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  • Palmarès des Golden Globes 2012 : le triomphe (mérité) de Jean Dujardin et de "The Artist"

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    La 69ème cérémonie des Golden Globes s'est achevée cette nuit, une cérémonie qui préfigure en général les Oscars (la cérémonie 2012 aura lieu le 26 février). 

    "The Artist" de Michel Hazanavicius a reçu trois Golden Globes (sur 6 nominations): meilleur acteur dans une comédie ou une comédie musicale pour Jean Dujardin, meilleure musique, meilleure comédie ou comédie musicale.

     Je me réjouis tout particulièrement de ces prix, d'abord parce que j'avais eu un énorme coup de coeur pour ce film dès sa première projection cannoise (critique et photos cannoises en bas de cet article), ensuite parce que la réussite de Jean Dujardin va à l'encontre de la tendance actuelle, celle d'une téléréalité qui nous ferait croire que le talent peu s'acquérir en un claquement de doigts...et en écrasant les autres. Une magnifique réussite, an "American dream" qui n'en est sans doute qu'à ses prémisses. Je vois mal comment l'Oscar du meilleur acteur pourrait ainsi lui échapper et comment "The Artist" pourrait ne pas avoir l'Oscar du meilleur film tant il est un sublime hommage au cinéma et, plus encore, aux artistes. 

     Gérard Depardieu était le dernier acteur français à avoir obtenu le Golden Globe du meilleur acteur (en 1991 pour "Green card").

     Je me réjouis également du prix du meilleur scénario obtenu par Woody Allen pour "Minuit à Paris", hommage également en quelque sorte au cinéma, ou en tout cas au pouvoir de l'imagination. Si George Clooney a été malheureux en tant que réalisateur (pour le très réussi "Les marches du pouvoir") il a été plus chanceux en tant qu'acteur, récompensé pour son rôle dans "The Descendants". Martin Scorsese a reçu l'Oscar du meilleur réalisateur ...et Meryl Streep a été récompensé unee énième fois...

    Je vous laisse découvrir le palmaèrs ci-dessous et ma critique de "The Artist" en bas de cet article.

    PALMARES COMPLET DES GOLDEN GLOBES 2012

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    Meilleur film dramatique

    Les Marches du Pouvoir

    Hugo Cabret

    Le Stratège

    The Descendants - LAUREAT

    La Couleur des sentiments

    Cheval de guerre

     

     

       

    Meilleure comédie ou comédie musicale

    50/50

    My Week with Marilyn

    Minuit à Paris

    Mes meilleures amies

    The Artist - LAUREAT

     Meilleur acteur dans un drame

     Brad Pitt (Le Stratège)

    Leonardo DiCaprio (J. Edgar)

    George Clooney (The Descendants) - LAUREAT

    Ryan Gosling (Les Marches du Pouvoir)

    Michael Fassbender (Shame)

    Meilleure actrice dans un drame

     Meryl Streep (La Dame de fer) - LAUREATE

    Glenn Close (Albert Nobbs)

    Tilda Swinton (We Need to Talk About Kevin)

    Viola Davis (La Couleur des sentiments)

    Rooney Mara (Millenium : Les hommes qui n'aimaient pas les femmes)

    Meilleur acteur dans une comédie ou une comédie musicale

     Brendan Gleeson (L'Irlandais)

    Joseph Gordon-Levitt (50/50)

    Owen Wilson (Minuit à Paris)

    Ryan Gosling (Crazy, Stupid, Love)

    Jean Dujardin (The Artist) - LAUREAT

    Meilleure actrice dans une comédie ou une comédie musicale

    Jodie Foster (Carnage)

    Charlize Theron (Young Adult)

    Kate Winslet (Carnage)

    Michelle Williams (My Week with Marilyn) - LAUREATE

    Kristen Wiig (Mes meilleures amies)

    Meilleur acteur dans un second rôle


    Kenneth Branagh (My Week with Marilyn)

    Viggo Mortensen (A Dangerous Method)

    Albert Brooks (Drive)

    Jonah Hill (Le Stratège)

     Meilleure actrice dans un second rôle

    Bérénice Bejo (The Artist)

    Janet McTeer (Albert Nobbs)

    Shailene Woodley (The Descendants)

    Jessica Chastain (La Couleur des sentiments)

    Octavia Spencer (La Couleur des sentiments) - LAUREATE

    Meilleur réalisateur

    Woody Allen (Minuit à Paris)

    Martin Scorsese (Hugo Cabret) - LAUREAT

    Michel Hazanavicius (The Artist)

    George Clooney (Les Marches du Pouvoir)

    Alexander Payne (The Descendants)

     Meilleur scénario

    Les Marches du Pouvoir (Beau Willimon, George Clooney, Grant Heslov)

     Le Stratège (Aaron Sorkin, Steven Zaillian)

     The Descendants (Alexander Payne, Jim Rash, Nat Faxon)

    Minuit à Paris (Woody Allen) - LAUREAT

     The Artist (Michel Hazanavicius)

    Meilleure chanson

    Gnomeo et Juliette (Elton John, Bernie Taupin)

    La Couleur des sentiments (Mary J. Blige, Thomas Newman, Harvey Mason Jr., Damon Thomas)

    Machine Gun Preacher (Chris Cornell)

     W.E. - Masterpiece (Madonna) LAUREATE

     Albert Nobbs (Sinead O'Connor)

     Meilleure musique

    Hugo Cabret (Howard Shore)

     Cheval de guerre (John Williams)

     W.E. (Abel Korzeniowski)

     Millénium : Les hommes qui n'aimaient pas les femmes (Atticus Ross, Trent Reznor)

     The Artist (Ludovic Bource) - LAUREAT

     Meilleur film d'animation

     Les Aventures de Tintin : Le Secret de la Licorne -LAUREAT

    Le Chat Potté

    Cars 2

     Rango 

    Mission : Noël Les aventures de la famille Noël

     Meilleur film en langue étrangère

     La Piel que Habito (Pedro Almodóvar)

     Le Gamin au vélo (Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne)

     Au Pays du Sang et du Miel (Angelina Jolie)

     The Flowers of War (Zhang Yimou)

     Une Séparation (Asghar Farhadi) - LAUREAT

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    Palmarès télévision

    Meilleure série dramatique

    Boardwalk Empire

    Le Trône de fer : Game of Thrones

    Homeland - LAUREAT

    Boss

    American Horror Story


    Meilleure série comique ou musicale

    Glee

    Modern Family - LAUREAT

    Episodes

    Enlightened

    New Girl

     Meilleure mini-série ou téléfilm

    Too Big to Fail (TV)

    Mildred Pierce

    Cinema Verite

    Downton Abbey - LAUREAT

    The Hour (2011)

     Meilleur acteur dans une série dramatique

    Jeremy Irons (The Borgias)

    Steve Buscemi (Boardwalk Empire)

    Kelsey Grammer (Boss) - LAUREAT

    Bryan Cranston (Breaking Bad)

    Damian Lewis (Homeland)

     Meilleure actrice dans une série dramatique

    Claire Danes (Homeland) - LAUREATE

    Madeleine Stowe (Revenge)

    Julianna Margulies (The Good Wife)

    Callie Thorne (Necessary Roughness)

    Mireille Enos (The Killing (US))

     Meilleur acteur dans une série comique ou musicale

    Johnny Galecki (The Big Bang Theory)

    Alec Baldwin (30 Rock)

    David Duchovny (Californication)

    Thomas Jane (Hung)

    Matt LeBlanc (Episodes) - LAUREAT

     Meilleure actrice dans une série comique ou musicale

    Laura Dern (Enlightened) - LAUREATE

    Laura Linney (The Big C)

    Zooey Deschanel (New Girl)

    Tina Fey (30 Rock)

    Amy Poehler (Parks And Recreation)

     Meilleur acteur dans une mini-série ou un téléfilm

    William Hurt (Too Big to Fail (TV))

    Bill Nighy (Page Eight)

    Hugh Bonneville (Downton Abbey)

    Dominic West (Appropriate Adult)

    Idris Elba (Luther) - LAUREAT

     Meilleur actrice dans une mini-série ou un téléfilm

    Diane Lane (Cinema Verite)

    Elizabeth McGovern (Downton Abbey)

    Kate Winslet (Mildred Pierce) - LAUREATE

    Emily Watson (Appropriate Adult)

    Romola Garai (The Hour (2011))

     Meilleur acteur dans un second rôle pour une Série, une Mini-Série ou un Téléfilm

    Tim Robbins (Cinema Verite)

    Guy Pearce (Mildred Pierce)

    Paul Giamatti (Too Big to Fail (TV))

    Eric Stonestreet (Modern Family)

    Peter Dinklage (Le Trône de fer : Game of Thrones) - LAUREAT

     Meilleure actrice dans un second rôle pour une Série, une Mini-Série ou un Téléfilm

    Maggie Smith (Downton Abbey)

    Kelly MacDonald (Boardwalk Empire)

    Jessica Lange (American Horror Story) - LAUREATE

    Evan Rachel Wood (Mildred Pierce)

    Sofia Vergara (Modern Family)

     CRITIQUE DE "THE ARTIST" DE MICHEL HAZANAVICIUS

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    Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse des lauréats du Festival de Cannes 2011.

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    Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse des lauréats du Festival de Cannes 2011.

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    Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse du Festival de Cannes 2011 du film "The Artist".

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    Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse du Festival de Cannes 2011 du film "The Artist".

    C’était un dimanche matin de mai 2011, le début du Festival de Cannes encore, en projection presse. Pas encore vraiment l’effervescence pour le film qui obtint la palme d’or mais un joli bruissement d’impatience parmi les regards déjà las, ou obstinément sceptiques. 1H40 plus tard, la salle résonnait d’applaudissements, pendant dix minutes, fait rare en projection presse. Le soir même, je suis retournée le voir en projection officielle. L’émotion fut la même, redoublée par la présence de l’équipe du film, terriblement émue elle aussi par les réactions enthousiastes du public, par les rires tendres, par cette cavalcade d’applaudissements qui a commencé lors de la dernière scène et ne s’est plus arrêtée pour continuer pendant un temps qui m’a paru délicieusement long. Un beau, rare et grand moment du Festival de Cannes.

    Le pari était pourtant loin d’être gagné d’avance. Un film muet (ou quasiment puisqu’il y a quelques bruitages). En noir et blanc. Tourné à Hollywood. En 35 jours. Par un réalisateur qui jusque là avait excellé dans son genre, celui de la brillante reconstitution parodique, mais très éloigné de l’univers dans lequel ce film nous plonge. Il fallait beaucoup d’audace, de détermination, de patience, de passion, de confiance, et un peu de chance sans doute aussi, sans oublier le courage -et l’intuition- d’un producteur (Thomas Langmann) pour arriver à bout d’un tel projet. Le pari était déjà gagné quand le Festival de Cannes l’a sélectionné d’abord hors compétition pour le faire passer ensuite en compétition, là encore fait exceptionnel.

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    Le film débute à Hollywood, en 1927, date fatidique pour le cinéma puisque c’est celle de l’arrivée du parlant. George Valentin (Jean Dujardin) est une vedette du cinéma muet qui connait un succès retentissant…mais l’arrivée des films parlants va le faire passer de la lumière à l’ombre et le plonger dans l’oubli. Pendant ce temps, une jeune figurante, Peppy Miller (Bérénice Béjo) qu’il aura au départ involontairement  placée dans la lumière, va voir sa carrière débuter de manière éblouissante. Le film raconte l’histoire de leurs destins croisés.

    Qui aime sincèrement le cinéma ne peut pas ne pas aimer ce film qui y est un hommage permanent et éclatant. Hommage à ceux qui ont jalonné et construit son histoire, d’abord, évidemment. De Murnau à Welles, en passant par Borzage, Hazanavicius cite brillamment ceux qui l’ont ostensiblement inspiré. Hommage au burlesque aussi, avec son mélange de tendresse et de gravité, et évidemment, même s’il s’en défend, à Chaplin qui, lui aussi,  lui surtout, dans « Les feux de la rampe », avait réalisé un hymne à l'art qui porte ou détruit, élève ou ravage, lorsque le public, si versatile, devient amnésique, lorsque le talent se tarit, lorsqu’il faut passer de la lumière éblouissante à l’ombre dévastatrice. Le personnage de Jean Dujardin est aussi un hommage au cinéma d’hier : un mélange de Douglas Fairbanks, Clark Gable, Rudolph Valentino, et du personnage de Charles Foster Kane (magnifiques citations de « Citizen Kane ») et Bérénice Béjo, avec le personnage de Peppy Miller est, quant à elle, un mélange de Louise Brooks, Marlène Dietrich, Joan Crawford…et nombreuses autres inoubliables stars du muet.

    Le cinéma a souvent parlé de lui-même… ce qui a d’ailleurs souvent produit des chefs d’œuvre. Il y a évidemment « La comtesse aux pieds nus » de Mankiewicz, « La Nuit américaine de Truffaut », « Sunset Boulevard » de Billy Wilder, enfin « Une étoile est née » de George Cukor et encore « Chantons sous la pluie » de Stanley Donen et Gene Kelly auxquels « The Artist », de par son sujet, fait évidemment penser. Désormais, parmi ces classiques, il faudra citer « The Artist » de Michel Hazanavicius. Ses précèdents films étaient d'ailleurs déjà des hommages au cinéma. On se souvient ainsi des références à "Sueurs froides" ou "La Mort aux trousses" d'Hitchcock dans "OSS 117 : Rio ne répond plus".

    Hazanavicius joue ainsi constamment et doublement la mise en abyme : un film muet en noir et blanc qui nous parle du cinéma muet en noir et blanc mais aussi qui est un écho à une autre révolution que connaît actuellement le cinéma, celle du Numérique.

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    Le mot jubilatoire semble avoir été inventé pour ce film, constamment réjouissant, vous faisant passer du rire aux larmes, ou parfois vous faisant rire et pleurer en même temps. Le scénario et la réalisation y sont pour beaucoup mais aussi la photographie (formidable travail du chef opérateur Guillaume Schiffman qui, par des nuances de gris, traduit les états d’âme de Georges Valentin), la musique envoûtante (signée Ludovic Bource, qui porte l’émotion à son paroxysme, avec quelques emprunts assumés là aussi, notamment à Bernard Herrmann) et évidemment les acteurs au premier rang desquels Jean Dujardin qui méritait amplement son prix d’interprétation (même si Sean Penn l’aurait également mérité pour « This must be the place »).

    Flamboyant puis sombre et poignant, parfois les trois en même temps, il fait passer dans son regard (et par conséquent dans celui du spectateur), une foule d’émotions, de la fierté aux regrets,  de l’orgueil à la tendresse, de la gaieté à la cruelle amertume de la déchéance.  Il faut sans doute beaucoup de sensibilité, de recul, de lucidité et évidemment de travail et de talent pour parvenir à autant de nuances dans un même personnage (sans compter qu’il incarne aussi George Valentin à l’écran, un George Valentin volubile, excessif, démontrant le pathétique et non moins émouvant enthousiasme d’un monde qui se meurt). Il avait déjà prouvé dans « Un balcon sur la mer » de Nicole Garcia qu’il pouvait nous faire pleurer.  Il confirme ici l’impressionnant éclectisme de sa palette de jeu et d'expressions de son visage.

     Une des plus belles et significatives scènes est sans doute celle où il croise Peppy Miller dans un escalier, le jour  du Krach de 1929. Elle monte, lui descend. A l’image de leurs carrières. Lui masque son désarroi. Elle, sa conscience de celui-ci, sans pour autant dissimuler son enthousiasme lié à sa propre réussite. Dujardin y est d’une fierté, d’une mélancolie, et d’une gaieté feinte bouleversantes, comme à bien d’autres moments du film. Et je ne prends guère de risques en lui prédisant un Oscar pour son interprétation, ou en tout cas un Oscar du meilleur film étranger pour Hazanavicius.  Bérénice Béjo ne démérite pas non plus dans ce nouveau rôle de « meilleur espoir féminin » à la personnalité étincelante et généreuse, malgré un bref sursaut de vanité de son personnage. Il ne faudrait pas non plus oublier les comédiens anglo-saxons : John Goodman, Malcolm McDowell et John Cromwell (formidablement touchant dans le rôle du fidèle Clifton).

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    Il y aura bien quelques cyniques pour dire que ce mélodrame  est plein de bons sentiments, mais Hazanicius assume justement ce mélodrame. « The Artist » est en effet aussi une très belle histoire d’amour simple et émouvante, entre Peppy et Georges mais aussi entre Georges et son cabot-in Uggy : leur duo donne lieu à des scènes tantôt drôles, tantôt poétiques, tantôt touchantes, et là encore parfois au trois en même temps. Hommage aussi à ce pouvoir magique du cinéma que de susciter des émotions si diverses et parfois contradictoires.

    Michel Hazanavicius  évite tous les écueils et signe là un hommage au cinéma, à sa magie étincelante, à son histoire, mais aussi et avant tout aux artistes, à leur orgueil doublé de solitude, parfois destructrice. Des artistes qu’il sublime, mais dont il montre aussi les troublantes fêlures et la noble fragilité.

    Ce film m’a éblouie, amusée, émue. Parce qu’il convoque de nombreux souvenirs de cinéma. Parce qu’il est une déclaration d’amour follement belle au cinéma. Parce qu’il ressemble à tant de films du passé et à aucun autre film contemporain. Parce qu’il m’a fait ressentir cette même émotion que ces films des années 20 et 30 auxquels il rend un vibrant hommage. Parce que la réalisation est étonnamment inspirée (dans les deux sens du terme d’ailleurs puisque, en conférence de presse, Michel Hazanavicius a revendiqué son inspiration et même avoir « volé » certains cinéastes). Parce qu’il est burlesque, inventif, malin, poétique, et touchant.  Parce qu’il montre les artistes dans leurs belles et poignantes contradictions et fêlures.

    Il ne se rapproche d’aucun autre film primé jusqu’à présent à Cannes…et en sélectionnant cet hymne au cinéma en compétition puis en le  primant,  le Festival de  Cannes a prouvé qu’il était avant tout le festival qui aime le cinéma, tous les cinémas, loin de la caricature d’une compétition de films d’auteurs représentant toujours le même petit cercle d’habitués dans laquelle on tend parfois à l’enfermer.

     « The Artist » fait partie de ces films qui ont fait de cette édition cannoise 2011 une des meilleures de celles auxquelles j’ai assisté, pour ne pas dire la meilleure…avec des films  aussi différents et marquants que  « This must be the place » de Paolo Sorrentino, « Melancholia » de Lars von Trier, « La piel que habito » de Pedro Almodovar.

     Un film à ne manquer sous aucun prétexte si, comme moi, vous aimez passionnément et même à la folie, le cinéma. Rarement un film aura aussi bien su en concentrer la beauté simple et magique, poignante et foudroyante. Oui, foudroyante comme la découverte  de ce plaisir immense et intense que connaissent les amoureux du cinéma lorsqu’ils voient un film pour la première fois, et découvrent son pouvoir d’une magie ineffable, omniprésente ici.

    Un dernier petit conseil : ne regardez pas la bande-annonce (dont je n’ai pas peur de dire qu’elle m’a émue, comme le film), pour conserver le plaisir de la découverte.

    En bonus :

    - Ma critique de « La Comtesse aux pieds nus » de Mankiewicz

    -Ma critique de « OSS 117 : Rio ne répond plus » de Michel Hazanavicius

    -Ma critique d’ « Un balcon sur la mer » de Nicole Garcia

    -Ma critique des « Feux de la rampe » de Charlie Chaplin

     
  • Palmarès des Prix Lumières 2012 et vidéos de la soirée

     

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    Ce vendredi 13 novembre avait lieu la cérémonie de remise des Prix Lumières 2012, équivalent français des Golden Globes. Les récompenses 2012 reflètent la diversité et la richesse de cette année 2011 dans le cinéma français avec au palmarès un premier film, des films de pur divertissement et des films plus exigeants. Les  votes sont ceux des correspondants étrangers en poste à Paris, regroupés au sein de l’Académie des Lumières. 

     L'an passé, le soir de cette cérémonie, nous suivions discrètement en parallèle la révolution tunisienne et la chute de Ben Ali annoncée ce même soir, l'espoir était à l'honneur. Cette année, c'était la chute d'un A qui était à "l'honneur". J'espère qu'il ne faut pas y voir, davantage qu'une dégradation économique, une dégradation des valeurs et des priorités... Mais retour au cinéma...

    La cérémonie était présidée par Catherine Jacob (et non Irène comme l'a malencontreusement nommée Christophe Girard, l'adjoint à la culture à la Mairie de Paris) et était animée par la pétillante journaliste Estelle Martin de TV5 Monde.

    Un hommage a également été rendu à  Francis Veber, l'occasion de revoir quelques scènes de ses succès, une interview de ce dernier par le critique Jean-Jacques Bernard, et des extraits du "Dîner de cons".

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    Omar Sy a ravi le prix du meilleur acteur à Jean Dujardin, et si le premier est très convaincant dans "Intouchables", Jean Dujardin réalise quand même une performance (beaucoup plus) exceptionnelle et époustouflante qui devrait néanmoins lui valoir un Golden Globe (c'est d'ailleurs la raison pour laquelle l'équipe de "The Artist", alors à Los Angeles, n'était pas présente à la remise des Lumières) et un Oscar (je prends le pari, sans trop de risques). "The Artist" a cependant été récompensé du prix du meilleur film et de la meilleure actrice pour Bérénice Béjo. Je vous laisse découvrir ci-dessous le palmarès, très juste et bien réparti entre les (très) différents meilleurs films français de cette année 2011. Vous pourrez aussi voir mes vidéos de la cérémonie ci-dessus.

    Retrouvez ma critique de "The Artist" en cliquant ici et ma critique de "Polisse" en cliquant là.

     
    PALMARES « LES LUMIERES 2012 »

     

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    MEILLEUR FILM
    The Artist de Michel HAZANAVICIUS

    MEILLEUR REALISATEUR
    MAIWENN pour Polisse

    MEILLEUR SCENARIO
    Jean-Louis MILESI, Robert GUEDIGUIAN, pour Les Neiges de Kilimandjaro

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    MEILLEURE ACTRICE
    Bérénice BEJO dans The Artist de Michel Hazanavicius

    MEILLEUR ACTEUR
    Omar SY dans Intouchables d’Eric Toledano, Olivier Nakache

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    MEILLEUR ESPOIR FEMININ
    Alice BARNOLE dans L’Apollonide de Bertrand Bonello
    Adèle HAENEL dans L’Apollonide de Bertrand Bonello
    Céline SALLETTE dans L’Apollonide de Bertrand Bonello

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    MEILLEUR ESPOIR MASCULIN
    Denis MENOCHET dans Les Adoptés de Mélanie Laurent

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    MEILLEUR FILM FRANCOPHONE TV5MONDE (hors de France)
    Incendies de Denis ViLLENEUVE (Canada, France)

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    PRIX SPECIAL DE LA CST (Commission supérieure technique de l’image et du son) qui récompense le meilleur directeur photo,
    Pierre Aim pour Polisse

  • Palmarès des Golden Globes 2012, demain soir: quelles récompenses pour "The Artist"?

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    C'est ce 15 janvier , à Los Angeles, qu'aura lieu la cérémonie des Golden Globes, à deux heures du matin (heure française). Préfigurant les Oscars, les Golden Globes sont donc chaque année particulièrement attendus, et d'autant plus cette année que "The Artist" fait partie des favoris avec "The Descendants" et "La Couleur des sentiments" et alors que le film vient d'obtenir le prix Lumières 2012 (équivalent français des Golden Globes) ce dont je me réjouis puisque je vous avais dit ici tout le bien que je pense de ce film. Je prends le pari que Jean Dujardin obtiendra le Golden Globe et l'Oscar du meilleur acteur (alors qu'il est passé à côté du prix Lumières), tant son rôle est une de ces performances qu'affectionnent les Américains.

    Flamboyant puis sombre et poignant, parfois les trois en même temps, il fait passer dans son regard (et par conséquent dans celui du spectateur), une foule d’émotions, de la fierté aux regrets,  de l’orgueil à la tendresse, de la gaieté à la cruelle amertume de la déchéance.  Il faut sans doute beaucoup de sensibilité, de recul, de lucidité et évidemment de travail et de talent pour parvenir à autant de nuances dans un même personnage (sans compter qu’il incarne aussi George Valentin à l’écran, un George Valentin volubile, excessif, démontrant le pathétique et non moins émouvant enthousiasme d’un monde qui se meurt). Il avait déjà prouvé dans « Un balcon sur la mer » de Nicole Garcia qu’il pouvait nous faire pleurer.  Il confirme ici l’impressionnant éclectisme de sa palette de jeu et d'expressions de son visage.

     Une des plus belles et significatives scènes est sans doute celle où il croise Peppy Miller dans un escalier, le jour  du Krach de 1929. Elle monte, lui descend. A l’image de leurs carrières. Lui masque son désarroi. Elle, sa conscience de celui-ci, sans pour autant dissimuler son enthousiasme lié à sa propre réussite. Dujardin y est d’une fierté, d’une mélancolie, et d’une gaieté feinte bouleversantes, comme à bien d’autres moments du film.

    "The Artist" est nommé dans les catégories suivantes: meilleur acteur dans une comédie ou comédie musicale, meilleure comédie ou comédie musicale, meilleure actrice dans un second rôle, meilleur réalisateur (mon coeur balance avec Woody Allen et George Clooney, nommés respectivement pour "Minuit à Paris" et "Les Marches du pouvoir"), meilleur scénario (même remarque que pour le réalisateur), meilleure musique

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     Retrouvez mon dossier spécial sur "The Artist" en cliquant ici.

    Nominations

    Meilleur film dramatique

    Les Marches du Pouvoir

    Hugo Cabret

    Le Stratège

    The Descendants

    La Couleur des sentiments

    Cheval de guerre

    Meilleure comédie ou comédie musicale

    50/50

    My Week with Marilyn

    Minuit à Paris

    Mes meilleures amies

    The Artist

    Meilleur acteur dans un drame

    Brad Pitt( Le Stratège )

    Leonardo DiCaprio( J. Edgar )

    George Clooney( The Descendants )

    Ryan Gosling( Les Marches du Pouvoir )

    Michael Fassbender( Shame )

    Meilleure actrice dans un drame

    Meryl Streep( La Dame de fer )

    Glenn Close( Albert Nobbs )

    Tilda Swinton( We Need to Talk About Kevin )

    Viola Davis( La Couleur des sentiments )

    Rooney Mara( Millenium : Les hommes qui n’aimaient pas les femmes )

    Meilleur acteur dans une comédie ou une comédie musicale

    Brendan Gleeson( L'Irlandais )

    Joseph Gordon-Levitt( 50/50 )

    Owen Wilson( Minuit à Paris )

    Ryan Gosling( Crazy, Stupid, Love )

    Jean Dujardin( The Artist )

    Meilleure actrice dans une comédie ou une comédie musicale

    Jodie Foster( Carnage )

    Charlize Theron( Young Adult )

    Kate Winslet( Carnage )

    Michelle Williams( My Week with Marilyn )

    Kristen Wiig( Mes meilleures amies )

    Meilleur acteur dans un second rôle

    Christopher Plummer( Beginners )

    Kenneth Branagh( My Week with Marilyn )

    Viggo Mortensen( A Dangerous Method )

    Albert Brooks( Drive )

    Jonah Hill( Le Stratège )

    Meilleure actrice dans un second rôle

    Bérénice Bejo( The Artist )

    Janet McTeer( Albert Nobbs )

    Shailene Woodley( The Descendants )

    Jessica Chastain( La Couleur des sentiments )

    Octavia Spencer( La Couleur des sentiments )

    Meilleur réalisateur

    Woody Allen( Minuit à Paris )

    Martin Scorsese( Hugo Cabret )

    Michel Hazanavicius( The Artist )

    George Clooney( Les Marches du Pouvoir )

    Alexander Payne( The Descendants )

    Meilleur scénario

    Les Marches du Pouvoir(Beau Willimon , George Clooney , Grant Heslov)

    Le Stratège(Aaron Sorkin , Steven Zaillian)

    The Descendants(Alexander Payne , Jim Rash , Nat Faxon)

    Minuit à Paris(Woody Allen)

    The Artist(Michel Hazanavicius)

    Meilleure chanson

    Gnomeo et Juliette(Elton John , Bernie Taupin)

    La Couleur des sentiments(Mary J. Blige , Thomas Newman , Harvey Mason Jr. , Damon Thomas)

    Machine Gun Preacher(Chris Cornell)

    W.E.(Madonna)

    Albert Nobbs(Sinead O'Connor)

    Meilleure musique

    Hugo Cabret(Howard Shore)

    Cheval de guerre(John Williams)

    W.E.(Abel Korzeniowski)

    Millenium : Les hommes qui n’aimaient pas les femmes(Atticus Ross , Trent Reznor)

    The Artist(Ludovic Bource)

    Meilleur film d'animation

    Les Aventures de Tintin : Le Secret de la Licorne

    Le Chat Potté

    Cars 2

    Rango

    Mission : Noël Les aventures de la famille Noël

    Meilleur film en langue étrangère

    La Piel que Habito(Pedro Almodóvar)

    Le Gamin au vélo(Jean-Pierre Dardenne , Luc Dardenne)

    Au Pays du Sang et du Miel(Angelina Jolie)

    The Flowers of War(Zhang Yimou)

    Une Séparation(Asghar Farhadi)

    Meilleure série dramatique

    Boardwalk Empire

    Le Trône de fer : Game of Thrones

    Homeland

    Boss

    American Horror Story

    Meilleure série comique ou musicale

    Glee

    Modern Family

    Episodes

    Enlightened

    New Girl

    Meilleure mini-série ou téléfilm

    Too Big to Fail (TV)

    Mildred Pierce

    Cinema Verite

    Downton Abbey

    The Hour (2011)

    Meilleur acteur dans une série dramatique

    Jeremy Irons( The Borgias )

    Steve Buscemi( Boardwalk Empire )

    Kelsey Grammer( Boss )

    Bryan Cranston( Breaking Bad )

    Damian Lewis( Homeland )

    Meilleure actrice dans une série dramatique

    Claire Danes( Homeland )

    Madeleine Stowe( Revenge )

    Julianna Margulies( The Good Wife )

    Callie Thorne( Necessary Roughness )

    Mireille Enos( The Killing (US) )

    Meilleur acteur dans une série comique ou musicale

    Laura Dern( Enlightened )

    Johnny Galecki( The Big Bang Theory )

    Alec Baldwin( 30 Rock )

    David Duchovny( Californication )

    Thomas Jane( Hung )

    Matt LeBlanc( Episodes )

    Meilleure actrice dans une série comique ou musicale

    Laura Linney( The Big C )

    Zooey Deschanel( New Girl )

    Tina Fey( 30 Rock )

    Amy Poehler( Parks And Recreation )

    Meilleur acteur dans une mini-série ou un téléfilm

    William Hurt( Too Big to Fail (TV) )

    Bill Nighy( Page Eight )

    Hugh Bonneville( Downton Abbey )

    Dominic West( Appropriate Adult )

    Idris Elba( Luther )

    Meilleur actrice dans une mini-série ou un téléfilm

    Diane Lane( Cinema Verite )

    Elizabeth McGovern( Downton Abbey )

    Kate Winslet( Mildred Pierce )

    Emily Watson( Appropriate Adult )

    Romola Garai( The Hour (2011) )

    Meilleur acteur dans un second rôle pour une Série, une Mini-Série ou un Téléfilm

    Tim Robbins( Cinema Verite )

    Guy Pearce( Mildred Pierce )

    Paul Giamatti( Too Big to Fail (TV) )

    Eric Stonestreet( Modern Family )

    Peter Dinklage( Le Trône de fer : Game of Thrones )

    Meilleure actrice dans un second rôle pour une Série, une Mini-Série ou un Téléfilm

    Maggie Smith( Downton Abbey )

    Kelly MacDonald( Boardwalk Empire )

    Jessica Lange( American Horror Story )

    Evan Rachel Wood( Mildred Pierce )

    Sofia Vergara( Modern Family )

    Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site officiel des Golden Globes.

  • Présentation des premiers extraits de "Titanic" en 3D par Jon Landau (producteur): vidéo et avis

     

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    Ce matin, j'ai eu le plaisir de découvrir en avant-première quelques extraits de "Titanic" en 3D (le film sera en salles seulement le 4 avril 2012) suivis d'une séance de questions réponses avec le producteur Jon Landau. Ce dernier a notamment produit "Avatar" et "Titanic". Il a également notamment été  vice-président éxécutif de la production longs métrages chez Twentieth Century Fox mais surtout son travail avec les meilleurs talents créatifs fait qu'il maîtrise parfaitement le processus de création qui a conduit à cette nouvelle "version"  d'un des plus grands succès cinématographiques de tous les temps (amplement mérité, je vous en reparlerai plus longuement bientôt avec une critique du film).

    Le 4 Avril 2012, vous pourrez ainsi redécouvrir Titanic. Et je dis bien "redécouvrir" et non "revoir". J'étais au préalable sceptique... et il faut le dire d'emblée  : le résultat est saisissant. Jamais encore la 3D ne m'avait semblée avoir cet impact (d'ailleurs, jamais encore la 3D ne m'avait semblée avoir d'impact tout court)...et c'est d'autant plus fascinant que ce matin ne nous ont été montrés que des extraits. L'immersion a pourtant été immédiate. L'émotion au rendez-vous. La 3D n'est pas ici un gadget mais un véritable atout qui donne au spectateur de vraies sensations et émotions, d'ailleurs les scènes intimistes sont presque plus impressionnantes que les scènes à grand spectacle tant le spectateur a l'impression d'être un intrus, de s'immiscer dans l'action, et pas seulement d'en être spectateur.

    La scène où Rose déambule dans les couloirs en cherchant de l'aide nous donne la sensation magique et inquiétante d'être à ses côtés, et celle où Jack et Rose s'enlacent et "volent", la sensation est étourdissante comme si nous virevoltions aussi. La lâcheté, le courage, la beauté vous happent et heurtent plus que jamais, et c'est particulièrement troublant.

     Alors, bien sûr, l'art c'est aussi de laisser place à l'imaginaire du spectateur et sans doute ce nouveau procédé est-il une manière de prendre le spectateur par la main, de lui dicter ce qu'il doit regarder et même éprouver, ce qui pourrait faire s'apparenter le cinéma à une sorte de parc d'attraction. Mais dire cela après ce que j'ai vu ce matin serait réducteur. Au contraire, tous les éléments artistiques sont justement ainsi mis en valeur: jeu des acteurs, décors ...

    Je vous le garantis, ce Titanic-là permet de revisiter le film de James Cameron. Ou quand le cinéma devient une expérience au service de l'émotion, des sensations mais surtout du film et du spectateur ( et de l'industrie, sans doute: ce film a coûté 60 semaines et 18 millions de dollars...).

     En tout cas, vous aurez la sensation étrange, vertigineuse d'être réellement impliqué dans  une des plus belles histoires d'amour de l'histoire du cinéma. Histoire d'amour mais aussi d'orgueil, d'arrogance , une tragédie métaphorique des maux de l'humanité qui fait s'entrelacer mort et amour et qui reste aussi actuelle15 ans après. Un film avec de la profondeur (dans les deux sens du terme désormais), et pas un simple divertissement. Un moment de nostalgie aussi pour ceux qui, comme moi, l'ont vu en salles il y a 15 ans et pour qui ce sera aussi une romantique réminiscence.

    Le 12 Avril, plongez au "coeur de l'océan" et au coeur du cinéma... Je vous promets que vous ne regretterez pas le voyage, cette expérience unique, magique, étourdissante, réjouissante : définition du cinéma (du moins, de divertissement) finalement porté ici à son paroxysme! A voir et vivre absolument.

    "Il y a toute une nouvelle génération qui n'a jamais vu Titanic tel que nous l'avons conçu pour être présent" sur grand écran. Et cette fois, ce sera Titanic comme personne ne l'a encore jamais vu, remastérisé numériquement en 4K et minutieusement converti en 3D. Avec sa puissance émotionnelle intacte et des images plus fortes que jamais, ce sera  une expérience fabuleuse pour les fans comme pour ceux qui vont le découvrir". James Cameron

  • Cérémonie et palmarès des Prix Lumières 2012 en direct ici

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    Comme chaque année, les remises de prix cinématographiques débutent avec les Prix Lumières. La cérémonie 2012 aura lieu demain, à la Mairie de Paris et j'y serai comme chaque année. Vous pourrez retrouver ici mes vidéos ainsi que le palmarès (également sur mon nouveau blog http://inthemoodlemag.com ) que j'essaierai également de vous faire suivre en direct sur twitter: http://twitter.com/moodforcinema

    Organisés par l’Académie des Lumières qui a vu le jour en 1995 à l'initiative de Daniel Toscan du Plantier et du journaliste américain Edward Behr, les Prix Lumières récompensent le cinéma français et francophone.  À l'image des Golden Globe Awards (auxquels un film français,  « The Artist », vient d’ailleurs de récolter 6 nominations ) décernés chaque année par l'Association de la presse étrangère de Hollywood, l'Académie des Lumières veut souligner le grand intérêt que porte au cinéma français la presse internationale.  Les Prix Lumières de la critique internationale sont attribués aux meilleurs films du cinéma français (ou francophone) de l’année précédente  par plus de 200 représentants de la presse internationale en poste à Paris.

    Catherine Jacob sera la présidente de cette cérémonie 2012 qui rendra hommage aux comédies avec, également, dans ce cadre, un hommage à Francis Veber.

    L'an passé "The Ghost Writer" de Roman Polanski et "Des Hommes et des dieux" de Xavier Beauvois avaient eu les honneurs de la cérémonie.

    Je me réjouis des 5 nominations (enfin 6..., cf la dernière nomination) pour "The Artist", après ses 6 nominations aux Golden Globes, pour moi incontestablement le film français de cette année...(retrouvez mon dossier spécial et ma critique, ici: http://www.inthemoodforcinema.com/archive/2011/08/28/avan...   ) . Je vous laisse découvrir les autres nominations qui me semblent reflèter la diversité du cinéma français et cette année riche de succès et découvertes. Y figurent également en bonne place "Le Havre", "Polisse", "L'Exercice de l'Etat", "L'Apollonide" (6 nominations!) et un peu moins "Intouchables" (ce qui n'est pas pour me déplaire...). Souligné en rouge, mon propre vote.

     Vous pourrez retrouver le compte-rendu de cette cérémonie sur inthemoodforcinema.com mais également sur mon nouveau blog http://inthemoodlemag.com .

    Mon compte-rendu et mes photos  de la cérémonie des Lumières 2011: http://www.inthemoodforcinema.com/archive/2011/01/15/palm..., Mon compte-rendu et mes photos de la cérémonie des Lumières 2010: http://www.inthemoodforcinema.com/archive/2010/01/16/cere... ),

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    MEILLEUR FILM
    L’Apollonide - Souvenirs de la maison close de Bertrand BONELLO
    The Artist de Michel HAZANAVICIUS
    L’Exercice de l’Etat de Pierre SCHOELLER
    Le Havre de Aki KAURISMAKI
    ... Intouchables de Eric TOLEDANO, Olivier NAKACHE

    MEILLEUR REALISATEUR
    Bertrand BONELLO pour L’Apollonide
    Michel HAZANAVICIUS pour The Artist
    Aki KAURISMAKI pour Le Havre
    MAIWENN pour Polisse
    Pierre SCHOELLER pour L’Exercice de l’Etat

    MEILLEUR SCENARIO
    Bertrand BONELLO pour L’Apollonide
    Robert GUEDIGUIAN, Jean-Louis MILESI pour Les Neiges de Kilimandjaro
    Michel HAZANAVICIUS pour The Artist
    MAIWENN, Emmanuelle BERCOT pour Polisse
    Pierre SCHOELLER pour L’Exercice de l’Etat

    MEILLEURE ACTRICE
    Bérénice BEJO dans The Artist de Michel Hazanavicius
    Catherine DENEUVE, Chiara MASTROIANNI dans Les Bien-Aimés de Christophe Honoré
    Valérie DONZELLI dans La Guerre est déclarée de Valérie Donzelli
    Marina FOIS, Karin VIARD dans Polisse de Maïwenn
    Clotilde HESME dans Angèle et Tony d’Alix Delaporte


    MEILLEUR ACTEUR
    Jean DUJARDIN dans The Artist de Michel Hazanavicius
    Olivier GOURMET dans L’Exercice de l’Etat de Pierre Schoeller
    Joey STARR dans Polisse de Maïwenn
    Omar SY dans Intouchables d’Eric Toledano, Olivier Nakache
    André WILMS dans Le Havre d’Aki Kaurismäki

    MEILLEUR ESPOIR FEMININ
    Alice BARNOLE dans L’Apollonide de Bertrand Bonello
    Adèle HAENEL dans L’Apollonide de Bertrand Bonello
    Zoé HERAN dans Tomboy de Céline Sciamma
    Céline SALLETTE dans L’Apollonide de Bertrand Bonello
    Anamaria VALTOROMEI dans My Little Princess d’Eva Ionesco

    MEILLEUR ESPOIR MASCULIN
    Grégory GADEBOIS dans Angèle et Tony d’Alix Delaporte
    Guillaume GOUIX dans Jimmy Rivière de Teddy Lussi-Modeste
    Raphaël FERRET dans Présumé coupable de Vincent Garinq
    Denis MENOCHET dans Les Adoptés de Mélanie Laurent
    Mahmoud SHALABY dans Les Hommes libres d’Ismaël Ferroukhi

    MEILLEUR FILM FRANCOPHONE (hors de France)
    Curling de Denis COTE (Canada)
    Et maintenant, on va où de Nadine LABAKI (France, Liban, Italie)
    Incendies de Denis ViLLENEUVE (Canada)
    Le gamin à vélo de Jean-Pierre DARDENNE, Luc DARDENNE (Belgique, France, Italie)
    Les géants de Bouli LANNERS (Belgique, Luxembourg, France)

    Une mention TRES SPECIALE pour l’acteur-chien dans The Artist
  • Critique - "Sur la route de Madison" de Clint Eastwood (ce soir, sur France 3, à 20H35)

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    (Ne lire cette critique qu'après avoir vu le film si vous ne l'avez pas vu...).

    L’éphémère peut avoir des accents d’éternité. Qyatre jours, quelques heures peuvent changer, illuminer et sublimer une vie. Du moins, Francesca Johnson (Meryl Streep)  et Robert Kincaid (Clint Eastwood) le croient-il et le spectateur aussi, forcément, inévitablement, après ce voyage bouleversant sur cette route de Madison qui nous emmène bien plus loin que sur ce chemin poussiéreux de l’Iowa.

    Caroline et son frère Michael Johnson  reviennent dans la maison où ils ont grandi pour régler la succession de leur mère, Francesca. Mais quelle idée saugrenue a-t-elle donc eu de vouloir être incinérée et d’exiger de faire jeter ses cendres du pont de Roseman, au lieu d’être enterrée auprès de son défunt mari ? Pour qu’ils sachent enfin qui elle était réellement, pour qu’ils comprennent, elle leur a laissé une longue lettre qui les ramène de nombreuses années en arrière, un été de 1965… un matin d’été de 1965, de ces matins où la chaleur engourdit les pensées, et réveille parfois les regrets. Francesca est seule. Ses enfants et son mari sont partis pour un concours agricole, pour quatre jours, quatre jours qui s’écouleront probablement au rythme hypnotique et routinier de la  vie de la ferme sauf qu’un photographe au National Geographic, Robert Kincaid, emprunte la route poussiéreuse pour venir demander son chemin. Sauf que, parfois, quatre jours peuvent devenir éternels. Avec Robert Kincaid, c’est l’ailleurs qui fait immersion dans la vie endormie de Francesca.

    Sur la route de Madison aurait alors pu être un mélodrame mièvre et sirupeux, à l’image du best-seller de Robert James Waller dont il est l’adaptation. Sur la route de Madison est tout sauf cela. Chaque plan, chaque mot, chaque geste suggèrent l’évidence de l’amour qui éclôt entre les deux personnages. Ils n’auraient pourtant jamais dû se rencontrer : elle a une quarantaine d’années et, des années auparavant, elle a quitté sa ville italienne de Bari et son métier de professeur pour se marier dans l’Iowa et y élever ses enfants. Elle n’a plus bougé depuis. A 50 ans, solitaire, il n’a jamais suivi que ses désirs, parcourant le monde au gré de ses photographies. Leurs chemins respectifs ne prendront pourtant réellement sens que sur cette route de Madison. Ce jour de 1965, ils n’ont plus d’âge, plus de passé, juste cette évidence qui s’impose à eux et à nous, transparaissant dans chaque seconde du film, par le talent du réalisateur Clint Eastwood. Francesca passe une main dans ses cheveux, jette un regard nostalgico-mélancolique vers la fenêtre alors que son mari et ses enfants mangent, sans lui parler, sans la regarder: on entrevoit déjà ses envies d’ailleurs, d’autre chose. Elle semble attendre Robert Kincaid avant même de savoir qu’il existe et qu’il viendra.

    Chaque geste, simplement et magnifiquement filmé, est empreint de poésie, de langueur mélancolique, des prémisses de leur passion inéluctable : la touchante maladresse avec laquelle Francesca indique son chemin à Robert; la jambe de Francesca frôlée furtivement par le bras de Robert;  la main de Francesca caressant, d'un geste faussement machinal, le col de la chemise de Robert assis, de dos, tandis qu’elle répond au téléphone; la main de Robert qui, sans se retourner, se pose sur la sienne; Francesca qui observe Robert à la dérobée à travers les planches du pont de Roseman, puis quand il se rafraîchit à la fontaine de la cour; et c’est le glissement progressif vers le vertige irrésistible. Les esprits étriqués des habitants renforcent cette impression d’instants volés, sublimés.

    Francesca, pourtant, choisira de rester avec son mari très « correct » à côté duquel son existence sommeillait, plutôt que de partir avec cet homme libre qui « préfère le mystère » qui l’a réveillée, révélée, pour ne pas ternir, souiller, ces 4 jours par le remord d’avoir laissé une famille en proie aux ragots. Aussi parce que « les vieux rêves sont de beaux rêves, même s’ils ne se sont pas réalisés ». 

     Et puis, ils se revoient une dernière fois, un jour de pluie, à travers la vitre embuée de leurs voitures respectives. Francesca attend son mari dans la voiture. Robert est dans la sienne. Il suffirait d’une seconde… Elle hésite. Trop tard, son mari revient dans la voiture et avec lui : la routine, la réalité, la raison.  Puis, la voiture de Francesca et de son mari suit celle de Robert. Quelques secondes encore, le temps suspend son vol à nouveau, instant sublimement douloureux. Puis, la voiture s’éloigne. A jamais. Les souvenirs se cristalliseront au son du blues qu’ils écoutaient ensemble, qu’ils continueront à écouter chacun de leur côté, souvenir de ces instants immortels, d’ailleurs immortalisés des années plus tard par un album de photographies intitulé « Four days ». Avant que leurs cendres ne soient réunies à jamais du pont de Roseman.  Avant que les enfants de Francesca ne réalisent son immense sacrifice. Et  leur passivité. Et la médiocrité de leurs existences. Et leur envie d'exister, à leur tour. Son sacrifice en valait-il la peine ? Son amour aurait-il survécu au remord et au temps ?...

    C dénouement sacrificiel est d’une beauté déchirante : avec la pluie maussade et inlassable, le blues évocateur, la voix tonitruante de ce mari si « correct » qui ignore que devant lui, pour sa femme, un monde s’écroule et la vie, fugace et éternelle, s’envole avec la dernière image de Robert Kincaid, dans ce lieu d’une implacable banalité soudainement illuminé puis éteint. A jamais. Un  tel amour aurait-il survécu aux remords et aux temps ? Son sacrifice en valait-il la peine ? Quatre jours peuvent-ils sublimer une vie ?

    Sans esbroufe, comme si les images s’étaient imposées à lui avec la même évidence que l’amour s’est imposé à ses protagonistes, Clint Eastwood filme simplement, majestueusement, la fugacité de cette évidence. Sans gros plan, sans insistance, avec simplicité, il nous fait croire aux« certitudes qui n’arrivent qu’une fois dans une vie » ou nous renforce dans notre croyance qu’elles peuvent exister, c'est selon. Peu importe quand. Un bel été de 1965 ou à un autre moment. Peu importe où. Dans un village perdu de l’Iowa ou ailleurs. Une sublime certitude. Une magnifique évidence. Celle d’une rencontre intemporelle et éphémère, fugace et éternelle. Un chef d’œuvre d’une poésie sensuelle et envoûtante.  A voir et revoir absolument.

    En complément:

    Ma critique de la pièce "Sur la route de Madison" avec Mireille Darc et Alain Delon

    Critique de "Gran Torino" de Clint Eastwood

    Critique de "Au-delà" de Clint Eastwood

    Critique de "J. Edgar' de Clint Eastwood

  • Théâtre - « Les Liaisons dangereuses » au Théâtre de l’Atelier : interview de John Malkovich et critique de la pièce

    Vingt-quatre ans après avoir interprété Valmont dans le magnifique film de Stephen Frears « Les Liaisons dangereuses », adapté du chef d’œuvre éponyme de Choderlos de Laclos, John Malkovich le met aujourd’hui en scène, au Théâtre de l’Atelier.   Une idée qu’il a eue avant même de jouer Valmont dans le film de Stephen Frears, rôle auquel il doit sa notoriété et une interprétation à laquelle les futurs Valmont lui doivent d’être condamnés à une cruelle comparaison tant il est indissociable de ce rôle dans lequel il était  aussi époustouflant, charismatique que machiavélique.

    Avant-hier, j’ai eu le plaisir de découvrir la pièce lors de sa répétition générale puis de pouvoir interviewer John Malkovich, après la représentation.  Cette adaptation du roman pour le théâtre a été faite par le dramaturge britannique Christopher Hampton, dans une nouvelle traduction de Fanette Barraya.

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    C’est avec un plaisir non dissimulé que je me suis rendue au Théâtre de l’Atelier, d’abord parce que « Les Liaisons dangereuses » est un de mes romans préférés (mais quel amoureux de la littérature et de l’écriture ne le serait pas tant, au-delà de son histoire, c’est un sublime et terrible hommage au redoutable pouvoir de l’écriture) et parce que j’étais particulièrement curieuse et impatiente d’en découvrir cette mise en scène ayant beaucoup aimé celle, également de John Malkovich, de « Good Canary » (cf ma critique en bas de cette page), ensuite parce que aller au théâtre est toujours pour moi comme un rendez-vous amoureux, auquel je me rends avec fébrilité et bonheur, et parce que j’en ai pris trop peu le temps ces derniers mois, enfin parce que je me réjouissais de pouvoir interviewer John Malkovich (je croyais d’ailleurs alors que nous serions plusieurs à l’interviewer en même temps, ignorant que j’aurais le plaisir d’une interview individuelle, juste après la pièce, bien qu'étant encore dans l’émotion, dévastatrice, de celle-ci).

    Pierre Choderlos de Laclos a écrit son célèbre roman épistolaire en 1782  lorsque, militaire dans l’armée de Louis XVI, il s’ennuyait dans sa triste vie de garnison.  Qu’en est-il aujourd’hui de la résonance de ce texte devenu un chef d’œuvre de la littérature?

    Il m’a d’abord fallu quelques minutes avant de me départir de mes souvenirs de la musique incisive des mots de Choderlos de Laclos, du style épistolaire, de mes souvenirs vivaces du roman, de ce duel libertin au Siècle des Lumières, puis pour m’habituer à la mise en scène, au décor et aux costumes volontairement inachevés, intemporels, incluant des éléments contemporains pour nous rappeler l’incroyable modernité de cette œuvre écrite en 1782. Les dix comédiens (choisis par John Malkovich parmi les 300 environ qui ont auditionné) sont présents sur scène d’emblée au milieu d’un décor relativement dépouillé, en arc de cercle. Un cercle vicieux sans doute. Le vice du libertinage.  Le cercle épistolaire, littéraire qui les relie tous les uns aux autres dans un manège implacable et fatal, aussi.  Il m’a fallu aussi quelques minutes pour oublier Malkovich, Close et Pfeiffer et substituer à  leurs souvenirs ces visages juvéniles (à l’exception de la comédienne Sophie Barjac, tous ont moins de 27 ans, d’ailleurs pas un anachronisme mais au contraire une fidélité au roman puisque les personnages avaient entre 15 et 30 ans).

    Je me suis d’abord sentie comme en dehors de l’intrigue. Ne vous méprenez pas : il ne s’agissait pas d’ennui mais au contraire de la légèreté contagieuse, celle de Valmont (je n’étais donc pas en dehors de la pièce mais bel et bien dedans), sa désinvolture… et puis, peu avant l’entracte, la cruauté dissimulée derrière cette légèreté désinvolte a  commencé à agir, à retentir. Les lumières se tamisent et se teintent alors de couleurs mystérieuses, inquiétantes même. La violence des sentiments gronde. La musique résonne, poignante. Oui, poignante comme un coup de poignard. Le jeu de séduction se transforme en rivalité meurtrière. Le combat de Merteuil contre Valmont. Mais aussi celui de Mme de Tourvelle  contre  Valmont, contre elle-même, contre ses sentiments mais elle cède, enfin, déjà, à ses sentiments irrépressibles, alors tragiquement belle et passionnée. Ses mots, sa douleur, sa passion résonnent dans la salle, en moi. L’interprétation (vraiment sidérante) de Jina Djemba m’a donnée des frissons. L’âge des comédiens n’a plus d’importance. Jina Djemba EST alors Mme de Tourvel, ses tourments exaltés et ravageurs. Le corps et le cœur dominent la raison. (La mise en scène retranscrit d’ailleurs parfaitement cela, de par l’engagement physique qu’elle réclame aux acteurs, impressionnant duel de fin et impressionnantes scènes entre Tourvel et Valmont). L’émotion surgit, brusquement. J’ai beau connaître le tragique dénouement, je n’ai pu m’empêcher d’espérer que Mme de Tourvelle ne s’échappe avant qu’il ne soit trop tard, je n’ai pu m’empêcher d’espérer que Valmont n’éprouve un remord salutaire. Les comédiens sont convaincants pour certains, voire époustouflants pour d'autres ( en particulier Jina Djemba dans le rôle de Mme De Tourvel mais aussi Julie Moulier qui joue toute la cruauté, l’assurance, l’impertinence, la perversité avec un aplomb, une diction, une facilité admirables ; Rosa Bursztejn est parfaite dans le rôle de l’ingénue Cécile de Volanges, et Yannik Landrein campe un Valmont très différent de celui de Frears mais d’une sournoise désinvolture tout aussi redoutable  ) à tel point que j’ai tout oublié : le décor, l’époque, la lumière qui un jour se rallumera, pour ne voir que ces personnages qui luttent contre les autres et contre eux-mêmes, que ces sentiments cruels, réfrénés, exaltés. La preuve de l’incroyable modernité du texte d’où, à mon avis, l’inutilité d’y inclure ipad et iphone pour en témoigner et de faire que des scènes libertines frôlent alors la farce et même le graveleux. Seul vrai bémol qui ne m'empêche pas de vous recommander la pièce, ne serait-ce que pour (re)découvrir le texte et des comédiens épatants.  Quant à savoir si cela résonne encore aujourd’hui… Est-ce si différent aujourd’hui dans certains "cercles" parisiens ? Seulement, les masques ne finissent pas toujours par tomber… Et puis les sentiments, leur violence, est évidemment intemporelle tellement bien retranscrite grâce à la lucidité cruelle de Choderlos de Laclos.

    Après l’entracte, la cruauté, la sauvagerie dominent en effet. Le décor même s’écroule violemment, se dépouille un peu plus encore, pour n’être plus que débris et corps enchevêtrés,  avant que le masque de la Marquise de Merteuil ne tombe,  qu’elle ne se démaquille, que soit enfin découvert son ignominieux visage si longtemps et bien dissimulé. Reste la beauté, celle sacrifiée, de Mme De Tourvelle. Celle des mots de Choderlos Laclos. Celle, terrible et envoûtante, de l’écriture. Celles de la manipulation, de la séduction  et de l’échange épistolaire dont Choderlos Laclos fait  un art. Pouvoir terrible, magique, des mots qui peuvent susciter le désir, la passion mais aussi détruire impitoyablement, et tuer. Physiquement comme Valmont. Socialement comme Mertueil. Sans doute la plus cruelle des vengeances mais qui les laissera tous deux vaincus, sans que personne d’autre ne sorte victorieux  de cette lutte impitoyable, annonciatrice d’un 1789 et d’une autre Terreur en réponse à celle des mots et de la débauche dont la Noblesse se servait et abusait. Revoyez d’ailleurs également « Ridicule » de Patrice Leconte qui en témoigne aussi magnifiquement et cruellement.

    Reste aussi et enfin un texte, le vertige sensuel, cruel, intemporel des mots, de l’œuvre, sa clairvoyance sur la duplicité des apparences, à tel point que je n’ai qu’une envie : le relire.  Un texte bouleversant de lucidité, de beauté, de cruauté, que cette mise en scène singulière, surprenante, donnera, je l’espère, envie de découvrir à ceux qui ne le connaissaient pas encore et qui, peut-être, mésestiment le pouvoir de l’écriture et des mots, peut-être, finalement, les seuls vainqueurs.

    Retrouvez également cet article à la une de mon nouveau site : http://inthemoodlemag.com

    Pour tout savoir sur la pièce rendez-vous sur son site officiel, sa page Facebook et son compte twitter. Et retrouvez mon interview de John Malkovich ci-dessus, en haut de cet article.

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    En bonus, ci-dessous, ma critique de « Good Canary » précédente mise en scène de John Malkovich

     "Les Liaisons dangeureuses" - Théâtre de l'Atelier, à partir du 12 janvier, 1, place Charles-Dullin (XVIIIe). Tél: 01 46 06 49 24.- Horaires: 20 h du mardi  au samedi, mat. Samedi et dimanche. 16 h. - Places: de 10 à 38 €. Durée: 1  h  55.- Jusqu'en mai.

    Un petit extrait ci-dessous qui, je l'espère, donnera envie de lire le livre mais aussi de voir le film remarquable de Stephen Frears et j'en profite enfin pour vous rappeler que vous pouvez soutenir la publication de mon recueil de nouvelles, en vous inscrivant comme fan sur la page suivante: http://www.mymajorcompanybooks.com/meziere

    Critique de "Good canary" de Zach Helm - Mise en scène de John Malkovich

    89fe8546ccd9f5530eef0c187c719b17.jpgAdaptation de Lulu et Michael Sadler

    Décors : Pierre-François Limbosch

    Costumes : Caroline de Vivaise

    Effets spéciaux et lumières : Christophe Grelié

    Musique originale : Nicolas Errera-Ariel Wizman

    Avec Christiana Reali, Vincent Elbaz, Ariel Wizman, José Paul, Jean-Paul Muel, Stéphane Boucher, Bénédicte Dessombz

    J’ai rarement vu des comédiens saluer avec autant de gravité à la fin d’une pièce de théâtre. Et un public applaudir avec autant de gravité, de gravité émue. Comme si les uns et les autres étaient encore plongés dans ce qu’ils venaient de jouer (de vivre ?), ou de voir (de vivre aussi ?).

    Flash-back. 2H30 plus tôt. New York. Milieu des annés 80. Annie (Christiana Reali) ne peut plus supporter le regard des autres. Pourquoi Jacques (Vincent Elbaz), son compagnon éperdument amoureux d’elle, vit-il si mal le succès du roman qu’il vient d’écrire et dont l’histoire sulfureuse et provocatrice semble inspirée d’un passé douloureux ?

    Ce ne sont pas d’abord des comédiens que nous voyons mais des mots (que je vous laisse découvrir) sur des cubes luminescents. Définitifs, avec un peu d’espoir tout de même. Si peu. Des mots graves, presque cruels. Lucides en tout cas. Et puis on nous souhaite une bonne soirée. Le ton est donné. Entre légèreté de la forme et gravité du fond. Nous sommes déjà happés. Et puis nous découvrons Annie et Jacques à la terrasse d’un café. Annie lit sa chaussure (oui, vous avez bien lu). Jacques n’a pas l’air si étonné. Il est habitué à son caractère fantasque et aux excès, aux absurdités parfois poétiques, que les amphétamines qu’elle (sur)consomme engendrent. Et puis, un peu plus tard, il va lui acheter un canari, celui dont on a expliqué au début que son étouffement prévient des coups de grisou dans les mines de charbon. Celui qui annonce l’inéluctable. Jusqu’à ce qu’Annie suffoque. Et à partir de là pour nous aussi l’air se raréfie. Annie nous agrippe, avec son désespoir, nous embarque dans son univers fait de destruction, de trivialité aussi, et puis  de violence et de passion, Annie l’écorchée vive dont les pensées déforment les images projetées sur les cubes. Annie et ses déchirures et ses blessures et ses hantises. Annie tourbillonne, danse frénétiquement, alpague, déroute, inquiète,  cache sa détresse derrière sa violence. Annie interprétée par une Christiana Reali méconnaissable, surprenante, électrique, désespérée, suicidaire. Magistrale. Annie qui nous embarque dans ses délires fantasmagoriques, entre Warhol et Munch. Un cri qui se déforme. Un cri de Munch qui aurait été repeint par Dali. Annie avec la cruauté et la drôlerie de l’ironie de son  désespoir proclamé, jeté aux visages des ignorants. La musique nous encercle, les images nous hypnotisent, l’émotion nous envahit. Nous ne savons plus si nous sommes au théâtre ou au cinéma tant cette pièce est cinématographique. Egarés, comme Annie. Annie qui s’exhibe pour ne pas être vue. A coté de ce personnage si fort dans sa fragilité, si obstiné à se détruire, les autres comédiens sont évidemment (volontairement) plus effacés même si le jeu de Vincent Elbaz (qui pour l’occasion a gardé son look du « Dernier gang »), en intensité sombre et mystérieuse est aussi remarquable, même si celui d’Ariel Wizman, comédien débutant en dealer, est prometteur, même si celui des deux éditeurs dédramatisent et esquissent ainsi en toile de fond une satire du milieu de l’édition, ici féroce et cupide, même si celui du critique si humain, et destructeur sans le vouloir vraiment, si inélégant même lorsqu’il ne veut plus n'être élégant que dans son apparence. La mise en scène, si inventive, de John Malkovich qui, cinq ans après « Hysteria », revient à Paris en adaptant cette pièce d’un jeune auteur américain, devrait nous rassurer (elle crée aussi parfois une distance salutaire, ironique, intelligente avec la gravité du propos) mais elle renforce l’émotion et nous plonge encore davantage dans les abimes des tourments d’Annie. Et permet à la pièce d’atteindre parfois des instants de grâce comme lorsque les mots projetés sur l’écran se substituent aux silences et aux paroles qu’ils ne savent se dire. Peu à peu le secret qui lie leur silence, leur complicité, jaillit, suscite notre empathie. On voudrait respirer, oublier, s’échapper, s’évader de la cage, mais nous sommes comme le canari, enfermés dans notre cage, condamnés à suffoquer aussi, à étouffer sur fond de brasier impitoyable et meurtrier,  face à elle, avec elle, impuissants, terrassés. Et puis vient une autre scène qui nous rappelle la précédente. Avec sa petite lueur en plus. D’espoir peut-être. D’espoirs déchus en tout cas. L’écran ironique nous souhaite de nouveau une bonne soirée. Fondu au noir. Rideau. Applaudissements. Gravité. La lumière nous éblouit après tant d’obscurité. De belle et retentissante obscurité.

    Une histoire d’amour extrême servie par une mise en scène qui la magnifie, entre vidéos et photos projetées et meubles mouvants. Une pièce qui vous prend à la gorge comme un bad canary, qui vous fait manquer d’air pour que vous le trouviez encore plus appréciable ensuite, pour que vous respiriez chaque seconde, saisissiez chaque lueur d’espoir. Une pièce à la base peut-être moyenne dont la mise en scène et l’interprétation, si ingénieuses, la rendent si marquante et réussie… Ne la manquez pas. Il vous reste encore quelques jours pour être enfermés dans la cage mystérieuse, oppressante et fascinante, de ce « Good canary »…

  • Littérature - « Le Fantôme du capitaine » de Gilles Jacob

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    Le « roman » épistolaire est décidément à la mode, en tout cas sur ce blog (malheureusement ailleurs parfois jugé suranné à l’époque du « règne de la tiédeur et du zapping » comme la qualifie si justement Gilles Jacob) puisque, hasards et coïncidences, après avoir remporté la semaine dernière un concours d’écriture avec une nouvelle épistolaire, et avant de vous parler  des « Liaisons dangereuses » (que je ne me lasse jamais de relire, la perfection du genre) mis en scène par John Malkovich au Théâtre de l’Atelier (que j’ai eu le plaisir d’interviewer avant-hier soir à cette occasion, je vous en reparlerai et vous livrerai ma vidéo tout à l'heure), je me suis plongée avec bonheur dans le dernier livre de Gilles Jacob (récemment réélu à la présidence du Festival de Cannes) « Le Fantôme du Capitaine », justement une correspondance imaginaire, une soixantaine de lettres comme autant de nouvelles que j’ai dévorées comme un roman (qu’il est d’ailleurs aussi, certains destinataires, réels, comme Julienne Binoche à qui il adresse pas moins de cinq lettres qui sont en revanche imaginaires -quoique ...:le degré d'imaginaire et de réel est laissé à l'appréciation du lecteur-, ou des destinataires imaginaires, comme une marchande de chaussures inspirée par Delphine Seyrig, inoubliable Fabienne Tabard dans « Baisers volés », ou encore certains thèmes, servant de fils directeurs, se retrouvant judicieusement ou malicieusement au fil des lettres) .

    Moi qui ai souvent l’impression de venir d’une autre époque, qui ai si souvent rêvé de fréquenter des personnages de romans qui m’ont dès l’enfance accompagnée (ne me dîtes pas que Félix de Vandenesse, Solal, Julien Sorel, Martin Eden, Gatsby n’existent pas, je ne m’en remettrais pas), et qui ai rêvé si souvent en voyant « La rose pourpre du Caire » de voir la réalité et la fiction s’entremêler, se confondre et se rejoindre, j’ai imaginé le plaisir que Gilles Jacob a dû éprouver à écrire ces lettres, même si ce fut sans doute parfois aussi « un supplice »,  « une joie et une souffrance » comme aurait dit Truffaut, la joie seule est en tout cas ici communicative.

    D’ailleurs, il n’est pas étonnant qu’il cite si souvent Woody Allen car, au-delà de cette réflexion commune sur la frontière entre cinéma et réalité  (que l’on retrouvait une nouvelle fois dans le réjouissant « Minuit à Paris », une déclaration d’amour à Paris, au pouvoir de l’illusion, de l’imagination,  à la magie de Paris et du cinéma qui permet de croire à tout, même qu’il est possible au passé et au présent de se rencontrer et s’étreindre, le cinéma,  évasion salutaire  «  dans une époque bruyante et compliquée »), on retrouve la même tendre impertinence, la même ironie jubilatoire, le même humour,  sans doute cette « politesse du désespoir »,   et cette passionnante réflexion sur la vérité, « la vérité, le simulacre du cinéma » : « L’art permet-il tout absolument tout ?» se demande-t-il ainsi. Une question, ainsi que celle de la frontière entre art et vérité, que pose d’ailleurs aussi souvent le cinéma comme récemment encore Aronofsky dans « Black swan ».

     Le fond et la forme se rejoignent ainsi, la forme (des lettres imaginaires avec un fond de vérité) étant une manière malicieuse de répondre (ou, d’ailleurs, de ne pas y répondre) aux questions posées sur ce sujet. Et évidemment, impossible de ne pas songer à ce qui était pour moi le film de l'année 2010, "Copie conforme" d'Abbas Kiarostami (avec une certaine Juliette Binoche qui a d'ailleurs obtenu le prix d'interprétation à Cannes pour ce film). Kiarostami y  responsabilise le spectateur. A lui de construire son propre film. Les personnages regardent souvent face caméra en guise de miroir, comme s'ils se miraient dans les yeux du spectateur pour connaître leur réelle identité. « Copie conforme » est  un film de questionnements plus que de réponses et c'est justement ce qui le rend si ludique, unique, jubilatoire. Le jeu si riche et habité de Juliette Binoche, lumineuse et sensuelle, peut ainsi se prêter à plusieurs interprétations. Un film qui nous déroute, un film de contrastes et contradictions, un film complexe derrière une apparente simplicité. A l'image de l'art évoqué dans le film dont l'interprétation dépend du regard de chacun, le film est l'illustration  pratique de la théorie énoncée par le personnage (de James) sur l'art. De magnifiques et longs plans-séquences, des dialogues brillants, une mise en scène d'une redoutable précision achèvent de faire de ce film en apparence si simple une riche réflexion sur l'art et sur l'amour. William Shimell (chanteur d'opéra dont c'était le premier rôle) et Juliette Binoche excellent et sont aussi pour beaucoup dans cette réussite. Un film sur la réflexivité de l'art  qui donne à réfléchir (un point commun d'ailleurs avec le livre de Gilles Jacob). Un dernier plan délicieusement énigmatique et polysémique qui signe le début ou le renouveau ou la fin d'une histoire plurielle. Voilà que je digresse, mais il m'était impossible de ne pas le faire tant l'intelligence ce film m'avait totalement envoûtée et tant je ne manque jamais une occasion de le faire découvrir.

    Quel bonheur aussi au détour d’une lettre de retrouver des chefs d’œuvre comme « La Règle du jeu », « On connaît la chanson », « César et Rosalie » et de donner envie de découvrir d’autres films comme « Irène » que je n’ai ignominieusement pas encore vu mais que son évocation émouvante m’a donné envie de regarder, ou d’en redécouvrir d’autres comme « Lady Chatterley » de Pascale Ferran à qui il adresse une de ses nombreuses lettres) et quel bonheur de retrouver des scènes de cinéma, de les voir utiliser, détourner, rejoindre une réalité incertaine,  comme de retrouver la Fabienne Tabard de « Baisers volés », ou son double imaginaire, ou comme cette lettre à Mélanie Thierry qui permet d’évoquer ce très beau film de Bertrand Tavernier, « La Princesse de Montpensier » (malheureusement mésestimé à sa sortie) dans lequel elle incarne «  une amoureuse qui aime à la folie » pour qui  « l’amour n’est possible qu’en rêve ».

    Je ne peux m’empêcher de digresser à nouveau pour vous parler de ce film empreint de cette retenue qui seyait à l'époque que certains sans doute auront assimilée à un manque de fièvre mais qui rend au contraire plus bouleversants encore le dénouement et l'émotion qui vous saisit (qui en tout cas m'a saisie) puisque c'est après la mort de … (je ne vous dirai pas qui) que Marie de Mézières comprend la profondeur de l'amour de celui qu'elle a trop souvent ignoré, prêt pour elle à tous les sacrifices, même à la voir libre et amoureuse d'un autre alors que les autres voulaient uniquement la posséder comme une propriété. Avec son coscénariste Jean Cosmos, Bertrand Tavernier a fait de ce roman du XVIIème siècle un film intemporel (comme le thème de la perte des illusions et de l'innocence que symbolise cette princesse de Montpensier), lyrique, romantique et romanesque, tout en décrivant la violence d'une époque, destructrice pour les sentiments plus nobles et passionnés qu'elle muselait, et la théâtralité impitoyable de la cour.  Les chevauchées fantastiques magnifiquement filmées sur la musique envoûtante d'Alain Sarde, la sublime photographie de Bruno de Keyzer, l'élégance des dialogues et de la mise en scène en font un film d'une âpre beauté dont la fièvre contenue explose au dénouement en un paradoxal et tragique silence.

    Mais revenons au livre de Gilles Jacob d’ailleurs parsemé de digressions (savoureuses). Le Fantôme du capitaine, c’est ainsi aussi, au-delà de « Mrs Muir », celui de l’enfance quand sa grand-mère lui racontait des histoires « autant d’invitations au voyage et à l’aventure » et il y a sans aucun doute un plaisir enfantin dans ce livre, celui pour son auteur de se déguiser, de jongler avec les mots et l’imaginaire, d’endosser de multiples personnalités, d’être tout le monde et personne, là, ailleurs, et nulle part, pour mieux (dé ?)voiler la sienne, celui pour le lecteur, ludique, de tenter de déceler la vérité, de s’immiscer dans les coulisses de son imaginaire et du cinéma parfois, évidemment.  Même si, souvent, il se glisse dans une toute autre personnalité que la sienne, Gilles Jacob, avec malice et fantaisie, nous en dit finalement plus sur lui que dans son précédent ouvrage (comme dans cette lettre d’un employé dans l’hôtellerie puis photographe de plateau qui laisse entrevoir son admiration pour Anouk Aimée), cela devenant même jubilatoire pour le lecteur quand il frôle l’absurde ou digresse allègrement et subtilement.

    Le livre fourmille aussi d’anecdotes réjouissantes qui raviront les inconditionnels de Cannes et les passionnés de cinéma (chaque lettre transpirant plus ou moins explicitement de sa passion intacte pour le 7ème art mais pas seulement d’ailleurs, également de sa passion pour la musique dans certaines d’entre elles), comme cette lettre à Mourousi qui vous en dira plus sur la naissance de la montée des marches ou cette autre qui vous apprendra où Woody Allen a puisé la fameuse scène où Mia Farrow est rejointe par le héros du film,  parmi tant d’autres anecdotes instructives.

    Mais derrière l’aspect ludique, la malice et la fantaisie, affleurent une mélancolie, parfois même les regrets (la disparition de son père et un dialogue inachevé), et quelques -toujours pudiques- confidences (finalement malgré -ou grâce à- toutes ces « admirations amoureuses », c’est avant tout une magnifique déclaration d’amour à sa discrète épouse « qui lui a consacré sa vie ») mais aussi le témoignage de sa lucidité», sur la profession, une lucidité jamais hargneuse ou rageuse mais toujours teintée de salutaire dérision ( comme lorsqu’il évoque « Ridicule » de Patrice Leconte, et ce miroir que ne perçoit pas tout de suite le public). Il prouve ainsi qu’il est « homme de sentiments plus que de ressentiments » mais surtout qu’il éprouve beaucoup d’admirations (la liste est longue : Jane Fonda, Rita Hayworth, Youssef Chahine et tant d’autres à qui il rend hommage sans que cela en ait le caractère pompeux et solennel), qu’il possède toujours le regard brillant du « petit garçon timide et peureux » après tant de rencontres (réelles, imaginaires, cinématographiques) si palpitantes, qu'il possède encore cette qualité devenue si rare à l'ère du cynisme, l'enthousiasme, et souvent un regard décalé  qui lui permet d’être gentiment incisif (comme dans cette lettre au Maire de Paris ou dans cette lettre à Catherine Deneuve dans laquelle il nous emmène aux Rencontres de Cortina D’Ampezzo par un récit hilarant d’(auto)dérision) qui, là encore, lorgne du côté de Woody Allen.  C’est aussi une réflexion sur le temps qui passe, la vieillesse (notamment dans « Regrets éternels », lettre à Michel Piccoli, qui lui permet d’évoquer la mort de Don Corleone dans « Le Parrain » qui « en pratiquement un seul plan s’apparente à un chef d’œuvre »  et de dire que « En vérité quand on a compris le dérisoire de l’existence, on ne peut plus être qu’un vieux sale gosse ») pour conclure comme l’aurait sans doute aussi bien dit Woody Allen que « Tout est bien qui finit mal ».

    Plus qu’au cinéma (et aux cinéastes et aux actrices), c’est enfin un hommage à l’écriture, au pouvoir salvateur et jouissif des mots qui vous permettent les rêveries les plus audacieuses, les bonheurs les plus indicibles, et un hommage au pouvoir de l’imaginaire, à la fois sublime et redoutable, ce pouvoir qui fait « passer la vie comme un rêve », mais qui lui fait se demander et se dire aussi : « Est-ce que trop d’imagination nous empêcherait de vivre ? », « Et que pour le rêveur que je suis l’imagination l’emportera toujours sur le réel » , « Seulement à rêver trop ne passe-t-on pas à côté de la -vraie-vie ? » et citant Tchekhov dans « La Mouette » « Il faut peindre la vie non pas telle qu’elle est, ni telle qu’elle doit être, mais telle qu’elle se représente en rêve » et  qui me fait songer à cette citation de Proust « Il vaut mieux rêver sa vie que la vivre, encore que la vivre, ce soit encore la rêver» ou une fois encore à celle de Truffaut extraite de "La Nuit Américaine" et que je cite si souvent ici "Les films sont plus harmonieux que la vie. Il n'y a pas d'embouteillages dans les films, il n'y a pas de temps morts."

    Voilà. Nous y revenons. La vie passera comme un rêve. Tout le mal que je me et vous souhaite. Je vous laisse. Félix de Vandenesse, Solal, Julien Sorel, Martin Eden  m’attendent… Qui a dit qu’il fallait choisir entre le cinéma, l’imaginaire et la réalité…, et se contenter de la tiédeur de cette dernière car, sans doute, « les liaisons imaginaires donnent l'illusion d'un bonheur immatériel et permettent de traverser la vie sans la prendre à bras-le-corps», mais l’illusion d’un bonheur, c’est certainement déjà une part de bonheur, non? Ou d’autres liaisons dangereuses, peut-être…

    Je ne vous en dis pas plus pour vous laisser le plaisir de la découverte de ce livre, une évasion pleine de fantaisie (mais pas fantaisiste) dans le cinéma et la cinéphilie, la littérature, l'imaginaire, et en filigrane une réflexion sur l'art, qui réjouira tous ceux qui aiment passionnément le cinéma et la littérature, et aiment s'y perdre délicieusement, au point parfois de les confondre ou même les préférer à la réalité, un livre dans lequel Gilles Jacob, vous fait voyager avec élégance, avec savoureuse et malicieuse (auto)dérision, entre mensonge et vérité, imaginaire et réalité qu'il interroge et manipule brillamment (copie conforme ou non, le lecteur y retrouve le plaisir du spectateur dans le film éponyme de Kiarostami suscité par cette question bien heureusement non résolue),  et qui exhale un enivrant parfum de vérité, la plus troublante et réjouissante des illusions, une illusion rassurante pour l'incurable rêveuse que je suis.

     En complément :

    - Si vous voulez soutenir mes velléités littéraires (qui m’ont d’ailleurs permis de remporter un concours suite à une nouvelle épistolaire) et mon hypothétique publication, inscrivez-vous comme "fan" sur ma page « My Major Company Books » et découvrez-y mes nouvelles sur le cinéma (et souvent sur Cannes d'ailleurs)

    -Critique de « Baisers volés » de François Truffaut

    -Critique de « La vie passera comme un rêve » de Gilles Jacob

    -Critique de « Black swan » de Daren Aronofsky

    -Critique de « Ridicule » de Patrice Leconte 

    -Dossier Woody Allen

    -"César et Rosalie" et décryptage du cinéma de Claude Sautet

    Et pour le plaisir, en bonus, puisque dans  "Baisers volés" de Truffaut, il est question de Balzac, et du fameux Félix de Vandenesse évoqué ci-dessus, mais aussi parce que dans cet extrait vous pourrez y découvrir Delphine Seyrig (à qui Gilles Jacob adresse une lettre) alias Fabienne Tabard alias Madame de Mortsauf. Un extrait magique qui reflète tout le talent de Truffaut et de ses interprètes :