Ci-dessus, Jean Dujardin et Michel Hazanavicius, hier soir, au Forum des Images

Hier soir, dans le cadre de son club 300 qu’on ne présente plus, Allociné organisait une avant-première du deuxième volet  des aventures d’OSS 117 interprété par Jean Dujardin et réalisé par Michel Haznavicius, en présence de ces deux derniers. Ayant découvert le premier volet « OSS 117 : Le Caire, nid d’espions », la veille (oui, comme vous pouvez le constater Inthemoodforcinema.com est un blog d’investigations), c’est avec plaisir que j’ai retrouvé l’univers déjanté de l’espion aussi célèbre que désespérant, inventé par Jean Bruce.

Nous ne sommes donc plus en Egypte en 1955 mais une décennie plus tard, plus exactement en 1967, au Brésil, à Rio. En France, De Gaulle et Pompidou ont remplacé Coty et Faure. Douze ans après, OSS 117 (Jean Dujardin) reprend donc du service, cette fois lancé à la poursuite, non pas du diamant vert, mais d’un microfilm compromettant pour l’Etat français. Il va alors devoir faire équipe avec une séduisante jeune femme, lieutenant-colonel du Mossad, Dolorès (Louise Monod) pour capturer un nazi maître chanteur.

Hubert Bonisseur de la Bath est désormais affublé du ravissant pseudonyme de Noël Flantier mais il n’a rien perdu de ses costumes et de son attitude surannés, ni de sa misogynie, de son racisme et de toutes ses autres tares légendaires (la pire affliction qu’on puisse lui reprocher étant pour lui la première !) qui, vues sous le prisme du premier degré ou maladroitement mises en scène et interprétées, pourraient être consternantes, voire dangereuses. Ce n’est heureusement pas le cas. D’abord parce que, ici, on présuppose l’intelligence du spectateur qui saura rire du personnage principal et non rire avec, contrairement à la majorité des comédies qui n’osent pas prendre ce « risque » (celle qui a battu tous les records d’entrées récemment a d’ailleurs choisi la deuxième option, peut-être aussi une des raisons de son succès mais c’est sans aucun doute vers la première que va ma préférence). Aussi parce que les réactions, de consternation le plus souvent, de ceux qui lui font face désamorcent l’abjection de ses propos (ici Louise Monod, malheureusement moins nuancée dans son jeu que Bérénice Béjo, peut-être aussi, parce que son personnage est moins riche et moins construit) . Et même si le film n’est pas militant et même s’il est foncièrement  politiquement incorrect, c’est finalement peut-être beaucoup plus efficace, contre le racisme et l’antisémitisme et toutes autres formes de bêtises, que le film d’Etienne Chatillez, « Agathe Cléry », qui avait totalement manqué son objectif,... à condition évidemment d’être mis sous des yeux clairvoyants.

Ensuite, la mise en scène est toujours aussi réjouissante, imprégnée cette fois de l’atmosphère des années 60, de ses couleurs acidulées, usant et abusant du split screen (mais ici à bon escient puisque cela devient un instrument du comique) mais aussi des références cinéphiliques. Lors du débat qui a suivi Michel Hazanavicius a même avoué avoir « pillé » certains films, évoquant ainsi « Sueurs froides » auquel il est explicitement fait référence. La spectaculaire scène du dénouement au sommet du Christ du Corcovado que je vous laisse découvrir semble, quant à elle, directement inspirée de celle de la « Mort aux trousses » sur le Mont Rushmore, et les scènes de poursuite semblent suivre l’enseignement d’Hitchcock dans le film précité qui avait inversé les codes de la course poursuite, se déroulant jusque-là la plupart du temps dans une rue étroite et sombre.

On ne peut évidemment pas ne pas penser à « L’Homme de Rio » tant Jean Dujardin rappelle Belmondo, conciliant sens de l’action, du comique, qualité de jeu, et bénéficiant du même capital sympathie auprès du public,  et  ne s’économisant d’ailleurs pas, lui non plus,  pour le conquérir. (Voir vidéos ci-dessous). Comme Belmondo, à une époque où les films se faisaient sur son nom et où les titres reflétaient cette importance, là aussi, le film semble ne pas avoir de raison d'être sans Jean Dujardin qui lui insuffle son énergie débordante. Sans doute faut-il énormément d’intelligence pour interpréter avec autant de vraisemblance et d’apparente conviction un personnage aussi stupide, sans pour autant lui rendre le spectateur totalement hostile. Il n’économise ni ses rictus, ciselés, ni ses soulèvements de sourcils, ni ses silences, ni ses incoercibles rires gras, trouvant toujours la note juste pour contribuer à une partition à la fois baroque et  sans fausse note. Il est certain qu’il a encore beaucoup de rôles devant lui, à la (dé)mesure de son talent.

Si certaines répliques sont particulièrement décapantes, c’est donc à mon avis dans le jeu de Jean Dujardin aux frontières du burlesque,  mais aussi dans l’absurde de certaines situations et dans leur caractère inattendu que cet OSS est le meilleur (scène de l’hôpital puis du « jardinier » etc), quand le comique n’est pas annoncé par des roulements de tambour et arrive subrepticement. C’est en cela qu’il diffère peut-être le plus du premier volet dont , pour le reste, il épouse la structure, quasiment à l’identique, avec cependant des personnages féminins moins présents, moins écrits, plus secondaires.

 Le spectateur est transporté dans un ailleurs temporel et spatial qui contribuent aussi à son plaisir et à son dépaysement et à l’embarquer dans cette aventure fantasque des plages et extraordinaires paysages de Rio aux forêts amazoniennes.

Le seul  bémol concerne le scénario, signé Jean-François Halin et Michel Hazanavicius. Si Michel  Hazanavicius s’est vraisemblablement là aussi inspiré d’Hitchcock pour le MacGuffin (objet matériel et généralement mystérieux qui sert de prétexte au développement de l’action du film)-ici le microfilm-, chez Hitchcock le parfait enchaînement des scènes grâce à un scénario exemplaire nous le fait, toujours, totalement oublier, ici nous avons davantage la sensation d’une succession de saynètes sans réel but défini. Le rythme soutenu, la qualité de l’interprétation, de la mise en scène, des décors et des dialogues parviennent néanmoins à rendre ce défaut anecdotique et à nous emporter dans ces rocambolesques et absurdes aventures brésiliennes.

A l’heure où les comédies sont de plus en plus formatées, suivant les demandes des chaînes de télévision mais aussi une demande (probablement à tort) présupposée du public, cet hymne au politiquement incorrect, grâce à l’intelligence de la mise en scène et de l’interprétation transforment ce qui aurait pu être un simple film potache en un salutaire divertissement, malin et de qualité.

Merci à l’équipe d’Allociné pour sa bonne humeur et sa mise en scène très in the mood for OSS117 hier soir…

 Sortie en salles : le 15 Avril 2009

 Vidéos de la soirée au Forum des Images:

Teasers et bande-annonce:

En ouverture du Forum International Cinéma et Littérature de Monaco 2009,  le dernier film de Ron Howard, « Frost/Nixon : l’heure de vérité » a été projeté en avant-première.

En 1977, l’interview télévisée de l’ancien président Richard Nixon (Frank Langella), menée par David Frost (Michael Sheen),  a battu le record d’audience de toute l’histoire du petit écran américain pour un magazine d’actualités. Plus de 45 millions de personnes ont assisté à un fascinant affrontement verbal au fil de quatre soirées. Un duel entre deux hommes ayant tout à prouver, et dont un seul pouvait sortir vainqueur. Leur affrontement a révolutionné l’art de l’interview-confession, a changé le visage de la politique et a poussé l’ancien Président à faire un aveu qui a stupéfié le monde entier.

Encore un film sur un Président Américain (mais quelque chose me dit que celui actuellement en exercice qui incarne tellement l’American dream devrait battre tous les records). Encore un film sur le Watergate (« Les Hommes du Président » d’Alan J.Pakula, « Nixon » d’Oliver Stone…). Un film de surcroît signé par le réalisateur du « Da Vinci  Code ». On pouvait donc craindre le pire. Et pourtant, et pourtant même si nous connaissons l’histoire parfaitement (le scandale du Watergate est une suite d'évènements qui engendre, en 1974,  la démission du président des États-Unis Richard Nixon, seul président américain à avoir démissionné. L'affaire commence avec la pose de micros dans les locaux du Parti démocrate dans l'immeuble du Watergate à Washington, en 1972. Les investigations de journalistes et une longue enquête sénatoriale lèvent le voile sur des pratiques illégales à grande échelle au sein de l'administration présidentielle.), Ron Howard par ce thriller politique construit et filmé comme un duel palpitant, loin de l’affligeant « Da Vinci Code », réussit à capter et maintenir notre attention du début à la fin.

Le premier défi était de surprendre avec une histoire que tout le monde connaît. Le second était d’adapter la pièce de théâtre éponyme de Peter Morgan dont le film est tiré, d’éviter le résultat statique et conventionnel, voire convenu, auquel l’exercice pouvait donner lieu. De Peter Morgan, qui a également écrit l’adaptation, aussi scénariste de « The Queen » de Stephen Frears, nous pouvions néanmoins attendre le meilleur…

Alors certes, tout le monde connaît l’histoire et l’Histoire mais le scénariste et le réalisateur ont choisi de s’attarder sur les personnalités de Frost et Nixon au-delà de ce qu’elles peuvent incarner, dans ce qu’elles ont d’universel : la soif et le regret du pouvoir, l’amertume de la solitude, l’orgueil. Il s’agit certes de Frost et Nixon mais aussi de deux hommes qui se battent pour faire surgir et dominer leur vérité, pour utiliser l’autre comme faire-valoir, pour manipuler les médias à leur avantage. A ce petit jeu, périlleux et jubilatoire pour le spectateur, l’ancien président, froid et avisé, semble partir gagnant face à l’animateur de variétés, fantasque et apparemment naïf, qu’était alors Frost.

Nixon est à la fois cynique et finalement touchant, au crépuscule de sa carrière, et les deux hommes dont Ron Howard présente les portraits croisés, aussi différents qu’ils semblent être, sont finalement très semblables dans leur solitude face au combat et dans leur envie d’utiliser la télévision, et ce face-à-face, pour se fabriquer l’image qu’ils aspirent à refléter.

Par ailleurs, le sujet, loin d’être daté ou suranné, pose des questions et reflète une atmosphère finalement très contemporaines : la morosité d’une société en crise, pansant les plaies d’une guerre,  la manipulation des médias, leur versatilité aussi. Mais aussi l’influence de ce quatrième pouvoir qui devient parfois le premier quand une personnalité ou une carrière, aussi denses soient-elles, sont réduites à une image, alors réductrice ou dévastatrice !

Quant à la réalisation, elle mêle faux documentaire (qui, à mon avis, est finalement assez artificiel) et relatif académisme qui sert d’ailleurs plus le sujet qu’il ne lui nuit, les joutes verbales, acerbes et passionnantes, étant transcendées par les interprétations irréprochables  de Frank Langella (nommé aux Oscars comme meilleur acteur pour ce rôle) et Michael Sheen (déjà extraordinaire et déjà  toutes dents en avant dans le rôle de Tony Blair dans "The Queen" Stephen Frears).  Frank Langella et Michael Sheen étaient déjà les deux acteurs principaux de la pièce de Peter Morgan, d’où certainement aussi leur maîtrise parfaite de leurs rôles.

Le scénariste a aussi choisi de n’utiliser les personnages secondaires et les vies personnelles des deux protagonistes que comme toile de fond, juste esquissée, éclairant néanmoins leurs personnalités, et de centrer son intérêt sur les débats.

D’autres réalisateurs avaient été pressenti  (Martin Scorsese, Mike Nichols, George Clooney, Sam Mendes),  Ron Howard habitué des adaptations de faits réels (Apollo 13, Un homme d’exception, De l’ombre à la lumière) s’en est donc finalement plutôt bien sorti en signant un film qui dépasse son sujet pour lui donner une portée à la fois universelle et très contemporaine.

Un film qui ravira autant les amateurs d’Histoire que de westerns, voire de combats de boxe. Et si les armes utilisées par les deux combattants ne sont pas ici des pistolets ou des coups de poings, mais des mots et des idées,  elles peuvent anéantir, terrasser ou faire triompher, surtout quand tous les coups sont permis…

Un film recommandé par Inthemoodforcinema.com qui aura dès cette semaine 5 places de cinéma à vous faire gagner (en partenariat avec Studio Canal).

Sortie en salles en France : le 1er Avril

Zabou Breitman (photo: Sandra Mézière)

Dans le cadre du Forum International Cinéma et Littérature de Monaco, le troisième long-métrage (« Se souvenir des belles choses » et « L’homme de sa vie » étaient les deux premiers)  réalisé par Zabou Breitman, « Je l’aimais », était projeté en avant-première, lors de la clôture, et en présence de l’équipe du film. Comme l’a souligné Daniel Auteuil  (suscitant quelques rires gênés dans la salle) lors du débat de l’après-midi consacré au film, il est beaucoup plus facile d’adapter un livre moyen qu’un bon livre. J’avoue que, moi aussi, j’avais trouvé que  le livre éponyme d’Anna Gavalda correspondait davantage au premier adjectif qu’au second, et qu’il me semblait un peu inconsistant pour qu’en soit réalisée une adaptation cinématographique (Ce film m’a néanmoins donné envie de le relire, peut-être le percevrai-je alors différemment). C’était oublier que les histoires a priori les plus simples contribuent souvent aux meilleurs films, et laissent aux réalisateurs le loisir d’imposer leurs univers. Et un univers (et une sensibilité, rare) Zabou Breitman en possède indéniablement. En témoigne ce film qu’elle a adapté du roman d’Anna Gavalda, avec la scénariste Agnès de Sacy…

Synopsis : En une nuit, dans un chalet, Pierre (Daniel Auteuil) va partager avec sa belle-fille Chloé (Florence Loiret-Caille, que vous avez pu voir dans l’excellent film « J’attends quelqu’un »  de Jérôme Bonnell) , ce grand secret qui le hante depuis vingt ans, celui qui le mit face à lui-même, à ses contradictions et à ses choix, à son rôle d’homme et à ses manques. Le secret de cet amour pour Mathilde (Marie-Josée Croze) pour lequel il n’a pas tout abandonné, choisissant une route plus sûre et plus connue. En une nuit nous saurons la vie d’un homme qui n’osa pas…

L’histoire pourrait tenir en une ligne : un homme qui, en voyage d’affaires à Hong Kong,  tombe amoureux d’une femme qui devient sa maîtresse et, malgré tout l’amour qu’il porte à cette dernière, reste avec sa femme. Mais c’est là ce qui fait la force de cette adaptation : ni une ligne, ni plusieurs ne peuvent résumer tout ce que Zabou Breitman parvient à faire passer dans un plan, à tout ce que Daniel Auteuil et Marie-Josée Croze parviennent à faire passer dans un geste, un regard, procurant un caractère universel et intemporel à leur histoire, et aux choix auxquels ils sont confrontés.

Plutôt que d’employer des envolées lyriques, des mouvements de caméra grandiloquents ou fantaisistes, Zabou a choisi la simplicité dans sa réalisation, qui convient  à ces personnages, finalement prisonniers des conventions, malgré cette parenthèse enchantée, mais dont le choix de la narration, la structure en flash-back, et même ce chalet isolé où ce secret est révélé, reflètent judicieusement le caractère secret de leur liaison. Sa caméra est toujours au plus près des regards, souvent troublés, vacillant parfois comme eux, au plus près des battements de cœur, à l’écoute du moindre frémissement, nous faisant trembler à l’unisson.  Grâce à de subtiles transitions parfois saupoudrées de cette fantaisie poétique qui la caractérise aussi, Zabou passe du passé au présent, accentuant notre curiosité et la résonance entre les deux histoires.

On dit qu’il existe deux sortes de films : ceux qui vous racontent une histoire, ceux qui vous présentent des personnages. Et ici c’est dans le personnage de Daniel Auteuil, mais aussi, dans celui de Marie-Josée Croze que ce film trouve toute sa force et sa singularité. Malgré tous les rôles  marquants qu’il a incarnés, au bout de quelques minutes, nous oublions Daniel Auteuil pour ne plus voir que Pierre, cet homme, comme tant d’autres, qui survit plus qu’il ne vit, dévoué à son travail, cet homme, comme tant d’autres, dont la femme vit avec lui plus par habitude et par confort  que par amour, un amour dont on se demande s’il a un jour existé : les scènes avec son épouse Suzanne (excellente Christiane Millet) sont d’ailleurs particulièrement réussies, révélant toute l’horreur et la médiocrité de l’habitude.  Cet homme qui apparaît froid, conventionnel, enfermé dans ses conventions sociales même, dont le récit de cette passion fugace éclaire la personnalité, révèle progressivement son humanité. Cet homme qui devient vivant, beau, intéressant, sans être spirituel (ne sachant guère lui dire autre chose que « tu es belle »), dans le regard de Mathilde et dans celui que lui porte la caméra de Zabou Breitman, toujours subtilement placée, à la juste distance : comme dans cette scène où ils se retrouvent, pour la première fois, dans un bar d’hôtel, scène où passent toutes les émotions (le malaise, le bonheur, le trouble) d’un amour naissant sous nos yeux. Une scène magique et magistrale. Par la seule force de l’interprétation, l’éloquence des silences. Et de la réalisation qui les met sur un pied d’égalité, pareillement emportés, et nous place comme les témoins involontaires de leur rencontre, nous donnant l’impression d’être nous aussi dans ce bar, n’osant bouger et respirer de peur de briser cet instant fragile et envoûtant.

Ce rôle d’un homme « lost in translation » (et qui n’est d’ailleurs pas, aussi, sans rappeler le film éponyme de Sofia Coppola) est à mi-chemin entre celui qu’il interprétait dans les deux films de Claude Sautet : « Quelques jours avec moi » et « Un cœur en hiver », dont les deux titres pourraient d’ailleurs également s’appliquer au film de Zabou Breitman dont la sensibilité n’est pas totalement étrangère à cette de Claude Sautet.

Quant à Marie-Josée Croze elle illumine le film de sa rayonnante présence, incarnant magnifiquement  ce personnage insaisissable et indépendant, cet amour éphémère et fantasmé qui s’écroule lorsqu’il est rattrapé par la réalité.

Fuir le bonheur de peur qu’il ne se sauve ? Fuir son simulacre de peur que la vie ne se sauve ? Fuir une réalité médiocre et confortable pour un rêve éveillé et incertain ? A-t-on le droit de se tromper ? Ne vaut-il mieux pas faire un choix, même mauvais, plutôt que d’éluder le choix ? Le renoncement, le sacrifice sont-ils des actes de courage ou de lâcheté ? Autant de questions que chacun peut se poser…et qui résonnent bien après le générique de fin.

Un film empreint de nostalgie qui se termine sur une note d’espoir. Un film lumineux et mélancolique qui nous est narré comme un conte, moderne et intemporel. Un film qui a la force brûlante, douloureusement belle, des souvenirs inaltérables.  Un film qui nous plonge dans le souvenir, amer et poignant, des belles choses.

« Je l’aimais » a reçu le prix 2009 de la Fondation Diane et Lucien Barrière. A Monaco, son producteur, Fabio Conversi (prix du meilleur producteur d’adaptations littéraires au cinéma) et son acteur principal, Daniel Auteuil ( prix du meilleur acteur d’adaptations littéraires au cinéma) ont également été récompensés.

 Sortie en salles en France : le 6 mai 2009

 A suivre : les critiques en avant-première de « Chéri » de Stephen Frears, « Frost/Nixon, l’heure de vérité » de Ron Howard, « OSS 117, Rio ne répond plus » de Michel Hazanavicius… et de nombreuses surprises!

BANDE-ANNONCE

L’EQUIPE DU FILM AU FORUM INTERNATIONAL CINEMA ET LITTERATURE DE MONACO

A la demande générale, je vais donc évoquer l’avant-première de « Watchmen- Les Gardiens » de Zack Snyder (mais brièvement hein, le principe de ce blog reste de partager mes coups de cœur cinématographiques, et ce film, vous l’avez compris ou le comprendrez rapidement, n’en fait pas partie …). Cette projection en avant-première avait lieu au Forum des Images et était organisée dans le cadre du club 300 d’Allociné dont  c’était la troisième soirée « Allociné Family and Friends » après celles organisées pour les projections de « Wall-E » et « Mesrine ». Venons-en à l’essentiel avant d’évoquer  l’accessoire (le film) :  les blogueurs avec lesquels j’ai eu le plaisir de terminer cette soirée, j'ai nommé Brigitte des "Nouveaux Cinéphiles", Pascale et Hervé de "Sur la route du cinéma", Osmany de "Oh my bloogness" , sur les blogs desquels vous trouverez également un récit de cette soirée, ainsi que sur les blogs des autres inconditionnels des avant-premières que j’ai une nouvelle fois eu le plaisir de croiser  Tadah! blog , Les Cinétribulations d'Alain Robert, Filmgeek. Vous trouverez également des critiques sur les blogs du Petit cinéphile et sur le blog BJ and Mat Cinéshow.

Pour les  incultes en bd et comics qui, comme moi, l’ignoraient, « Watchmen » est donc un comic-book constitué de 12 volumes écrits-réalisés-commis entre 1986 et 1987 par Alan Moore (pour le texte) et Dave Gibbons (pour le dessin ), un comic dont la forme est paraît-il particulièrement singulière, voire révolutionnaire (utilisation de la première personne, neuf vignettes par page privilégiant les formats verticaux, caractéristiques réalistes des héros etc) mais surtout paraît-il le meilleur comic de tous les temps figurant  dans le top 100 du Time Magazine des « Meilleurs romans de la langue anglaise depuis 1923 », lauréat du prix Victor Hugo, prix du meilleur album étranger au Festival international de la BD d’Angoulême. Bref, le « A la recherche du temps perdu » du comic. Quand je pense qu’il a été un moment question que Terry Gilliam, Paul Greengrass ou Darren Aronofsky le réalisent, je me dis que nous sommes peut-être passés à côté d’un bon film mais malheureusement c’est au réalisateur de « 300 », Zach Snyder que cette épineuse mission a échu.

En préambule, la toujours sympathique et dynamique équipe d’Allociné nous a prévenus : ce film d’anticipation a une portée philosophique, politique, historique et nécessite plusieurs visionnages afin d’être vraiment appréhendé ! Fichtre… Une sorte de mélange entre « Citizen Kane », «  2001 Odyssée de l’Espace », « Hiroshima mon amour »… Welles, Kubrick et Resnais : rien à côté de Zack Snyder !  Qui l’eut cru ?

Le pitch : Nous sommes à la fois en 1985  et à une époque indéfinie et alternative (Watchmen étant évidemment intemporel et universel comme tout chef d’œuvre qui se respecte ou aspirant du moins à l’être), la Guerre Froide étant à son apogée,  les Etats-Unis ayant remporté la Guerre du Vietnam et  Richard Nixon achevant un cinquième mandat à la Maison-Blanche… Les super-héros font alors partie du quotidien (rien à voir avec Superman et autres Spiderman, je vous expliquerai ça ultérieurement) et l’horloge (d’où le nom de Watch-men) de l’Apocalypse –symbole de la tension entre les Etats-Unis et l’Union Soviétique- indique en permanence minuit moins cinq. Lorsque l’un de ses anciens collègues super-héros (oui, collègues, super-héros est un métier…) est assassiné, le cynique, brutal, égoïste Comédien (Jeffrey Dean Morgan), Rorschach (Jackie Earle Haley), un justicier masqué aussi las que déterminé va découvrir un complot qui menace de tuer et discréditer tous les super-héros du passé et du présent. Alors qu’il reprend contact avec son ancienne légion de justiciers –un groupe hétéroclite de justiciers retraités, seul l’un d’entre eux –le Dr Manhattan- possédant de véritables pouvoirs, sorte de Dieu bleuté au physique improbable- Rorschach entrevoit un complot inquiétant et de grande envergure lié à leur passé commun et qui aura des conséquences inquiétantes pour leur futur.

"Les inconditionnels pourront découvrir la transposition sur grand écran des personnages et scènes qu'ils aiment, ainsi que la réalité alternative complexe du roman graphique, tandis que le reste du public verra des super-héros agir d'une façon qu'ils n'avaient jamais envisagée auparavant. Et si, au final, Watchmen est considéré comme une bande-annonce de 2h30 pour le livre, ce sera ma plus belle récompense." Voilà ce qu’a déclaré Zack Snyder aspirant à passionner les néophytes autant que les fans du comic-book. Etant donné que lors de la projection allocinéenne, seuls 8 % des spectateurs ayant voté ont déclaré ne pas aimer ou ne pas aimer du tout contre 78% de satisfaits, je ne vais pas généraliser mon cas de néophyte (j’imagine que parmi les 78% tous n’étaient pas aficionados de la BD) mais pour moi en tout cas, cela n’a pas du tout fonctionné.

D’abord, parce que « Watchmen » n’est pas à la hauteur de son ambition débordante. Ce film m’a rappelée un de mes passionnants sujets de sciences-po : « Existe-t-il une guerre juste ? ». Voilà, entre autres thèmes, ce à quoi « Watchmen »ambitionne de répondre. Seulement Zack Snyder ne connaît pas les plans en trois parties et en guise de thèse, nous avons une exposition interminable des différents personnages qui constitue l’essentiel des 2H43 que dure le film (on peut ne pas avoir lu la bd, ne pas être totalement stupide et donc cerner les personnages un peu plus rapidement), l’antithèse et la synthèse étant rapidement expédiées. J’ai eu l’impression d’une immense scène d’exposition qui ne s’achèverait jamais, entrecoupée de flash-backs destinés à nous faire comprendre le passé de ces super-héros, leurs enfances difficiles et traumatismes censés expliquer leur soif de justice, de vengeance, de violence aussi (Petite précision : « Watchmen » est interdit aux moins de 12 ans en France, aux moins de 17 ans aux Etats-Unis). Ce ne sont donc pas de vrais super-héros mais des humains (et donc des êtres faillibles) se prenant pour des justiciers masqués, armes redoutables d’une Amérique impérialiste. Ici donc  pas de manichéisme qui sied habituellement aux films de super-héros avec les gentils héros d’un côté et les représentants du mal absolu de l’autre, mais une frontière bien étanche entre le bien et le mal. (D’où les parallèles possibles avec toutes les polices et armées du monde, et avec toutes les guerres passées et présentes ). Ces flash-backs redondants entrecoupent constamment le récit et finissent par rendre l’intrigue (on est quand même censés rechercher un meurtrier et l'horloge fatidique qui menace d'une troisième guerre mondiale, qui plus est nucléaire, est toujours là..., ressurgissant aux moments les plus incongrus) totalement inintéressante et secondaire.

 Parce que voilà une des fameuses singularités de « Watchmen » : les super-héros y sont fragiles, réalistes, n’ont pas de super pouvoirs à l’exception de l’un d’entre eux (le fameux Docteur Manhattan, je passe sur les circonstances d’une expérience scientifique malheureuse qui lui ont procuré ses pouvoirs extraordinaires, cette scène aurait pu être magistrale de tension, elle n’est que ridicule…) et sont même parfois particulièrement violents et impulsifs à l’image du Comédien. Ils sont parfois plus lâches et inhumains que ceux qu’ils combattent (Etant humains, ils ont donc les travers des humains), dans un monde crépusculaire réaliste. Ajoutez à cela une atmosphère apocalyptique et de chaos, une société en déliquescence et donc en résulte une société propice à tous les extrémismes et impérialismes.

Quant à la synthèse elle donne une morale plutôt douteuse, par la maladresse et la réalisation plutôt convenue de Zack Snyder, justifiant les extrémismes qu’il aspire plutôt, sans doute, à dénoncer, ou en tout cas justifiant la « guerre juste » (une explosion nucléaire fait des millions de morts mais « réussit » ainsi à réconcilier les Etats-Unis et l’Union Soviétique, ceux-ci s’alliant contre ce nouvel ennemi…), ou en voulant aussi dénoncer les raisons fallacieuses, parfois et même souvent les raisons économiques, justifiant les guerres et autres conflits (Oui, parce qu’il y a évidemment un traitre dans le lot dont, même les incultes en bd parviennent à déceler rapidement l’identité, reste donc juste la sombre, voire morbide, beauté graphique du film à observer pour s’occuper) .

La bande originale est certes exemplaire et aligne les chefs d’œuvre musicaux, ce qui ne fait qu’exacerber le kitsch des scènes sur lesquelles elle est plaquée pour créer une émotion totalement absente sans oublier l’indispensable humour caractéristique de ce genre de film indissociable de la violence qu’il est censé désamorcer.

En s’attaquant à « Watchmen :les gardiens » que la fameuse portée historique, philosophique, politique aurait pu rendre intéressant, et même passionnant, pour les néophytes autant que pour les inconditionnels et auquel il aurait pu apporter une portée universelle et intemporelle, Zack Snyder a réalisé un film pour initiés au genre, anxiogène et kitsch au possible pour les autres (à moins de le prendre au 5ème degré, parce qu'au premier c'est difficilement supportable), sans autre intérêt que d’exposer un univers et des personnages que la première demi-heure aurait dû suffire à nous faire découvrir. Restent la bande originale et une ténébreuse noirceur qui finiraient presque par nous embarquer… dans un ailleurs où je n’aspire néanmoins pas à retourner ni à vous conseiller d’aller ! Vous voilà prévenus !

Sandra.M

En attendant ma critique en avant-première de "Watchmen, les gardiens", samedi, suite à l'avant-première organisée par Allociné ce soir pour le "club 300", au Forum des images,  je vous propose la bande-annonce ci-dessous.

A suivre également ces prochains jours sur "In the mood for cinema" : la conférence de presse de Jennifer Aniston et Owen Wilson pour "Marley et moi" et toute l'actualité des César.

En 208 après J.-C., l’empereur Han Xiandi règne sur la Chine pourtant divisée en trois royaumes rivaux. L’ambitieux Premier ministre Cao Cao (Zhang Fengyi) rêve de s’installer sur le trône d’un empire unifié, et se sert de Han Xiandi pour mener une guerre sans merci contre Shu, le royaume du sud-ouest dirigé par l’oncle de l’empereur, Liu Bei. Liu Bei dépêche Zhuge Liang (Takeshi Kaneshiro) , son conseiller militaire, comme émissaire au royaume de Wu pour tenter de convaincre le roi Sun Quan (CHANG CHEN)  d’unir ses forces aux siennes. A Wu, Zhuge Liang rencontre le vice-roi Zhou Yu (Tony Leung). Très vite, les deux hommes deviennent amis et concluent un pacte d’alliance. Furieux d’apprendre que les deux royaumes se sont alliés, Cao Cao envoie une force de 800 000 soldats et 2 000 bateaux pour les écraser. L’armée campe dans la Forêt du Corbeau, de l’autre côté du fleuve Yangtze qui borde la Falaise Rouge où sont installés les alliés. Face à l’écrasante supériorité logistique de Cao Cao, le combat semble joué d’avance, mais Zhou Yu et Zhuge Liang ne sont pas décidés à se laisser faire… Dans un déluge de puissance et de génie tactique, la bataille de la Falaise Rouge va rester comme la plus célèbre de l’Histoire et changer le destin de la Chine pour toujours.

Pourquoi ce film est-il un évènement ?  Tout d’abord, en raison de son budget : 80 millions de dollars qui en font le film en langue chinoise le plus cher de l’Histoire du cinéma. Le tournage a ainsi débuté le 14 avril 2007, et s’est étalé sur une période de huit mois et demi au cours de laquelle la première équipe a tourné pendant 203 jours, la seconde 117 jours, et la troisième 27 jours. Ensuite, en raison de son nombre d’entrées : c’est à ce jour le record absolu au box office asiatique. Il a ainsi battu les records de recettes pour un premier jour (2,5 millions d’euros) et pour un week-end de démarrage (10 millions d’euros en 4 jours).  Enfin, en raison de l’ambition de son réalisateur, John Woo, de faire de ce film chinois une grande fresque donnant au public occidental le sentiment de regarder « une guerre de Troie asiatique » et  « un spectacle universel et une histoire qui s’adresse à chacun de nous, quelles que soient notre culture et nos origines », avec l’objectif d’atteindre l’ampleur et le niveau technique des grandes fresques hollywoodiennes.

Pour être tout à fait honnête : à 9H30, sous un froid polaire (si,si), heure de la projection presse à l’UGC Normandie, sur les Champs Elysées, ce matin, j’étais un peu réticente à l’idée d’aller voir un film de batailles aussi évènementiel soit-il, mais il n’a pas m’a pas fallu beaucoup de temps pour changer d’avis et me laisser totalement embarquer sur cette falaise rouge, à tel point que je n’ai pas vu passer les 2H30 que durent la version occidentale (le film de 4h, pour la version asiatique, est sorti en deux parties en Asie).

Même s’il s’agit là de « L’histoire des 3 royaumes » ("Romance of the Three Kingdoms") de Luo Guanzhong, un roman historique figurant parmi les livres les plus lus en Asie ayant inspiré une douzaine de jeux vidéo et de nombreuses bandes dessinées, pour la majorité d’entre nous, Occidentaux, il s’agit d’une histoire inconnue, d’un univers dans lequel nous devrions éprouver quelques difficultés à nous immerger :  l’époque où la Chine était divisée en trois royaumes ( Wei, Shu et Wu) avant l’ère de la dynastie des Han orientaux. L’empire était alors en pleine guerre civile.

 Le but que s’est fixé John Woo est, malgré cela, pleinement atteint. Il ne nous faut pas plus de quelques minutes, grâce à la maestria du scénario et de la mise en scène, à l’universalité des desseins et caractères des personnages (pourtant des héros) pour nous prendre d’empathie, voire nous identifier à ces personnages venant pourtant d’une époque et d’une culture a priori éloignées. L’avidité de puissance, l’orgueil, la soif de conquérir, tout cela appartient autant à la dynastie des Han qu’à notre époque contemporaine, c’est pourquoi malgré le déploiement de moyens, le réalisme époustouflant (mais aussi grâce à ce réalisme) des décors (signés Tim Yip qui avait obtenu l’Oscar des meilleurs décors pour « Tigre et dragon »), de l’architecture, des costumes, des armes, cette histoire transcende les peuples et les époques.

Avant d’être une histoire de batailles (même si elles constituent les trois moments clefs du film et sont  magistralement réalisées : la bataille de Changban au début, la bataille de San Jiang Kou au milieu, et celle de la Falaise Rouge à la fin qui donne son titre à la version anglophone ), c’est aussi l’histoire de royaumes qui s’affrontent mais encore celle d’un homme (Cao Cao) guidé par la soif de pouvoir, de conquête, d’ambition dévorante et de puissance mais aussi par l’amour d’une femme (Xiao Qiao, la femme de Zhou Yu) qu’il veut conquérir en même temps que son royaume ou même pour et à cause de laquelle il veut conquérir son royaume, et celle d’un homme (Zhou Yu) déchiré entre la loyauté envers son pays et l’amour qu’il  pour sa femme qui n’aspirait qu’à la paix (Xiao Qiao interprétée par le top model asiatique Chiling Lin).

 Le cadrage (d’une précision redoutable), le rythme (qui ne nous laisse pas une seconde de répit), le montage (qui dose et alterne savamment les scènes de batailles et les autres, non moins palpitantes) , la musique (absolument sublime), la caméra si mobile et aérienne de John Woo sont à l’unisson pour contribuer à donner à cette grande fresque un souffle épique. Si ce film n’a rien en commun avec le lyrisme des films de Zhang Yimou par exemple ou ceux d‘Ang Lee, on peut le déplorer ou bien se féliciter du réalisme que John Woo a su y apporter sans pour autant oublier la poésie inhérente au genre. Contrairement aussi à ce qu’on aurait pu attendre, voire craindre, du maître du polar asiatique, la violence n’est jamais excessive, gratuite ou soulignée, ce qui ne nuit pas au réalisme tout en facilitant notre immersion.  Les stratégies qui guident ces batailles, les conciliabules qui les précèdent, sont autant mis en valeur que les batailles elles-mêmes pour la réalisation desquelles le gigantisme était le maître mot, ce qui aurait pu donner au spectateur le sentiment de les surplomber et en être exclu, ce qui ne l’y implique que davantage. Pour donner cette sensation frappante de réalisme, John Woo s’est ainsi inspiré du style et de l’ambiance des peintures classiques et de leur souci du détail.

Les dialogues ne sont jamais trop didactiques, jamais trop parcimonieux et tout l’Art consiste même à en établir un sans qu’une parole soit échangée comme lors de cette magnifique de scène de duel musical entre Zhou Yu et Zhuge Liang, si prémonitoire et significative.

Et puis il y a ces personnages, suffisamment forts, probablement complexes mais ce sera là mon bémol, les 4H ramenées à 2H30 ne nous laissant pas entrevoir toute leur complexité et en laisse certains de côté comme l'empereur Han Xiandi ou comme le fin stratège Zhuge Liang (dont l’étude de la course des nuages est aussi une stratégie de guerre.) L’ensemble est d’une qualité et universalité telles que je pense que le film aurait très bien pu aussi sortir en 2 parties en Occident. Ces personnages sont par ailleurs servis par des acteurs talentueux comme Tony Leung qui ne cesse de nous charmer et surprendre par la diversité de ses rôles qui interprète ici Zhou Yu. Acteur reconnu du cinéma chinois et international, il a ainsi reçu plusieurs récompenses et a été plébiscité pour ses rôles dans des films comme « Lust, caution » d’Ang Lee, « Infernal affairs » d’Andrew Lau et Alan Mak, « In the mood for love » de Wong Kar-Wai pour lequel il a reçu le prix d’interprétation à Cannes, en 2000.

Ce film connaîtra-t-il le même succès en Occident que celui qu’il a connu en Asie ? Probablement pas, ces héros n’appartenant pas à notre mémoire collective comme c’est le cas en Asie. Il est en tout cas indéniable que cette grande fresque romanesque, spectaculaire, poétique et épique mérite de nous plonger dans l’histoire de ces trois royaumes que John Woo, par son souci du détail, parvient à rendre universelle, intemporelle et passionnante. Peut-être lui manque-t-il ce tout petit plus qui ferait de ce grand film un film inoubliable ou même un chef d’œuvre, peut-être tout simplement cette heure trente dont nous sommes privés...

Sortie en salles en France : le 25 mars 2009

Site officiel du film : http://www.les-trois-royaumes-le-film.com/

Sandra.M