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documentaire

  • Critique de VISAGES VILLAGES d’Agnès Varda et JR

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    Que de poésie dans ce film, révélateur de la profondeur, la noblesse, la beauté et la vérité des êtres ! Présenté hors-compétition du dernier Festival de Cannes où il a reçu le prix L’œil d’or du meilleur documentaire, il est coréalisé par Agnès Varda et JR.

    Agnès Varda et JR ont des points communs : passion et questionnement sur les images en général et plus précisément sur les lieux et les dispositifs pour les montrer, les partager, les exposer. Agnès a choisi le cinéma. JR a choisi de créer des galeries de photographies en plein air. Quand Agnès et JR se sont rencontrés en 2015, ils ont aussitôt eu envie de travailler ensemble, tourner un film en France, loin des villes, en voyage avec le camion photographique (et magique) de JR. Hasard des rencontres ou projets préparés, ils sont allés vers les autres, les ont écoutés, photographiés et parfois affichés. Le film raconte aussi l’histoire de leur amitié qui a grandi au cours du tournage, entre surprises et taquineries, en se riant des différences.

    Dès le générique, le spectateur est saisi par la délicatesse et la poésie. Poésie ludique des images. Et des mots, aussi : « tu sais bien que j’ai mal aux escaliers » dit Agnès Varda lorsqu’elle peine à rejoindre JR, « Les poissons sont contents, maintenant ils mènent la vie de château» à propos de photos de poissons que l'équipe de JR a collées sur un château d’eau.

    « Le hasard a toujours été le meilleur de mes assistants », a ainsi déclaré Agnès Varda et en effet, de chacune de ces rencontres surgissent des instants magiques, de profonde humanité. Sur chacun des clichés, dans chacun de leurs échanges avec ces « visages » affleurent les regrets et la noblesse de leurs détenteurs.

    En parallèle de ces explorations des visages et des villages, se développe l’amitié entre ces deux humanistes qui tous deux ont à cœur de montrer la grandeur d’âme de ceux que certains appellent avec condescendance les petites gens (terme qui m’horripile), de la révéler (au sens photographique et pas seulement).

    En les immortalisant, en reflétant la vérité des visages que ce soit celui de la dernière habitante de sa rue, dans un coron du Nord voué à la destruction en collant sa photo sur sa maison, à ces employés d'un site chimique,  ils en révèlent la beauté simple et fulgurante. Et nous bouleversent. Comme cet homme à la veille de sa retraite  qui leur dit avoir « l’impression d’arriver au bout d’une falaise et que ce soir je vais sauter dans le vide ». Et dans cette phrase et dans son regard un avenir effrayant et vertigineux semble passer.

    Le photographe de 33 ans et la réalisatrice de « 88 printemps » forment un duo singulier, attachant, complice et attendrissant. Le grand trentenaire aux lunettes noires (qu’Agnès Varda s’évertuera pendant tout le film à lui faire enlever) et la petite octogénaire au casque gris et roux. Deux silhouettes de dessin animé. Les mettre l’un avec l’autre est déjà un moment de cinéma. Tous deux se dévoilent aussi au fil des minutes et des kilomètres de ce road movie inclassable. Et ces visages dont les portraits se dessinent sont aussi, bien sûr, les leur. Ce voyage est aussi leur parcours initiatique. Celui d’un JR gentiment taquin, empathique, et d’une Agnès Varda tout aussi à l’écoute des autres, tantôt malicieuse et légère (impayable notamment quand elle chante avec la radio) tantôt grave et nous serrant le cœur lorsqu’elle dit « la mort j’ai envie d’y être parce que ce sera fini ».

    Ce récit plein de vie et fantaisie est aussi jalonné par l’évocation tout en pudeur de ceux qui ne sont plus, du temps qui efface tout (parce que photographier les visages c’est faire en sorte qu’ils « ne tombent pas dans les trous de la mémoire ») comme la mer qui engloutit ce portrait de cet ami d’Agnès Varda qui avait pourtant été soigneusement choisi pour être collé sur un bunker en bord de mer. Et la nostalgie et la mélancolie gagnent peu à peu du terrain jusqu’à la fin. Jusqu’à cette « rencontre » avec le « redoutable » Jean-Luc Godard qui donne lieu à un grand moment de cinéma poignant et terriblement cruel. Jusqu’au lac où la vérité et le regard sont, enfin, à nu. Et le nôtre embué de larmes.

    Ajoutez à cela la musique de M. Et vous obtiendrez une ode au « pouvoir de l’imagination », un petit bijou de délicatesse et de bienveillance. Un pied de nez au cynisme. Passionnant. Poétique. Surprenant. Ensorcelant. Emouvant. Rare. A voir absolument.

     

  • Concours - A gagner: 5 X 2 places pour le documentaire JANIS d'Amy Berg et 5 Tote Bags du film

     

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    Lors du dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville dans le cadre duquel il avait été projeté (section des Docs de l'oncle Sam) et dans le cadre duquel je l'avais découvert, je vous avais fait part de mon enthousiasme pour le documentaire d'Amy Berg consacré à la chanteuse Janis Joplin. Je vous recommande vivement de commencer votre année cinématographique 2016 par cette ode à la musique, à la liberté, à la vie, bref tout ce qui a été meurtri en 2015 et qui mérite plus que jamais d'être célébré en 2016. "Janis" figurait également parmi les films en compétition du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule et a également été présenté à la Mostra de Venise et au Festival de Toronto.

    En partenariat avec le distributeur Happiness Distribution, j'ai donc le plaisir de permettre à cinq d'entre vous de remporter cinq places pour deux pour le découvrir en salles ainsi que cinq Tote Bags du film.

    Depuis quelques années, le Festival du Cinéma Américain de Deauville propose ainsi une belle sélection de documentaires réunis sous l’intitulé « Les Docs de l’Oncle Sam ». Cette année figuraient au programme : « Altman », « By Sidney Lumet », « Hitchcock Truffaut », « Janis », « Steve McQueen : the man and Le Mans », « This is Orson Welles », « Wolfpack». Même si j’aurais aimé tous les découvrir, il fallait bien faire des choix parmi les différentes sections du festival, le mien, pour les documentaires, s’est orienté vers « Janis » d’Amy Berg  et il s’est avéré judicieux tant ce documentaire est passionnant.

    Janis que son prénom suffit à désigner, c’est donc Janis Joplin, l’une des plus mythiques chanteuses de rock et de blues de tous les temps mais aussi une écorchée vive, forte et vulnérable, aussi sensible que sa voix était puissante. L’histoire de la courte vie d’une femme passionnée qui changea le cours de l’histoire de la musique, qui a enfreint tous les codes dans sa vie comme dans la musique, se jetant à corps perdu dans l’une comme dans l’autre. Elle décéda ainsi en 1970 à l’âge de 27 ans (le fameux « Club des 27″, l’âge auquel décédèrent les autres légendes du rock : Jim Morrison, Jimmy Hendrix, Kurt Cobain et Amy Winehouse).

    Peut-être, dans son dispositif,, un peu classique pour une femme aussi libre et iconoclaste, « Janis » repose néanmoins sur une belle idée. Celle d’une voix off qui lit des lettres que Janis avait adressées à sa famille créant ainsi une proximité avec le spectateur qui a l’impression de recueillir ses confidences, d’entendre sa voix intérieure aussi fragile que sa musique était puissante.

    Ce dispositif épistolaire permet d’esquisser un portrait plus nuancé et nous donne à voir, derrière les images enfiévrées, fascinantes, explosives, électriques, des concerts, la femme blessée, avide d’amour, à jamais complexée et surtout fragilisée par les humiliations qu’elle a subies dans son enfance.

    Bouleversante est la scène où, devenue une star, elle revient dans son ancien lycée et, où dans sa voix et son regard perdus, à fleur de peau, subsistent les bleus à l’âme de l’enfant blessée qu’elle semble alors être à nouveau et à jamais.

    Se dessine ainsi, derrière l’artiste hors normes, au talent qui transpire l’écran et nous fait frissonner d’émotion, le portrait d’une femme terriblement attachante, sensible, empathique, pétrie d’incertitudes, de manque d’amour et de confiance qu’elle tentait de noyer dans des plaisirs artificiels.

    La fin du documentaire, ce rendez-vous manqué que n’aurait osé inventer le plus audacieux des scénaristes, est absolument bouleversante et nous laissent ko avec une seule envie, entendre à nouveau sa voix immortelle, fiévreuse et incandescente.

    Concours

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    Règlement: comme le temps imparti est très court, le film sortant en salles ce 6 janvier, il vous suffira simplement d'être parmi les 5 premiers à répondre correctement aux 6 questions suivantes pour remporter vos deux places et votre Tote Bag du film. Envoyez vos réponses à inthemoodforfilmfestivals@gmail.com avec, pour intitulé de votre email, "Concours Janis" et n'oubliez pas d'indiquer votre adresse pour l'envoi des lots.

    Donnez-moi les noms des 5 (excellents) documentaires/films sur la musique ou dans lesquels la musique joue un rôle primordial dont sont extraites les images ci-dessous:

    1.

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    2.

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    3.

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    4.

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    5.

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    6. Pour éviter les réponses automatiques: en un adjectif, un mot ou une phrase, que représente pour vous Janis Joplin?

  • Concours - 9x2 invitations à gagner pour MON MAÎTRE D'ECOLE d'Emilie Thérond

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    ©2015 B2Films-D8films

     

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    ©2015 B2Films-D8films

    En novembre dernier, j'ai découvert ce documentaire dans le cadre de l'excellent Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule dans le compte rendu duquel je vous avais fait part de mon enthousiasme pour celui-ci. En partenariat avec Disney, je suis donc ravie de vous permettre de le découvrir en salles à votre tour. Le film sort ainsi en salles le 13 janvier 2015.

    Ce documentaire est avant tout un portrait d’humaniste et de pédagogue, celui que réalise Emilie Thérond de son ancien instituteur, un documentaire produit par François-Xavier Demaison (que vous pouvez entendre dans ma vidéo enregistrée dans le cadre du festival que vous retrouverez plus bas dans cet article, je suis désolée pour la très mauvaise qualité de l’image, la salle était plongée dans la pénombre).

    Cette école et ce maître-là, nous aurions tous rêvé de les avoir. L’homme est passionné par son métier, attachant, iconoclaste et l’école devient une sorte d’Eden où les élèves apprennent tout en s’épanouissant. Tout cela semble tellement idyllique qu’on peine à croire qu’il est réel et l’émotion nous envahit à l’idée que cet homme ne puisse plus enseigner et transmettre, du moins plus au sein de l'école.

    Ajoutez à cela la musique enchanteresse de Yodelice (dont vous connaissez forcément le « Talk to me » des « Petits mouchoirs ») et vous obtiendrez une bouffée de fraîcheur et d’optimisme, un documentaire plein de tendresse sur un homme attachant que je vous recommande de voir a fortiori en cette période bien sombre pour l'actualité où l'éducation et l'enseignement sont plus que jamais cruciaux. Une leçon de vie et d'humanité aussi chatoyante et chaleureuse que l'instituteur qui les dispense.

    Synopsis officiel: « A St Just-et-Vacquière, un village de 250 habitants perdu dans la garrigue, Jean-Michel Burel, est l’instituteur d’une classe unique, qui regroupe tous les niveaux de l’école primaire. Il en est le maître d’école depuis 1972 et y enseigne la tolérance, la sagesse au même titre que l'orthographe et les mathématiques. Il s’évertue à soutenir les élèves pour leur donner confiance et les élever plus haut.
    Après 40 ans d’enseignement au même endroit et d’amour pour ses élèves, Jean-Michel Burel commence sa dernière année scolaire avant la retraite.
    Il lui reste quelques mois pour dire adieu à ses «petits», quelques mois pour transmettre sa passion de l’éducation.
    Comment va-t-il vivre cette dernière année et supporter le compte à rebours jusqu’à son dernier jour de classe ?
    À travers les yeux d’une ancienne élève, aujourd’hui réalisatrice, se dessine une école intemporelle où la rigueur se conjugue avec la bonne humeur, une école où la liberté commence avec le respect de celle des autres.
    Une école qui appartient à tous et au domaine universel de l’enfance. »

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    ©2015 B2Films-D8films

    CONCOURS:

    C'est très simple: pour figurer parmi les heureux lauréats, soyez parmi les 9 premiers à me donner les titres des films dont figurent les images ci-dessous et qui tous mettent en scène des enfants et n'oubliez pas la question 4 qui concerne le film.

    Envoyez vos réponses à inthemoodforfilmfestivals@gmail.com en n'oubliant pas de spécifier vos coordonnées avec, pour intitulé de votre email, "Concours Le Maître d'Ecole".

    1.

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    2.

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    3.

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    4. Dans quel département se situe le village où enseigne le "maître d'école"?

  • Avant-première : Alain Delon sur Orange ciné géants « Dans mon cinéma »

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    Alain Delon dans "L'Eclipse" d'Antonioni (1962)

    orangecinéma.jpgCe lundi 5 octobre, à 20H40, sur Orange Ciné géants sera diffusé l'épisode 1 d'une série de documentaires intitulés « Dans mon cinéma », des documentaires dans le cadre desquels des personnalités du septième art commentent des extraits de leur propre filmographie et des extraits de films qu'ils ont en grande partie choisis. Le premier épisode de cette série est consacré à Alain Delon et réalisé par Raymond Vouillamoz.  Ses propos sont recueillis par Dominique Warluzel.

    Vous n'êtes pas sans savoir que l'acteur en question est pour partie à l'origine de ma passion pour le cinéma et surtout un grand nombre de chefs d'œuvres dans lesquels il a joué (« Monsieur Klein » de Losey, « La Piscine » de Jacques Deray, « Le Cercle rouge » et "Le Samouraï" de Jean-Pierre Melville, « Plein soleil » de René Clément, « le Guépard » de Luchino Visconti, "Rocco et ses frères" du même Luchino Visconti, "L'Eclipse" d'Antonioni, "La Veuve Couderc" de Pierre Granier-Deferre...) à tel point que j'ai écrit un scénario de long-métrage dont le rôle principal est écrit pour Alain Delon. A bon entendeur... L'histoire de ce scénario est d'ailleurs presque un vrai film, je vous la raconterai un jour...

    delon21.jpgLorsqu'Orange, avec qui Inthemoodforcinema.com avait un partenariat pour le 35ème Festival du Cinéma Américain de Deauville (18 d'entre vous ont ainsi remporté des pass pour le festival grâce à Orange et inthemoodforcinema.com), m'a proposé de visionner ce documentaire en avant-première j'ai évidemment été tout de suite enthousiaste !

    loveletters.jpgCe qui m'étonne toujours, c'est à quel point les avis sont tranchés lorsqu'il est question d'Alain Delon. On l'adore ou on le déteste. Il séduit ou il insupporte. Il joue subtilement avec son image dont certains sont malheureusement dupes, et dans laquelle lui-même sans doute se retrouve parfois enfermé, isolé. Et moi j'ai ces images à jamais gravées dans ma mémoire : celle du 25ème Film Policier de Cognac dont il était l'invité d'honneur et dont j'étais membre du jury de cinéphiles. Là, lors d'une soirée, à deux mètres de moi, un Delon jovial et rieur, loin de l'image à laquelle on le réduit parfois, un Delon autour duquel se formait un cercle de respect mais aussi de convoitise (dans lequel se situaient des réalisateurs connus que je ne citerai pas qui semblaient alors prêts à tout pour lui parler comme des vassaux avec leur roi). Et puis  il y a cette autre image, inoubliable, des 60 ans du Festival de Cannes d'un Alain Delon ému aux larmes rendant hommage à Romy Schneider (une vidéo que vous pouvez voir sur mon autre blog "In the mood for Cannes"). Des images aussi du grand acteur de théâtre qu'il est également : dans "Variations Enigmatiques",  « Les Montagnes russes », « Sur la route de Madison », « Love letters ». Et puis tant d'images de cinéma...

    Il est intéressant d'entendre l'acteur évoquer sa filmographie mais aussi revenir sur des moments clefs de sa carrière et delon6.jpgsur les personnalités qui l'ont marqué. Le seul bémol concerne la durée du documentaire : 52 minutes beaucoup trop courtes pour évoquer une telle carrière, 52 minutes qui donnent l'impression d'un survol au goût d'inachevé. Cet entretien n'en est pas moins passionnant, l'acteur s'exprimant rarement sur sa carrière, et encore plus rarement sur celle des autres, nous permettant de découvrir un cinéphile passionné, un homme sensible et charismatique, nostalgique et mélancolique, même "passéiste" comme il se définit lui-même, à fleur de peau, touchant, mais aussi un homme avec des prises de position pas forcément politiquement correctes qui se dévoile sans jamais être impudique.

    Pour ceux qui comptent regarder le documentaire, je vous conseille d'arrêter votre lecture ici... Pour les autres en voici un résumé...

    Le premier extrait (« Deburau » de Guitry-1951) le bouleverse d'emblée de même que le dernier, un extrait de « La fin du jour » de Duvivier (1939) qui le fait « pleurer à chaque fois ». L'un comme l'autre évoquent la passion pour ce « plus beau métier du monde » qu'est le métier d'acteur mais aussi la solitude de l'acteur.

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    Maurice Ronet, Marie Laforêt, Alain Delon dans "Plein soleil" de René Clément

    Il n'est pas moins ému quand il s'agit de revenir sur sa propre filmographie. Il commente ainsi sept extraits de ses propres films. Il commence par « Plein soleil » de René Clément dont il dit que c'est pour lui le plus grand réalisateur mais surtout le plus grand directeur d'acteurs, et pour lequel il semble éprouver une admiration sans bornes. Il précise également qu'il devait au départ interpréter le rôle que Maurice Ronet jouera finalement et que, malgré son jeune âge (24 ans alors), il avait réussi à convaincre Clément (et d'abord sa femme...) de le faire changer de rôle. Pour ceux qui n'ont pas encore vu « Plein soleil » dont la direction d'acteurs est effectivement remarquable je vous le recommande vivement.

    piscine.jpgLe deuxième extrait est une scène de « La Piscine » de Jacques Deray avec Romy Schneider, des images qu'il dit ne pas pouvoir revoir sans être bouleversé, chaque film et évidemment celui-ci, étant pour lui « une tranche de vie ».

    Le troisième extrait est un extrait du premier des 28 films qu'il a produits : « « L'Insoumis » d'Alain Cavalier, dont le sujet (La Guerre d'Algérie) était, pour l'époque, audacieux et engagé, un film inspiré de l'histoire vraie de l'avocate Gisèle Halimi enlevée par l'OAS.

    Le quatrième extrait nous présente la fin de « Deux hommes dans la ville » de Giovanni dans lequel Delon jouait face à celui qui l'appelait « Le Môme » et qu'il admirait tant : Jean Gabin. Il explique comment il a lui-même mis en scène la fin du film, d'ailleurs admirablement réalisée, une scène qui fait entrevoir toute l'horreur d'une condamnation à mort ( et dont la force semble en contradiction avec les propos de Delon sur la peine de mort dont il est dommage qu'il ne les ait pas davantage explicités, des propos avec lesquels je ne suis pas d'accord mais qui prouvent néanmoins à quel point l'acteur reste « insoumis », une qualité finalement louable dans un milieu cinématographique au discours souvent très formaté) .

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    Alain Delon et Simone Signoret dans "La Veuve Couderc" de Pierre Granier-Deferre

    L'extrait suivant est un extrait de « La Veuve Couderc » de Granier-Deferre (1971) , une scène qui est selon Delon « une des plus belles scènes d'amour non charnelles » de l'histoire du cinéma. Sa relation avec Signoret était faîte « de respect et d'admiration mutuels ». Elle lui apprit « la qualité des silences et des regards ».

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    Alain Delon et Claudia Cardinale dans "Le Guépard" de Luchino Visconti

    Evidemment il ne pouvait pas non plus ne pas choisir un extrait du « Samouraï » de Melville, l'occasion pour lui de revenir sur le sens du détail du cinéaste, et il ne pouvait pas non plus faire l'impasse sur « Le Guépard » de Visconti.  A cette occasion, il avoue que Burt Lancaster est le seul acteur face auquel il fut intimidé. Pour lui Visconti était avant tout « un esthète ».

    asphaltsmall.jpgS'il est parfois arrivé à Alain Delon de commenter sa propre carrière je l'ai plus rarement entendu évoquer celles des autres, c'est à mon avis l'intérêt de ce documentaire. Il faut voir avec quelle émotion il regarde « Marylin Monroe, « mythe universel »  dans un extrait d' « Asphalt jungle »  (« Quand la ville dort ») de John Houston, Marylin qu'il n'a jamais rencontrée  ou avec quel émoi il évoque  la fin du film lorsque Sterling Hayden rentre mourir avec ses chevaux, une fin qui lui fait penser à la manière dont il aimerait mourir.

    Il revient aussi sur sa définition de l'acteur. Pour lui un comédien est quelqu'un qui a la vocation, qui apprend le métier, qui devient comédien. Il cite ainsi en exemple Belmondo et Huster. Pour un acteur, il s'agit en revanche d'un accident comme ce fut le cas pour lui, pour Gabin ou Ventura. « L'acteur vit, le comédien joue ».

    Il a également choisi un extrait de « La Grand Illusion » de Jean Renoir, « un des plus grands films de l'histoire du cinéma », qu'il commente et notamment la scène du « petit navire », « scène d'anthologie » entre Dalio et Gabin.

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    Burt Lancaster dans "Le Guépard" de Luchino Visconti

    Si Delon admirait Gabin, Garfield (inoubliable dans « Le Facteur sonne toujours deux fois » de Tay Garnett) était pour lui son « Dieu », le plus grand acteur dont il admire la modernité du jeu, avec Lancaster et Brando avec lequel il regrette de n'avoir jamais joué ( « Le jour où Marlon partira je serai mort cliniquement » disait-il avant la mort de ce dernier). Quant aux réalisateurs, Melville, Clément, Visconti forment pour lui le trio remarquable.

    Lauren Bacall et Ava Gardner traversent aussi ce documentaire trop court pour évoquer toute sa carrière mais qui permet d'en envisager l'impressionnante étendue et le nombre de chefs d'œuvre qui l'ont jalonnée.

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    2009. Alain Delon dans une publicité pour "Eau sauvage" avec une photo prise par Jean-Marie Périer, en 1966 . Il avait alors 31 ans.

    J'en profite aussi pour vous recommander le très beau livre de photos et de témoignages signé Philippe Barbier consacré à Alain Delon et Romy Schneider  intitulé "Ils se sont tant aimés".

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     Articles liés  à Alain Delon sur inthemoodforcinema.com :

     « Les Montagnes russes », 

     « Sur la route de Madison »,

    « Love letters ».

     « La Piscine » de Jacques Deray

     Le Guépard » de Visconti

  • Isabelle Clarke présente "Apocalypse" (vidéo de l'avant-première)

    apocalypse.pngAlors qu'hier soir, le documentaire "Apocalypse" programmé sur France 2 a attiré 6 229 000  téléspectateurs (soit 23,6 de parts d'audience), et alors que les deux derniers épisodes seront diffusés mardi prochain, à 20H35, en bonus, je vous propose, ci-dessous, la vidéo de la présentation  par sa réalisatrice Isabelle Clarke, lors de l'avant-première dans les locaux de France 2. (L'image est de piètre qualité, mais vous pourrez entendre ses propos passionnants).

    A quand une diffusion de ce documentaire historique (dans tous les sens du terme), nécessaire, indispensable, à la fois terrible et passionnant, dans toutes les écoles?

     Cliquez ici pour lire mon article consacré à "Apocalypse".


  • "Apocalypse", les épisodes 3 et 4 ce soir sur France 2

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    En attendant de vous livrer de nouveaux articles sur le 35ème Festival du Cinéma Américain de Deauville, je vous rappelle que, ce soir, sur France 2, à 20H35, seront diffusés les épisodes 3 et 4 du documentaire "Apocalypse" réalisé par Isabelle Clarke et Daniel Costelle.

     Ces deux épisodes s'intitulent "Le choc" et "L'embrasement". Je vous les recommande vivement au même titre que les deux premiers qui n'ont malheureusement attiré "que" 5,7 millions de téléspectateurs, ce qui est finalement peu au regard de la qualité de ce documentaire et de son intérêt pédagogique et historique.

    Cliquez ici pour lire ma critique d'"Apocalypse" d'Isabelle Clarke et Daniel Costelle

  • Avant-première- « I feel good » de Stephen Walker: mon coup de cœur de cette fin d’année!

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    « I feel good » est un documentaire dans lequel son réalisateur, Stephen Walker, suit le quotidien de Young@Heart, une chorale unique au monde dont la moyenne d’âge de ses chanteurs, résidents d’une petite ville du Massachussetts, Northampton,  est de 80 ans (de 75 à 93 ans !). N’imaginez surtout pas une bande de grabataires plaintifs ânonnant des airs mièvres et surannés lénifiants (je ne citerai pas de noms mais ça vous rappellera probablement quelque chose ou quelques un(e)s). Non, les membres de cette chorale qui porte bien son nom ne chantent que des tubes punk, soul et hard rock, le tout avec une joie et un entrain communicatifs, sous la direction d’un jeune quinquagénaire, Bob Cilman, créateur, manager et chef d’orchestre exigeant de la troupe.

    Le film débute par  des plans d’une foule en délire dans une salle de concert pleine à craquer, puis revient sur les semaines de répétition qui ont précédé ce spectacle.

    Je vous mets au défi de rester insensibles et statiques devant ce documentaire, vrai coup de cœur de cette fin d’année cinématographique. Il a même réussi à dérider la salle de  projection presse : c’est dire…  Ce film est un véritable concentré d’émotions, de vie et de musique. Rien de graveleux ou d’impudique: Stephen Walker a la délicatesse d’écarter sa caméra là où d’autres auraient fait des gros plans racoleurs en ajoutant une musique sirupeuse et mélodramatique. Non : l’émotion ne vient pas de là. Elle vient des personnalités sur lesquelles Stephen Walker s’attarde, des personnalités dont, derrière les rides, les appareils respiratoires, les démarches hésitantes, les voix parfois tremblantes et autres cœurs balbutiants, on perçoit avant tout la joie de vivre transcendée, exaltée, ou simplement suscitée par la musique et des personnes dont, paradoxalement, la première « qualité » n’est pas d’être âgées mais d’être éprises de vie et d’une passion, pour le chant et la musique.

    Stephen Walker s’immisce donc dans la vie de la chorale et peu à peu cerne les personnalités touchantes de ses interprètes : la séductrice Eileen et ses 93 printemps, le persévérant Stan, l’infatigable Steven, la truculente Dora, le touchant Bob, Joe et sa joie de vivre communicative. Les chansons prennent une nouvelle résonance (comme « Nothing compares to you » à un moment crucial), parfois dramatique ou drôle, voire irrésistible.

    Le montage, habile et toujours pudique, entremêle subtilement entretiens avec les membres de la chorale, trajets épiques en voiture, images de leur clips, répétitions et spectacles nous faisant cerner leurs existences, leurs espoirs et désespoirs, et dressant un portrait entraînant mais aussi sans concessions de ces septuagénaires, plus souvent d’ailleurs octogénaires ou nonagénaires, un portrait qui est une véritable cure de jouvence. Il faut les voir reprendre « I feel good » de James Brown avec un enthousiasme et une chorégraphie qui n’ont rien de ridicules mais aussi  « Fix you » de Coldplay, « Should I stay or Should I go » des Clash, un “Yes we can can” -d’actualité!- de Lee Dorsey et cette version -incroyable et qui emporte l’adhésion générale- de "Schizophrenia" de Sonic Youth.

    Au-delà de cette bande originale irrésistible, ce film a un écho universel et poignant dont témoigne cette séquence dans une prison où la chorale suscite l’enthousiasme de ces gros bras aux physiques parfois patibulaires dont certains semblent sur le point de verser une larme et qui terminent par une standing ovation unanime.

    En chacun de ces chanteurs : ce sont en effet nos grands-parents que nous voyons mais aussi un miroir de nous-mêmes, parfois dur dans ce qu’il évoque d’inexorable mais l’espoir et la musique reprennent toujours le dessus, malgré tout, même la mort qui rôde et les rattrape parfois. Un miroir qui en 1H48 nous parle de l’essentiel, de vie et de (et en) chanson qui défient la mort et nous va droit au cœur.

    Un film plein d’espoir, un hymne à la vie mais surtout à la passion, celle qui permet de surmonter les difficultés, la douleur, l’âge, de se surpasser, de narguer la mort même parfois.  Un film drôle et bouleversant qui tord le cou aux préjugés et aux lieux communs sur l’âge. Ce qui aurait pu être pathétique se révèle magique. En 1H48 ce film m’a autant bouleversée qu’il m’a fait rire, et taper des pieds. J’en suis ressortie le sourire aux lèvres et la larme à l’œil,  l’envie de chanter, de danser, de croquer la vie à pleines dents, de la regarder en face aussi, avec ses failles et ses difficultés,  de vivre pleinement ses passions, plus fortes que tout et qui rendent aussi plus fort que tout...et l’envie d’acheter une place pour leur prochaine tournée ! Un film dont on ressort en chantant et pensant « I feel good ».

    Un remake serait en préparation, la société de production Working Title voudrait en faire une fiction. C’est dommage : ce qui constitue la richesse de ce film et qui suscite une telle émotion c’est justement tout ce qui n’est pas prévisible, ce qu’une fiction ne pourra pas retranscrire. Ce film a d’ailleurs reçu de très nombreux prix et notamment le prix du jury et le prix du public au dernier Festival Paris Cinéma. Stephen Walker a réalisé 23 films pour la BBC et Channel 4 mais « I feel good » est son premier film pour le cinéma… et certainement pas le dernier, je l’espère en tout cas !

    Sortie en salles: le 24 décembre

    Durée du film: 1H48

    Site internet du film : http://www.ifeelgood-lefilm.com

    Sandra.M

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