Ok

En poursuivant votre navigation sur ce site, vous acceptez l'utilisation de cookies. Ces derniers assurent le bon fonctionnement de nos services. En savoir plus.

  • Dates du Festival du Film de Cabourg 2016 et retour sur l'édition 2015

    Le Festival du Film de Cabourg 2016 aura lieu du 8 au 12 juin et célèbrera ses 30 ans. Ce festival sera aussi en partie le cadre de mon premier "vrai" roman publié fin mars 2016. Il me tarde de vous en dire plus (sur l'éditeur, le titre, le sujet, la couverture...) mais il vous faudra encore attendre quelques semaines pour en savoir plus sur cette exaltante aventure qui m'attend. En attendant, retrouvez, ci-dessous, mon compte rendu de l'édition 2015 du Festival du Film de Cabourg.

     

    cab24.jpg

    cb13.jpg

    cabourg9.jpg

    Accaparée par d’ exaltants projets (littéraires et journalistiques -dont je vous parlerai dans les mois à venir-, outre la modification d’Inthemoodfordeauville.com que j’inaugure avec ce nouvel article), je n’ai pas eu le temps de vous livrer ici mon compte rendu, qui sera donc inhabituellement tardif et bref, du Festival du Film de Cabourg 2015 (dont vous pouvez retrouver le programme complet, ici), des journées romantiques, 29èmes du nom, qui eurent lieu du 10 au 14 juin 2015. Peut-être, aussi, que l’envie de le relater n’était pas aussi viscérale que lorsque je reviens de festivals qui furent enthousiasmants comme l’ont été le dernier Festival de Cannesle Festival Lumière de Lyon ou encore le Festival du Film Policier de Beaune ou même le Champs-Elysées Film Festival où j’ai fait une petite incursion au retour de Cabourg.  Cabourg… petite escale festivalière normande avant le 41ème Festival du Cinéma Américain de Deauville à suivre comme chaque année, en direct, ici, en septembre prochain (et pour lequel, comme chaque année, je vous ferai prochainement gagner des pass).

    cab2.jpg

    13 ans après ma participation à son jury des courts-métrages et après y être retournée à diverses reprises, j’étais cette année de retour à Cabourg (après deux années consécutives au Champs-Elysées Film Festival dont une dans le jury blogueurs).

    cabourg6.jpg

    cab1.jpg

    cabourg7.jpg

    Ce festival a  été jalonné de beaux moments d’émotion. Et, comme toujours, j’ai décidé de ne retenir ici que le meilleur, c’est aussi la raison pour laquelle je ne vous parlerai pas ou que très brièvement du film vainqueur de la compétition auquel je suis restée totalement hermétique malgré l’unanimité avec laquelle le jury de cette édition, présidé par Juliette Binoche, l’a récompensé. Il s’agit de « L’Éveil d’Edoardo » de Duccio Chiarini (dont je viens de découvrir qu’il était sorti le 17 juin en salles) qui a reçu le prix de la jeunesse. Pour Edoardo, 17 ans, le temps des premiers émois est venu, le temps d’un été sur la côte italienne.  « La fragilité et les faiblesses du sexe masculin trop souvent représentées selon des stéréotypes machistes. La problématique sexuelle, vécue par le personnage d’Edoardo, était pour moi un outil narratif pour raconter le passage de l’adolescence à l’âge adulte de façon plus intime et profonde », a ainsi déclaré le réalisateur. La profondeur du film m’a sans doute échappé. L’homme est un être sensible. Voilà ce que s’évertue à nous raconter ce film, avec plus ou moins de délicatesse. Oscillant entre la bluette et le film irrévérencieux pseudo-trash pour ados, à l’image de son héros (me direz-vous) tantôt goujat, tantôt poète, si le film échappe certes aux « stéréotype machistes », il n’échappe en revanche pas à ceux de l’un et l’autre genre de films précités.

    cb14.jpg

    Si l’affiche du festival  était évocatrice de chaleur, d’évasion, de langueur (d’après une photo extraite du film brésilien « Au premier regard » -« The way he looks »- de Daniel Ribeiro), les thématiques récurrentes de cette édition faisaient souvent rimer romantisme avec désespoir et étaient beaucoup plus sombres que ce que l’affiche de cette édition laissait présager, y compris dans les courts-métrages: deuil, fin de vie… sans oublier les traditionnels « parcours initiatiques » et tourments de l’adolescence.

    legrand2.jpg

    jours.jpg

    Ce festival a avant tout été marqué par la lumineuse présence de Michel Legrand auquel le festival rendait hommage et qui a, à lui seul, incarné le romantisme (en tout cas, si on se fie à ma propre définition de celui-ci, selon moi lié aux tourments et aux errements du cœur, souvent indissociable d’une certaine mélancolie) qui faisait parfois défaut aux films projetés (pour certains, aussi vague et multiple puisse être sa définition, je le cherche toujours, ce romantisme…), d’abord venu présenter « Cinq jours en juin ». Un film de 1988  qu’il a réalisé. Il s’agit d’un récit autobiographique dédié à sa mère, Marcelle dont il a parlé avec énormément d’émotion en présentant le film qui, sans aucun doute, a éclairé sous un autre jour la projection et a expliqué qu’elle m’a tant émue. Le film est certes de facture classique mais la réalisation est loin d’être inintéressante ou banale et, en plus d’être un musicien génial, Michel Legrand se révèle être un cinéaste doué, pudique et inspiré. Dans ce film, il raconte une histoire fortement inspiré de la sienne: Michel, âgé de quinze ans, (Matthieu Rozé) remporte son prix de piano au conservatoire de Paris le jour où les alliés débarquent sur les plages de Normandie. Les trains sont réquisitionnés, lui et sa mère (Annie Girardot) ne peuvent plus rentrer en Normandie. Avec Yvette ( Sabine Azéma), une jeune femme délurée, ils volent des bicyclettes et partent pour Saint-Lô. Sur leur chemin, ils échappent à des bombardements et à des combats, assistent à la débâcle des troupes allemandes et rencontrent des soldats américains. Michel tombe amoureux d’Yvette. Ce film exhale un parfum entêtant et enivrant qui doit s’appeler le charme qui doit beaucoup au trio de comédiens avec une Sabine Azéma, rayonnante, mutine, malicieuse, éclatante de vie et une Annie Girardot, à la fois grave et sereine et bienveillante, comme toujours d’une justesse remarquable. Un film plein de vitalité et d’émotions, de celle qui nous envahit quand on écrit pour les êtres chers disparus, de celle qui vient du cœur, qui transparait dans chacun des plans de ce film qui mérité d’être vu.

    cb3.jpg

    cb5.jpg

     Michel Legrand a  reçu son Swann d’honneur des mains de Claude Lelouch et Nathalie Dessay. Il a raconté sur scène sa rencontre avec Macha Méril. Un beau moment d’émotion partagé salué par une standing ovation du public, ému et conquis.

    Beau moment aussi que le Swann d’or du meilleur acteur décerné par Juliette Binoche à Benoît Magimel qui fut son partenaire dans « Les Enfants du siècle » de Diane Kurys pour son rôle dans « La tête haute » d’Emmanuelle Bercot pour lequel Rod Paradot a également été récompensé: « Il a le regard bleu, le sourire pas très loin, son cœur écorché vif et sa grâce font de lui un véritable acteur romantique. À toi, Benoit… » a-t-elle ainsi déclaré.

    Après la soirée du palmarès, comme il est de tradition à Cabourg, les invités,   à 2H du matin se sont retrouvés autour du piano du Grand Hôtel. Un moment hors du temps que je suis finalement heureuse de n’avoir pas pu immortaliser parce que les émotions qu’il a procurées auraient de toute façon moins bien imprimées la photo que ma mémoire et l’intimité de l’instant ne s’y serait pas forcément prêté. Au panthéon des artistes s’étant pliés à l’exercice de bonne grâce  et  avec humilité : Emmanuelle Béart et Hervé Vilard  -qui s’est improvisé animateur de la soirée- chantant « Il n’y a plus d’après à Saint-Germain-des-Prés », Emmanuelle Béart interprétant, magnifiquement, « Seras-tu là » (bouleversant, bouleversante) , Nathalie Dessay et Michel Legrand, Raphaël Personnaz et Céline Scallette, Benoît Magimel sans oublier un « Capri, c’est fini », entonné joyeusement par toute l’assistance sous le regard de Xavier Beauvois, Juliette Binoche, Sonia Rolland- radieuse- etc. J’ai quitté les lieux à 5h du matin avant que la soirée ne s’achève, (il faut toujours quitter une soirée avant qu’elle ne s’achève, qu’il ne soit trop tard-ou tôt-, que la bonne humeur ne se tarisse et ne devienne feinte, que les cœurs ne dégrisent et que les regards ne se voilent de tristesse ou d’amertume),  grisée de musiques et de romantisme qu’a indéniablement incarné cette soirée, scène irréelle où je marchais dans la rue recouverte du tapis rouge, déserte à cette heure alors qu’elle était grouillante de monde dans la journée (photo ci-dessous).

    cab6.jpg

    Cabourg2.jpg

      Retrouvez, ci-dessous, mes critiques de mes coups de cœur du festival. Vous trouverez les explications de leur présence ici avant chaque critique. Retrouvez également le palmarès ci-dessous ainsi que quelques clichés complémentaires en bas de page (à retrouver aussi sur mon compte instagram @sandra_meziere).

     

    Critique de « Valley of love » de Guillaume Nicloux (film projeté en clôture du Festival du Film de Cabourg 2015, sur scène, lors de l’annonce du palmarès, Xavier Beauvois s’est dit bouleversé par le film et a tenu à le recommander).

     

    valley2

    C’est à la fin du Festival de Cannes où il figurait en compétition officielle (le film était également en ouverture du Champs-Elysées Film Festival et en clôture du Festival du Film de Cabourg) que j’ai découvert pour la première fois « Valley of love », après 10 jours de grand cinéma qui font que, parfois, les images se mêlent, s’embrouillent, ne sont pas appréciées à leur juste valeur, surtout en un lieu et une époque où chacun se doit de donner (et de proclamer haut et fort) un avis à peine le générique terminé et qui comme le sujet du film finalement (le deuil) se doit d’être zappé. Or, certains films se dégustent plus qu’ils ne se dévorent, et il faut souvent du temps pour en appréhender la force, la profondeur, la pérennité de leurs images. C’est le cas de « Valley of love » qui, à Cannes, m’avait laissé un goût d’inachevé, malgré l’émotion qu’il avait suscitée en moi. Ce fut également sans aucun doute la conférence de presse la plus intéressante de ce 68ème Festival de Cannes. Curieusement, c’est celui auquel je repense le plus souvent et c’est sans aucun doute le pouvoir des grands films que de vous accompagner, de vous donner la sensation d’avoir effectué un voyage à l’issue duquel vous n’êtes plus tout à fait la même personne, c’est pourquoi j’ai décidé de retourner le voir pour vous en parler comme il le mérite.

    Isabelle (dont le prénom n’est d’ailleurs jamais prononcé) et Gérard (interprétés aussi par Isabelle –Huppert- et Gérard -Depardieu-) se rendent à un étrange rendez-vous dans la Vallée de la mort, en Californie. Ils ne se sont pas revus depuis des années et répondent à une invitation de leur fils, Michael, photographe, qu’ils ont reçue après son suicide, six mois auparavant. Malgré l’absurdité de la situation, ils décident de suivre le programme initiatique imaginé par Michael. Quel pitch prometteur et original, en plus de cette prestigieuse affiche qui réunit deux monstres sacrés du cinéma et qui reconstitue le duo de « Loulou » de Pialat, 35 ans après !

    Les premières minutes du film sont un modèle du genre. La caméra suit Isabelle qui avance de dos, vers un motel au milieu de nulle part. Une musique étrange et hypnotique (quelle musique, elle mérite presque à elle seul ce voyage !) l’accompagne. Les bruits de ses pas et de la valise marquent la cadence. Au fur et à mesure qu’elle avance, des notes dissonantes se glissent dans la musique. Puis, elle apparaît face caméra, dans la pénombre, son visage est à peine perceptible. Et quand elle apparaît en pleine lumière, c’est derrière les barreaux d’une fenêtre. Elle enlève alors ses lunettes et se dévoile ainsi à notre regard. Tout est là déjà : le cheminement, les fantômes du passé, l’ombre, le fantastique, la sensation d’enfermement, de gouffre obscur. Plus tard, ils se retrouvent. Le contraste est saisissant, entre le corps imposant et généreux de l’un, le corps frêle et sec de l’autre au milieu de ce paysage d’une beauté vertigineuse, infernale, fascinante, inquiétante.

     

    Le décor est le quatrième personnage avec Isabelle, Gérard, le fils absent et omniprésent. La chaleur est palpable, constamment. Des gouttes de sueur perlent sur le front de Gérard, se confondent parfois avec des larmes imaginées, contenues. Les grandes étendues vertigineuses du désert résonnent comme un écho à ce vertige saisissant et effrayant du deuil que ce film évoque avec tellement de subtilité, ainsi que son caractère si personnel et intransmissible. Isabelle n’est ainsi pas allée à l’enterrement de son fils parce qu’elle ne va plus aux enterrements depuis la mort de son père. On imagine que la vie les a l’un et l’autre happés, les a contraints à masquer leur douleur indicible, que ces étendues à perte de vue, le vide et l’enfer qu’elles symbolisent leur permet enfin d’y laisser libre cours « comme une sorte de pèlerinage. » : « Parfois j’ai l’impression que je vais m’effondrer, que plus rien ne me porte. Je me sens vidée, abandonnée », dit ainsi Isabelle.

     

    Grâce à l’humour judicieusement distillé, qui joue sur l’étanchéité des frontières entre leurs identités réelles et leurs identités dans le film (Gérard est acteur, dit être né à Châteauroux, et ne lit que les titres des films pour savoir s’il va accepter un film), elle est végétarienne, le trouve caractériel, lui reproche d’altérer l’écosystème parce qu’il nourrit les lézards. Le comique de situation provient du contraste entre ces deux corps, du contraste visuel aussi de ces deux personnages au milieu du décor (certains plans d’une beauté décalée, imprègnent autant la pellicule que la mémoire des spectateurs), à la fois gigantesques et minuscules dans cette vallée de la mort où ils ont rendez-vous avec leur fils, leur amour perdu. Ces quelques moments de comédie, comme dans le formidable film de Moretti, également en compétition du 68ème Festival de Cannes et également oublié du palmarès (« Mia Madre ») qui aborde le même sujet, permettent de respirer dans ce décor à perte de vue et étouffant avec cette chaleur écrasante, à l’image du deuil qui asphyxie et donne cette impression d’infini et d’inconnu oppressants.

     

    Mon seul regret concerne une scène trop écrite (dans la voiture) qui expose leurs situations respectives mais ce qui m’a gênée à la première vision, me paraît anecdotique à la deuxième. Certaines phrases résonnent avec d’autant plus de justesse qu’elles sont dites par des comédiens qui les prononcent avec une infinie délicatesse, qui trouvent constamment la note juste : « Si on se met à détester quelqu’un avec qui on a vécu c’est qu’on ne l’a jamais vraiment aimé. Quand on aime quelqu’un c’est pour toujours. » La force de ces deux immenses comédiens est de malgré tout nous faire oublier Depardieu et Huppert et de nous laisser croire qu’ils sont ces Isabelle et Gérard. Et il leur suffit de lire une lettre dans le décor épuré d’une chambre, sans autre artifice que leur immense talent, pour nous émouvoir aux larmes sans parler de cette scène finale bouleversante qui m’a ravagée à la deuxième vision autant qu’à la première.

     

     

     

    huppert

     

    Ce film qui ne ressemble à aucun autre, qui n’est pas dans le spectaculaire et l’esbroufe, mais dans l’intime et la pudeur, aborde avec beaucoup d’intelligence et de sensibilité une réflexion sur le deuil et ce lien distordu avec le réel qu’il provoque, tellement absurde et fou, qu’il porte à croire à tout, même aux miracles, même une rencontre avec un mort dans une vallée du bout du monde. Aux frontières du fantastique qu’il franchit parfois, avec sa musique hypnotique, ses comédiens qui crèvent l’écran et un Depardieu à la présence plus forte que jamais (et il n’est pas question ici seulement de corpulence mais de sa capacité inouïe à magnétiser et occuper l’écran), un décor qui pourrait être difficilement plus cinégénique, intrigant, fascinant, inquiétant, « Valley of love »est un film captivant duquel se dégage un charme étrange   et envoûtant.

    En résulte une réflexion intéressante sur le deuil qui abolit ou suscite de nouvelles croyances (finalement l’homme ou la femme endeuillé(e) devient peut-être cet homme irrationnel du film de Woody Allen dans le formidable « Irrational man »), finalement comme le cinéma… Ainsi, Lambert Wilson, maître de cérémonie de ce 68ème Festival de Cannes, lors de l’ouverture, n’a-t-il pas dit lui-même « Le cinéma, c’est le rêve, le secret, le miracle, le mystère ». « Valley of love » est ainsi aussi une métaphore du cinéma, ce cinéma qui donne vie aux illusions, cette croyance folle que porte Isabelle face au scepticisme de Gérard.

    huppert2

    Une fin qui nous hante longtemps après le générique, une fin d’une beauté foudroyante, émouvante, énigmatique. Un film pudique et sensible qui mérite d’être vu et revu et qui ne pourra que toucher en plein cœur ceux qui ont été confrontés à cet intolérable et ineffable vertige du deuil. L’oublié du palmarès comme le fut un autre film produit par sa productrice Sylvie Pialat l’an passé, l’immense « Timbuktu ».

    -Conférence de presse de « Valley of love » au 68ème Festival de Cannes -

     

    nicloux (2)

    Ci-dessous, quelques citations de la conférence de presse cannoise, lors de laquelle les deux acteurs se sont prêtés sans rechigner et avec générosité au jeu des questions, et en particulier Gérard Depardieu, bien plus complexe et passionnant que l’image à laquelle certains voudraient le réduire (j’en veux pour preuve les citations de cette conférence de presse reprises avec démagogie par certains médias qui n’ont pas pris la peine de citer en entier ses propos).

    « J’étais émerveillée par le scénario. » Sylvie Pialat

    « Je ne me servirai pas du deuil de Guillaume pour le rôle car c’est 1deuil à part mais je peux imaginer le poids de ces lettres. » Depardieu

    « Je n’ai pas de vision de l’Ukraine. Je suis comme tout le monde choqué. J’adore peuple ukrainien. Ces conflits ne sont pas de mon ressort. » Depardieu

    « Je connais très mal les cinéastes de maintenant. J’aime beaucoup des gens comme Audiard dont le physique me fait penser à son père. » Depardieu

     

    « J’adore les séries et des acteurs comme B. Willis. Je ne rechigne pas devant un bon Rossellini ou un très bon Pialat. » Depardieu

    « Je me suis rendu compte que je faisais ce métier par plaisir et parce que ça facilitait la vie. » Depardie

    « J’ai décidé de faire ce métier car je ne voulais pas travailler. Je me suis rendu compte que je voulais vivre. » Depardieu

    « Ce film, c’est comme une lecture sur des questions essentielles dont nous avons oublié de nous souvenir. » Gérard Depardieu

    « En lisant script sur ces actes manqués de l’oubli, ces interrogations qui nous retombent dessus, je l’ai rarement lu. » Depardieu

    « J’avais vu « La Religieuse », un film qui m’avait particulièrement interpellé. » G.Depardieu

    « L’idée de départ, qu’on s’appelle Gérard et Isabelle a créé d’emblée un aspect documentaire, un rapport particulier aux rôles. » Huppert

    « On se croit sur une autre planète dans la Vallée de la mort. On ne peut se raccrocher à rien. » Isabelle Huppert

    « Le lieu a été l’élément déclencheur de l’histoire. » Guillaume Nicloux

    Critique de « La rançon de la gloire » de Xavier Beauvois (film projeté à Cabourg dans le cadre de l’hommage à Michel Legrand)

    rançon

     

    Tout juste sorti de prison, Eddy Ricaart (Benoît Poelvoorde) est accueilli par son ami Osman Bricha (Roschdy Zem). Ils ont tous deux convenu d’un marché : Osman héberge Eddy ; en échange de quoi, celui-ci s’occupe de sa fille de sept ans, Samira – le temps que sa femme Noor subisse des examens à l’hôpital. Mais en cette veille de Noël le manque d’argent se fait cruellement sentir. Aussi, lorsque la télévision annonce la mort du richissime comédien Charlie Chaplin, Eddy a une idée : subtiliser le cercueil de l’acteur et demander une rançon à la famille ! Au même moment, le cirque s’installe en ville. Pour ce nouveau film, en compétition dans le cadre de la dernière Mostra de Venise, auréolé du succès publique et critique de son dernier film « Des Hommes et des Dieux », Xavier Beauvois a choisi de prendre un nouveau virage, celui de la comédie. Dans le premier plan, Eddy sort de prison, cheminant de l’ombre vers la lumière tandis qu’un gardien lui crie d’arrêter de faire son clown. Voilà son destin tracé: Eddy sortira de l’ombre vers la lumière en faisant le clown.« La rançon de la gloire » est avant tout une déclaration d’amour au cinéma, un hommage à Chaplin, une mise en lumière du talent de Poelvoorde qui, avec ce dernier, a en commun de nous faire passer du (sou)rire aux larmes en un quart de seconde, d’être un clown dont la mélancolie sans cesse affleure et nous bouleverse. L’ombre de Chaplin plane sur tout le film, de la scène de la fin des « Lumières de la ville» (une des plus belles scènes du cinéma si ce n’est la plus belle) diffusé à la télévision que regardent Eddy et Osman aux multiples références au « Feux de la rampe » mais aussi avec des clins d’œil au « Kid », à « La ruée vers l’or »… Peut-être le poids de ces références a-t-il été un peu lourd à porter, notamment lors de la scène, un peu longue (pour nous faire éprouver leur labeur, certes) où les deux bras-cassés déterrent et enterrent à nouveau le cercueil, coupant un peu le rythme du film pourtant jalonné de moments de grâce comme lorsqu’Eddy et Osman dansent dans leur taudis mais aussi jalonné de plans d’une beauté époustouflante comme celui d’Eddy et Samira au bord du Lac Léman, nous rappelant les plans d’une beauté ravageuse du magnifique « Des hommes et des dieux ». L’emphase lyrique et poignante de la musique de Michel Legrand qui se marie magnifiquement avec celle, étourdissante de beauté, des « Feux de la rampe » apporte au film une dimension supplémentaire. Un film doucement burlesque, tendrement drôle sublimé par la musique de Michel Legrand et porté par un formidable duo de comédiens et Benoît Poelvoorde, une nouvelle fois remarquable (après « 3 cœurs » de Benoît Jacquot dont vous pourrez retrouver ma critique, ici), dans le rôle de cet homme qui, en se maquillant et jouant un rôle, va dévoiler son vrai visage, finalement une métaphore du réalisateur qui, derrière sa caméra, orchestre ses vraies émotions, les met en lumière et dans la lumière.

    cabourg5.jpg

     

    Ma critique de « La tête haute » publiée à la suite de l’ouverture du 68ème Festival de Cannes à l’occasion de laquelle le film a été projeté (film projeté à Cabourg, dans le cadre des séances sur la plage, Benoît Magimel a également reçu le Swann d’or -amplement mérité- du meilleur acteur pour ce film et Rod Paradot, le prix, tout aussi mérité, « Premier Rendez-Vous » ).

     

    tete

     

    fc33

     

    Le temps de débarrasser la scène du Grand Théâtre Lumière des apparats de l’ouverture, et nous voilà plongés dans un tout autre univers : le bureau d’une juge pour enfants (Catherine Deneuve), à Dunkerque. La tension est palpable. Le ton monte. Les éclats de voix fusent. Une femme hurle et pleure. Nous ne voyons pas les visages. Seulement celui d’un enfant, Malony, perdu au milieu de ce vacarme qui assiste, silencieux, à cette scène terrible et déroutante dont la caméra frénétique accompagne l’urgence, la violence, les heurts. Un bébé crie dans les bras de sa mère qui finalement conclut à propos de Malony qu’il est « un boulet pour tout le monde ». Et elle s’en va, laissant là : un sac avec les affaires de l’enfant, et l’enfant, toujours silencieux sur la joue duquel coule une larme, suscitant les nôtres déjà, par la force de la mise en scène et l’énergie de cette première scène, implacable. Dix ans plus tard, nous retrouvons les mêmes protagonistes dans le même bureau … Ce film est réalisé par Emmanuelle Bercot dont j’avais découvert le cinéma et l’univers si fort et singulier avec « Clément », présenté à Cannes en 2001, dans le cadre de la Section Un Certain Regard, alors récompensé du Prix de la jeunesse dont je faisais justement partie cette année-là. Depuis, je suis ses films avec une grande attention jusqu’à « Elle s’en va », en 2013, un très grand film, un road movie centré sur Catherine Deneuve, « né du désir viscéral de la filmer ». Avant d’en revenir à « La tête haute », je ne peux pas ne pas vous parler à nouveau de ce magnifique portrait de femme sublimant l’actrice qui l’incarne en la montrant paradoxalement plus naturelle que jamais, sans artifices, énergique et lumineuse, terriblement vivante surtout. C’est aussi une bouffée d’air frais et d’optimisme qui montre que soixante ans ou plus peut être l’âge de tous les possibles, celui d’un nouveau départ. En plus d’être tendre (parfois caustique mais jamais cynique ou cruel grâce à la subtilité de l’écriture d’Emmanuelle Bercot et le jeu nuancé de Catherine Deneuve), drôle et émouvant, « Elle s’en va » montre que, à tout âge, tout peut se (re)construire, y compris une famille et un nouvel amour. « Elle s’en va » est de ces films dont vous ressortez émus et le sourire aux lèvres avec l’envie d’embrasser la vie. Et contre toute attente, c’est aussi l’effet produit par « La tête haute » où il est aussi question de départ, de nouveau départ, de nouvelle chance. Avec beaucoup de subtilité, plutôt que d’imprégner visuellement le film de noirceur, Emmanuelle Bercot a choisi la luminosité, parfois le lyrisme même, apportant ainsi du romanesque à cette histoire par ailleurs particulièrement documentée, tout comme elle l’avait fait pour « Polisse » de Maïwenn dont elle avait coécrit le scénario. Le film est riche de ce travail en amont et d’une excellente idée, avoir toujours filmé les personnages dans un cadre judiciaire : le bureau de la juge, des centres divers… comme si toute leur vie était suspendue à ces instants. Le grand atout du film : son énergie et celle de ses personnages attachants interprétés par des acteurs judicieusement choisis. Le jeune Rod Paradot d’abord, l’inconnu du casting qui ne le restera certainement pas longtemps et qui a charmé l’assistance lors de la conférence de presse hier, avec son sens indéniable de la répartie (« la tête haute mais la tête froide »…), tête baissée, recroquevillé, tout de colère rentrée parfois hurlée, dont la présence dévore littéralement l’écran et qui incarne avec une maturité étonnante cet adolescent insolent et bravache qui n’est au fond encore que l’enfant qui pleure des premières minutes. Catherine Deneuve, ensuite, une nouvelle fois parfaite dans ce rôle de juge qui marie et manie autorité et empathie. L’éducateur qui se reconnaît dans le parcours de ce jeune délinquant qui réveille ses propres failles incarné par Benoît Magimel d’une justesse sidérante. La mère (Sara Forestier) qui est finalement l’enfant irresponsable du film, d’ailleurs filmée comme telle, en position fœtale, dans une très belle scène où les rôles s’inversent. Dommage (et c’est mon seul bémol concernant le film) que Sara Forestier ait été affublé de fausses dents (était-ce nécessaire ?) et qu’elle surjoue là où les autres sont dans la nuance, a fortiori les comédiens non professionnels, excellents, dans les seconds rôles. Ajoutez à cela des idées brillantes et des moments qui vous cueillent quand vous vous y attendez le moins : une main tendue, un « je t’aime »furtif et poignant, une fenêtre qui soudain s’est ouverte sur « Le Monde » (littéralement, si vous regardez bien…) comme ce film s’ouvre sur un espoir. Après « Clément », « Backstage », « Elle s’en va », Emmanuelle Bercot confirme qu’elle est une grande scénariste et réalisatrice avec qui le cinéma va devoir compter, avec ce film énergique et poignant, bouillonnant de vie, qui nous laisse avec un salutaire espoir, celui que chacun peut empoigner son destin quand une main se tend et qui rend un bel hommage à ceux qui se dévouent pour que les enfants blessés et défavorisés par la vie puissent grandir la tête haute. Un film qui « ouvre » sur un nouveau monde, un nouveau départ et une bouffée d’optimisme. Et ça fait du bien. Une très belle idée que d’avoir placé ce film à cette place de choix et de lui donner cette visibilité.

    Critique de « Respire » de Mélanie Laurent (le film ne fut pas projeté à Cabourg mais je tenais absolument à vous en parler à nouveau, Joséphine Japy ayant ENFIN eu la récompense qu’elle méritait pour ce film : le Swann d’or de la révélation féminine -elle fut souvent nommée cette année, de même que Lou de Laâge qui méritait tout autant cette récompense mais, à chaque fois, Adèle Haenel, l’a emporté face à elles).-Ma critique ci-dessous a été publiée suite à la projection du film dans le cadre du Festival du Film de Saint-Jean de Luz dans le cadre duquel je l’ai découvert).

    C’est dans le cadre du 1er Festival International du Film de Saint-Jean-de-Luz que j’ai eu le plaisir de découvrir le film  dont la réalisatrice avait obtenu le prix du public à Saint-Jean-de-Luz, il y a trois ans, pour son premier long métrage en tant que réalisatrice, « Les Adoptés». Elle avait alors également reçu le prix du jury.

     

    Il s’agit en effet du  nouveau film de Mélanie Laurent qui y présentait  son deuxième long métrage en tant que réalisatrice, « Respire ». Cette séance fut riche en émotions et pas seulement parce que ce fut la dernière d’un film en compétition de ce 1er Festival International du Film de Saint-Jean-de-Luz mais aussi parce que la réalisatrice avait fait le voyage, entre deux scènes avec Angelina Jolie pour qui elle tourne actuellement, pour parler (avec passion) de son film après la projection mais aussi parce que Dany Boon, actuellement en tournage à Saint-Jean-de-Luz du dernier film de Julie Delpy « Lolo » était présent, ce qui a donné lieu à de savoureux échanges. La vidéo (ci-dessus) de présentation du film avant la projection témoigne de la convivialité et la bonne humeur communicatives qui règnaient dans ce festival.

    respire

    Mélanie Laurent fait partie de ceux que certains aiment détester parce qu’elle a « le malheur » d’être une jeune femme polyvalente, déterminée et talentueuse dans chacun des domaines auxquels elle s’attèle : elle chante, joue, réalise. Une artiste à part entière guidée par le désir de créer. En est une nouvelle preuve la vidéo la mettant en scène, vidéo d’une méchanceté stupide, lâche et abjecte (qui avait pour seul mérite de démontrer, si besoin était, la puissance du montage cinématographique qui peut étayer n’importe quelle démonstration et orienter n’importe quel discours) qui a circulé récemment dans tous les médias qui l’ont repris comme si cela avait  valeur d’information, les mêmes médias parfois qui, lors du dernier Festival de Cannes, ont encensé « Respire » qui dénonce finalement cette perversité dont cette vidéo est finalement une forme de manifestation. La société, a fortiori médiatique, avide de cynisme et de détestation, et de détruire ceux qu’elle envie ou a encensé probablement dans un moment d’égarement, n’est pas à un paradoxe près. J’espère simplement que cela n’empêchera pas le film et da réalisatrice de connaître le succès qu’ils méritent.

    Ce nouveau film qui fut aussi présenté en séance spéciale à Cannes dans le cadre de la Semaine de la Critique 2014 est aussi sans aucun doute guidé par cet désir de créer, et de dire. Elle portait en effet ce projet de « Respire » depuis la parution du livre dont il est la libre adaptation, un premier roman éponyme d’Anne-Sophie Brasme de 2001.

    A cet âge où tout est essentiel, à la fois dérisoire et grave, passionné et viscéral, Charlie (Joséphine Japy), une jeune fille de 17 ans rencontre Sarah (Lou de Laâge). Sarah, c’est la nouvelle du lycée, celle que tout le monde « adopte »  et adore immédiatement, celle qui fascine, éblouit. La star immédiate du lycée. Sarah va choisir Charlie. Cette rencontre va peu à peu priver Charlie de souffle, l’enfermer dans une histoire étouffante d’amitié perverse…

    Dès le premier plan, Mélanie Laurent témoigne de sa parfaite maîtrise de son sujet et de sa caméra, franchissant encore une étape après « Les Adoptés ». L’évolution est flagrante dès le début du film.  Ce premier plan nous montre des toits tristement identiques de  pavillons de province. Lui succède celui d’une adolescente qui se lève  avec, hors-champ, les cris de ses parents qui se déchirent. Le décor est planté. L’apparente tranquillité n’est qu’un leurre.  Tout peut exploser, la tranquillité peut se briser, à tout instant.

    Au lycée, en cours, Charlie apprend les excès de la passion. Il suffisait de trouver un objet à celle-ci. Ce sera Sarah.  Peu à peu l’étau va se refermer sur Charlie, sa prison dans laquelle elle va elle-même s’enfermer. Mélanie Laurent distille progressivement des indices qui témoignent de la perversité de Sarah, créant un malaise et une empathie croissantes du spectateur pour Charlie. La tension est accentuée par une caméra à l’épaule, qui ne laisse pas de répit, suggère la survenance possible d’un drame. A tout moment. Comme un serpent prêt à surgir et étouffer sa proie.

    Comme sa mère qui pardonne toujours à son père, Charlie pardonnera toujours comme aveuglée, emprisonnée dans cette pseudo-amitié, dans sa fascination. Mélanie Laurent ne lâche ni ses actrices ni le spectateur, pas une seconde, tout comme Sarah ne lâche pas Charlie grâce à la qualité et la précision de son écriture (pas de plan superflu ou vain),  la beauté froide ou lumineuse des images ( comme ces plans de bord de mer dont la luminosité contraste intelligemment avec la noirceur de ce que commence alors à vivre Charlie) et  le talent de ses deux comédiennes (sans doute aussi très bien dirigées) qui crèvent littéralement l’écran. Va  s’opérer un glissement progressif du drame social vers le thriller. Planent les ombres de Chabrol, Hitchcock, Gus Van Sant, Sofia Coppola (sans les tics parfois mode-rne-s de cette dernière) mais surtout celle d’une nouvelle cinéaste qui ne cite pas les autres mais construit sa propre filmographie et ses propres codes : Mélanie Laurent.

    Le film est aussi jalonné de moments de grâce comme lorsque les deux jeunes filles dansent sur « You and Me » de Disclosure, exacerbant encore la noirceur de ce qui suivra et le sentiment de prison sans échappatoire pour Charlie.

    Après la projection, Mélanie Laurent a raconté avoir découvert Lou de Laâge dans « J’aime regarder les filles », le magnifique premier film de Frédéric Louf qui avait révélé un autre immense comédien, Pierre Niney. Je me réjouis encore d’avoir fait partie du jury qui avait récompensé Lou de Laâge au Festival International du Film de Boulogne-Billancourt pour « Nino, une adolescence imaginaire de Nino Ferrer » de Thomas Bardinet.  Ici, elle excelle une nouvelle fois dans ce rôle de manipulatrice qui, sous des abords au départ particulièrement affables, va  se révéler venimeuse, double, perverse. Face à elle, Joséphine Japy est époustouflante, interprétant avec beaucoup de nuances, notamment grâce à d’éloquents silences, sa souffrance indicible. C’est d’autant plus impressionnant qu’une vingtaine de séquences ont été improvisées. Mélanie Laurent a ainsi passé 4 mois à travailler avec ses actrices pour seulement 6 semaines de tournage.

    Un film à la fois intemporel (Mélanie Laurent ne situe d’ailleurs pas vraiment l’intrigue dans une époque précise) et dans l’air du temps (mais qui ne cherche pas à l’être) qui peut-être en aidera certain(e)s à fuir et ne pas se laisser enfermer par ces « ami(e)s » toxiques qui, avancent masqué(e)s, séduisent tout le monde avec une habileté et une ingénuité fourbes, pour mieux  exclure la proie choisie, se l’accaparer, puis la détruire. Un film dont la brillante construction met en lumière la noirceur et la détermination destructrices de ces êtres, nous plongeant avec Charlie dans cet abyme mental en apparence inextricable.

    Un film d’une remarquable maîtrise et justesse, au parfum pernicieusement envoûtant, prenant, parfaitement maîtrisé du premier au dernier plan qui est d’une logique aussi violente qu’implacable. Le dénouement apparaît en effet finalement comme la  seule respiration et la seule issue possibles. Un film qui m’a laissée à bout de souffle, longtemps après le générique de fin.

    Et si vous n’ êtes pas encore convaincus, voici les mots de Dany Boon à la fin de la projection qui auront pour vous peut-être plus de poids que les miens : « J’ai trouvé le film très maîtrisé, incroyable. La fin est très prenante. Film bouleversant, d’une justesse incroyable, je suis très impressionné ».

     

    A voir également:

    betises2.jpg

    « Les Bêtises » de Rose et Alice Philippon dont c’est le premier long-métrage, à voir pour Jérémie Elkaïm, lunaire, burlesque, attendrissant, entre Pierre Richard et M. Hulot, absolument irrésistible…et pour Sara Giraudeau dont le personnage possède un charme et une maladresse tout aussi irrésistibles. Un film à l’humour tendre et décalé, une bulle de champagne récréative .

    « Un moment d’égarement » de Jean-François Richet (dans un genre nouveau et inattendu), remake d’un film écrit et réalisé par Claude Berri-c’est son  films Thomas Langmann qui est l’initiateur et le producteur du projet- avec Marielle et Lanoux remplacé ici par Cassel et Cluzet, dont on aurait parfois aimé qu’il bascule vers le drame (aux frontières duquel il se situe parfois et pour lequel le film dont il est l’adaptation avait davantage opté). A été choisie la voie du divertissement qui tient d’ailleurs ses promesses avec un duo de grands acteurs qui fonctionne parfaitement (Cassel – Cluzet) et deux jeunes actrices très prometteuses: Lola Le Lann et Alice Isaaz. A noter, une excellente BO dont « I Follow Rivers » de Lykke Li déjà indissociable de « La Vie d’Adèle ». 

    egarement.jpg

    « Lessons in love » de Fred Schepisi qui a reçu le prix du public , à voir d’abord et surtout pour Juliette Binoche qui, une fois de plus, crève l’écran et qui incarne ici  Dina Delsanto, une peintre abstraite autrefois célèbre pour son art (Juliette Binoche a réellement peint les œuvres présentées, réalisées pour le film), reconvertie en enseignante, à cause d’une polyarthrite précoce. Elle rencontre une ancienne star littéraire et en crise personnelle, Jack (Clive Owenà) qui n’a pas publié depuis des années. Il retrouve son inspiration au travers d’une rivalité avec cette dernière. Ils embrigaderont leurs élèves dans une joute pour savoir quelle est la plus belle forme d’art : les images ou les mots.  Un bel hommage à la force et la beauté de ces deux arts.

    cabourg4.jpg

     PALMARES DU FESTIVAL DU FILM DE CABOURG 2015

    cb10.jpg

    Juliette Binoche (présidente du jury) étaitaccompagnée de : Jérôme Bonnell (réalisateur), Luís Galvão Teles (réalisateur et producteur), Maxime Nucci (compositeur-interprète et acteur), Raphaël Personnaz (acteur), Céline Sallette (actrice), Guillaume Schiffman (directeur de la photographie), Gilles Taurand (scénariste) et Mélanie Thierry (actrice).

    Grand Prix

    L’Éveil d’Edoardo de Duccio Chiarini 

    Prix Spécial du jury

    Zurich de Sacha Polak

    Prix de la jeunesse

    L’Éveil d’Edoardo de Duccio Chiarini

    Prix du Public essilor

    Lessons In Love de Fred Schepisi

    Section courts Métrages

    Meilleur Court Métrage

    Copain de Jan et raf roosens

    Meilleures actrices Louisiane Gouverneur et Ilys barillot dans « À qui la faute » de Anne-Claire Jaulin

    Meilleur Acteur benoit Hamon dans « Jeunesse des loups garous » de Yann Delattre

    Swann d’or

    Révélation féminine

    Joséphine Japy dans Respire de Mélanie Laurent

    Révélation Masculine Kévin Azaïs dans Les Combattants de Thomas Cailley

    Meilleure actrice

    Anaïs Demoustier dans À trois on y va de Jérôme Bonnell

    Meilleur Acteur

    Benoît Magimel dans La Tête haute d’Emmanuelle Bercot

    Meilleur Film

    Caprice d’Emmanuel Mouret

    Meilleur réalisateur

    Arnaud Desplechin pour Trois souvenirs de ma jeunesse

    Meilleur Premier Film

    Clovis Cornillac pour Un Peu, Beaucoup, Aveuglément

    Coup de Cœur

    Michel legrand

    Prix Premier rendez-Vous

    Pour une actrice

    Sophie Verbeeck dans À trois on y va de Jérôme Bonnell

    Pour un acteur Rod Paradot dans La Tête haute d’Emmanuelle Bercot

    Quelques clichés complémentaires: 

    cab20.jpg

    cab21.jpg

    cab27.jpg

    cab23.jpg

    Ci-dessus, le Grand Hôtel de Cabourg et son excellent tea time (testé et approuvé).

    cab22.jpg

    Merci à la joyeuse et très sympathique équipe de Dr. Hauschka (partenaire du festival) pour le chaleureux accueil dans leur chambre du Grand Hôtel.

    cab30.jpg

    deauville50.jpg

    Ci-dessus, je ne pouvais pas aller à Cabourg sans faire une escale à Deauville et l’immortaliser une nouvelle fois.

    dupont.jpg

    Chaque journée débutait par le petit déjeuner chez « Dupont avec un thé » (présent à Cabourg, Deauville, Trouville et Dives), réputé (à raison) pour ses succulentes viennoiseries et pâtisseries -mention spéciale pour le fraisier-.

    cab28.jpg

    A lire également:

    Mon avis sur l’hôtel Les Bains de Cabourg

     

  • Critique de COMME LES 5 DOIGTS DE LA MAIN d'Alexandre Arcady ce soir à 20H45 sur Ciné + Emotion

    comme.jpg

     

    Les Hayoun. Cinq frères semblables et très différents dont le père est mort très tôt. L'aîné, Dan,  (Patrick Bruel) dirige un restaurant.  D'ailleurs, il dirige aussi la famille. Il a repris le rôle du patriarche avec trois de ses frères que sont Jonathan (Pascal Elbé), le pharmacien nerveux, le plus religieux et doux des trois qui tient aux valeurs de la famille ; Julien (Eric Caravaca), professeur, un peu décalé ; Michael (Mathieu Delarive), le chien fou qui brûle son existence et son argent au pocker. Enfin, il y a le cadet David (Vincent Elbaz) avec lequel c'est plus compliqué : il s'est éloigné de la famille depuis plusieurs années et réapparaît brusquement et avec lui un lourd secret.  Les cinq frères vont alors s'unir pour défendre et venger la mémoire de leur père assassiné. Quant à leur mère Suzie, elle survit grâce à l'amour de ses fils et des traditions juives qu'elle suit scrupuleusement.

    Tout au long de sa filmographie, Alexandre Arcady s'est attaché à dépeindre la communauté juive et l'exil (il quitte l'Algérie devenue indépendante pour la France à 15 ans) souvent associées à des thématiques mafieuses (Le Grand Pardon) ou policières (Hold up, L'Union sacrée). Sans doute ses détracteurs s'attendaient-ils à une sorte de Grand Pardon 3. Or avec ce nouveau film Arcady, (même si la trame de fond est policière), s'est avant tout attaché à dépeindre la vie familiale et à faire l'éloge de l'amour fraternel.

     Les quarante premières minutes du film, il s'attèle ainsi à montrer chacun des frères ensemble puis individuellement dans leurs milieux respectifs mettant l'accent sur leurs différences mais aussi leur solidarité. Autour d'eux gravitent quelques femmes : l'épouse fidèle de Jonathan, l'épouse séduisante et séductrice de Dan, Linda ( Caterina Murino). Le retour de David  va venir briser un moment cette harmonie fragile, une rancœur passée le liant à Dan, avant que la solidarité familiale ne reprenne le dessus.

     Cette famille prend vie sous nos yeux et le spectateur s'attache assez rapidement aux protagonistes (en tout cas, je m'y suis attachée) regrettant néanmoins que certains personnages ne soient pas davantage fouillés, esquissés comme autant d'histoires possibles. Ce qui se justifie néanmoins puisque ce sont les cinq frères le cœur de l'histoire et non ceux qui gravitent autour d'eux. Sans doute certains ont-ils été déçus s'attendant à un thriller âpre et haletant, et même si la vie confortable des cinq frères bascule dans la violence, là n'était de toute façon pas le sujet.  Un plan rappelant d'ailleurs « Vincent, François, Paul et les autres » de Claude Sautet (film phare sur l'amitié), le souligne d'ailleurs.

    sautet.jpg

    C'est dans les face-à-face entre deux personnages qu'Arcady est ici le meilleur pour créer la tension et donner du souffle à l'intrigue: les deux frères Dan et David l'un face à l'autre (sans doute ce face-à-face aurait-il été meilleur si David avait été interprété par Anconina comme c'était initialement prévu), ou Dan face à sa femme Linda, couple  électrique qui doit sa crédibilité à la fois au magnétisme de Patrick Bruel, dont c'est la cinquième et judicieuse collaboration avec Arcady (qui a aussi prouvé notamment dans le très beau film de Claude Miller, « Un secret », qu'il pouvait avoir des rôles beaucoup plus en retenue), et de Caterina Murino. Des scènes beaucoup plus porteuses de tension que l'assaut final où les cinq frères ont beaucoup plus l'air de jouer à la guerre que de se battre.

    Alors certes le dénouement est superflu et larmoyant (encore qu'il soit justifié par le thème de départ), et le traitement parfois désuet ou archétypal (ce qui d'ailleurs contribue au rythme et à l'efficacité) mais c'est aussi parfois ce que l'on attend du cinéma, de ce cinéma et qu'on pardonne d'ailleurs beaucoup plus facilement aux films venus d'Outre-Atlantique. Quant à la musique, elle n'est pas plus omniprésente que dans un film d'Olivier Marchal, et est toujours au service du sujet et de l'atmosphère. En tout cas, rien ne justifiait cet emballement contre ce film qui est ce qu'il aspirait à être : un film très divertissant qui dépeint une communauté et fait l'éloge de l'amour filial et fraternel. Dussé-je être la seule, si vous souhaitez passer un bon moment, je vous recommande « Comme les cinq doigts de la main » qui sera au moins aussi efficace qu'une grande majorité de blockbusters américains et a le mérite de tenir ses promesses et d'être réalisé par un cinéaste sincère et fidèle à ses thèmes de prédilection et sans doute à ses racines dont ils sont indissociables.

  • Critique de GRAVITY d'Alfonso Cuarón à 20H45 sur Ciné + Emotion

    gravity.jpg

     

    Voilà un film qui a fait parler de lui bien avant sa présentation en ouverture de la 70ème Mostra de Venise et le Festival de Toronto dans le cadre desquels il a été projeté, bien avant sa sortie, le terme de chef d’œuvre ayant même été employé par les plus dithyrambiques des critiques. Son réalisateur (« Harry Potter et le Prisonnier d'Azkaban » mais aussi « Les Fils de l'homme »...), l’atypisme du projet, la prouesse (les prouesses) technique(s), tout cela, notamment, contribuait à en faire un évènement. Lors de l'avant-première dans le cadre de laquelle je l'avais découvert, le film n’était pas encore commencé que déjà résonnaient dans la salle des sons inquiétants et assourdis, pour nous plonger dans l’atmosphère oppressante du film. Et ce n’était qu’un avant-goût d’un périple époustouflant et mémorable !

    Pour sa première expédition à bord d'une navette spatiale, le docteur Ryan Stone (Sandra Bullock), brillante experte en ingénierie médicale, accompagne l'astronaute chevronné Matt Kowalski –oui Kowalski !- (George Clooney). Mais, alors qu'il s'agit apparemment d'une banale sortie dans l'espace, à l'autre bout de la Terre, la destruction délibérée d'un satellite hors d'usage a propagé des fragments de métal coupants à travers l'espace qui risquent désormais de heurter brutalement Explorer. L'impact est inévitable. Ses conséquences sont catastrophiques. La navette est détruite. Ryan Stone et Matt Kowalski sont les seuls rescapés. Toute communication avec la mission de contrôle est coupée et les deux survivants n'ont plus aucune chance d'être secourus.

    Lorsque la navette est pulvérisée, Stone et Kowalski se retrouvent totalement seuls, livrés à eux-mêmes dans l'univers. Et nous avec eux. Perdus dans cette immensité aussi majestueuse que redoutable. Le silence autour d'eux est assourdissant. Terrifiant. Matt continue d’expliquer ce qu’ils entreprennent, à donner leur position dans l’espace, à « Houston » qui ne les reçoit plus. Il continue à croire en la moindre chance d'être sauvé. Les réserves d’oxygène vont se raréfier. Je vous laisse imaginer le bonheur de la situation… Le titre prend alors tout son (double) sens.

    « À 600 km au-dessus de la Terre, la température oscille entre – 100° et + 125° C. Il n'y a rien pour propager le son. Pas de pression atmosphérique. Pas d'oxygène. » Ainsi débute «Gravity ». En plan large, dans une immensité obscure, teintée de la lumière de quelques astres.  Puis on se rapproche de deux voix, deux personnages, jusqu’à ce que la caméra les enferme, et nous avec eux. L’infiniment grand et l’infiniment petit. L’espace et la claustrophobie.  L’univers et la solitude. Nous voilà partis pour un voyage riche de contrastes saisissants que nous n’oublierons pas de sitôt.

    Kowalski donc. Ainsi se nomme ici George Clonney. Matt et non Stanley, lequel n’a rien ici à voir avec le personnage éponyme d’ « Un tramway nommé désir », malgré leur similarité patronymique. Quoique, d’une certaine manière, ce film aurait aussi pu se nommer « Un tramway nommé désir ». Il n’y a pas de hasards dans le scénario coécrit par Alfonso Cuarón et son fils Jonás. "C'est Jonás qui m'a souvent inspiré" a ainsi déclaré le premier. "J'ai été frappé par son sens du rythme dans une situation où la moindre décision peut être fatale et qui s'attache au point de vue d'un seul personnage. Mais dans le même temps, le fait de situer l'intrigue dans l'espace nous a permis d'enrichir la dramaturgie et de multiplier les interprétations métaphoriques".

    D’abord, il faut l’avouer : le résultat est spectaculaire, vertigineux, oppressant. Brutal et poétique. Les sensations de solitude, de claustrophobie et même d’apesanteur traversent l’écran, non pas en raison de la 3D (qui n’est finalement pas la plus grande responsable de l’immersion) mais de l’interprétation et de la virtuosité de la mise en scène. La salle de cinéma délivre toute sa splendeur, et ses pouvoirs magiques, parfois oubliés. Le cinéma nous emmène littéralement ailleurs, nous ouvre d’autres horizons, nous embarque dans une autre sphère, qui finalement nous ramène à la nôtre. Les magistraux plans-séquences nous empêchent de reprendre notre souffle, nous aussi privés d’oxygène, rivés à l’écran, accrochés à notre siège, le souffle coupé (j’ai littéralement eu l’impression de retenir mon souffle !), seuls dans/malgré la foule de la salle de cinéma, aussi tétanisée.

    Le personnage de George Clooney sert de respiration dans ce cauchemar, jouant aussi avec son image de séducteur (jusqu’aux confins de l’univers et dans une situation qui peut difficilement être plus désespérée), pour mieux nous bouleverser dans une scène que le souhait de ne pas spoiler m’empêche de vous raconter mais une scène dont je peux vous dire qu’elle est d’une intensité rare et bouleversante. Et ce n’est que le début du voyage… Nous voilà nous aussi prisonniers de l’immensité de l’univers, avec la terre à portée de regard et inaccessible, sublime, même lorsque nous ne faisons que l’imaginer et que Kowalski loue la beauté du Gange qu’il entrevoit.

    Le seul reproche que je pourrais faire concerne un symbolisme appuyé, comme de longues secondes sur la position fœtale de Ryan pour nous signifier la naissance puis la renaissance de cette dernière qui  se relève, finalement, (là aussi lors d’une scène très explicite et non moins magnifique d’ailleurs). Parce que c’est avant tout cela. L’histoire d’une renaissance. D’une femme qui va avoir le choix que nous avons tous suite à un drame (deux en l’occurrence). Sombrer ou affronter. Abandonner ou essayer de survivre jusqu’à l’ultime seconde. L’ultime espoir. Même dans la solitude. Même dans l’obscurité. Même lorsqu’il reste à peine un souffle de vie. Dans les situations les plus extrêmes, l’Homme peut dépasser ses limites. Ce n’est sans doute pas un hasard si elle reprend les aboiements entendus à la radio, se retrouvant face à elle-même, son animalité, aussi.  D’où l’universalité malgré le caractère exceptionnel de la situation car c’est avant tout l’histoire d’une femme, à la fois vulnérable et forte qui a subi un choc, et a le choix entre abandonner et se relever (au propre comme au figuré), abandonner tout espoir ou croire en la vie malgré tout. Comme cette terre (mère), majestueuse et fière, malgré tous les affronts qu’elle a subis.

    En cela, « All is lost » auquel il fait évidemment penser (je vous ai dit dans le magazine « L’ENA hors les murs » tout le bien que j’en pensais, ici), le dépasse par son refus de la moindre facilité scénaristique. JC Chandor, comme Cuarón, place l’homme face à ses solitudes, ses forces et ses faiblesses. Seul face à la folle et splendide violence des éléments, de la terre, de l’univers. Seul face à nous. Avec nous. Seul face à lui-même. Seul face à l’Océan Indien à perte de vue. Ou l’univers. Seul face à la force des éléments et face à ses propres faiblesses. Seul face à la nature. Dans les deux cas, cela pourrait être ennuyeux…et c’est passionnant, palpitant, terrifiant, sublime, et parfois tout cela à la fois.

    Cuarón s'est entouré du chef-opérateur Emmanuel Lubezki à qui l’on doit des plans d’une beauté époustouflante en particulier un vers la fin d’une puissance émotionnelle renversante. D’autres, grâce à une mise en scène chorégraphiée, nous donnent l’impression que Ryan danse dans l’espace. Danse avec la mort. Danse avec la vie. Les effets visuels supervisés par Tim Webber  sont tellement magistraux qu’on s’y croirait et que nous aurions envie de la rejoindre dans cette danse macabre.

    Que dire du travail sur le son et de la musique composée par Steven Price ?  « Gravity » fait une des plus belles (une des trop rares d’ailleurs) utilisations du silence au cinéma. Pas un bruit dans la salle ne viendra troubler ces moments magiques et terribles, renforçant notre impression d’immersion.

    Thriller, allégorie, science fiction, film métaphysique, film catastrophe, oui, « Gravity » c’est tout cela mais c’est avant tout une expérience, visuelle et sensorielle, hors du commun qui, justement parce qu’elle est hors du commun nous fait oublier les quelques facilités scénaristiques, dans les dialogues/monologues parfois aussi. Nous regrettons même que le cauchemar ne s’éternise pas plus longtemps, me rappelant ainsi les sensations éprouvées après avoir vu un autre film qui relevait de l’expérience, « Inception », dans lequel le personnage principal accomplissait l’impossible : subtiliser et manipuler les rêves. Ici Cuarón manipule nos pires cauchemars, dont celui de solitude dans l’immensité de l’univers, pour mieux nous faire appréhender l’indicible beauté de la vie et de la terre. Prenez votre ticket pour l’espace, pour ce tour de manège à la beauté poétique, crépusculaire, envoûtante bien que terrifiante. Laissez-vous enivrer par cette odyssée dans l’espace, à la fois lointain et tellement universel, et cette leçon de courage.  Acceptez de vous perdre dans l’univers, de vous laisser embarquer, pour mieux renaitre et vous relever. Oui, une leçon d'espoir. Et de cinéma. Qui s’achève de manière éblouissante et poignante. Et nous laisse à terre. Littéralement.

  • César 2016 : nominations complètes commentées

     

    cesar2016.png

    cesar2.jpg

    Ce matin, à 10H, au Fouquet's, sur les Champs-Elysées, avait lieu la conférence de presse d'annonce des nommés aux César 2016, l'occasion de se rappeler à quel point la production cinématographique française fut riche et diversifiée en 2015 mais aussi à quel point le Festival de Cannes est un découvreur de grands films et de talents tant sont nombreux les films en lice pour ces César 2016 présentés dans les différentes sélections du Festival de Cannes 2015 et même primés.

    douglas.jpg

    La cérémonie aura lieu le 26 février 2016 au Théâtre du Châtelet. La maîtresse de cérémonie sera Florence Foresti. Le César d'honneur sera décerné à Michael Douglas.

    Cliquez ici pour retrouver mon compte rendu de la cérémonie des César 2015.

    cesar2015.jpg

    En tête de ces nominations 2016 figurent "Marguerite" de Xavier Giannoli (11 nominations), "Trois souvenirs de ma jeunesse" d'Arnaud Desplechin (11 nominations), "Dheepan" de Jacques Audiard (9 nominations) et  "Mustang" de Deniz Gamze Ergüven (9 nominations) .

    souvenirs.jpg

    Suivent ensuite: "Mon roi" de Maïwenn (8 nominations), "La tête haute" d'Emmanuelle Bercot (8 nominations), "Les Cowboys" (4 nominations), "Fatima" de Philippe Faucon (4 nominations), "Valley of love" de Guillaume Nicloux ( 3 nominations), "Journal d'une femme de chambre" de Benoît Jacquot (3 nominations), "La loi du marché " de Stéphane Brizé (3 nominations).

    tete2.jpg

    Sont particulièrement réjouissants:

    loi3.jpg

    -les 3 nominations pour "La loi du marché" de Stéphane Brizé (meilleur acteur, meilleure réalisation, meilleur acteur) même si le film en aurait mérité plus et notamment pour le scénario. Vincent Lindon avait déjà reçu le prix d'interprétation masculine (amplement mérité) lors du dernier Festival de Cannes pour ce rôle d'homme que la loi du marché infantilise, aliène, broie et à laquelle avec une justesse sidérante il oppose sa dignité, son humanité, sa fragilité. Retrouvez ma critique de "La loi du marché" en cliquant ici.

    valley5.jpg

    -les nommés comme meilleur acteur même si la "concurrence" sera particulièrement rude avec notamment Depardieu, Damiens, Luchini, Lindon, Cassel entre lesquels mon cœur balance même s'ils sont tous remarquables dans leurs rôles respectifs. Un prix pour Vincent Lindon me ravirait de même qu'un prix pour Depardieu pour le sublime "Valley of love" reparti bredouille du dernier Festival de Cannes et pour lequel Isabelle Huppert est également nommée. Certaines phrases du film résonnent avec d’autant plus de justesse qu’elles sont dites par des comédiens qui les prononcent avec une infinie délicatesse, qui trouvent constamment la note juste : « Si on se met à détester quelqu’un avec qui on a vécu c’est qu’on ne l’a jamais vraiment aimé. Quand on aime quelqu’un c’est pour toujours. » La force de ces deux immenses comédiens est de malgré tout nous faire oublier Depardieu et Huppert et de nous laisser croire qu’ils sont ces Isabelle et Gérard qu'ils incarnent. Et il leur suffit de lire une lettre dans le décor épuré d’une chambre, sans autre artifice que leur immense talent, pour nous émouvoir aux larmes sans parler de cette scène finale bouleversante qui m’a ravagée. Retrouvez ma critique de "Valley of love" ici.

    anarchistes.jpg

    -les nominations comme meilleur espoir masculin de Rod Paradot et Swann Arlaud. Le premier crève l'écran dans "La tête haute" d'Emmanuelle Bercot et je me souviens encore de son étonnante maturité lors de la conférence de presse du Festival de Cannes qui avait estomaqué l'assistance. Quant à Swann Arlaud (nommé pour "Les Anarchistes"), c'est un comédien d'une justesse remarquable, avec un supplément d'âme qui le rend unique et que j'avais remarqué il y a longtemps déjà dans un court-métrage présenté au Festival du Film de Cabourg. - Retrouvez ma critique de "La tête haute" en cliquant ici.-

    hermine2.jpg

    -la nomination de Sidse Babett Knudsen pour "L'Hermine" de Christian Vincent. Par sa spontanéité et sa vérité éclatantes, elle fait d’autant plus sortir le juge Racine (Luchini) de son rôle. L'absence de nomination du film pour le scénario est un mystère. Cliquez ici pour lire ma critique de "L'Hermine".

    J'espère que ce César du meilleur scénario reviendra à "La tête haute" d'Emmanuelle Bercot. Après « Clément », « Backstage », «  Elle s’en va », Emmanuelle Bercot confirme qu’elle est une grande scénariste et réalisatrice (et actrice comme l'a prouvé son prix d'interprétation cannois pour  "Mon roi") avec qui le cinéma va devoir compter, avec ce film énergique et poignant, bouillonnant de vie, qui nous laisse avec un salutaire espoir, celui que chacun peut empoigner son destin quand une main se tend (au propre comme au figuré) et qui rend un bel hommage à ceux qui se dévouent pour que les enfants blessés et défavorisés par la vie puissent grandir la tête haute. Un film qui « ouvre » sur un nouveau monde (là aussi au propre comme au figuré), un nouveau départ et une bouffée d’optimisme. Et ça fait du bien. Une très belle idée que d’avoir placé ce film à cette place de choix d'ouverture du 68ème Festival de Cannes et de lui donner cette visibilité.

    marguerite.jpg

    -les nominations comme meilleure actrice pour Isabelle Huppert et Catherine Deneuve Là aussi, mon cœur balance. Elles seront face à Loubna Abidar, Emmanuelle Bercot, Cécile de France, Catherine Frot, Soria Zeroual. Il est probable que  Catherine Frot l'emportera même si je suis restée hermétique à ce film et a fortiori à sa prestation et à ce personnage. Catherine Deneuve est une nouvelle fois remarquable dans ce rôle de juge dans "La tête haute", pour lequel elle marie et manie avec brio autorité et empathie. Espérons qu'il lui permettra de décrocher ce César.

    mai4.jpg

    -la nomination d'Ennio Morricone pour la meilleure musique de "En mai fais ce qu'il te plaît"

    -la nomination de Benoît Magimel comme meilleur second rôle pour son rôle d'éducateur dans "La tête haute", qui se reconnaît dans le parcours de ce jeune délinquant incarné par Rod Paradot qui réveille ses propres failles. Il y est remarquable.

    mia.jpg

    -les nominations comme meilleur film étranger de Birdman, Le fils de Saul, Je suis mort mais j'ai des amis, Mia Madre, Taxi Téhéran, Le tout nouveau testament, Après le déluge, Youth. Le choix sera là aussi cornélien notamment entre le film de Laszlo Nemes, "Le fils de Saul" (un 1er film, que d’intelligence dans cette utilisation du son, de la mise en scène étouffante, du hors champ, du flou pour suggérer l’horreur ineffable de camps de concentration, ce qui nous la fait d’ailleurs appréhender avec plus de force encore que si elle était montrée) ou encore "Mia madre" (L’illusion de légèreté du cinéma pour tenter d’affronter le gouffre étourdissant de la mort et du lendemain après la perte forcément insensée d’un parent. Un film pudique, profondément émouvant et un regard final qui vous hante longtemps après la projection et qui me hante et bouleverse encore.) ou encore "Taxi Téhéran"à la mise en scène particulièrement rusée et brillante (ma critique à suivre).

    taxi.jpg

    -les multiples nominations des grands films projetés et parfois primés au dernier Festival de Cannes: "Dheepan" (palme d'or"), "La loi du marché" (prix d'interprétation masculine), "Mon roi" (prix d'interprétation féminine), "La tête haute" (film d'ouverture), "Le fils de Saul" (grand prix) etc. 

    dheepan3.jpg

     

    NOMINATIONS 2016

     

    Sont nommées pour le César du Meilleur Espoir Féminin

    CAMILLE COTTIN dans CONNASSE, PRINCESSE DES CŒURS

    SARA GIRAUDEAU dans LES BÊTISES

    ZITA HANROT dans FATIMA

    DIANE ROUXEL dans LA TÊTE HAUTE

    LOU ROY-LECOLLINET dans TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Espoir Masculin

    SWANN ARLAUD dans LES ANARCHISTES

    QUENTIN DOLMAIRE dans TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

    FÉLIX MOATI dans À TROIS ON Y VA

    FINNEGAN OLDFIELD dans LES COWBOYS

    ROD PARADOT dans LA TÊTE HAUTE

     

    Sont nommées pour le César de la Meilleure Actrice dans un Second Rôle

    SARA FORESTIER dans LA TÊTE HAUTE

    AGNÈS JAOUI dans COMME UN AVION

    SIDSE BABETT KNUDSEN dans L’HERMINE

    NOÉMIE LVOVSKY dans LA BELLE SAISON

    KARIN VIARD dans 21 NUITS AVEC PATTIE

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Acteur dans un Second Rôle

    MICHEL FAU dans MARGUERITE

    LOUIS GARREL dans MON ROI

    BENOÎT MAGIMEL dans LA TÊTE HAUTE

    ANDRÉ MARCON dans MARGUERITE

    VINCENT ROTTIERS dans DHEEPAN

     

    Sont nommées pour le César de la Meilleure Actrice

    LOUBNA ABIDAR dans MUCH LOVED

    EMMANUELLE BERCOT dans MON ROI

    CÉCILE DE FRANCE dans LA BELLE SAISON

    CATHERINE DENEUVE dans LA TÊTE HAUTE

    CATHERINE FROT dans MARGUERITE

    ISABELLE HUPPERT dans VALLEY OF LOVE

    SORIA ZEROUAL dans FATIMA

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Acteur

    JEAN-PIERRE BACRI dans LA VIE TRÈS PRIVÉE DE MONSIEUR SIM

    VINCENT CASSEL dans MON ROI

    FRANÇOIS DAMIENS dans LES COWBOYS

    GÉRARD DEPARDIEU dans VALLEY OF LOVE

    ANTONYTHASAN JESUTHASAN dans DHEEPAN

    VINCENT LINDON dans LA LOI DU MARCHÉ

    FABRICE LUCHINI dans L’HERMINE

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Scénario Original

    NOÉ DEBRÉ, THOMAS BIDEGAIN, JACQUES AUDIARD pour DHEEPAN

    XAVIER GIANNOLI pour MARGUERITE

    DENIZ GAMZE ERGÜVEN, ALICE WINOCOUR pour MUSTANG

    EMMANUELLE BERCOT, MARCIA ROMANO pour LA TÊTE HAUTE

    ARNAUD DESPLECHIN, JULIE PEYR pour TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

     

    Sont nommés pour le César de la Meilleure Adaptation

    DAVID OELHOFFEN, FRÉDÉRIC TELLIER pour L’AFFAIRE SK1

    SAMUEL BENCHETRIT pour ASPHALTE

    VINCENT GARENQ, STÉPHANE CABEL pour L’ENQUÊTE

    PHILIPPE FAUCON pour FATIMA

    HÉLÈNE ZIMMER, BENOIT JACQUOT pour JOURNAL D’UNE FEMME DE CHAMBRE

     

    Sont nommés pour le César de la Meilleure Musique Originale

    RAPHAËL pour LES COWBOYS

    ENNIO MORRICONE pour EN MAI, FAIS CE QU’IL TE PLAÎT

    STEPHEN WARBECK pour MON ROI

    WARREN ELLIS pour MUSTANG

    GRÉGOIRE HETZEL pour TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

     

    Sont nommés pour le César des Meilleurs Costumes

    ANAÏS ROMAND pour JOURNAL D’UNE FEMME DE CHAMBRE

    PIERRE-JEAN LARROQUE pour MARGUERITE

    SELIN SÖZEN pour MUSTANG

    CATHERINE LETERRIER pour L’ODEUR DE LA MANDARINE

    NATHALIE RAOUL pour TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

     

    Sont nommés pour le César des Meilleurs Décors

    MICHEL BARTHÉLÉMY pour DHEEPAN

    KATIA WYSZKOP pour JOURNAL D’UNE FEMME DE CHAMBRE

    MARTIN KUREL pour MARGUERITE

    JEAN RABASSE pour L’ODEUR DE LA MANDARINE

    TOMA BAQUENI pour TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

    Sont nommés pour le César de la Meilleure Photo

    EPONINE MOMENCEAU pour DHEEPAN

    GLYNN SPEECKAERT pour MARGUERITE

    DAVID CHIZALLET pour MUSTANG

    IRINA LUBTCHANSKY pour TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

    CHRISTOPHE OFFENSTEIN pour VALLEY OF LOVE

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Montage

    JULIETTE WELFLING pour DHEEPAN

    CYRIL NAKACHE pour MARGUERITE

    SIMON JACQUET pour MON ROI

    MATHILDE VAN DE MOORTEL pour MUSTANG

    LAURENCE BRIAUD pour TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Son

    DANIEL SOBRINO, VALÉRIE DELOOF, CYRIL HOLTZ pour DHEEPAN

    FRANÇOIS MUSY, GABRIEL HAFNER pour MARGUERITE

    NICOLAS PROVOST, AGNÈS RAVEZ, EMMANUEL CROSET pour MON ROI

    IBRAHIM GÖK, DAMIEN GUILLAUME, OLIVIER GOINARD pour MUSTANG

    NICOLAS CANTIN, SYLVAIN MALBRANT, STÉPHANE THIÉBAUT pour TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

     

    Sont nommés pour le César de la Meilleure Réalisation

    JACQUES AUDIARD pour DHEEPAN

    STÉPHANE BRIZÉ pour LA LOI DU MARCHÉ

    XAVIER GIANNOLI pour MARGUERITE

    MAÏWENN pour MON ROI

    DENIZ GAMZE ERGÜVEN pour MUSTANG

    EMMANUELLE BERCOT pour LA TÊTE HAUTE

    ARNAUD DESPLECHIN pour TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Film de Court Métrage

    LA CONTRE-ALLÉE réalisé par CÉCILE DUCROCQ, produit par STÉPHANE DEMOUSTIER, GUILLAUME DREYFUS

    LE DERNIER DES CÉFRANS réalisé par PIERRE-EMMANUEL URCUN, produit par PIERRE-EMMANUEL URCUN, ROY ARIDA, VINCENT LE PORT, LOUIS TARDIVIER

    ESSAIE DE MOURIR JEUNE réalisé par MORGAN SIMON, produit par JESSICA ROSSELET

    GUY MOQUET réalisé par DEMIS HERENGER, produit par NAÏM AÏT-SIDHOUM, JULIEN PERRIN, ELSA MINISINI, ÉLISABETH PAWLOWSKI MON HÉROS réalisé par SYLVAIN DESCLOUS, produit par FLORENCE BORELLY

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Film d’Animation pour le court métrage

    LA NUIT AMÉRICAINE D’ANGÉLIQUE réalisé par PIERRE-EMMANUEL LYET, JORIS CLERTÉ, produit par MARYLINE CHARRIER

    LE REPAS DOMINICAL réalisé par CÉLINE DEVAUX, produit par RON DYENS

    SOUS TES DOIGTS réalisé par MARIE-CHRISTINE COURTÈS, produit par JEAN-FRANÇOIS LE CORRE, MARC FAYE

    TIGRES À LA QUEUE LEU LEU réalisé par BENOÎT CHIEUX, produit par DORA BENOUSILIO pour le long métrage ADAMA réalisé par SIMON ROUBY, produit par PHILIPPE AIGLE, SÉVERINE LATHUILLIÈRE, AZMINA GOULAMALY, ALAIN SÉRAPHINE

    AVRIL ET LE MONDE TRUQUÉ réalisé par CHRISTIAN DESMARES, FRANCK EKINCI, produit par MARC JOUSSET, FRANCK EKINCI LE PETIT PRINCE réalisé par MARK OSBORNE, produit par DIMITRI RASSAM, ATON SOUMACHE, ALEXIS VONARB

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Premier Film

    L’AFFAIRE SK1 réalisé par FRÉDÉRIC TELLIER, produit par JULIEN MADON, JULIEN LECLERCQ

    LES COWBOYS réalisé par THOMAS BIDEGAIN, produit par ALAIN ATTAL MUSTANG réalisé par DENIZ GAMZE ERGÜVEN, produit par CHARLES GILLIBERT

    NI LE CIEL NI LA TERRE réalisé par CLÉMENT COGITORE, produit par JEAN-CHRISTOPHE REYMOND, AMAURY OVISE NOUS

    TROIS OU RIEN réalisé par KHEIRON, produit par SIMON ISTOLAINEN, SIDONIE DUMAS

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Film Documentaire

    LE BOUTON DE NACRE réalisé par PATRICIO GUZMÁN, produit par RENATE SACHSE

    CAVANNA, JUSQU’À L’ULTIME SECONDE, J’ÉCRIRAI réalisé par DENIS ROBERT, NINA ROBERT, produit par NINA ROBERT, DENIS ROBERT, BERTRAND FAIVRE

    DEMAIN réalisé par CYRIL DION, MÉLANIE LAURENT, produit par BRUNO LEVY

    L’IMAGE MANQUANTE réalisé par RITHY PANH, produit par CATHERINE DUSSART

    UNE JEUNESSE ALLEMANDE réalisé par JEAN-GABRIEL PÉRIOT, produit par NICOLAS BREVIÈRE

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Film Étranger

    BIRDMAN réalisé par ALEJANDRO GONZÁLEZ IÑÁRRITU, distribution France TWENTIETH CENTURY FOX

    LE FILS DE SAUL réalisé par LÁSZLÓ NEMES, distribution France AD VITAM

    JE SUIS MORT MAIS J’AI DES AMIS réalisé par GUILLAUME MALANDRIN, STÉPHANE MALANDRIN, coproduction France TS PRODUCTIONS (Miléna Poylo, Gilles Sacuto)

    MIA MADRE réalisé par NANNI MORETTI, coproduction France LE PACTE (Jean Labadie)

    TAXI TÉHÉRAN réalisé par JAFAR PANAHI, distribution France MEMENTO FILMS DISTRIBUTION

    LE TOUT NOUVEAU TESTAMENT réalisé par JACO VAN DORMAEL, coproduction France

    APRÈS LE DÉLUGE (Jaco Van Dormael, Olivier Rausin, Daniel Marquet)

    YOUTH réalisé par PAOLO SORRENTINO, coproduction France BARBARY FILMS (Fabio Conversi)

     

    Sont nommés pour le César du Meilleur Film

    DHEEPAN produit par PASCAL CAUCHETEUX, GRÉGOIRE SORLAT, réalisé par JACQUES AUDIARD

    FATIMA produit par YASMINA NINI-FAUCON, PHILIPPE FAUCON, réalisé par PHILIPPE FAUCON

    LA LOI DU MARCHÉ produit par CHRISTOPHE ROSSIGNON, PHILIP BOËFFARD, réalisé par STÉPHANE BRIZÉ

    MARGUERITE produit par OLIVIER DELBOSC, MARC MISSONNIER, réalisé par XAVIER GIANNOLI

    MON ROI produit par ALAIN ATTAL, réalisé par MAÏWENN MUSTANG produit par CHARLES GILLIBERT, réalisé par DENIZ GAMZE ERGÜVEN

    LA TÊTE HAUTE produit par FRANÇOIS KRAUS, DENIS PINEAU-VALENCIENNE, réalisé par EMMANUELLE BERCOT

    TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE produit par PASCAL CAUCHETEUX, GRÉGOIRE SORLAT, réalisé par ARNAUD DESPLECHIN

     

  • Critique de 12 YEARS A SLAVE de Steve McQueen ce soir à 20H45 sur Cine + Premier

    slave.jpg

    En 2013, Tarantino  a mis en scène un esclave héros de western dans « Django unchained » qui avait d’ailleurs suscité une polémique dans la presse américaine et déclencher les critiques  notamment de Spike Lee,  celui-ci jugeant le film «irrespectueux» envers ses ancêtres, une polémique stérile car si ce film est d’une certaine manière le plus violent de Tarantino, il l’est parce qu’il est le plus politique, le plus réaliste : terrible violence hors-champ de cet esclave déchiqueté par les chiens, de ce combat entre esclaves. Et une discussion entre Schultz (Christoph Waltz) et Candie (Leonardo DiCaprio) sur Alexandre Dumas achève de nous convaincre, si nous en doutions encore, que ce film est tout sauf irrespectueux mais particulièrement malin. Quelques scènes parmi d’autres… Il y a ensuite eu le éponyme film de Spielberg sur « Lincoln » qui,  en traitant de l’adoption du 13ème amendement qui fit de l’abolition de l’esclavage un fondement permanent de la loi américaine,  tissait brillamment le portrait d’une éminente figure politique, celle du Président Abraham Lincoln. Avec Steve McQueen (bientôt aussi célèbre que son homonyme) dont c’est le troisième film après « Hunger » et  « Shame », et qui traite lui aussi de l’esclavage, on pouvait s’attendre à plus de radicalité. Finalement, son film fait une petite concession à Hollywood mais n’en demeure pas moins le premier film choc de cette année 2014 qui mérite ses 9 nominations aux Oscars 2014.

     Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor), jeune homme noir originaire de l’État de New York, est enlevé et vendu comme esclave, quelques années après la guerre de Sécession.  Face à la cruauté d’un propriétaire de plantation de coton, Solomon se bat pour rester en vie et garder sa dignité.  Douze ans plus tard, il va croiser un abolitionniste canadien (Brad Pitt) et cette rencontre va changer sa vie…

    Le film est adapté des Mémoires de Solomon Northup, homme vivant libre dans l’État abolitionniste de New York, à Saratoga, père de deux enfants et violoniste, kidnappé par des Sudistes cupides au début des années 1840 à  33 ans et vendu comme esclave en Louisiane. On lui offre un beau contrat pour une tournée dans un cirque, on l'enivre avant de l’embarquer pour la Louisiane puis le vendre comme une marchandise. Solomon devient Patt. On lui nie son identité mais il n’aura de cesse de la récupérer.

    L’inspiration dramatiquement réelle du film  désamorce d'emblée tout critique sur le manichéisme malgré l’effroyable et inconcevable inhumanité des esclavagistes pour réduire à l’animalité ceux qu’ils considèrent comme « leurs » esclaves et ne révélant finalement ainsi que la leur.  Solomon passera d'un maître doté d’un minimum d’empathie et amateur de musique interprété par Benedict Cumberbatch à Epps interprété par Michael Fassbender, un fou (mais ne fallait-il pas qu’ils le soient tous pour asservir, humilier, nier ainsi leurs semblables, essayant d'ailleurs parfois de justifier leur injustifiable folie en s’appuyant sur les écritures saintes) marié à une femme qui l’était au moins autant. Une prison à ciel ouvert dans laquelle un mince espoir est la seule fenêtre d’évasion.

     Si la radicalité, la frontalité aussi auxquelles McQueen s’était auparavant adonné est ici bien présente dans quelques plans-séquences, voire nécessaire pour ne pas rendre son film « beau » ou maladroitement distrayant, il n’en fait pas moins quelques concessions à Hollywood avec une musique signée  Hans Zimmer (La Ligne rouge, Inception Gladiator, Rain man etc) parfois superflue pour ne pas dire qu’elle est un contre-sens. Une des scènes les plus fortes du film est d’ailleurs celle où Solomon chante a capella avec d’autres esclaves autour de la dépouille d’un des leurs. Son regard et son expression passent alors de la tristesse, la résignation  à la détermination, la rage, la hargne.

    Les plans qui s’étirent en longueur exacerbent intelligemment le caractère effroyable et insupportable de certaines scènes de torture comme celle pendant laquelle Solomon est pendu à une corde parvenant péniblement  à ce que ses pieds touchent le sol pour éviter l'asphyxie. L’horrible tranquillité, la sérénité apparente du décor et surtout des autres esclaves qui vaquent à leurs occupations rendent encore plus horrible ce premier plan d’un homme qui lutte pour survivre dans l’indifférence (probablement masque de la peur) générale.

    Comme souvent chez McQueen le corps est au centre, au propre comme au figuré. Un corps meurtri, brutalisé. Que ce soit dans « Hunger » avec la grève de la faim d’un prisonnier politique de l’IRA  (film de 2008).  Ou l’addiction sexuelle d’un New Yorkais dans « Shame » en 2011. Le corps souffre, ce qui n’empêche pas la dignité et la fierté, comme en témoigne comme une déclaration pacifique de résistance, le début du film où des esclaves immobiles, dans une plantation de canne à sucre, écoutent les ordres de leur contremaître. Parmi eux, Solomon. Un premier plan auquel répond intelligemment le plan de la fin : un corps qui, enfin, ose se reposer, se courber, enlacer et être enlacé. Debout mais asservi puis courbé mais libre. Le début dans un silence presque assourdissant, démontre toute l’habileté du montage (signé Joe Walker) qui est une grande qualité de ce film qui n’en manque pas. Un flashback revient ensuite sur 12 années de survie.

    12 années pendant lesquelles il croisera notamment Patsey, maîtresse et souffre-douleur d'Epps,  incarnée par  Lupita Nyong’o dans un premier rôle indéniablement marquant et une scène qui fait écho à celle de la pendaison, insoutenable. Chiwetel Ejiofor, quant à lui, après avoir reçu de nombreuses récompenses pour ce rôle pour lequel il est nommé aux Oscars (et un Oscar du meilleur acteur qui pourrait bien, une fois de plus, échapper à Leonardo DiCaprio), incarne avec beaucoup de nuance, de force, de rage et douleur contenues  cet homme  qui devra subir et faire subir l’horreur pour sa survie et parfois  celle des autres (terrible scène où il est contraint de fouetter Patsey pour qu’elle "souffre moins" ou du moins reste en vie).

    12 Years A Slave a été co-produit par la société Plan B Entertainment, créée en 2002 par Brad Pitt (qui joue également dans le film), Brad Grey et Jennifer Aniston qui a produit des chefs d’œuvre comme « L'Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford » ou des films indignes de ce nom comme le ridicule et parfois involontairement drôle World War Z.

    Jamais larmoyant, refusant le sentimentalisme, avec de longs plans brillamment effroyables qui tentent de nous faire éprouver l’indicible horreur, McQueen a réalisé une nouvelle variation sur le corps et ses meurtrissures, sur la honte aussi, celle d’appartenir à une humanité qui a pu permettre qu’un homme soit réduit à être « 12 years a slave », et souvent même une vie entière. Ou toute la puissance du cinéma au service de l’Histoire, de la mémoire et de l’avenir. Espérons-le…

  • César 2016 : annonce des nominations en direct ici à 10H demain (conférence de presse)

     

    cinéma, film, critique, César, César 2016, conférence de presse, cérémonie des César, cinéma français, critique, film, In the mood for cinema, Florence Foresti

    cesar.jpg

    Comme chaque année, je commenterai en direct l'annonce des nominations aux César. Exceptionnellement cette année, absente temporairement de Paris, je ne serai pas en direct de la conférence de presse, je la commenterai néanmoins en direct ici et sur twitter (sur mon compte principal @moodforcinema) puisque celle-ci sera diffusée sur internet et sur ce blog. Vous pourrez en effet également la suivre ci-dessus à 10H en direct du Fouquet's.

    Je serai par ailleurs prochainement à la cérémonie des Lumières (équivalent français des Golden Globes Américains) dont les nominations et les récompenses préfigurent souvent celles des César. Nous avons par ailleurs appris aujourd'hui que la comédienne Isabelle Huppert serait l'invitée d'honneur des prix Lumières 2016.  Vous pouvez retrouver ces nominations, ici.

    En attendant les César 2016 dont la cérémonie aura lieu comme chaque année au Châtelet le 26 février 2016 avec Florence Foresti pour maîtresse de cérémonie, vous pourrez donc retrouver ici les annonces des nominations commentées et mon compte rendu de la cérémonie des César 2015, là. Nous savons seulement pour l'instant que le César d'honneur 2016 sera attribué à Michael Douglas.

  • Soutenez Abracadabox, le très beau projet pour les enfants malades

     

    Une fois n'est pas coutume et je n'ignore pas que votre temps est précieux mais voilà une bonne et belle cause qui mérite d'être défendue et je ne doute pas que vous trouverez la minute nécessaire pour faire comme moi et la soutenir. Il s'agit de l'association Coucou Nous Voilou et son beau projet AbracadaBox pour les enfants malades.
    Vous pouvez vous aussi aider l'association en lui attribuant vos votes.
    C'est rapide (moins d'une minute), gratuit et plus vous serez nombreux à vous inscrire et à voter pour le projet AbracadaBox (un projet sérieux initié par Marc Salem qui s'occupait auparavant de la belle association Les Toiles Enchantées que vous connaissez sans doute), plus ce projet unique en Europe aura de chances de figurer parmi les gagnants et d'être enfin mis en place partout en France pour égayer le quotidien des enfants et ados malades, ce qui est d'autant plus important que le moral joue un rôle indéniable dans le traitement de la maladie.
    Je compte sur vous pour voter et/ou partager.

    Comment voter :
    1) Cliquez sur ce lien : http://bit.ly/1JZxybv
    2) Inscrivez-vous soit avec votre compte facebook (30 secondes) soit avec votre adresse email !
    3) puis votez en tapant Abracadabox dans le moteur de recherche des projets et rendez-vous sur la page de notre projet.
    Attribuez vos 10 votes en un seul clic au projet AbracadaBox !
    C'est fait !
    Mille Merci à vous !"