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CRITIQUES DES FILMS A L'AFFICHE EN 2010 - Page 5

  • Critique de « Eyes of war » de Danis Tanovic avec Colin Farrell… : l’indélébile reflet de l’enfer

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    Huit ans après le succès (mérité) de “No man’s land” qui mêlait habilement humour noir et gravité (prix du scénario au Festival de Cannes et Oscar du meilleur film étranger en 2002), Danis Tanovic revient au sujet qui l’a fait connaître, la guerre, cette fois plus en Bosnie mais au Kurdistan où Mark (Colin Farrell) et David (Jamie Sives), photographes de guerre, sont envoyés en mission. Le premier recherche avec obsession et avidité le cliché qui le rendra célèbre; le second dont la femme, Diane (Kelly Reilly) est enceinte, est las de toute cette violence et souhaite que cette mission soit la dernière…

    Ayant débuté comme documentariste en Bosnie dont il est originaire, Danis Tanovic connaît ce dont il parle : cette soif insatiable et irrépressible d’images, plus forte que le dégoût inspiré par le désespoir et la violence. Cette trompeuse sensation que l’appareil photo protège de la périlleuse réalité. Et sans doute ce sentiment de culpabilité qui ronge et rend si âpre le retour à la vie « normale ».

    « Eyes of war » n’est pourtant pas un documentaire mais bel et bien une fiction dont cette plongée dans les yeux de la guerre et de l’horreur ne constitue que la première demi-heure même si des flashbacks nous y ramèneront, la suite se déroulant dans la grisâtre ville de Dublin, comme un écho à l’état d’esprit tourmenté de Mark.  De la Bosnie où un médecin aux frontières de la folie est obligé de tuer pour sauver des vies après une sélection des survivants d’une cruauté innommable, à l’Afrique où Mark se retrouve confronté à des charniers humains en passant par le Liban où un enfant meurt en partie par sa faute et sous ses yeux, la guerre apparaît dans toute son horreur dramatiquement universelle. Une guerre qui ne quitte jamais tout à fait ceux qui l’ont eue devant les yeux, et qui ne s’arrête surtout pas à la porte de leur domicile.  Mark et le personnage de Joaquin Morales (Christopher Lee) incarnent deux visages de cette guerre, complexes et à jamais marqués, et dont les effets ne s’arrêtent pas  au temps et au terrain du déroulement des conflits.

    Ces yeux de la guerre, ce sont ceux de Colin Farrell, décharné, amaigri de 20 kgs, portant en lui les stigmates psychiques indélébiles des conflits auxquels il a assisté et que son regard reflète de manière saisissante.  Il porte le film sur ses épaules accablées et malgré certaines lourdeurs scénaristiques et malgré certains inutiles effets de mise en scène en contradiction avec la dureté du sujet (sans doute aussi là pour l’atténuer), par l’intensité de son jeu, il le rend terriblement touchant.

    Dommage que Danis Tanovic s’interroge sur les motivations de Mark sans vraiment y répondre, préférant s’attarder sur les conséquences et le poids de la culpabilité (comme Jim Sheridan dans l’excellent « Brothers » il y a quelques mois). Un hommage aux meurtris de la guerre à travers le portrait émouvant et lucide des reporters de guerre et de  celles qui partagent leurs vies (ici interprétées par Paz Vega et Kelly Reilly toutes deux très justes ) dont les faiblesses scénaristiques et de mise en scène sont occultées par l’interprétation magistrale de l’acteur principal qui dans son regard si expressif reflète toute l’horreur ineffable d’images ineffaçables.

  • Critique de « L’illusionniste » de Sylvain Chomet (sur un scénario de Jacques Tati) : un conte d’une tendre mélancolie

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    28 ans déjà que Jacques Tati est décédé, rendu néanmoins immortel par son incomparable et inoubliable personnage de Monsieur Hulot avec son  élégance maladroite, sa poésie burlesque et parfois mélancolique. En reprenant ce scénario inédit de Jacques Tati (dont il dit n’avoir modifié que 30%) Sylvain Chomet lui rend un vibrant hommage. Le personnage ne s’appelle pas ici Hulot mais Tatischeff (du vrai nom de Jacques Tati) et la longue silhouette hésitante et nonchalante rappelle davantage ce dernier que son personnage de Monsieur Hulot.

     C’est la fin des années 50 et le début d’une révolution pour le music hall avec le succès grandissant et incroyable du rock et la fin des numéros traditionnels comme celui de  Tatischeff, magicien à l’ancienne avec lapin de rigueur. Son public s’est clairsemé et les propositions de contrat se raréfient. Il part tenter sa chance à Londres où il connaît le même échec. Il se retrouve finalement dans le pub d’un village écossais où il rencontre Alice, une jeune fille pauvre et seule qu’il va prendre sous aile pourtant déjà bien fragile…

    Cet « Illusionniste » n’a rien à voir avec le film de Neil Burger de 2006 ni d’ailleurs avec les films d’animation actuels. A l’heure de la 3D, Sylvain Chomet signe des films d’animation à l’ancienne (comme un écho à l’univers de son personnage de Tatischeff) desquels se dégage un charme nostalgique.

    C’est évidemment un bonheur de retrouver la silhouette longiligne, élégante et si singulière de Jacques Tati même si ici le burlesque caractéristique du cinéaste n’est présent que par petites touches pour laisser la place à la mélancolie, la nostalgie, la gravité, la solitude, le pessimisme. C’est le triste constat de la fin d’une époque où la magie n’a plus sa place, où les ventriloques se retrouvent à la rue, où les clowns se pendent, saltimbanques d’un autre temps dévorés par une société de consommation vorace et impitoyable. C’est la mélancolie qui domine renforcée par l’atmosphère sombre et brumeuse d’Edimbourg où Sylvain Chomet a choisi de situer l’intrigue. La fin d’une époque. La fin d’un rêve. La fin des illusions, dans tous les sens du terme. Même Alice ne peut plus croire au pays des merveilles.

    L’hommage à Tati ne s’arrête pas au nom et à l’allure du personnage : des cadrages  (de pied, jamais de gros plan comme chez Tati) au manège urbain qui rappelle  Playtime, en passant par l’absence de dialogues aux quelques images de « Mon oncle » aperçues dans un cinéma dans lequel se retrouve Tatischeff, Sylvain Chomet distille de nombreux clins d’œil au cinéaste.

    Vous le savez peut-être, je ne suis pas une grande adepte de l’animation et je me prends à rêver de ce qu’aurait été ce film, sans aucun doute poignant, si Tati l’avait tourné, dans lequel lui aussi, à la manière de Chaplin nous aurait parlé des « Feux de la rampe » et de cette douleur incommensurable lorsqu’ils s’éteignent mais lorsque le cinéma nous abreuve de films qui rivalisent de surenchère dans l’hypnotisme visuel et sonore (comme )  la poésie mélancolique et nonchalante de Tati alliée à l’univers joliment nostalgique de Sylvain Chomet  font de  cette fantaisie poétique et tendre teintée de mélancolie et tristement drôle une respiration salutaire, nous laissant à la fois abattus et heureux. Abattus par tant d’illusions perdues et heureux de voir les derniers sursauts d’un monde et d’un cinéaste, irremplaçables et eux aussi disparus.

    Retrouvez aussi mon article consacré à l’exposition « Deux temps, trois mouvements » à la Cinémathèque et ma critique de "PlayTime" de Jacques Tati.

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  • Avant-première – Critique de « Night and day » de James Mangold avec Cameron Diaz et Tom Cruise : un couple irrésistible

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    Après le très décevant « L’Agence tous risques », je redoutais le pire pour cette nouvelle comédie d’action. Réalisée par James Mangold (« Une vie volée », « Walk the line », « 3H10 pour Yuma »…), elle met  en scène une jeune femme, June (Cameron Diaz) qui, à l’aéroport, rencontre « par hasard » un homme mystérieux Roy (Tom Cruise) par lequel elle est immédiatement séduite. Elle découvre rapidement qu’il est en fait un espion en fuite détenant  une batterie d’une force énergétique inégalée. Pour sauver sa peau, elle n’a alors d’autre choix que de le suivre, embarquée dans de rocambolesques aventures avec aux trousses : le FBI, la CIA et des trafiquants hispaniques… Rien que ça. Mais peut-elle vraiment lui faire confiance ?

    Initialement intitulé « Wichita » et finalement « Knight and day » dans la version américaine (un titre d’ailleurs beaucoup plus significatif, on se demande pourquoi il n’a pas été conservé dans la version française), après que le scénario soit passé entre de nombreuses mains c’est sous le titre « night and day » que le film sortira en France le 28 juillet 2010.

    Dès les premières minutes, de ce couple de cinéma se dégage un charme indéniable, insaisissable, sensuel et irrésistible qui fait qu’ils peuvent nous éblouir avec les pires invraisemblances, nous embarquer dans les aventures les plus improbables sans que nous y trouvions à redire. Le film, grâce en très grande partie à ses deux interprètes principaux et leur alchimie, nous charme comme Roy charme June. Peu nous importe alors que June n’ait rien de la garagiste jamais sortie de son trou perdu qu’elle est censée incarner ou qu’elle s’adapte à toutes les situations avec maestria ou que Roy sache aussi bien piloter un avion de ligne que se sortir avec un sourire et une décontraction imperturbables des situations les plus désespérées ; ils instaurent d’emblée une complicité avec le spectateur. Notre cœur s’emballe alors pour leurs rocambolesques aventures comme celui de June pour Roy.  Tout comme le sien, il  a alors ses raisons que la raison ne connaît pas et peu importe qu’elle nous souffle que tout cela est totalement invraisemblable. Nous faire croire à l’invraisemblable,  nous rendre volontairement et joyeusement crédules, c’est aussi un des plaisirs inestimables du cinéma.

    Cameron Diaz retrouve ici Tom Cruise après « Vanilla sky » en 2001. Ils sont incroyablement complémentaires et forment un couple particulièrement séduisant. Tom Cruise mêle action et second degré avec beaucoup de classe, un charisme inédit et sans jamais tomber dans le ridicule dans lequel ce genre de rôle peut rapidement faire tomber un acteur. Et Cameron Diaz est irrésistiblement lumineuse, drôle et énergique. A noter en prime la présence de Paul Dano ("Little miss sunshine", "The good heart"...)  en surdoué des formules mathématiques.

      Les dialogues sont percutants, la réalisation nerveuse ne nous laissant  le temps ni de réfléchir ni de nous appesantir sur les invraisemblances et cela fait parfois un bien fou quand c’est fait avec autant de légèreté (apparente, et certainement le résultat d’un long travail de réécriture au regard du nombre de scénaristes qui se sont succédés).

    Par ailleurs, le film a l’intelligence de ne pas prétendre à être autre chose qu’un divertissement, à ne pas essayer de se justifier par un discours moralisateur sur la faim dans le monde, l’écologie ou que sais-je encore…

    On laisse avec regret Roy et June avec l’envie de retrouver ces deux personnages si charmeurs, charmants et attachants. Comme souvent dans les films américains, la fin est d’ailleurs suffisamment ouverte pour pouvoir donner lieu à une suite ou même faire de Roy et June des personnages récurrents.  Alors, si vous voulez voir un vrai divertissement qui a la modestie et l’intelligence de ne pas aspirer à être autre chose et dont les deux acteurs vous  séduiront, vous hypnotiseront et vous embarqueront  dans d’époustouflantes et improbables péripéties des Etats-Unis jusqu’en Autriche, dans l’envoûtante ville de Salzbourg, et même en Espagne pour une corrida d’un nouveau genre, rendez-vous dans les salles le 28 juillet prochain.

    Retrouvez un extrait du film en cliquant ici.

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  • « Fatal » de Michaël Youn : lucide et opportuniste

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    C’est promis, ce soir, je reviens à Paris et donc à une offre (et donc des critiques) cinématographique(s) plus diversifiée(s), c’est-à-dire pas seulement des comédies ou des blockbusters, comme ce que se cantonnent malheureusement à projeter certains cinémas de province quelque peu frileux. Je ne recule devant rien puisque, après le désolant « Les meilleurs amis du monde », hier c’est « Fatal » de Michaël Youn que j’ai dû me résoudre à aller voir, à vrai dire intriguée entre, d’un côté, les critiques à la limite du panégyrique et, de l’autre, la bande-annonce qui annonçait un film ne me semblant pas mériter tous ces éloges. Comme je n’aime ni me fier aux critiques, ni m’arrêter à mes préjugés, j’ai décidé d’aller juger sur pièce.

    Fatal c’est donc Fatal Bazooka incarné par Michaël Youn, un personnage de sketch créé par ce dernier puis développé dans un album musical dont il a tout de même vendu 500000 exemplaires. Le film invente donc une vie à ce rappeur fictif qui dans le film a vendu 15 millions d’albums, a des millions de fans, a développé tout un merchandising autour de son nom, y compris un magazine, et projette même d’ouvrir son propre parc d’attraction : Fataland. Dans son domaine, il est le n°1 incontesté jusqu’à ce qu’arrive un concurrent, Chris Prolls, (Stéphane Rousseau) et jusqu’à ce que le public découvre que Fatal Bazooka est en réalité un savoyard nommé Robert LaFondue...

    Il faut l’avouer : les premières minutes, le déploiement de moyens fait illusion, la surenchère satirique sur le milieu de la télévision et de la musique électro-pop surprend plutôt agréablement. La photographie aussi bling bling que le héros du film également. Tout est là pour nous (dé)montrer que nous sommes au cinéma et non dans un sketch télévisé. Les choses se gâtent avec le personnage de Michaël Youn, de cinq ans d’âge mental. Le ton est alors davantage celui d’une bande dessinée que d’un film de cinéma : surjeu, décors champêtres acidulés, personnages régressifs…

    Il y a au moins une chose qu’on ne peut nier à Michael Youn, c’est qu’il est  d’une incontestable lucidité sur le milieu qui l’entoure et particulièrement malin. Derrière les blagues potaches, derrière l’humour vulgaire, derrière son personnage simple d’esprit se cache un sens du marketing particulièrement aigu. En feignant de dénoncer  le cynisme et le mercantilisme d’un certain milieu musical (un aspect d’ailleurs plutôt réussi entre les causes humanitaires défendues par les « artistes » là  avant tout pour servir la leur, et les musiques insipides d’une efficacité redoutable car savamment habillées de marketing et de sons assourdissants et ingénieusement répétitifs ), il en tire profit avec beaucoup d’habileté. Ou comment exploiter ce qu’on feint de dénoncer : le merchandising (Michaël Youn incarne un personnage pseudo parodique qui vit du merchandising mais sans doute le film d’une manière ou d’une autre (re)lancera-t-il les ventes d’albums avec la BO du film et les musiques qui circulent déjà sur youtube), la misogynie (Fatal est montré comme misogyne, ce que Michaël Youn prétend dénoncer, seulement les personnages féminins du film sont eux-mêmes d’une bêtise affligeante -car cupide notez bien concernant Athéna-Paris Novotel-Hilton- ), le mépris du public ( Fatal méprise le public mais le film n’en donne guère une image plus glorieuse puisqu’il le montre versatile,  et prêt à se laisser éblouir par n’importe quel produit formaté ou à glorifier n’importe quelle bimbo ou n’importe quel illuminé ), le narcissisme (Fatal pratique le culte de la personnalité mais Michaël Youn ne laisse pas plus de place aux seconds rôles que Fatal à ses acolytes, dommage d’ailleurs Stéphane Rousseau est assez irrésistible en Jean-Claude Vandamne de la musique accro au bio et Catherine Allégret s’en sort avec les honneurs échappant presque aux caricatures féminines évoquées plus haut).  Sous son apparence de dénonciation d’un système et d’autodérision, Fatal représente donc l’utilisation paroxystique de ce système et finalement une ingénieuse publicité hors de prix pour ses produits dérivés.  Ce n’est finalement pas le film qui me dérange ou déplait, d’une certaine manière plutôt réussie dans son genre, mais la bonne conscience de laquelle se pare son auteur et qui n’est finalement qu’un astucieux argument de vente…

    En digne ancien étudiant en commerce, Michaël Youn a bien compris et assimilé les recettes d’une publicité rentable mais aussi celles du cinéma. On ne peut ainsi non plus nier la présence d’un scénario là aussi efficace : le héros déchu qui renait de ses cendres après  un retour aux racines, une introspection et une remise en cause et qui revient pour faire sa leçon de morale.

    Si le film est assurément rythmé à en être vertigineux et s’il atteint parfois sa cible dans sa satire grinçante du milieu du show business qui malheureusement finit toujours par verser dans la vulgarité, il tombe littéralement à plat en tirant profit de ce qu’il feint de dénoncer. L’autodérision n’est finalement qu’un argument commercial dissimulé. Le comble de la société de consommation et du cynisme. Un film guidé par une lucidité aussi brillante que désolante et surtout opportuniste.

  • « Les meilleurs amis du monde » de Julien Rambaldi : l’éloge de la médiocrité

     

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    J'avais quelque peu déserté les salles obscures depuis Cannes comme vous l'aurez peut-être remarqué. Comme là où je me trouve actuellement l'offre cinématographique est plutôt restreinte, c'est vers « Les meilleurs amis du monde » que mon choix par défaut s'est porté.

    Mathilde (Léa Drucker) et Jean-Claude (Pierre-François Martin-Laval) et leur fils sont invités à passer le week end dans la nouvelle maison de leurs meilleurs amis Lucie (Pascale Arbillot) et Max (Marc Lavoine) et leur fils. Suite à une erreur de manipulation de téléphone, Mathilde et Jean-Claude découvrent ce que leurs amis pensent réellement d'eux et vont leur faire payer.

    « Les meilleurs amis du monde » est le premier long métrage de Julien Rambaldi, adapté d'une pièce de théâtre « J'aime beaucoup ce que vous faites » écrite par Carole Greep.  Etrange sujet pour un premier film que cette variation cynique (et pour moi sinistre) sur l'amitié. Les personnages sont soit imbuvables,  méprisants et méprisables, soit lâches et on ne comprend pas très bien comment une amitié a pu se nouer auparavant entre ces deux couples que tout sépare.

    Sans doute était-ce censé être drôle mais je n'ai pas ri une seule fois tant les personnages sont caricaturaux et stupides, les situations surjouées, les lieux communs accumulés, le tout assaisonné d'une psychologie de comptoir : si Max se montre aussi sûr de lui et odieux c'est pour cacher ses faiblesses et ses doutes...

    C'est finalement quand il prend le chemin du burlesque ou de la cruauté que le film devient plus intéressant mais il ne semble assumer ni l'un ni l'autre et se termine tel une série d'AB production en célébrant tout ce que tout le film s'est acharné à détruite : l'amitié . Le film s'achève en nous laissant le goût amer de son étrange morale : l'éloge de la médiocrité.  Quant à mêler rire et larmes il faut s'appeler Chaplin pour savoir jouer  de cette délicate partition et nous en sommes ici très loin...

     Marc Lavoine se voit affligé d'une moustache à la Hercule Poirot, Pascale Arbillot d'une perruque de Playmobil, pourtant aucun des acteurs ne démérite ni n'économise ses efforts, nous sauvant de l'ennui. Léa Drucker est toujours aussi incroyablement juste.

     Une scène de dîner qui se veut incisive est complètement ratée tant elle était attendue et prévisible. Revoyez plutôt le film ci-dessous dont les auteurs (Jaoui, Bacri, Klapisch) savent toujours rendre touchantes les faiblesses de leurs personnages.

     

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  • Critique de « The Ghost-Writer » de Roman Polanski

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    Un « écrivain-nègre » britannique (beaucoup plus poétiquement appelé un « Ghost-Writer » dans les pays anglo-saxons) à succès (Ewan Mc Gregor) -dont on ne connaîtra d'ailleurs jamais le nom- est engagé pour terminer les mémoires de l'ancien Premier Ministre britannique Adam Lang (Pierce Brosnan), le précèdent rédacteur, ancien bras droit de Lang, étant décédé dans d'étranges circonstances. C'est sur une île isolée au large de Boston que l'écrivain part à la rencontre de son nouveau sujet...

    Répulsion. Chinatown. Tess. Le Pianiste... Et tant d'autres films de genres si différents auxquels, à chaque fois, Polanski a su imprimer son inimitable style. Qu'allait-il en être cette fois de ce thriller? Avec cette adaptation cinématographique de L'Homme de l'ombre, thriller contemporain du romancier et journaliste anglais Robert Harris, Roman Polanski se rapproche davantage de « Frantic » même si ce film ne ressemble à aucun autre.

    Par une manière admirable à la fois d'aller à l'essentiel et de capter les détails avec une acuité remarquable, Roman Polanski nous plonge d'emblée dans son intrigue pour ne plus nous lâcher jusqu'à la dernière seconde. Combien de réalisateurs sont capables d'en dire tellement en deux ou trois plans et cela dès le début : une voiture abandonnée dans la cale d'un ferry, la police qui tourne autour de la voiture sur un quai et le film est lancé. Et nous voilà plongés dans l'atmosphère unique et inquiétante de « The Ghost-Writer ».

     La caméra de Roman Polanski ne quitte jamais son (anti)héros auquel le spectateur s'identifie rapidement (Ewan Mc Gregor tout en sobriété, parfait pour le rôle), cet « homme ordinaire plongé dans une histoire extraordinaire » comme Hitchcock aimait à résumer ses propres histoires. D'ailleurs, il y a beaucoup du maître du suspense dans ce nouveau Polanski, à commencer par ce huis-clos sur cette île inhospitalière à l'abandon balayée par le vent et la monotonie, et ce blockhaus posé au milieu d'une nature rebelle où un jardinier fantomatique œuvre en vain au milieu d'un tourbillon de feuilles. L'inquiétude et le sentiment d'inconfort  nous saisissent immédiatement dans cette demeure élégante mais déshumanisée dont l'ouverture sur l'extérieure donne des plans d'une redoutable beauté glaciale aux frontières de l'absurde, sorte de monde désormais désertique devant lequel, tel un démiurge, apparaît l'ancien premier ministre qui jadis dirigeait tout un peuple. Tout est à la fois familier et étrange, envoûtant et angoissant.

    C'est moins le suspense qui importe que la manière dont Polanski conduit son intrigue (même s'il réussit à nous étonner avec un dénouement pourtant attendu et prévisible), capte et retient notre attention. Pas par des course-poursuites ou des explosions, non, par des scènes où notre souffle est suspendu à un mot (comme ce formidable face-à-face avec Tom Wilkinson ) ou aux glaçantes et cinglantes répliques de la femme d'Adam Lang ( remarquable Olivia Williams) qui, avec Kim Cattrall,  réinventent les femmes fatales hitchcockiennes.

    Une austérité étrangement séduisante, une lenteur savamment captivante, une beauté froide et surtout une atmosphère à la fois inquiétante et envoûtante émanent de ce nouveau Polanski qui nous donne une magnifique leçon de cinéma, jusqu'au dernier plan, effroyablement magnifique. Un film agréablement inclassable quand on essaie de plus en plus de réduire les films à un concept voire à un slogan. Ce « Ghost-Writer » n'est pas sans rappeler un autre film qui lui aussi parle de manipulation ( et nous manipule) et se déroule  en huis-clos sur une île également au large de Boston comme si pour définir un pays aussi gigantesque que les Etats-Unis, la claustrophobie d'une terre insulaire était la plus parlante des métaphores...

    Difficile de dissocier l'histoire du film de celle de son auteur tant les similitudes son présentes ( à commencer par l'exil d'Adam Lang dans un pays où il est assigné à résidence, à cette exception près que c'est justement dans ce pays que ne peut retourner Polanski) . Difficile aussi de dissocier l'Histoire contemporaine de l'histoire de the Ghost-Writer qui évoque les tortures pendant la guerre en Irak et stigmatise le rôle trouble des Etats-Unis (là où justement ne peut retourner Polanski qui d'une certaine manière règle quelques comptes) Harris étant par ailleurs un ancien journaliste proche de Tony Blair à qui Adam Lang fait évidemment penser. Mais ce serait dommage aussi de réduire ce grand film inclassable et passionnant à cela...  Laissez-vous guider par « l'écrivain fantôme » et manipuler dans les coulisses du pouvoir. Je vous promets que vous ne le regretterez pas!

    Roman Polanski a reçu l'Ours d'argent du meilleur réalisateur pour ce film au dernier Festival de Berlin.