Retrouvez également cet article complété avec le programme complet du festival sur mon site http://inthemoodforfilmfestivals.com.

J’ai eu deux fois le plaisir de participer à ce festival, une fois pour débattre d’internet et de cinéphilie (lors de la deuxième édition), et une deuxième fois en 2014 pendant quelques jours. Les deux fois, ce fut inoubliable. Je vous invite ainsi à lire mon compte rendu du Festival Lumière de Lyon 2014 (cliquez ici) dont vous pouvez retrouver quelques clichés pris à cette occasion, ci-dessous.

Je partage aussi ma passion pour ce festival (parmi d’autres) dans un recueil de 16 nouvelles publié le 22 août 2016 aux Editions du 38, la nouvelle en question se déroule justement dans le cadre de l’édition 2014 du festival et vous pourrez retrouver ce recueil intitulé « Les illusions parallèles » à la librairie du festival (ce dont je me réjouis bien sûr!), au village du festival situé à l’Institut Lumière. Vous pourrez aussi y trouver ce livre « Hollywood, la cité des femmes », que je vous recommande également.

Le programme 2016, comme chaque année, sera tellement riche qu’il est difficile de tout détailler. Je vous en présente donc ici les grandes lignes. Je titrais mon article sur l’édition 2014 « quelques jours au paradis des cinéphiles » mais c’est vraiment ce qu’est ce festival: un paradis pour les cinéphiles à ne plus savoir où donner de la tête tant la programmation est diversifiée et enthousiasmante. Comme vous le verrez en bas de cet article, c’est aussi un festival très accessible (ne tardez pas néanmoins à réserver vos places pour les principaux événements, certains comme l’ouverture ou la remise du prix Lumière sont parfois rapidement complets).  Cette année le festival commencera dès le samedi et aura lieu du 8 au 16 octobre, de quoi prolonger l’immersion cinématographique.

Je commence par ce qui constitue chaque année l’événement du festival, à savoir la remise du Prix Lumière.

Le Prix Lumière a ainsi été créé par Thierry Frémaux afin de célébrer à Lyon un(e) cinéaste ou une personnalité du septième art, à l’endroit même où le Cinématographe a été inventé par Louis et Auguste Lumière et où ils ont tourné leur premier film, Sortie d’Usine, en 1895 (que tournent d’ailleurs à nouveau chaque année des invités du festival, toujours un grand moment).

Le Prix Lumière est une distinction qui repose sur le temps, la reconnaissance et l’admiration. Catherine Deneuve succèdera à Clint Eastwood (2009), Milos Forman (2010), Gérard Depardieu (2011), Ken Loach (2012), Quentin Tarantino (2013), Pedro Almodóvar (2014) et Martin Scorsese (2015).

Chaque année, différents événements sont organisés autour de l’invité qui reçoit ce prix. « Son visage est comme un écran qui révèle et qui cache » dit ainsi  Régis Wargnier à propos de Catherine Deneuve. En hommage à cette immense actrice, je vous propos de retrouver deux de mes critiques (parmi de nombreuses autres) de films dans lesquelles elle a joué: « La Sirène du Mississipi » de Truffaut et « Elle s’en va » d’Emmanuelle Bercot, deux films que je vous recommande évidemment et qui seront peut-être programmés dans le cadre du festival.

Ce qui fait la force de ce festival, ce sont les rétrospectives et les présentations de celles-ci par des personnalités du 7ème art en dehors de toute promotion, là par amour du cinéma. Je me réjouis tout particulièrement du cycle Marcel Carné, l’occasion de revoir des chefs-d’œuvre du cinéma français, mais évidemment je ne saurais trop vous recommander chaque master class, toujours un moment d’anthologie, les ciné-concerts (inoubliable souvenir que celui du « Dernier des hommes » de Murnau il y a deux ans), les soirées événements comme la soirée « bande de potes » (cf ci-dessous, vous pouvez d’ores et déjà réserver vos places), la programmation Buster Keaton (avec le ciné-concert)… Outre Catherine Deneuve, des invités de prestige sont déjà annoncés comme Gong Li. J’attends également avec énormément d’impatience le documentaire de Bertrand Tavernier « Voyage à travers le cinéma français ».Le Festival Lumière c’est aussi une boutique où vous trouverez les DVD et livres en lien avec le festival, une radio…et une ambiance exceptionnelle!

Rétrospectives

Marcel Carné

La Cité des femmes (les actrices d’Hollywood 1930-1950)

Buster Keaton, Part 1

Universal Monsters

Histoire permanente  des femmes cinéastes

Dorothy Arzner

Invitations

Premiers invités confirmés : Gong Li, Walter Hill, Jean-Loup Dabadie

L’ensemble des invités sera annoncé  fin août

Célébration

Jim Harrison Retour sur pellicule (suite)

Technique et esthétique : une histoire des formats au cinéma

Voyage dans le cinéma français

Bertrand Tavernier : avant-première, films et hommages

Des projections à destination des publics qui ne peuvent pas se déplacer avec notamment des projections à l’hôpital

Sections

Restaurations 2016

Grandes projections

Trésors des archives

Sublimes moments du muet

Buster Keaton

Ciné-concerts à l’Auditorium de Lyon

Evénement à la Halle  Tony Garnier

Nuit Bande de potes

De 21h à l’aube , les spectateurs pourront ainsi voir 4 comédies cultes sur l’amitié: Les Bronzés font du ski, Very bad trip, L’Aventure c’est l’aventure, Mes meilleurs copains. Et le petit-déjeuner vous sera même offert le matin!

Mon festival à moi :  Jeune Public Lumière

Le Géant de fer de Brad Bird à la Halle  Tony Garnier

Séances scolaires et enfants

Séances Buster Keaton

Documentaires sur le cinéma

Ajouts de septembre à la programmation:

Park Chan-wook  sera l’invité du festival: l’occasion de revoir les films coups de poing qui ont fait sa réputation d’enfant terrible du cinéma coréen. Et de découvrir son troisième film « JSA – Joint Security Area », inédit en salles, en avant première au festival Lumière mercredi 12 octobre à 17h à l’Institut Lumière et samedi 15 octobre à 20h45 au Comoedia, avant sa sortie en salle le 2 novembre.

Au programme de la clôture : « Indochine », en présence de Catherine Deneuve, du réalisateur Régis Wargnier et des autres invités du festival.

Vincent Lindon évoquera de nombreux sujets lors d'une rencontre animée par Thierry Frémaux qui sera sans aucun doute passionnante.

Nicolas Winding Refn est de retour  et il a ramené avec lui « Bleeder », son deuxième film, inédit en salles.

Cette année, le festival vous propose également une immersion dans le cinéma viscéral et hypnotique de Gaspar Noé. En sa présence !

Nicole Garcia sera également présente avec la sortie de son dernier film découvert à Cannes, mon coup de cœur de l’année 2016.

Master class

Master class d’artistes (à la Comédie Odéon)

Master class cinéphiles (à la Villa Lumière)

Master class du Prix Lumière (au Théâtre des Célestins)

4ème marché du film classique du 12 au 14 octobre 2016

Le festival Lumière a initié en 2013 le premier et unique marché du film classique au monde. Organisé dans un lieu dédié convivial et professionnel, le Marché du Film Classique (MFC) contribue activement à la vivacité de l’activité du film de patrimoine et offre l’occasion de faire du networking et de créer des opportunités économiques. Durant trois jours, des conférences et des rencontres sont organisées, durant lesquelles des professionnels interviennent afin de dresser un état des lieux et évoquer les thèmes économiques, juridiques et techniques qui les concernent. Cet incubateur de projets est ouvert à tous les professionnels du secteur du patrimoine : producteurs, distributeurs, exploitants, diffuseurs TV et VOD, éditeurs DVD, Blu ray, ayants-droit, institutionnels, détenteurs de catalogues, laboratoires, prestataires techniques.

CINÉ-BROCANTE CINÉMA & PHOTOGRAPHIE 9e ÉDITION

Rue du Premier-Film, Lyon 8e Samedi 15 et Dimanche 16 octobre. Crée en 2010,  la brocante cinéma et photographie de Lyon s’est imposée comme le rendez-vous incontournable des passionnés venus – parfois de très loin – chiner toutes sortes d’objets.. Plus de 5 000 personnes sont venues l’an dernier pour vendre, acheter, échanger : appareils photos, caméras, matériel de projection, affiches, photos, livres, objets insolites, musiques… Dans le quartier de naissance du Cinématographe, une centaine d’exposants de toute l’Europe vous attendent, collectionneurs ou amateurs, pour vous faire découvrir leurs passions lors de ce rendez-vous désormais bi-annuel, puisce qu’il a également lieu au mois de mars.

Le Village du festival

Le village du festival Installé entre la Villa Lumière et le Hangar du Premier-Film, le village est le quartier général du public et des invités. Au milieu du parc Lumière, il propose des espaces ouverts à tous de 10h30 à 21h : un marché DVD (plus de 5 000 titres), une librairie cinéma (plus de 300 références), une boutique, un bar à bières, un restaurant, de la musique live et le plateau de Radio Lumière.
Vous trouverez le quotidien du festival à disposition tous les matins, ainsi qu’une sélection de presse cinéma française et internationnale, un point billetterie, et des informations sur les séances du jour. Parc de l’Institut Lumière, Lyon 8.

La Plateforme, le village de nuit du festival sur les berges du Rhône

Le club éphémère du festival, où se retrouvent le public et les invités. Bar à cocktails, concerts et DJ sets. Ouvert tous les soirs et pour tous, en entrée libre. 4 Quai Augagneur, Lyon 3

Accréditations

Comme les professionnels, le grand public a aussi son accréditation
• Tarif réduit pour toutes les séances normales • Réductions pour les grands événements • Accès privilégié à La Plateforme, le village de nuit • Et de nombreux autres avantages… Trois formules : • 17€ avec le catalogue • 12€ • 6€ «- de 25 ans»
Nouveau ! Le chèque cadeau Un carnet de 5 séances  de cinéma à offrir

Retrouvez également le festival sur son site internet, sur Facebook (festival.lumiere), Twitter (@FestLumiere).

Le jour se lève : la fin d’une « grande illusion »

Avant de vous reparler de la passionnante ouverture du cycle Melville, hier soir à la Cinémathèque, sachez  qu'à l'occasion du centenaire Jean-Louis Barrault, le 15 novembre à 20H, y sera proposée une soirée hommage avec la projection de "Drôle de drame" de Marcel Carné dont je vous propose de retrouver ma courte présentation ci-dessous. Cliquez ici pour plus de renseignements sur cette séance.

Je vous ai déjà parlé du nouveau restaurant ciné-club du 6ème, "Les Cinoches" (cliquez ici pour lire mon article qui y était consacré) qui, en parallèle de votre dîner, chaque dimanche soir, propose des séances de ciné-club avec, en première partie, un classique du cinéma plus ancien et, en seconde partie, un film plus récent. La sélection est, jusqu'à présent, éclectique et judicieuse.

Pour le 14 février, la programmation est donc "spéciale Saint-Valentin" avec, en première partie (à 19H) le sublime "Le Quai des brumes" de Marcel Carné, un film de 1938 qui incarne la poésie désenchantée de Prévert et Carné, célèbre pour la cultissime réplique de Gabin à Morgan, couple mythique, "T'as de beaux yeux tu sais".  Ce film est pourtant bien plus que cette réplique, il en contient d'ailleurs beaucoup d'autres. Je vous en propose l'analyse ci-dessous.

 La seconde partie de soirée sera consacrée à "Love actually" de Richard Curtis (à 21h), comédie romantique par excellence que je vous recommande également.

 Et si voir ces films aux "Cinoches" vous tente, l'adresse: 1 rue de Condé, dans le 6ème donc, et le site officiel: http://www.lescinoches.com .

A noter les prochaines séances: le 21 février, la soirée sera consacrée à Faye Dunawaye avec, en première partie "L'affaire Thomas Crown" de Norman Jewison et en seconde partie "Arizona dream" d'Emir Kusturica. Le 28 février, la soirée sera consacrée à Jean-Paul Belmondo avec, en première partie, "Le Magnifique" de Philippe de Broca et la seconde partie "Itinéraire d'un enfant gâté" de Claude Lelouch. A quand une soirée Alain Delon?

              Le Quai des brumes : un cinéma du désenchantement

Avant même d’en dépeindre l’atmosphère, le synopsis du Quai des brumes laisse déjà entrevoir le pessimisme qui émane de ce film et qui suffira à certains pour le qualifier de « film manifeste » du réalisme poétique.

Le sceau de la fatalité

Un déserteur de la coloniale Jean (Jean Gabin), arrive au Havre en espérant s’y cacher avant de partir à l’étranger. Dans la baraque du vieux Panama (Edouard Delmont)où il trouve refuge grâce à un clochard, il rencontre le peintre fou Michel Krauss(Robert Le Vigan) et une orpheline : Nelly(Michèle Morgan) .Cette dernière vit chez son tuteur Zabel (Michel Simon), qui tente d’abuser d’elle. Au moment où Jean se croit sauvé, un destin tragique va l’emporter, malgré la passion de Nelly et sa nouvelle envie de vivre.

Le quai des brumes est une adaptation du roman de Pierre Mac Orlan de 1928 qui se déroule à Montmartre en 1900. Les services de propagande de la UFA jugent le sujet du film décadent et font savoir qu’il n’est pas souhaitable de le tourner. Le film devait en effet être tourné en Allemagne dans le cadre des accords de coproduction franco allemande mais les censeurs d’outre Rhin effarouchés par le pessimisme du sujet refusèrent l’autorisation de tourner à Hambourg les scènes qui dans le roman se déroulaient à Montmartre. La ténacité de Gabin permettra néanmoins au projet d’aboutir et c’est d’ailleurs lui qui imposera le scénariste Prévert et le réalisateur Carné. Gabin avait refusé de jouer dans Jenny et avait été intrigué par Drôle de drame. Rabinovitch, le producteur qui reprend le projet, l’accepte sur le nom de Gabin sans même avoir lu le scénario. Il le lira à la veille du tournage et n’aura de cesse de répéter « c’est sale, c’est sale », n’aimant pas le projet, refusant même que son nom apparaisse au générique et insistant pour qu’il y figure lorsque le film connaîtra un triomphe : un triomphe aussi bien en salle où il sera applaudi à l’issue de sa première projection (fait rarissime)-au cinéma Marivaux le 18 mai 1938-, que chez les professionnels pusqu’il reçut le prix Louis Delluc 1939 et le Lion d’or à Venise. A l’exception de l’Humanité et de l’Action Française le film est également encensé par la presse. Mac Orlan lui-même dira aimer cette « version nettement désespérée ». Le projet parvint donc à se monter sans veto de la commission de censure, si ce n’est le Ministère de la guerre qui exigea tout de même que le mot « déserteur » ne soit jamais prononcé et que le héros plie soigneusement ses effets militaires au lieu de les jeter en vrac, au cours d’une scène où il doit les remettre au tenancier du cabaret. Le producteur essaiera d’obtenir d’autres coupures mais grâce à l’obstination de Carné la seule qu’il parvint à obtenir fut celle d’une scène où l’on devait voir Michel Krauss nu et de dos s’avancer dans la mer. Dans la version définitive, son suicide est seulement évoqué mais pas montré.

Dès les premiers plans, le décor (finalement celui du Havre) est planté, l’atmosphère est caractérisée. Jean est un personnage taciturne, suivi par un chien abandonné tel un miroir de lui-même. L’inéluctabilité du malheur résulte bien sûr du récit mais avant tout des personnages : un peintre fou, un mauvais garçon jaloux et violent, Lucien(interprété par Pierre Brasseur), un tuteur qui convoite sa pupille, un déserteur . Le destin de chacun semble être tracé dès les premières minutes du film et voué à la tragédie et au drame. Le décor et son charme triste créé par la pluie et la brume et les dialogues de Prévert renforcent cette impression. Les dialogues sont ceux de personnage pessimistes, et même davantage : désenchantés. Ainsi pour le peintre : « Je peins malgré moi les choses cachées derrière les choses. Quand je peins un nageur, je vois un noyé. », « Oh, le monde il est comme il est, plutôt sinistre, plutôt criminel. », « Je verrais un crime dans une rose ». Les personnages ne croient plus en la vie, ni en l’amour : « Qu’est-ce qu’ils ont tous à parler d’amour, est-ce qu’il y a quelqu’un qui m’aime, moi ? » regrette Michel Simon qui se dit « amoureux comme Roméo avec la tête de barbe bleue. » Si la fatalité de la guerre semble planer comme la tragédie au-dessus des têtes des protagonistes, elle se confond avec le regret de 1936 : « C’est beau d’être libre. Oui, c’est beau, l’indépendance, la liberté. » Le cadre de la fête foraine à la fin du film rappelle également l’euphorie de 1936 et exacerbe encore le désenchantement dont elle est alors le cadre. Le thème de la solitude revient également comme un leitmotiv : « C’est difficile de vivre. », « Oui, on est seuls », « On rencontre des gens qu’on ne reverra peut-être pas et qui nous rendent service. » C’est un univers hanté par la mort comme la réalité est hantée par le spectre de la guerre : la mort se présente sous plusieurs formes. C’est d’abord le suicide avec le peintre, le meurtre avec Zabel, et la mort par la fatalité, dont la rencontre avec Nelly n’a fait que repousser l’échéance, celle du déserteur tué par la police. Nelly semble être la seule à matérialiser une forme de rêve, un ailleurs mais ses propos ne sont pas moins pessimistes : « Mais ce n’est pas le fond de la mer. Le fond de la mer, c’est plus loin, plus profond. »Le couple formé par Jean Gabin et Michèle Morgan dans Le quai des brumes est caractéristique du climat de lourde fatalité de l’avant guerre. Les personnages démissionnent tous face au cataclysme qui les menace comme la guerre menace la France et le monde. Ce pessimisme vaudra au Quai des brumes d’être un des premiers films interdits par le gouvernement français au moment de la déclaration de guerre, celui-ci le qualifiant de « démoralisateur ». 

 Le film emblématique du réalisme poétique

 Même si, chronologiquement, Le quai des brumes n’est pas le premier film à pouvoir s’inscrire sous la dénomination de réalisme poétique, même si c’est déjà le troisième film de Marcel Carné il est bien souvent qualifié de « film manifeste » de ce mouvement et même parfois de film créateur de ce mouvement. Il en a peut-être en revanche poussé les caractéristiques à leur paroxysme. Son atmosphère lugubre, bouleversante, mélancolique, ses personnages voués à un destin tragique, les décors embrumés de Trauner, la poésie de Prévert le classent indéniablement dans cette catégorie. Le réalisme poétique également synonyme de classicisme sera donc bien souvent décrié même si certains le défendirent comme le critique Claude Briac qui écrivit qu’il « n’y a pas au monde dix réalisateurs capables de réaliser un tel film. » Marcel Carné lui-même réfutait d’ailleurs cette dénomination de réalisme poétique à laquelle il préférait celle de « fantastique sociale » imaginée par Mac Orlan. Cela n’empêchera pas certains critiques d’encenser le film justement parfois grâce à ses caractéristiques propres à cette dénomination. Ainsi dans L’avant-garde du 28 Mai 1938 on pouvait lire : « en dépit de cette atmosphère de misère morale, physique et physiologique, peut-être même à cause de cette atmosphère, trouble, floue, brumeuse, le Quai des brumes est un chef d’œuvre. » 

 Des personnages victimes de la fatalité et une société qui court à sa perte

Cette inéluctabilité du malheur s’incarne essentiellement dans un acteur, Jean Gabin, et dans un mouvement cinématographique, le réalisme poétique.

Jean Gabin ou le mythe du héros tragique contemporain

Dès la Bandera, l’image de Gabin était marquée du sceau de la fatalité et l’enchaînement inéluctable de ses infortunes procèderait, dans ses films à venir, d’un crime commis par désespoir d’amour : la Belle équipe qui se solde par le meurtre de Charles Vanel, Pépé le Moko dont le héros meurt sur le port d’Alger après avoir voulu rejoindre celle qu’il aimait etc. L’image du garçon malchanceux poursuivi par la fatalité sociale et victime du trop grand prix qu’il accorde à l’amour des femmes, sera celle de Gabin jusqu’au Jour se lève. Tous ses personnages sont voués à la mort comme la France est vouée à la guerre : que ce soit le sableur du Jour se lève, le déserteur du Quai des brumes ou le cheminot fou de La bête humaine ou encore le pittoresque Pépé de Pépé le Moko. C’est néanmoins toujours un personnage doté de moral et s’il tue, il n’est pas pour autant un assassin. C’est bien souvent la folie ou la fatalité qui le poussent au crime. Zola définit ainsi Lantier comme « un homme poussé à des actes où sa volonté n’était pour rien », une définition qui pourrait s’appliquer à chacun des personnages incarnés par Gabin. Dans tous ces films Gabin incarne un séducteur, la plupart du temps malgré lui, qui ne croit plus en rien mais dont l’amour s’empare et que la fatalité pousse à une fin tragique. Tout en continuant à incarner le Front Populaire, Gabin incarne donc ces destins tragiques comme s’il incarnait, au-delà de personnages fictifs, le destin d’un Etat. D’après la définition communément admise le mythe est une croyance, largement représentée dans l’imagination collective, en une fable porteuse de vérité symbolique et répondant aux inspirations souvent inconscientes de ceux qui la partagent .Le mythe transmet, justifie, renforce et codifie les croyances, valeurs et coutumes sociales. Il permet la projection des fantasmes et des problèmes d’une société lorsque celle-ci ne peut les satisfaire ou les résoudre. Elle apporte à l’homme moderne la certitude et la cohésion dont il a besoin , l’aide à se définir et lui fournit des modèles d’authentification .Les films ,comme les autres œuvres humaines , véhiculent des mythes , archétypes ,symboles , et stéréotypes qui expriment la mentalité collective de leur époque… Le mythe de Jean Gabin représente donc une mentalité pessimiste et les films dans lesquels il évolue : l’angoisse collective de la guerre. Au-delà de son immense talent le succès de Gabin s’explique donc aussi par les attentes, les craintes plus ou moins conscientes de la population, qu’il incarne. Les angoisses de ses personnages coïncident avec celles de la population, voyant en Gabin le « héros tragique par excellence du cinéma français d’avant-guerre », un héros dont les craintes résonnent avec une étonnante humanité et vérité dans ce contexte où l’héroïsme sera parfois le fruit des circonstances. Gabin c’est aussi l’incarnation du peuple ouvrier représenté pour la première fois à l’écran st ainsi selon Jean-Michel Frodon « Avec la double mort de Gabin-Lantier(La bête humaine) et de Gabin-François(Le jour se lève), le peuple ouvrier français quitte pour toujours les écrans. Le Gabin d’avant-guerre incarne donc une défaite, celle de l’idéologie et de l’époque du Front Populaire, qui voyait dans la classe ouvrière l’avenir du monde. » Pour d’autres comme Weber, .., ce « mythe emblématique et récurrent de l’ouvrier », « voué à l’échec » et « écrasé par la fatalité » reste l’image que se font les producteurs et les cinéastes de l’époque du prolétariat et qui selon lui représentent un « bel exemple d’idéologie dominante. » 

 Le mythe du réalisme poétique : reflet d’une angoisse collective.

Le succès du Quai des brumes agit comme un révélateur. Les principaux succès de l’époque sont des comédies, des films d’espionnage ou d’aventures exotiques qui contrastent avec la noirceur absolue du film de Carné comme si les spectateurs se sentaient inconsciemment attirés par ce film comme par un miroir, celui de ses angoisses. Comme l’affirmait Ferro le cinéma « offre un outil d’investigation irremplaçable pour dévoiler le réel et révéler les non dits d’une société (…)de découvrir le latent derrière l ‘apparent, d’atteindre des zones inaccessibles par l’écrit » et de montrer comme l’a écrit Maurice Merleau Ponty la « pensée dans les gestes, la personne dans la conduite, l’âme dans le corps ». Le réel n’est donc pas celui que donne à voir les comédies mais celui qui semble si surréaliste par son pessimisme et qui sera pourtant bientôt la tragique réalité. La France court à sa perte, ne croit plus en son avenir comme Jean dans Le Quai des brumes, le poète Michel Krauss et les autres. Ce qui est encore invisible est pressenti par les réalisateurs. C’est avant tout en cela que le réalisme poétique peut être qualifié de mythe : les préoccupations des spectateurs s’incarnent dans ces films.

D'autres critiques de classiques du 7ème art liées à celle-ci:

"Le Jour se lève" de Marcel Carné et "Drôle de drame" de Marcel Carné

Une autre suggestion pour la Saint-Valentin: "Sur la route de Madison" de Clint Eastwood

Toutes mes critiques de classiques du 7ème art.

• Lors de sa sortie en 1937,  Drôle de drame  est un échec, le public étant désorienté par son ton acéré et par son synopsis rocambolesque que la précision de son écriture rend néanmoins parfaitement compréhensible.
•  L’intrigue se déroule ainsi à Londres en 1900. Elle met en scène le professeur de botanique Molyneux (Michel Simon) qui écrit en cachette des romans policiers sous le pseudonyme de  Félix Chapel. Son cousin Soper, évêque de Bedford (interprété par Louis Jouvet) qui a lancé une véritable croisade contre ces livres « impies » s’invite à dîner chez Molyneux ignorant qu’il s’agit aussi de Felix Chapel.  La cuisinière ayant déserté le domicile, les Molyneux préfèrent eux aussi quitter le domicile en le laissant seul plutôt que d’avouer que c’est Mme Margaret Molyneux(Françoise Rosay) qui a fait la cuisine. Persuadé que Molyneux a tué sa femme, l’évêque alerte alors la police. Déguisé en Chapel, arborant une fausse barbe Molyneux est contraint de revenir sur les lieux « du crime » pour effectuer un reportage, lieux alors occupés par la presse et encerclés par une foule furibonde. Pendant ce temps William Kramps (Jean Louis Barrault) l’assassin de boucher décide de tuer Chapel et tombe amoureux de Mme Molyneux tout en sympathisant avec Mr Molyneux...ignorant qu’il s’agit aussi de Chapel. Tout dégénère dans la folie  générale et dans la loufoquerie. Le boucher avoue finalement le meurtre qu’il n’a pas commis et Molyneux est contraint d’être Chapel à vie, sacrifiant ainsi sa véritable identité et assumant jusqu’à la fin de ses jours sa fonction d’escroc littéraire. 
• Carné et Prévert qui désiraient à nouveau collaborer ensemble avaient d’abord songé à s’inspirer d’un fait divers sur un bagne d’enfants de Belle-île-en mer. La censure s’y opposa et le producteur prévu, le commandant d’aviation Coriglion Molinier, ami d’André Malraux, leur propose alors deux sujets dont il avait acquis les droits  dont le roman de J. Storer-Clouston  The lunatic at large or his first offence  paru en France sous le titre de  La mémorable et tragique aventure de Mr Irwyn Molyneux.  Carné, Prévert et l’équipe technique s’étaient tant amusés à réaliser le film qu’ils étaient persuadés qu’il en irait de même pour le spectateur. Ce film qui se voulait avant tout ludique ne séduisit pourtant pas du tout le public qui le jugea aussi « bizarre, bizarre » que la réplique qui l’a immortalisé.  Le film a même été accueilli par des sifflets et un véritable chahut et au Colisée où il passait en exclusivité il fut accueilli par des « Idiot », « On se fout de nous » particulièrement encourageants…  En province il fut même présenté  avec le slogan « le film le plus idiot de l’année. »   Le public  d’Outre-Manche sera beaucoup plus sensible au film présenté au nom de « Bizarre…bizarre ! » Son caractère théâtral lui fut également reproché  faisant dire à certains que le véritable « réalisateur » n’était pas Carné mais son scénariste Jacques Prévert , Carné n’ayant alors fait, selon ses détracteurs,  que transcrire le texte en film. Certaines critiques furent alors aussi acerbes que les propos du film : « Marcel Carné a essayé, c’est visible, de transposer dans le style français cette loufoquerie arbitraire et clownesque, qui nous ravit tant dans les films américains. Il n’est parvenu qu’à une sorte de violent vaudeville théâtral, au dessin caricaturalement stylisé(…) »  (Les Beaux Arts du 29.10.1937)[1]ou encore dans  Candide , du 28 octobre 1937 Jean Fayard écrivit : « tout cela est trop compliqué, trop verbeux, trop appuyé, trop voulu » même si d’autres reconnaissaient déjà  qu’il n’y avait « pas une faute à relever dans cette comédie échevelée. »[2] 
• Ce qui déconcerte peut-être davantage encore le public ce sont probablement les personnages, aucun n’étant véritablement innocent à commencer par les traditionnels amoureux des films de Prévert ici inspirateurs des romans infâmes de Chapel et qui reçoivent « la première pierre de celui qui n’a jamais pêché », probablement le seul personnage véritablement innocent du film. Le balayeur n’est pas plus innocent (« C’est justement les affaires des autres qui m’intéressent ») que le gardien de prison qui n’hésite pas, moyennant finance, à fermer les yeux sur le baiser échangé par les amoureux à travers les grilles de la cellule. Les personnages sont même parfois d’un véritable cynisme comme ce curieux noceur interprété par Marcel Duhamel qui prend le deuil des morts qu’il ne connaît pas afin de se sentir « moins seul dans la vie. » 
• Drôle de drame  est en effet une véritable critique sociale où le paraître prime sur l’être et engendre cette folie et ce quiproquo généralisé entre petits mimosas carnivores et évêque gastronome. Personne n’échappe à la critique ou à l’ironie cinglante : pas plus la bourgeoisie et ses mensonges sociaux qui préfère passer pour criminelle plutôt que pour « des imbéciles » en manquant aux usages. Ce sont aussi les délires d’une vieille tante qui n’a jamais pu supporter sa famille, l’exagération de la presse à sensation, les délires moralisateurs d’un homme d’Eglise finalement ridiculisé d’un kilt et même accusé du meurtre qu’il avait dénoncé, l’incompétence de la police qui se laisse entraîner dans cette histoire rocambolesque sans vraiment se poser de questions etc.
•  Le peuple n’a d’ailleurs probablement pas apprécié l’image que le film lui renvoyait. Il est en effet dépeint  comme versatile. Ainsi, après avoir réclamé la tête de Molyneux puis celle de sa femme et celle de l’évêque, il exige finalement celle de William Kramps. La bourgeoisie n’a pas plus apprécié cet humour ravageur qui souligne  son souci des convenances. Cette critique passe également par des dialogues avec des expressions du langage courant qui prennent ici un tout autre sens comme l’inspecteur qui dit à Molyneux déguisé en Chapel et revenant sur les lieux du crime : « Considérez-vous ici comme chez vous. » Ces dialogues furent aussi jugés trop travaillés : « Là où il y a contrepoison il y a poison »  ou encore le célèbre « mimétisme du mimosa » de Michel Simon. On y retrouve pourtant les décors de Trauner, les images de Schufftan qui avaient contribué au succès des films du réalisme poétique.
• Il semble donc qu’on ne puisse pas rire de tout en 1937, que par un drôle de drame on ne puisse faire oublier qu’une drôle de guerre se profile. Le film connaîtra néanmoins un véritable triomphe lors de sa reprise nationale en 1952, peut-être le public avait-il alors davantage le goût de rire de tout...
• Sandra.M