnages sont toujours des rôles de composition…mais il s’agit là d’une toute autre question.

Dussé-je être la seule et la dernière, je vous recommande sans réserves le film de Philippe Garrel « La frontière de l’aube » (qui sort demain en salles) malgré l’ostracisme dont il a été l’objet lors du dernier Festival de  Cannes où il était en compétition. Ci-dessous, retrouvez mon récit de la projection cannoise et ma critique du film.

En bonus vous pouvez voir la vidéo de l’équipe du film sur les marches à Cannes, en cliquant ici.

Ci-dessus, l'équipe de "La frontière de l'aube" de Philippe Garrel.

 Voilà ce qui, de l’avis général, faisait défaut  au Festival de Cannes cette année : une controverse et de l’effervescence. Pour le second élément il est vrai qu’il était difficile de rivaliser avec l’exemplaire 60ème anniversaire. Pour le premier, encore que le terme soit un peu fort, il y a eu « La Frontière de l’aube » de Philippe Garrel.

Il a en effet été hué lors de ses projections au « Grand Théâtre Lumière » et méprisé lors de la séance du lendemain dans la salle du 60ème pour la première fois à moitié vide ! Quelle curiosité exemplaire des festivaliers se fiant davantage à la rumeur qu’à leur propre opinion, condamnant avant d’avoir entendu l'argumentaire de l'accusé. C’est donc particulièrement intriguée que je suis allée voir ce film, deuxième film français de la compétition, curieuse de découvrir quelle ignominie pouvait susciter un tel rejet du public, un tel lynchage médiatique.

Synopsis : Une star (Laura Smet) vit seule chez elle, son mari est à Hollywood et la délaisse. Débarque chez elle un photographe (Louis Garrel) qui doit la prendre en photo pour un journal, faire un reportage sur elle. Ils deviennent amants. Ils vont habiter deux semaines à l’hôtel pour faire ce reportage et repassent de temps en temps à l’appartement de la star.

Nous sommes d’abord chaleureusement envoûtés par le noir et blanc, par le charme savoureusement désuet et intemporel de la photographie qui magnifie les visages (la fièvre contenue et ravageuse et le désarroi de Laura Smet, le romantisme mélancolique de Louis Garrel), ausculte leurs basculements, leurs tourments, leurs fragilités. Un noir et blanc en hommage à Cocteau et à la Nouvelle Vague à laquelle Philippe Garrel empreinte un style elliptique et un ton décalé qui nous embarque dans son au-delà surréaliste et contribue à cette intemporalité. Les amants ne s’envoient pas de textos ou d’emails mais des lettres. Amants d’aujourd’hui, d’hier, de demain : éternels. 

Ce qui m’a charmée dans ce film qui a le mérite de ne ressembler à aucun autre de la compétition (et il faut l’avouer, la plupart des films brassent les mêmes thèmes, dans un style relativement similaire ) est probablement ce qui a agacé la majorité des festivaliers : son aspect littéraire (mais alors pourquoi glorifier Desplechin qui emploie , certes différemment, le même procédé ?), sa lenteur qui donne le temps au temps, le temps de s’imprégner de la mélancolie des personnages, son romantisme sans concessions, son aspect surréaliste et sa façon de saisir et juxtaposer des instants.

 « La frontière de l’aube » est vaguement inspiré d’une nouvelle de Théophile Gautier « Spirit » : un mythe romantique dans lequel les protagonistes se rejoignent dans la mort pour vivre dans l’éternité. Avec une poésie désenchantée, entre rêve et réalité, éternité et intemporalité, bonheur bourgeois et bonheur éternel, Philippe Garrel, réfutant tout cynisme, nous redonne le goût de ce que le cinéma d’aujourd’hui s’acharne à nier, par un excès de réalisme et de réalité,: celui de croire en des amours éternels dont la littérature s’arroge désormais l’exclusivité, et encore.

Un film aux frontières de la réalité, de la folie, de la mort sur la passion dévastatrice. L’aube : une heure incertaine, velléitaire mais qui de toute façon donnera naissance au jour, à l’espoir tout comme cet amour fatal est porteur d’une beauté à la fois sombre et lumineuse .

Philippe Garrel a également le mérite d’assumer : son titre nous plonge d'emblée dans son univers revendiqué, celui d’un conte poétique. Les contes de noël sont semble-t-il plus nobles, plus flatteurs pour ceux qui les apprécient. Oui, Desplechin flatte finalement le spectateur, par des références multiples et redondantes, lui donnant le sentiment (réel ou illusoire) de son intelligence, et lui donnant par sa dérision le sentiment, éloge semble-t-il suprême, de sa bonne cyniquitude (j'ai le droit d'utiliser des néologismes:-)), de son insensibilité à un romantisme forcément mièvre, dépassé, ridicule. Philippe Garrel nous prouve pourtant le contraire avec ce film intemporel.

Un film sombre à la poésie lumineuse et enchanterresse qui mériterait de figurer au palmarès.

N'ayant finalement pas assisté au 19ème Festival du Film Britannique de Dinard, je vous en livre néanmoins le palmarès en avant-première, ci-dessous. Vous pouvez également retrouver mes comptes rendus des éditions précédentes du Festival du Film Britannique sur ce blog.(voir sommaire dans la colonne de gauche de ce blog)

PALMARES

Le jury présidé par Lambert Wilson, et composé de Tara Fitzgerald, Valérie Kaprisky, Aïssa Maïga, Lucy Russell, Alice Taglioni, Gabriel Aghion, Arié Elmaleh, Rory McCann, un lecteur cinéphile de Ouest France ont attribué :

Le Grand Prix : Trophée Hitchcock d’or

BOY A de John Crowley

Ce prix d’une valeur de 4600 euros se compose d’une aide à la distribution (3000 euros) et d’un soutien direct au réalisateur (1600 euros). Il contient également :

Le Prix LTC

Les Laboratoires des Travaux Cinématographiques offrent le développement d’une copie série du film primé par le Hitchcock d’or (ou du prochain film du vainqueur, si ce dernier a été développé dans un autre laboratoire).

Le Prix LVT

LVT (Laser Vidéo Titres) offre le sous-titrage du film primé par le jury (ou du prochain film, si ce dernier est déjà sous-titré).

Le Prix CINECINEMA

CINECINEMA offre une campagne de promotion sur ses antennes lors de sa sortie en salle.

Trophée Grand Marnier®

BOY A de John Crowley

Décerné par le Jury pour le meilleur scénario

Le Prix Kodak Limited : Trophée Hitchcock blanc

BOY A de John Crowley

Kodak offre un prix spécial pour le prochain film du directeur de la photo primé par le Hitchcock blanc.

Le Prix Première du Public : Trophée Hitchcock d’argent

BOY A de John Crowley

Le public donne aussi son avis et décerne le Prix Première du public au film de son choix.

Prix British Council d’une valeur de 1500 euros

FORBACH de Claire Burger

Pour marquer l’Entente Cordiale 1904 - 2004, le British Council a créé pour cette édition un nouveau prix qui récompensera le meilleur film d’étudiant dans la section « Confrontation Fémis – National Film and Television School ».

« Coup de coeur » de l’association La Règle du Jeu

HUNGER de Steve Mc Queen (voir ma critique en cliquant ici)

Décerné par l’association « La Règle du Jeu » (exploitants de 40 salles du Grand Ouest). Aide à l’exploitation dans les salles adhérentes, d’un film déjà distribué.

Hier soir, Blogbang et Pathé distribution organisaient une projection privée en avant-première de « La très très grande entreprise » de  Pierre Jolivet, dans les locaux de Pathé  avec, à l’issue de la projection, une passionnante rencontre avec le cinéaste.

Il est toujours difficile de ne pas être influencée après avoir entendu un cinéaste évoquer son film, comme ce fut le cas hier, avec enthousiasme, conviction, passion, et après avoir ainsi presque « revisionné » le film par le prisme de son regard aiguisé donc voilà : forcément j’ai été influencée mais après tout un film reste indissociable de l’aventure humaine qui l’a porté et contribue aussi à sa richesse, ses faiblesses parfois aussi.

J’en aurais presque oublié ce qui m’a dérangée au début du film : le caractère artificiel  (ou du moins qui m’a semblé comme tel, même si, c’est vrai, l’essentiel ne réside pas là) des liens qui unissent au départ ces quatre personnages,  la célérité avec laquelle ces personnages décident d’agir ensemble et mettent leurs vies personnelles extérieures à leur « mission » de côté (hors champ tout au long du film) pour partir à l’attaque de Naterris, mais j’évoque là Naterris, vous devez vous demander ce dont il s’agit.

Naterris est une très très grande multinationale d'agro-chimie (comme son nom ne l’indique pas, sorte de mélange entre Nature et Terre qui, comme l’a souligné Pierre Jolivet, à l’image de toutes les industries polluantes, porte un nom censé évoquer la nature et l’écologie…), 9 milliards d'euros de chiffre d'affaires. De l'autre, Zaccharias (Roschdy Zem), Mélanie (Marie Gillain), Denis (Jean-Paul Rouve) et Kevin (Adrien Jolivet), ostréiculteur, aide-comptable, restaurateur, ouvrier... Au milieu : un étang pollué par Naterris, dont ces derniers sont riverains. Après deux ans d'une âpre procédure, Naterris est condamnée à leur verser une indemnité ridicule, à eux qui ont tout perdu. A l'inverse des autres plaignants prêts à accepter ce maigre pourboire, ces quatre-là décident de faire appel pour que justice leur soit " vraiment " rendue. Mais pour faire appel, ils n'ont que trente jours et doivent impérativement découvrir un élément nouveau au siège de Naterris, dont l'imposant gratte-ciel domine le parvis de la Défense. Mélanie, Zaccharias, Kevin et Denis décident donc de monter à Paris. Leur mission n'est pas impossible mais s'annonce... très, très difficile !

Pierre Jolivet revient à un genre qui lui a réussi, celui de la comédie sociale (comme dans « Ma petite entreprise » dans lequel il faisait déjà l’éloge de la solidarité et dans lequel jouait déjà Roshdy Zem) sur fond de mondialisation dévorante (il ne pouvait pas mieux tomber dans le contexte actuel de crise économique dont on nous rebat les oreilles…) et de scandale écologique (il connaît bien le sujet : notamment aux côtés de son frère Marc Jolivet, Pierre Jolivet a mené de nombreux combats écologistes ). Mais  ce qui fait la force de ce film et fait donc d’autant mieux passer le discours qui le sous-tend c’est le capital sympathie de ses personnages Zak, Kevin, Mélanie, Denis auxquels chacun peut s’identifier et au combat desquels chacun peut s’identifier : celui de David contre Goliath, de citoyens ordinaires contre une entreprise tentaculaire et impersonnelle.

C’est pour le spectateur jubilatoire de les voir réaliser cette mission impossible avec pour seuls gadgets leurs cellules grises, et surtout leur détermination. C’est là le message du film d’ailleurs martelé par le cinéaste lors de la conversation qui a suivi la projection : mieux vaut se battre que de se laisser faire et avec de la détermination et aussi faibles que soient a priori nos moyens d’action on peut arriver à tout ou presque, y compris s’attaquer à une multinationale prétendument intouchable. Le discours est idéaliste à l’image de ces personnages pour qui l’enjeu de financier devient moral.

L’autre force du film, c’est que plutôt que de faire un drame de ce sujet qui aurait pu s’y prêter Pierre Jolivet en a fait une comédie dont le comique réside principalement dans le caractère de ses personnages, les principaux et les autres croqués avec sensibilité, un regard incisif parfois doucement cruel concernant les personnages secondaires comme celui du vigile aux neurones aux abonnés absents (un pléonasme ? Selon Pierre Jolivet en tout cas…) qui regarde ou plutôt tente de regarder « Mélodie en sous-sol », visiblement un peu lent à son goût.

Pierre Jolivet a expliqué avoir choisi la comédie pour que les personnes dont il parle et auxquelles il souhaite s’adresser puissent voir le film, contrairement à « Fred » par exemple, un film encensé par la critique mais qui parlait du chômage et a finalement été très peu vu par les chômeurs.

Reste à savoir si dans un contexte de crise le public aura envie de voir un film dont le sujet le ramène à sa réalité. Pour le convaincre, je pourrais ajouter que la forme, le caractère à la fois touchant, presque burlesque, de ses personnages l’en distraira aussi, tout en portant un message citoyen, engagé. L’intention est louable alors que la plupart des comédies s’évertuent à nier toute réalité et à n’avoir pour objectif que de vider le cerveau de ceux qui les regardent.

Le discours qui aurait par ailleurs pu  être simpliste se révèle plus malin : il n’oublie pas de spécifier que ces sociétés créent des emplois et investissent, créent parfois aussi des fondations, dont l’objectif n’est bien évidemment pas purement altruiste.

Il faut évoquer évidemment les acteurs, en particulier les quatre acteurs principaux au premier rang desquels Roschdy Zem dont c’est ici la quatrième collaboration avec Pierre Jolivet et qui, une nouvelle fois, impose son personnage avec une évidence déconcertante, en force et sensibilité. Jean-Paul Rouve qui, de film en film, prouve la diversité de son jeu, en fait juste ce qu’il faut, ni trop ni pas assez, pour être crédible dans son rôle de cuisinier homosexuel, Marie Gillain est juste et touchante et Adrien Jolivet confirme son talent prometteur. Le rythme, notre empathie et même notre sympathie pour ces personnages leur doit beaucoup (sachant qu’eux-mêmes ont parfois enrichi leurs personnages de ces gestes, manies qui les rend drôles et touchants et qui agrémentent le scénario).

Une « très très grande entreprise » à l’assaut de laquelle je vous engage à partir ! Dans cette période de morosité et pessimisme collectifs (du moins  médiatiquement proclamée telle) ce film nous emporte dans son tourbillon de détermination et de dynamisme salutaires avec une sincérité touchante qui ne peut qu’emporter l’adhésion malgré quelques raccourcis et caricatures inéluctables pour que la mécanique de la comédie fonctionne !

Lors de la conversation, intimiste et très intéressante, qui a suivi la projection et dont je vous ai déjà révélé quelques bribes ci-dessus, l’intérêt et la curiosité de Pierre Jolivet pour ses interlocuteurs blogueurs semblait sincère (il a d’ailleurs lui-même avoué être accro à internet et ne pouvoir se coucher sans y jeter un œil) , il a d’ailleurs lui-même posé des questions. Il a par ailleurs révélé que dans le dénouement initialement écrit ( je ne vous raconterai évidemment pas celui qui s’y substitue et que vous verrez) l’usine Naterris devait être détruite  et Michael Moore devait interviewer nos quatre protagonistes, ce qui n’a pu se faire pour des raisons budgétaires. Si comme moi vous trouvez la scène dans laquelle Mélanie (Marie Gillain) donne un billet de 200 euros peu crédible et l’infiltration de ces quatre citoyens ordinaires peu plausible sachez que cela s’inspire d’éléments véridiques et de différents témoignages de personnes travaillant dans des multinationales similaires.  Pierre Jolivet a également fait part de son désir d’aller de plus en plus vers la comédie, ce qui n’empêche pas les sujets graves et profonds comme c’est le cas dans cette « très très grande entreprise ». La conversation se serait sans doute prolongée s’il n’avait fallu libérer la salle. Toutes les bonnes choses ont une fin…en attendant le prochain événement « in the mood for cinema »…

 Remarques :

- Le footballeur Vikash Dhoraso fait une apparition... remarquée

-La musique est signée Manu Katché  (batteur et pianiste qui a notamment travaillé avec Sting et Peter Gabriel)

-Pierre Jolivet était membre du jury du 34ème Festival du Cinéma de Deauville.

-Sortie en salles en France : le 5 novembre 2008

 Merci à Blogbang et Pathé distribution pour l’accueil et à Pierre Jolivet pour sa curiosité et son enthousiasme.

 Lien, la page de Pathé distribution consacrée au film : http://www.pathedistribution.com/accueil/filmavenir.php?IDFilm=1727

 FILMOGRAPHIE DE PIERRE JOLIVET

-En tant qu’acteur : 

 Zim and co. (2005), de Pierre Jolivet

Mon idole (2002), de Guillaume Canet

 Ma petite entreprise (1999), de Pierre Jolivet

 Amour et confusions (1997), de Patrick Braoudé

 A l'heure où les grands fauves vont boire (1993), de Pierre Jolivet

 Le Complexe du Kangourou (1986), de Pierre Jolivet

 Le Dernier combat (1983), de Luc Besson

 L'Avant dernier (1981), de Luc Besson

 Salut, j'arrive (1981), de Gérard Poteau

 Alors... heureux ? (1980), de Claude Barrois

 Le Désert de Pigalle (1958), de Leo Joannon

 -En tant que réalisateur :

 La Très très grande entreprise (2008)

 Je crois que je l'aime (2007)

 Zim and co. (2005)

 Filles Uniques (2003)

 Le Frère du guerrier (2002)

 Ma petite entreprise (1999)

 En plein cœur (1998)

 Fred (1997)

 A l'heure où les grands fauves vont boire (1993)

 Simple mortel (1991)

 Force majeure (1989)

 Le Complexe du Kangourou (1986)

 Strictement personnel (1985)

 -En tant que scénariste :

 La Très très grande entreprise (2008), de Pierre Jolivet

 Je crois que je l'aime (2007), de Pierre Jolivet

 Zim and co. (2005), de Pierre Jolivet

 Filles Uniques (2003), de Pierre Jolivet

 Le Frère du guerrier (2002), de Pierre Jolivet

 Ma petite entreprise (1999), de Pierre Jolivet

 Fred (1997), de Pierre Jolivet

 A l'heure où les grands fauves vont boire (1993), de Pierre Jolivet

 Fortune express (1991), de Olivier Schatzky

 Simple mortel (1991), de Pierre Jolivet

 Force majeure (1989), de Pierre Jolivet

 Le Complexe du Kangourou (1986), de Pierre Jolivet

 Subway (1985), de Luc Besson

 Strictement personnel (1985), de Pierre Jolivet

 Le Dernier combat (1983), de Luc Besson

 L'Avant dernier (1981), de Luc Besson

 Alors... heureux ? (1980), de Claude Barrois

 -En tant que producteur :

 -Strictement personnel (1985), de Pierre Jolivet

 -En tant que dialoguiste

 La Très très grande entreprise (2008), de Pierre Jolivet

 Le Frère du guerrier (2002), de Pierre Jolivet

 -En tant que conseiller technique :

 Mon idole (2002), de Guillaume Canet

 -En tant que scénariste (version originale) :

 Loin du paradis (1999), de Joseph Ruben

S’il y a bien une chaîne que je peux regarder à toute heure du jour et de la nuit (TCM diffuse des films 24H sur 24H, un véritable et délicieux piège à cinéphile) et me laisser immanquablement captiver par quelques images d’un film, le plus souvent un classique, en couleurs ou noir et blanc , c’est TCM (Turner Classic Movies, à ne pas confondre avec TMC : Télé Monte Carlo), c’est pourquoi c’est avec enthousiasme que je me suis rendue à l’invitation de Heaven et de la chaîne en question dans ses locaux, à Neuilly, pour rencontrer ses équipes , découvrir en avant-première le documentaire « Les Films du Président » et débattre avec le producteur du documentaire et avec Christian Viviani, journaliste à Positif et professeur à Paris 1.

 L’accueil est à l’image de la chaîne : chaleureux, décontracté,  cinéphile, familier (dans le sens noble du terme), familier comme ces films que la chaîne diffuse et que l’on peut revoir un nombre incalculable de fois, autant pour la qualité des films en question que la réminiscence de cet instant magique où les a vus pour la première fois. Voilà : TCM a le charme incomparable et mélancolique des souvenirs d’enfance et de ses premiers émois cinématographiques, même si la chaîne permet aussi souvent de découvrir des pépites cinématographiques méconnues.

Après le cocktail et avoir eu le plaisir de passer de la virtualité d’internet à la réalité et de faire connaissance avec d’autres blogueurs que je « connaissais » parfois virtuellement (filmgeek) ou dont je découvre aujourd’hui les blogs (L'ouvreuse, Le petit cinephile, je vous recommande d’ailleurs les trois blogs précités) -une petite trentaine de blogueurs étaient présents, blogs politiques et cinéma-, place au documentaire…

 « Les Films du président » est un documentaire de 52 minutes réalisé par Charles Antoine de Rouvre et produit par TCM, il s’inscrit dans « une programmation spéciale autour de la représentation du président américain au cinéma, tous les jeudis d’octobre à partir de 20h45, avec 10 films emblématiques, engagés, mettant en scène des hommes politiques charismatiques, humanistes ou torturés ».

 A un mois du verdict tant attendu pour connaître le prochain locataire de la Maison Blanche (le 44ème président des Etats-Unis sera élu le 4 novembre prochain), alors que vient d’avoir lieu le très attendu débat entre Joe Biden et Sarah Palin, TCM nous montre ainsi à quel point cinéma et actualité, et en particulier politique, s’influencent mutuellement. Pour s’en convaincre, il n’y a qu’à voir à quel point les meetings d’Obama et McCain et leurs prédécesseurs ressemblent à de véritables shows imprégnés de grandiloquence cinématographique, ou même un peu moins loin, il suffit de regarder la communication excessive et mise en scène de celle-ci par Nicolas Sarkozy ou le spectacle hybride et curieusement insouciant, à l’américaine, de Ségolène Royal au Zénith la semaine dernière pour se rendre compte à quel point le cinéma et à quel point peut-être aussi la politique américaine, dans sa communication, influencent la nôtre. Ainsi,  Jean-Paul Huchon le souligne-t-il dans le documentaire : « Avec Royal et Sarkozy, nous avons assisté pour la première fois à une véritable scénarisation de la campagne présidentielle ».

Le documentaire décrypte donc la représentation du Président des Etats-Unis dans le cinéma américain en se basant sur des témoignages de politiques (Marielle de Sarnez, Françoise de Panafieu, Jean-Paul Huchon…) ou de cinéastes et acteurs (Edouard Baer, Alain Corneau, Philippe Torreton- que j’aurais aussi pu classer dans la première catégorie-, Lionel Delplanque, Yves Boisset), l’Universitaire Michel Chandelier et la journaliste de CNN Hala Gorani… mais aussi des extraits de films ( dont certains ont, à juste titre, regretté qu’ils soient en VF) : « Les trois jours du Condor » de Sydney Pollack, « JFK » d’Oliver Stone, « Mars Attacks » de Tim Burton, « Les hommes du Président » d’Alan J.Pakula...

Ce qui marque d’emblée c’est la surreprésentation du président dans le cinéma américain. C’est  à la fois une figure mythique, christique, démiurgique mais aussi un homme qui incarne l’Amérique de façon binaire et manichéenne, qui incarne l’American dream, celui qui peut partir de rien et se retrouver dans la plus haute fonction de l’Etat (au contraire de la France où nos présidents et politiques sont le plus souvent des énarques). Si le Président est un héros  récurrent du cinéma américain et de tous les cinémas (de la comédie au film d’action), sa représentation évoluera néanmoins au fil de l’Histoire et de ses événements, notamment après le 11 septembre 2001.  

 Si les témoignages des politiques  (choisis ici pour leur cinéphilie) restent très consensuels (le producteur a admis qu'ils ont dû  couper au montage ce qui se révélait être une virulente critique de la mise en scène de leurs camps respectifs ( !), TCM étant une chaîne cinéma et le documentaire se voulant cinéphilique et non polémiste ou politique…) les autres sont en revanche plus éclairants notamment sur la difficulté de représenter le président dans le cinéma français (A ce propos, je vous recommande l’excellent « Promeneur du champ de mars » de Robert Guédiguian, cliquez ici pour lire ma critique). Grâce notamment à Griffith et l’usage que le cinéma américain  a fait de l’insert, un simple objet prend dans son cinéma une dimension symbolique et métaphorique et un simple plan du bureau ovale immédiatement reconnaissable suffit à personnaliser le pouvoir…tandis qu’en France sa représentation est plus problématique (Comme le dit très bien Edouard Baer : « La Maison Blanche c’est déjà un plan large, alors que l’Elysée c’est un plan serré ») là aussi parce que, où dans un pays la représentation du drapeau est synonyme de patriotisme, il l’est de nationalisme dans l’autre. Dans « Président » par exemple, Lionel Delplanque a délibérément usurpé la réalité en transformant le bureau de l’Elysée en un bureau de 400m2, en évitant toute représentation du drapeau français, en montrant des limousines gigantesques tout simplement pour symboliser un pouvoir que la réalité ne suffisait pas à représenter.  

 Au-delà du Président, c’est aussi une image de la démocratie américaine, parfois simpliste, qui est vulgarisée dans le monde entier. Aux Etats-Unis, il suffit de présenter une bannière étoilée, le bureau ovale (tant de fois représenté au cinéma…) sur lequel figurent souvent des téléphones le connectant au monde entier, un homme relativement âgé, charismatique, au regard perçant et à la voix déterminée pour que le tour soit joué : on se demande d’ailleurs comment le cinéma pourra représenter W.Bush tant il correspond peu à cette description…et j’attends avec impatience le « W » d’Oliver Stone, portrait au vitriol de l’actuel président américain.

 Au cinéma une femme a déjà été présidente et Morgan Freeman l’a déjà incarné, espérons que le cinéma sera prémonitoire. Réponse dans un mois. En attendant les caméras du monde entier restent braquées sur cette passionnante course à la Maison Blanche, filmant comme une fiction cette réalité tellement « cinégénique » et palpitante et brouillant encore un peu plus les repères entre cinéma et réalité. Toujours est-il que, pour cause de frilosité des diffuseurs  ou manque d’intérêt du public, il nous reste encore beaucoup à faire en France pour que la politique, ou du moins la figure présidentielle, soit aussi présente dans nos fictions.

 « Les grandes répliques sont celles qui tuent. Les grands acteurs sont immortels. Les grandes histoires racontent la vie. Les grandes émotions rendent vivant ». Telle est la devise de TCM. Alors si vous voulez entendre de grandes répliques, voir de grands acteurs, regarder de grandes histoires, vivre de grandes émotions, être tué et immortel, vous faire raconter la vie en vous rendant vivant, et donc vous plonger en pleins paradoxes…rendez-vous sur TCM !

 Programme des 10 films sur les présidents « made in Hollywood » : http://www.tcmcinema.fr/voir/prsidents-made-in-hollywood

Et un marathon spécial élections américaines de 24H à partir du samedi 1er novembre à 20H45.  Pour en connaître le programme : http://www.tcmcinema.fr/voir/marathon-prsident-made-in-hollywood

Les diffusions du documentaire « Les Films du Président »:

jeudi 2 octobre à 20h45
vendredi 17 octobre à 23h30
jeudi 23 octobre à 19h45
lundi 27 octobre à 19h45
mercredi 29 octobre à 23h50
samedi 1er novembre à 20h45
dimanche 2 novembre à 19h45

 LIENS :

Site internet de TCM : http://www.tcmcinema.fr

Page du site TCM consacrée au cycle sur les « présidents made in hollywood »: http://www.tcmcinema.fr/voir/le-thme-du-mois

Remarque : la chaîne rend également hommage à Paul Newman, avec une soirée spéciale ce vendredi à partir de 20H45 : http://www.tcmcinema.fr/voir/paul-newman-blues

Ci-dessous, ma photo dans le bureau ovale de la Maison Blanche reconstitué à Deauville pour le 30ème Festival du Cinéma Américain.

Ci-dessus, le bureau des Présidents de la République à l'Elysée (photo "In the mood for cinema")

Je l’avoue : je n’avais aucune envie de voir ce film, la bande annonce me laissait présager un film daté et artificiel mais ayant vu tous les autres films à l’affiche dans mes cinéma favoris, je me suis finalement laissée tenter. Il m’a fallu un petit bout de temps pour m’accoutumer à ce cinéma désuet, à sa succession frénétique de plans, de situations et de personnages stéréotypés et puis je me suis replongée sans déplaisir dans mes souvenirs de ce cinéma que j’aimais tant : celui de Carné, de Duvivier, de Becker (Jacques) , celui de l’avant-guerre , perdu quelque part entre les espoirs du Front populaire et la montée des extrêmes et de l’antisémitisme, avec des références aussi à celui que l’on appelait de qualité française (cinéma de studio et de scénaristes d’après-guerre. )

 Evidemment ce film n’a rien à voir avec « Entre les murs » par exemple actuellement à l’affiche et il ne prétend d’ailleurs nullement au même cinéma (si vous ne devez voir qu’un film ce mois-ci c’est évidemment celui de Laurent Cantet) mais aussi diamétralement opposés que soient leurs styles et leurs écritures (d’ailleurs ne vous y trompez pas « Entre les murs » est un film très écrit, parfaitement écrit  même au point de donner cette parfaite illusion du documentaire, de vérité prise sur le vif) je les crois portés par la même sincérité, la même envie de mener un genre à son paroxysme, le même perfectionnisme.

Dans un faubourg populaire du nord de Paris en 1936, l'élection printanière du gouvernement de Front Populaire fait naître les plus folles espérances et favorise la montée des extrêmes. C'est là que trois ouvriers du spectacle au chômage Pigoil, Milou et Jacky  ( respectivement incarnés par Gérard Jugnot, Clovis Cornillac et Kad Merad) décident d'occuper de force le music-hall qui les employait il y a quelques mois encore, pour y monter un "spectacle à succès".

Clovis Cornillac ressemble à s’y méprendre à Jean Gabin dans les films d’avant-guerre, Nora Arnezeder (la découverte du film comme Jean-Baptiste Maunier dans « Les Choristes » avec lequel elle a un commun une fraîcheur et un talent éclatants) à Michèle Morgan : tous deux font inévitablement penser au couple mythique Nelly et Jean du « Quai des Brumes » de Marcel Carné auquel un plan d’ailleurs fait explicitement référence. Bernard-Pierre Donnadieu (Galapiat), quant à lui,  fait penser à Pierre Brasseur (Frédérick Lemaître) dans « Les enfants du paradis » de Carné et à  Jules Berry (Valentin) dans « Le jour se lève »  du même Carné  ou  dont j’ai d’ailleurs cru reconnaître le célèbre immeuble dessiné par Alexandre Trauner dans le premier plan du film… Les décors du film entier  font d’ailleurs penser à ceux de Trauner, avec cette photographie exagérément lumineuse entre projecteurs de théâtre et réverbères sous lesquels Paris et les regards scintillent de mille feux incandescents et mélancoliques. Et l'amitié qui unit les protagonistes de ce "Faubourg 36" fait évidemment penser à celle qui unissait ceux de "La belle équipe" de Duvivier. (Voir mes critiques des films précités dans ce paragraphe en cliquant ici).

  Barratier assume donc ses références, celles d’un cinéma académique, classique et populaire, prévisible,  empreint d’une douce nostalgie. Dommage qu’il n’ait pas trouvé un dialoguiste du talent de Prévert et qu’à la fin les personnages incarnés par Clovis Cornillac et Nora Arnezeder passent au second plan mais après tout le film s’intitule « Faubourg 36 » : c’est lui le vrai héros du film, lequel n’est pas vraiment une comédie musicale (même si la fin du film s’y apparente avec une belle énergie), plutôt un film sur un music hall, ceux qui le font vivre, pour qui il est une raison de vivre. Le destin, le conte de fée  d’une « Môme » qui assume pleinement le genre du film  sans les excès mélodramatiques et les maquillages outranciers du film éponyme...auquel quelques plans font d’ailleurs étrangement songer.

 On en reste peut-être un peu trop à distance comme on regarderait un beau spectacle avec l’impression que ses artistes s’amusent beaucoup entre eux mais ne nous font pas totalement entrer dans la danse mais ce voyage dans le temps et dans le cinéma d’hier que Christophe Barratier fait revivre le temps d’un film vaut néanmoins le détour ne seraient-ce que pour la beauté des plans emportés par une caméra dynamique, et pour ses comédiens portés par une énergie admirable au premier rang desquels François Morel qui apporte ici sa fantaisie imparable, Pierre Richard et sa bonhomie clownesque, Gérard Jugnot sa touchante justesse, Kad Merad son goût du second degré et sa –belle- voix que l’on découvre, et les seconds rôles qui, à l’image de ceux du cinéma auquel Barratier rend hommage, existent réellement.

 Quatre ans après « Les Choristes » (8 million de spectateurs) Christophe Barratier avec son second film a eu l’intelligence de ne pas forcer sa nature, d’être fidèle à ses convictions cinématographiques et impose  ainsi son style joliment désuet, musical, mélancolique, sentimental, photogénique (Tom Stern, photographie de Clint Eastwood signe ici la photographie) et enthousiaste avec une résonance sociale finalement très actuelle. Le film d’un réalisateur qui aime indéniablement le cinéma, ses acteurs et ses artifices revendiqués, et rien que pour cela, pour cette sincérité ce « Faubourg 36 » vaut le détour.

 Et après l’hommage au cinéma des années 30, mercredi prochain sort en salles l’hommage au western classique, l’hymne à l’amitié signé Ed Harris, « Appaloosa » que je recommande à tous les amateurs du genre...dont je suis (présenté en avant-première au dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville) !

A suivre sur "In the mood for cinema": l'avant-première de la série "Flics" d'Olivier Marchal en présence de toute l'équipe du film.

 Sandra.M

Du 2 au 5 octobre aura lieu la 19ème édition du Festival du Film Britannique de Dinard.

Entre avant-premières, compétition, hommage (à Hugh Hudson), gros plan (sur Daphné du Maurier), expositions, rencontres, débats, courts et longs-métrages, comme chaque année le programme sera riche et varié.

JURY 2008

Le jury sera présidé par Lambert Wilson et composé de : Arié Elmaleh, Tara Fitzgerald, Valérie Kaprisky, Aïssa Maïga, Rory Mc Cann, Nicolas Roeg, Lucy Russell, Alice Taglioni et Sterenn Le Scan  .

CONCOURS

Vous pouvez d'ailleurs vous aussi faire partie du jury comme ce fut mon cas en 1999,  grâce au concours organisé par Ouest-France et ouvert à tous:

il suffit d'envoyer rapidement une lettre de motivation d'un feuillet maximum (1500 caractères) à la rédaction Ouest-France, Jury du Festival, 15 Avenue Jean-Jaurès, BP  214, 35049 Saint-Malo Cedex .

PROGRAMME DU 19ème FESTIVAL DU FILM BRITANNIQUE DE DINARD

COMPETITION

Boy A, de John Crowley.

Clubbed, de Neil Thompson.

A Complete History of my Sexual Failures, de Chris Waitt.

The Escarpist, de Ruppert Wyatt.

Helen, de Christine Molloy & Joe Lawlor.

The Market, de Ben Hopkins.

AVANT-PREMIERES

Film d'ouverture

My Life So Far (1999), de Hugh Hudson.


Film de gala

Somers Town, de Shane Meadows.


Séance spéciale

Young @ Heart (doc), de Stephen Walker.


Avant-premières

Adulthood, de Noel Clarke.

The Agent, de Lesley Manning.

The Crew, de Adrian Vitoria.

The Duchess, de Saul Dibb.

Eden Lake de James Watkins.

The Edge of love, de John Maybury.

Flashbacks of a Fool, de Baillie Walsh.

French Film, de Jackie Oudney.

Genova, de Michael Winterbottom.

The Hide, de Marek Losey.

Hunger de Steve McQueen. (voir ma critique ici)

Love Live Long, de Mike Figgis.

Man on Wire (doc), de James Marsh.

The Meerkats (La Famille suricate) (doc), de James Honeyborne.

Of Time and the City (doc), de Terence Davies.

Shadows in the Sun, de David Rocksavage.

Stephen Frears, A Portrait (A propos de Stephen Frears), de Philippe Pilard.

INFORMATIONS PRATIQUES: ASSISTER AU FESTIVAL

Pour assister au festival, si vous ne possédez pas de carte pass (300 vendues mi-juin) ou de pass professionnel ou presse attribués suite à examen par une commission professionnelle, vous pouvez acheter des places à 5,50 (en vous présentant environ une demi-heure avant les projections)...moins chères que des places de cinéma classiques.

LIENS:

Vous pouvez aussi retrouver mes comptes rendus des éditions précédentes en cliquant sur les liens ci-dessous:

Mon compte-rendu du Festival du Film Britannique de Dinard 2007

Mon compte-rendu du Festival du Film Britannique de Dinard 2006

Mon compte-rendu du Festival du Film Britannique de Dinard 2005

Site officiel du Festival du Film Britannique de Dinard 2008

et évidemment bientôt le récit du festival sur http://www.inthemoodforcinema.com !

Ajouts du 26.09: "Genova" de Michael Winterbottom en avant-première, en présence de Colin Firth

Gabriel Aghion complète le jury.

Le  festival fera un clin d'oeil à la trilogie londonienne de Woody Allen (les critiques des 3 films en question figurent sur ce blog, rendez-vous dans la rubrique "Critiques des films à l'affiche")

Accéder directement à la grille horaire du festival en cliquant ici