Mercredi prochain, 19 novembre, sortiront en salles 4 films dont vous pouvez d'ores et déjà trouver les critiques, en avant-première, sur In the mood for cinema. Je vous recommande surtout et vivement "Two lovers" de James Gray et "J'irai dormir à Hollywood" d'Antoine de Maximy. 

Contrairement à la grande majorité des critiques, j'avais largement préféré "Mesrine : l'ennemi public n°1", la deuxième partie du film de Jean-François Richet à la première partie.

Pour lire les critiques de ces 4 films, cliquez sur les titres sous les affiches.

Cliquez ici pour lire ma critique de "J'irai dormir à Hollywood" d'Antoine de Maximy

Cliquez ici pour lire ma critique de "Mesrine: l'ennemi public n°1" et le récit du débat avec le producteur Thomas Langmann

Cliquez ici pour lire ma critique de "RockN'Rolla" de Guy Ritchie

Philippe Francq, Tomer Sisley, Jérôme Salle, Julien Rappeneau, hier soir. Photo "In the mood for cinema"

Dans le cadre du Club 300 d’Allociné, avait lieu hier soir l’avant-première de l’adaptation cinématographique de Largo Winch réalisée par Jérôme Salle à la suite de laquelle l’équipe du film (le comédien Tomer Sisley, le réalisateur Jérôme Salle, le scénariste Julien Rappeneau,  le dessinateur Philippe Francq, la productrice Nathalie Gastaldo) a  longuement débattu avec le public, une équipe visiblement aussi fébrile que désireuse de défendre ce film avec enthousiasme et passion.  Une adaptation (essentiellement de l’album intitulé « L’Héritier », mais pas seulement) très attendue des aventures du héros de BD inventé par Jean Van Hamme et dessiné par Philippe Francq alors que le tome XVI de la série, « La Voie et la Vertu », tiré à 450000 exemplaires est actuellement en tête des ventes avec près de 40000 albums vendus en librairie, en 4 jours.

Contestataire, iconoclaste, bagarreur, Largo  Winch (Tomer Sisley) se retrouve, à 26 ans, à la tête d’un empire de dix milliards de dollars. Son père, le milliardaire Nerio Winch (Miki Manojilovic),  fondateur et principal actionnaire du puissant et tentaculaire groupe W (rien à voir avec un personnage puissant et tentaculaire dont Oliver Stone a tiré un film éponyme…quoique…), vient en effet d’être retrouvé noyé. Qui va hériter de cet empire économique ? Officiellement Nerio n'avait pas de famille. Personne ou presque ne connaissait en effet ce fils adopté dans un orphelinat bosniaque. Seul problème, ce jeune héritier vient d'être jeté dans une prison du fin fond de l'Amazonie. Accusé de trafic de drogue, il clame son innocence. Nerio assassiné, Largo emprisonné : et si ces deux affaires faisaient partie d'un seul et même complot visant à prendre le contrôle de l'empire Winch ?

Le pari n’était pas gagné d’avance, et finalement plutôt audacieux même si une adaptation s’imposait pour ce personnage intrinsèquement cinématographique : un acteur qui ne ressemble physiquement pas du tout au héros de la BD, de surcroît ne figurant pas encore dans la sacro-sainte liste des acteurs bankable (terme que j’abhorre par ailleurs, mais c’est là la dure loi du marché cinématographique) ;  une BD au succès colossal et ses inconditionnels sans doute aussi impatients que potentiellement sévères ; un réalisateur dont c’était seulement  le second long-métrage (le premier étant « Anthony Zimmer » que j’avais par ailleurs beaucoup apprécié pour son influence hitchcockienne, son rythme soutenu et ses rebondissements, et avec lequel la critique n’avait pourtant pas toujours été très tendre)  forcément attendu au tournant.

Ne faisant pas partie desdits inconditionnels de la BD c’est donc sans a priori que je me suis plongée dans les mésaventures du milliardaire iconoclaste. Peut-être est-ce aussi la raison pour laquelle j’ai d’emblée été embarquée par ce personnage dans le rôle duquel Tomer Sisley marie habilement force et fêlures, une dichotomie que l’on retrouve d’ailleurs dans les décors entre noirceur et lumière : ceux de l’Europe d’une luminosité enchanteresse d’un côté (la Serbie dans le scénario, en réalité la Sicile, la Serbie, Malte…), ceux d’une modernité glaciale de Hong Kong de l’autre (le réalisateur a expliqué avoir choisi de remplacer le New York de la BD par Hong Kong, plus en adéquation avec l’actualité économique, le centre névralgique de l’économie mondiale se trouvant aujourd’hui en Asie).  Les premiers sont associés à l’enfance de Largo Winch, à ses racines, les seconds à l’âge adulte et sa dure réalité, au déracinement. Ce sont aussi ces contradictions qui fondent l’intérêt et la dualité du personnage : entre rébellion et acceptation de l’héritage paternel dont un couteau est d’ailleurs le tranchant symbole.  Une existence commencée comme un conte qui se transforme en thriller. Il aurait d’ailleurs peut-être gagné à être encore plus ambivalent, à sembler davantage tiraillé entre ces désirs et mondes contradictoires.

Dans son premier film déjà, Jérôme Salle avait fait preuve d’une étonnante maîtrise dans sa mise en scène, probablement  est-ce aussi ce qui a rassuré les financiers quant à sa capacité à diriger un film d’un budget de 24 millions d’euros. Le rythme est indéniablement haletant, le montage nerveux (sans être vertigineux et finalement insipide comme dans certains films américains) est l’atout du film avec ses flashbacks savamment dosés, et le personnage principal et celui qui l’incarne ont un charme et une capacité à susciter l’empathie incontestables.

Me suis-je ennuyée ? Voilà probablement la principale question à se poser suite à la projection de ce genre de film (même si après tout on pourrait aussi y voir une réflexion sur la mondialisation et les multinationales tentaculaires, qu’il aurait d’ailleurs peut-être été intéressant de creuser davantage, mais je suis bien d’accord : ce serait alors là un tout autre type de film). La réponse est non. Non, je ne me suis pas ennuyée. . La multiplicité des décors et des scènes d’action (brillamment menées par  Tomer Sisley qui a lui-même effectué toutes les cascades, une véritable gageure notamment au regard d’une scène de plongeon que je vous laisse découvrir, réellement impressionnante) ne nous laissent guère de répit, et c’est tant mieux. Tomer Sisley, qui a d’ailleurs déclaré hier soir être passé au one man show, faute de scénarii intéressants, avoir refusé de nombreuses comédies (préférant à l’avenir, au théâtre,  jouer un Shakespeare plutôt que du Boulevard…), a bien fait d’être exigeant et de patienter, ce rôle étant sans nul doute pour lui une carte de visite en or pour la carrière internationale à laquelle il semble aspirer…

Un film ambitieux au rythme incontestablement soutenu dont le seul vrai défaut est peut-être, au-delà de son identité visuelle peut-être moins forte que dans « Anthony Zimmer » (alors que justement cette adaptation aurait pu davantage s’y prêter), de ne pas suffisamment développer les personnages secondaires et de les cantonner à être des stéréotypes finalement là pour servir le personnage principal, et si nous le suivons avec plaisir, la résolution de l’intrigue n’en devient finalement elle aussi que secondaire, voire anecdotique. Dommage : le personnage de la magnétique Mélanie Thierry et son ambiguïté auraient mérité d’être approfondies, de même que celui de la talentueuse Anne Consigny ou de Gilbert Melki (trop balafré pour être tout à fait malhonnête). Sinon, chaque personnage a évidemment le regard (un peu trop) vague, énigmatique, ombrageux qui sied à ce style de film faisant de chacun un potentiel traitre.

Un film d’aventure à l’Européenne (terme employé par le réalisateur lui-même qui redoute plus que tout que son film soit qualifié de « James Bond à la française », l’idée ne me serait d’ailleurs pas venue…) qui a la vocation et la capacité à pénétrer le marché international : caractère polyglotte, décors internationaux, montage et rythme frénétiques, et sujet dans l’air du temps –OPA et guerre économique avec le traditionnel Russe mystérieux et trouble-, savant dosage entre action et humour. C’est tout le mal que nous pouvons lui souhaiter. Les Américains auraient déjà proposé la réalisation d’un remake, proposition refusée par la production qui préférerait la réalisation d’un Largo Winch 2 pour lequel toute l’équipe présente hier soir semblait partante, et à laquelle la fin nous prépare d’ailleurs. Une suite que j’irais voir sans aucun doute si elle avait lieu : c’est déjà en soi un signe de réussite.

Précisons enfin que, contrairement à la rumeur, Philippe Francq et Jean Van Hamme sont pleinement satisfaits de cette adaptation cinématographique, le premier en donnant d’ailleurs pour preuve sa présence hier soir. Il a également précisé que jamais Largo Winch ne donnerait lieu à un dessin animé, l’extrême fidélité au personnage étant pour lui dans ce cadre alors primordiale et difficilement réalisable.

Liens :

Site officiel du film

Blog du film

Dans l’article ci-dessous, sous celui consacré à « Match point », vous pouvez visionner la bande-annonce du film.

 Sandra.M

Dès cet après-midi, retrouvez ma critique de "Largo Winch" de Jérôme Salle et mon compte rendu du débat avec l'équipe du film. En attendant, visionnez la bande annonce ci-dessous.

Cette critique (réécrite et complétée depuis) a été publiée lors de la projection de « Two lovers » en compétition du 61ème Festival de Cannes et est extraite de mon autre blog « In the mood for Cannes ».

James Gray, malgré sa jeune carrière, est déjà un habitué de la Croisette puisqu’il y avait déjà présenté « The Yards » il y a 8 ans, et  puisque « La nuit nous appartient », son polar familial, sombrement poétique, était en compétition officielle l’an passé. (Cliquez ici pour lire ma critique de « La Nuit nous appartient » de James Gray.)

New York. Un homme, Léonard Kraditor (Joaquin Phoenix), hésite entre suivre son destin et épouser la femme que ses parents ont choisie pour lui, Sandra (Vinessa Shaw), ou se rebeller et écouter ses sentiments pour sa nouvelle voisine, belle et volage, Michelle (Gwyneth Paltrow) dont il est tombé éperdument amoureux.

Ce film aurait pu s’intituler comme un film de Sautet, « Une histoire simple », une histoire simple qui nous parle de raison et de sentiments, d’être forts et fragiles, d’un amour dévastateur et irrépressible, dans une ville que le cinéma a tant de fois arpentée, dépeinte, sublimée, dont on redécouvre ici la bouleversante mélancolie.  Il n’y a finalement rien de plus compliqué que de raconter une histoire simple, de la transcender par la sensibilité et le talent de son auteur…

L’intérêt du film provient davantage des personnages, de leurs contradictions, de leurs faiblesses, que du scénario relativement prévisible ou de la réalisation qui l’épouse et, ainsi, le sublime…et pourtant, même si James Gray est plus habitué au polar, il règne ici une tension palpable liée au désir qui s’empare du personnage principal magistralement interprété par Joaquin Phoenix (que James Gray a ici choisi pour la troisième fois pour interpréter le personnage principal de son film) avec son regard mélancolique, fiévreux, enfiévré de passion même, ses gestes maladroits, son corps même qui semble  crouler sous le poids de son existence, sa gaucherie adolescente : un sérieux prétendant au prix d’interprétation !

Ce dernier interprète le personnage attachant et vulnérable de Leonard Kraditor (à travers le regard duquel nous suivons l’histoire : il ne quitte jamais l’écran), un homme, atteint d'un trouble bipolaire (mais ce n'est pas là le sujet du film, juste là pour témoigner de sa fragilité) qui, après une traumatisante déception sentimentale, revient vivre dans sa famille et fait la rencontre de deux femmes : Michelle, sa nouvelle voisine incarnée par Gwyneth Paltrow, et Sandra, la fille d’amis de ses parents campée par l’actrice Vinessa Shaw. Entre ces deux femmes, le cœur de Leonard va balancer…

Léonard éprouve un amour obsessionnel, irrationnel, passionnel pour Michelle. Ces « Two lovers » comme le titre nous l’annonce et le revendique d’emblée ausculte  la complexité du sentiment amoureux, la difficulté d’aimer et de l’être en retour, mais il ausculte aussi les fragilités de trois êtres qui s’accrochent les uns aux autres, comme des enfants égarés dans un monde d’adultes qui n’accepte pas, broie les écorchés vifs. Michelle et Leonard ont, parfois, « l’impression d’être morts », de vivre sans se sentir exister, de ne pas trouver « la mélodie du bonheur ».

Par des gestes, des regards, des paroles esquissées ou éludées, James Gray  dépeint de manière subtile la maladresse touchante d’un amour vain mais surtout la cruauté cinglante de l’amour sans retour qui emprisonne (encore un plan derrière des barreaux, en l’occurrence de Gwyneth Paltrow, décidément le cinéma et ceux qu’il dépeint a cette année soif de liberté et d’évasion, décidément le monde n’a jamais été aussi ouvert et carcéral), exalte et détruit.

James Gray s’est ainsi inspiré d’une nouvelle de Dostoïevski intitulée « Nuits blanches » sur un homme qui développe un amour platonique et une véritable obsession pour une femme qu’il rencontre dans la rue.

James Gray a délibérément choisi une réalisation élégamment discrète et maîtrisée, et à l’image du scénario : pudique (ou lisse, c’est selon). Même si le dénouement est relativement prévisible, le regard de Joaquin Phoenix est suffisamment intense pour ne pas nous lâcher jusqu’à la dernière seconde, nous  émouvoir même, malgré tout. James Gray n’a pas non plus délaissé son sujet fétiche, à savoir la famille qui symbolise la force et la fragilité de chacun des personnages (Leonard cherche à s’émanciper, Michelle est victime de la folie de son père…).

Un thriller intime qui exalte et respire la beauté déchirante d'un amour contrarié. Un film d’une tendre cruauté qui dépeint magnifiquement une douloureuse histoire d’amour entre des êtres au bord du gouffre, sur le fil. Un film  poignant d’une vertigineuse sensibilité à l’image des sentiments qui s’emparent des personnages principaux, et de l’émotion qui s’empare du spectateur (de moi en tout cas). Irrépressiblement. Magnifiquement.

James Gray avec ces « Two lovers » a réinventé la comédie romantique, magnifié une histoire simple, nous donnant presque à ressentir les battements de cœur tourmentés de ses protagonistes, signant un film lumineux et douloureux, intense et inoubliable, profond et mélancolique… comme une nouvelle de Dostoïevski,.

 Sortie en salles : le 19 novembre 2008

 Sandra.M

John Malkovich, au CID, présentant "L'échange", au 34ème Festival du Cinéma Américain de Deauville, photo http://inthemoodfordeauville.hautetfort.com

C'est avec fébrilité que j'entrai donc dans la salle, m'apprêtant à vivre une expérience cinématographique aussi intense que "Sur la route de Madison" (mon préféré de Clint Eastwood cinéaste mais aussi acteur, voir ma critique de "Sur la route de Madison" en cliquant ici).

Le synopsis était en effet particulièrement attractif et propice à un suspense eastwoodien. Clint  Eastwood revenait ainsi hier sur la Croisette de nouveau avec un film noir 5 ans après y avoir présenté "Mystic River" dans lequel jouait un certain Sean Penn...

Synopsis: Los Angeles, 1928 : un samedi matin, dans une banlieue ouvrière, Christine  (Angelina Jolie) dit au revoir à son fils Walter et part au travail. Quand elle rentre à la maison, Walter a disparu. Une recherche effrénée s’ensuit et, quelques mois plus tard, un garçon de neuf ans affirmant être Walter lui est restitué. Désorientée par l’avalanche de policiers et de reporters et par ses propres émotions, Christine ramène le garçon à la maison. Mais au fond de son coeur elle sait qu’il n’est pas son fils.

Il en va des films comme des personnes: il y en a que l'on aimerait savoir détester ou par lesquels on aimerait savoir être envoûté. J'aurais aimé porter (et être portée par) un enthousiasme inconditionnel pour ce film d'un des maîtres du cinéma américain, malheureusement j'en suis ressortie avec une impression très mitigée.

 Inspiré de faits réels le scénario a été écrit par Joe Michael Straczynski et nous plonge dans l'angoisse puis le combat de cette mère dont le fils était la raison de vivre et dont le retrouver est la raison de se battre. C'est d'abord un portrait de femme meurtrie, courageuse, déterminée, portée par la foi et un espoir irrationnel qu'Angelina Jolie incarne avec beaucoup de talent, de sensibilité, avec l'aura des stars hollywoodiennes des années 40 et 50, un cinéma auquel Clint Eastwood rend d'ailleurs ouvertement hommage, notamment en nimbant la photographie, magnifique, d'une lumière subtilement surannée.

Vous vous demanderez alors probablement pourquoi ce film dont l'action débute en 1928 et qui traite d'une réalité lointaine est pressenti pour recevoir la palme d'or alors que Sean Penn a précisé qu'il faudrait que le lauréat ait "conscience du monde dans lequel il vit", tout simplement parce que, et c'est là le grand intérêt du film, en nous parlant des injustices hier, Clint Eastwood nous parle de celles d'aujourd'hui. A quelques détails près, le sujet est finalement effroyablement actuel et le combat de Christine a une résonance intemporelle et universelle, de même que la corruption, le poids de la religion dans la société ou encore le rôle de la presse .

Au risque de susciter de nombreuses réactions de désapprobation, ce qui m'a avant tout gênée c'est ce qui m'avait gênée dans la fin du scénario de "Million dollar baby": son caractère outrancièrement mélodramatique et davantage encore ici, ce à quoi se prête le style, en l'occurrence celui du film noir: le manichéisme. Ainsi Angelina Jolie incarne une femme qui ne fléchit ni ne doute jamais, le capitaine Jones incarne la corruption sourde des autorités, prêtes à tout pour voiler la vérité, imposer la leur, (même interner une femme saine d'esprit, tenter de lui faire croire et de faire croire à tous qu'un enfant qui lui est étranger est le sien) et donner l'image d'une police exemplaire. La vérité face au mensonge. La justice du combat d'une femme pour retrouver son fils face à l'injustice d'institutions corrompues. L'identification devrait être immédiate et pourtant ce manichéisme a fait que je suis toujours restée à distance, certes constamment là, mais à distance.

 Par ailleurs, si le sujet n'avait été tiré d'un fait réel, j'aurais  eu du mal à adhérer à cette histoire de tueur en série  bourreau d'enfants(dont un instant j'ai imaginé qu'il serait manipulé par la police, créant de nouvelles ramifications dans cette histoire finalement un peu trop limpide à l'image de sa réalisation d'un classicisme certes impeccablement maîtrisé) .

 Clint Eastwood reste un raconteur d'histoire exemplaire, sachant magnifier ses histoires et ses acteurs par une réalisation fluide mais à force de trop vouloir magnifier, à force de vouloir lui aussi, avec beaucoup de conviction, nous imposer sa vérité, il en oublie d'en donner le sentiment ave tout ce qu'elle recèle d'ambivalence.  Certaines scènes demeurent particulièrement réussies comme celle qui nous glace le sang, de la confession de l'enfant ou celle dans laquelle un psychiatre tente de convaincre et se convaincre de la folie de Christine. Nous retrouvons alors ici l'ambivalence qui fait défaut au reste du film, chacune de ses paroles ayant un double sens, chaque rictus, chaque regard, chaque mot pouvant témoigner de sa folie. Une démonstration implacable du caractère alors subjectif de la vérité.

Clint Eastwood toujours reparti bredouille de la compétition cannoise (à l'exception d'un prix d'interprétation pour Forest Whitaker  dans "Bird") n'a rien obtenu à nouveau pour "L'échange", il  a en revanche été récompensé par le jury présidé par Sean Penn d'un prix pour l'ensemble de sa carrière.

Ci-dessus, la montée des marches de Clint Eastwood et Angelina Jolie pour "L'échange" au 61ème Festival de Cannes-Photo L'Oréal Cannes-

Sandra.M

Après France 2, la semaine dernière et TCM il y a quelques semaines, je poursuivais hier  mon tour des chaînes de télévision avec Canal plus  (le tournage du Cercle avait eu lieu à l’extérieur, dans un vrai cercle de jeu et non dans les locaux de Canal plus) pour l’avant-première de Rock’NRolla de Guy Ritchie dont, il faut bien l’ avouer,  je découvrais hier par la même occasion le cinéma que je connaissais néanmoins de « renommée » avec des films comme « Arnaques, crimes et botanique » ou « Snatch » ou pour le film dans lequel il mettait en scène sa volcanique et célébrissime épouse, « A la dérive » (le titre du film, pas l’épouse, je connais les esprits mal tournés de certains qui auraient pu feindre d’ignorer la virgule ) et qui fut un échec retentissant.

La projection fut précédée de quelques bandes annonces exclusives « prêtées » par Studio Canal dont deux m’ont surtout marquée et donnée envie de les découvrir : « Burn after reading » des frères Coen (Sortie en salles : le 10 décembre 2008) et « Frost/Nixon » de Ron Howard (Sortie en salles : 14 janvier 2009)...Je trouve malheureusement celle d’ « Il Divo » (sortie en salles : le 31 décembre 2008) pas à la hauteur de ce film qui m’avait enthousiasmée lors du dernier Festival de Cannes et qui y a reçu le prix du jury, et que je vous recommande... 

 Caïd londonien, Lenny (Tom Wilkinson) travaille à l'ancienne. Ce qui ne l'empêche pas de savoir qui corrompre et de pouvoir faire pression sur n'importe quel ministre, promoteur immobilier ou malfrat en vue mais comme le lui dit Archy (Mark Strong), son fidèle lieutenant, Londres est en train de changer : les mafieux des pays de l'Est (décidément très à la mode pour incarner les « méchants » en ce moment), comme les petits voyous, cherchent tous à bouleverser les règles du milieu. Désormais, c'est toute la pègre londonienne qui tente de se remplir les poches en se disputant le coup du siècle. Mais c'est Johnny Quid (Tobby Kebbell), rock star toxico qu'on croyait mort (à peu près la définition du Rock’NRolla, chaque membre de l’équipe du film en ayant une définition différente), qui a les cartes bien en main...

  Il m’a fallu un temps certain pour m’accoutumer à l’univers du cinéaste, d’abord à la voix off omniprésente, omnisciente qui nous donne l’impression que le film n’est pas encore réellement commencé (en général les films américains affectionnent ce genre de bande annonce lyrique et assourdissante au début ou en pré-générique), mais en fait il ne commence jamais réellement puisque la bande annonce dure jusqu’au dénouement. Destinée à apporter un second ou un trente-sixième degré, et parfois un ton pseudo-lyrique, elle est finalement plutôt lassante.

 Ensuite il m’a fallu m’habituer au mélange d’humour et d’action que j’apprécie à hauteur de 5%-95% (oui, c’est un savant dosage, 5% parce que de nombreux grands films de gangsters usent d’ironie avec autant de parcimonie que de talent) à  moins qu’il s’agisse des frères Coen ou de Tarantino (quel qu’il soit, le dosage est toujours talentueux et efficace) mais rarement à 50%-50% comme c’est le cas apparemment dans le cinéma de Guy Ritchie qui s’est fait une spécialité des films de gangsters choraux mêlant humour et action.

 Je ne dirai pas que c’est mauvais, simplement je pense destiné à un public bien ciblé, plutôt masculin, plutôt jeune ou à tout public qui désire mettre ses neurones au repos pendant 1H40 (que les esprits mal tournés précités n’établissent aucune corrélation, c’est formidable de nous aider à mettre nos neurones au repos, encore que...autant d'agitation désordonnée pourrait bien les perturber).

 Le mélange d’action et d’humour fait passer le suspense à la trappe et fait passer l’intrigue au dernier plan (contrairement à un film comme « Le crime est notre affaire », certes très différent qui réussit son propre savant dosage 60/40).

Guy Ritchie a déclaré « Je voulais évoquer la volonté de la nouvelle génération de malfrats d’investir le territoire de la vieille génération et d’en traiter les conséquences par la comédie ». L’aspect sociologique m’aura échappé. Décidément, j’étais sûrement ailleurs…

  Ajoutez à cela un tableau porte bonheur et une femme fatale qui finalement disparaissent sans plus d’explications et n’auront servi que de prétexte (de McGuffin sans le talent d’Hitchcock pour nous faire oublier que c’en était un)…  pour obtenir un mélange plutôt étrange.

 Ce « Rock’n’roll » m’aura un peu laissée sur le côté de la piste, en dehors de cette danse endiablée, échevelée, déconcertante et farfelue qui m’a profondément ennuyée malgré notamment une scène de poursuite objectivement réussie qui a suscité l’hilarité –presque-générale (mais c’est bien connu ceux qui rient font plus de bruits que les autres…ah si, j’ai beaucoup ri avec l’histoire de la métaphore des cigarettes, mais je crois bien que c’était le seul moment où il ne fallait pas).

 Dans le genre, Guy Ritchie a très certainement du talent. D’autres que moi sauront sans doute mieux l’apprécier. Je vous renvoie ainsi à un blog sur lequel vous trouverez une critique positive.

 Sortie en salles : le 19 novembre 2008

 Sandra.M

Si je n’y avais été invitée (en l’occurrence par la Fox), probablement ne serais-je pas allée voir ce film quoique… l’argument Mark Wahlberg (Les Infiltrés, La Nuit nous appartient…) à l’interprétation toujours aussi saisissante de film en film et le synopsis suivant m’y auraient peut-être incitée.

Max Payne (Mark Wahlberg), un policier aux méthodes musclées, décide de quitter son travail pour s'occuper de sa famille. Malheureusement, le jour de son départ, sa femme et son bébé sont sauvagement assassinés. Max décide donc de revenir aux affaires, il n'a plus rien à perdre...

Max Payne est le héros d’un jeu éponyme sorti en 2001 et vendu à près de sept millions d’exemplaires. Ce jeu finlandais a été développé par des passionnés de cinéma, il est de surcroît riche en références cinématographiques et son univers sombre est inspiré des films noirs. Une adaptation cinématographique s’imposait donc…

 Le premier atout du film, c’est l’interprétation de Mark Wahlberg (après ce que je vous ai dit ci-dessus, le contraire aurait été étonnant). Il interprète ce policier solitaire assoiffé de vengeance, cet homme brisé, dur et impassible avec la sobriété qui sied au personnage et, malgré sa violence, il induit l’empathie du spectateur, lequel, comme dans un jeu vidéo est d’ailleurs plongé au cœur de l’action, caméra subjective à l’appui, et déambule dans ces décors inquiétants à travers le regard déterminé et vengeur de Max Payne.

 Les décors : voilà justement le second atout du film. Ils nous immergent dans un univers onirique, lyrique, dans un New York inquiétant, fantomatique, sombre et stylisé, en plein hiver, au milieu d’une tempête de neige dont il faudra attendre la fin pour en sortir, et apercevoir la lueur salutaire du soleil , après cette plongée dans les ténèbres et ce monde de chaos. C’est donc un film obscur plus qu’un film noir, même si on retrouve certains éléments inhérents au genre : rues sombres, femme fatale (Natasha-Olga Kurylenko)…

 Pour le reste… le suspense est totalement absent contrairement à ce que le synopsis nous laissait espérer, et l’intrigue est davantage un prétexte aux séquences empreintes de surnaturel, aux ralentis, aux bullet-time avec une nouvelle caméra numérique permettant de filmer mille images par seconde (le réalisateur a eu recours à cette nouvelle technique pour ne pas imiter les inimitables : John Woo ou les frères Wachowski dans « Matrix »). Il s’agit  ainsi du premier scénario de long-métrage du scénariste Beau Thorne. Les personnages secondaires ont bien du mal à exister face à Max-Mark Payne-Wahlberg, en particulier Mila Kunis (Mona Sax, qui vient en aide à Max Payne, sa sœur Natasha -Olga Kurylenko, premier rôle féminin du prochain James Bond « Quantum of Solace »- ayant aussi été sauvagement assassinée)  dont le personnage n’apporte finalement rien à l’intrigue. Les monstres ailés sont finalement davantage la caution surnaturelle du film, inspirés des légendes nordiques. Dommage : l’idée de ces soldats invincibles  et d’une cruauté sans bornes devenus tels suite à des tests pharmaceutiques aurait pu avoir certains échos dans l’actualité et aurait pu être intéressante à creuser.

 Pour Mark Wahlberg et les décors, et pour amateurs d’univers obscurs dont même le rayon de soleil final ne parvient pas à nous faire sortir. (Le film, ce qui me semble d’ailleurs excessif, devait initialement être interdit aux moins de 17 ans aux Etats-Unis, sera finalement interdit aux moins de 13 ans).

 Site officiel: http://www.maxpayne-lefilm.com

 Sortie en salles: le 12 novembre