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  • Critiques des films à ne pas manquer cette semaine: "Shutter island", "A single man", "La reine des pommes"

    Demain sortent  trois films  très différents que je vous recommande: d'abord "Shutter island", le thriller palpitant et vertigineux de Martin Scorsese à voir et revoir que vous ne pouvez manquer sous aucun prétexte. Ensuite vous ne pouvez pas non plus manquer "A single man" (cliquez ici pour lire mon compte rendu de la conférence de presse de l'équipe du film), le premier film du couturier Tom Ford qui se révèle être un véritable cinéaste, un voyage sensoriel et sensuel d'une pessimisme lumineux et d'une beauté sombre à expérimenter absolument. Enfin, pour les amoureux de Rohmer et Truffaut, je vous recommande le premier film de Valérie Donzelli "La reine des pommes". Voir mes critiques de ces 3 films ci-dessous.

    "Shutter island" de Martin Scorsese

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    Cela faisait longtemps. Longtemps que j'entendais parler de cette adaptation tant attendue du best seller de 2003 de Dennis Lehane (que je n'ai pas lu et qui est également l'auteur de best-sellers ayant donné lieu à d'excellentes adaptations cinématographiques comme « Mystic river » de Clint Eastwood et, dans une moindre mesure, « Gone baby gone » de Ben Affleck). Longtemps que je n'avais pas ressenti un tel choc cinématographique. Longtemps qu'un film ne m'avait pas autant hantée des heures après l'avoir vu... Un grand film, c'est en effet comme un coup de foudre. Une évidence. Une évidence qui fait que les mots à la fois manquent et se bousculent. Je vais essayer de trouver les plus justes pour vous faire partager mon enthousiasme sans trop en dévoiler.

    Avant toute chose, il faut que je vous présente « Shutter island ». Shutter island est une île au large de Boston sur laquelle se trouve un hôpital psychiatrique où sont internés de dangereux criminels. Une île séparée en trois bâtiments : un pour les femmes, un pour les hommes et un pour les criminels les plus dangereux, enfin quatre si on compte son phare qui détient la clef de l'énigme. En 1954, l'une des patientes, Rachel Solando, a mystérieusement disparu... alors que sa cellule était fermée de l'extérieur, laissant pour seul indice une suite de lettres et de chiffres. Le marshal Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) et son coéquipier Chuck  Aule (Mark Ruffalo) sont envoyés sur place pour résoudre cette énigme... Alors qu'une forte tempête s'abat sur l'île isolée, une plongée dans un univers étrange, sombre, angoissant s'annonce alors pour Teddy qui devra aussi affronter ses propres démons.

    Rarement un film aura autant et si subtilement fait se confondre la fond et la forme, le ressenti du personnage principal et celui du spectateur. Dès le premier plan, lorsque Teddy, malade, rencontre son coéquipier sur un ferry brinquebalant et sous un ciel orageux, Scorsese nous embarque dans l'enfermement, la folie, un monde mental qui tangue constamment, flou, brouillé. Tout est déjà contenu dans cette première scène : cette rencontre qui sonne étrangement, le cadre  qui enferme les deux coéquipiers et ne laisse voir personne d'autre sur le ferry, cette cravate dissonante, le mal de mer d'un Teddy crispé, le ciel menaçant, les paroles tournées  vers un douloureux passé.

    Puis, c'est l'arrivée sur l'île et toute la paranoïa que Scorsese suggère en un plan : un visage informe, un regard insistant... En quelques plans subjectifs, Scorsese nous « met » dans la tête de Teddy, nous incite à épouser son point de vue, à ne voir et croire que ce que lui voit et croit. Nous voilà enfermés dans le cerveau de Teddy lui-même enfermé sur « Shutter island ». Avec lui, nous nous enfonçons dans un univers de plus en plus menaçant, sombre, effrayant, déroutant. L'étrangeté des décors gothiques, l'instabilité du climat coïncident avec cette fragilité psychique. Tout devient imprévisible, instable, fugace, incertain.

    Commence alors la quête de vérité pour Teddy alors que surgissent des images du passé : des images de sa femme défunte et des images de l'horreur du camp de concentration de Dachau dont Teddy est un des "libérateurs", images qui se rejoignent et se confondent parfois. L'hôpital, autre univers concentrationnaire  rappelle alors les camps, avec ses êtres moribonds, décharnés, ses barbelés..., d'autant plus qu'il est dirigé par l'Allemand Dr Naehring. La guerre froide pendant laquelle se déroule l'intrigue, période paranoïaque par excellence, renforce de climat de suspicion. L'action est par ailleurs concentrée sur quatre jours, exacerbant encore l'intensité de chaque seconde, le sentiment d'urgence et de menace.

    Chaque seconde, chaque plan font ainsi sens. Aucun qui ne soit superflu. Même ces images des camps dont l'esthétisation à outrance m'a d'abord choquée mais qui en réalité sont le reflet de l'esprit de Teddy qui enjolive l'intolérable réalité. Même (surtout) cette image envoûtante d'une beauté poétique et morbide qui fait pleuvoir les cendres.

    A travers la perception de la réalité par Teddy, c'est la nôtre qui est mise à mal. Les repères entre la réalité et l'illusion sont brouillées.  A l'image de ce que Teddy voit sur Shutter island où la frontière est si floue entre l'une et l'autre, nous interrogeons et mettons sans cesse en doute ce qui nous est donné à voir, partant nous aussi en quête de vérité. Le monde de Teddy et le nôtre se confondent : un monde de cinéma, d'images trompeuses et troublantes qui ne permet pas de dissocier vérité et mensonge, réalité et illusion, un monde de manipulation mentale et visuelle.

    Pour incarner cet homme complexe que le traumatisme de ses blessures cauchemardesques et indélébiles et surtout la culpabilité étouffent, rongent, ravagent, Leonardo DiCaprio, habité par son rôle qui, en un regard, nous plonge dans un abîme où alternent et se mêlent même parfois angoisse, doutes, suspicion, folie, désarroi (interprétation tellement différente de celle des "Noces rebelles" mais tout aussi magistrale qui témoigne de la diversité de son jeu). La subtilité de son jeu  fait qu'on y croit, qu'on le croit ; il est incontestablement pour beaucoup dans cette réussite. De même que les autres rôles, grâce à la duplicité des interprétations (dans les deux sens du terme): Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams, Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Max von Sydow... 

    Le maître Scorsese n'a pas son pareil pour créer une atmosphère oppressante, claustrophobique, pour déstabiliser les certitudes. Une œuvre pessimiste d'une maîtrise formelle et scénaristique impressionnante, jalonnée de fulgurances poétiques, dont chaque plan, jusqu'au dernier, joue avec sa et notre perception de la réalité. Un thriller psychologique palpitant et vertigineux. Une réflexion malicieuse sur la culpabilité, le traumatisme (au sens éthymologique, vcous comprendrez en voyant le film)  et la perception de la réalité dont le film tout entier témoigne de l'implacable incertitude. Ne cherchez pas la clef. Laissez-vous entraîner. « Shutter island », je vous le garantis, vous emmènera bien plus loin que dans cette enquête policière, bien plus loin que les apparences.

    Un film multiple à l'image des trois films que Scorsese avait demandé à ses acteurs de voir  avant le tournage: « Laura » d'Otto Preminger, « La griffe du passé » de Jacques Tourneur, « Sueurs froides » d'Alfred Hitchcock.  Un film noir. Un film effrayant. Un thriller. En s'inspirant de plusieurs genres, en empruntant à ces différents genres, Martin Scorsese a créé le sien et une nouvelle fois apposé la marque de son style inimitable.

     Un film dont on ressort avec une seule envie : le revoir aussitôt. Un film brillant. Du très grand Scorsese. Du très grand cinéma. A voir et encore plus à revoir. Immédiatement ! Il ne me reste (et ne vous reste) plus que 8 jours à patienter  ... (sortie en salles : le 24 février).

    "A single man" de Tom Ford

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    Los Angeles, en 1962. Depuis qu'il a perdu son compagnon Jim (Matthew Goode) dans un accident, George Falconer (Colin Firth), professeur d'université Britannique, se sent incapable d'envisager l'avenir. Solitaire malgré le soutien de son amie Charley (Julianne Moore), George essaie en vain de « vivre comme avant ». Une série d'évènements et de rencontres vont l'amener à décider s'il peut y avoir une vie après Jim.

    J'ai abordé ce film sans en avoir vu la bande annonce, sans en connaître le sujet. Tout juste savais-je que le styliste Tom Ford en était le réalisateur, scénariste et producteur. En quelques secondes, en quelques plans, j'étais dans l'ailleurs universel de cet homme singulier, porté par le charme ensorcelant de l'univers visuel de Tom Ford. Un univers d'une rare élégance, tantôt sombre, tantôt lumineux à l'image des variations de couleurs sur lesquelles influe l'humeur de George (et par lesquelles Tom Ford a eu la judicieuse idée de remplacer le monologue intérieur du roman de Christopher Iserwood « Un homme au singulier » dont il s'est inspiré pour ce film ).

    L'intrigue se déroule en une journée, une journée à l'issue de laquelle George a décidé de se suicider. Le compte à rebours est lancé. Quelques heures pendant lesquelles chaque minute compte plus que toute autre. Ou le présent prend toute sa douloureuse et belle signification. Ou la beauté des choses simples de la vie prend une toute autre dimension. La beauté des visages et des corps. La beauté des fleurs. La beauté des objets. La beauté des regards. Ceux des autres ou celui apposé sur le monde qui les et nous entoure.

    Les ralentis langoureux, la musique languissante (de Shigeru Umebayashi  mais aussi de  Abel Korzeniowski) nimbent ce single man, ce et ceux qui l'entourent d'une sensualité et d'une poésie envoûtantes qui rappellent celles de Wong Kar Wai (référence assumée puisque Shigeru Umebayashi est son compositeur). La solitude de George (mais aussi celle de Charley), la menace d'une guerre nucléaire en pleine crise des missiles de Cuba, la destinée de cette journée fatale renforcent la beauté fugace de chaque instant et de chaque rencontre. A l'image des personnages, nous sommes immergés dans la beauté sensuelle de l'instant.  Chaque rencontre évoque la beauté évanescente du possible, d'un désir.

    A single man est le film d'un artiste, et cela saute aux yeux dès les premiers plans. Un artiste, qu'il soit styliste ou cinéaste, est en effet quelqu'un qui vous embarque dans son univers qui lui ressemble et le singularise tout en apportant à cette histoire singulière des accents d'universalité. Le deuil, la solitude, le temps qui passe, autant de sujets universels en plus de la beauté plastique pleinement assumée qui rend caduque toute critique de superficialité puisque cette beauté devient argument artistique. Que ce soit celle de Julianne Moore, désespérément glamour ou des jeunes hommes à la beauté fatale ou trompeusement lisse (à l'image du film) que croise George. Que ce soit celle d'un plan de regards, ceux que George croise ou celui de l'affiche de « Psychose ».

     Tom Ford y apporte son style, de la classe, une incontestable élégance  pour nous faire appréhender la beauté du monde, un monde entre la ravageuse sensualité de Gucci et la sobre élégance de Saint-Laurent pour lesquels Tom Ford a travaillé. La sublime photographie  d'Eduard Grau, la musique et les costumes évidemment soignés complètent le tableau et la reconstitution subtile et magnifiée d'une époque.

    Un (premier) film incontestablement personnel d'une touchante et rare naïveté, un voyage sensoriel et sensuel d'un pessimisme lumineux et d'une beauté sombre, élégante, troublante avec comme guide l'excellent Colin Firth (qui a reçu pour ce film la Coupe Volpi de l'interprétation masculine au dernier Festival de Venise). Laissez-vous (em)porter... vous ne le regretterez pas !

    Sortie en salles : 24 février 2010

    "La reine des pommes" de Valérie Donzelli

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    Adèle (Valérie Donzelli) une jeune trentenaire se fait quitter par Mathieu (Jérémie Elkaïm), l'amour de sa vie. Anéantie, suffoquée, Adèle ne pense plus qu'à une chose : mourir. Rachel (Béatrice de Staël), une cousine éloignée, la prend en charge. Elle décide d'aider Adèle en essayant de lui trouver du travail, de lui redonner goût à la vie et de la conseiller sentimentalement. Son principal conseil : coucher avec d'autres hommes afin de désacraliser cette histoire. Ce sera Pierre, Paul et Jacques (dans les trois cas, Jérémie Elkaïm).

    Adèle donc. Déjà tout un programme truffaldien, Truffaut à qui Valérie Donzelli n'emprunte pas seulement le nom d'une de ses héroïnes mais aussi une tristesse désinvolte, un ton ludique, une légèreté, une narration, un personnage décalé et anachronique à la Antoine Doinel, un jeu agréablement suranné à la Jean-Pierre Léaud. Ajoutez à cela un marivaudage qui relève de Rohmer, des passages en-chantés, enchanteurs à la Demy et une note d'Agnès Varda ou d'Emmanuel Mouret et vous obtiendrez un premier film aussi singulier qu'attachant. Ces multiples références assumées et même proclamées auraient pu alourdir et plomber l'ensemble, et nous agacer mais Valérie Donzelli a l'intelligence de ne pas se prendre au sérieux et de se tourner en ridicule juste à temps pour que son film ne le soit pas. Loin de là !

    Avec un  sujet galvaudé, grâce à un ton et un personnage burlesques, à des situations cocasses, à des dialogues décalés, Valérie Donzelli nous emporte dans sa comédie légère aux airs de Nouvelle Vague rafraîchissante et dans son univers (scénariste, réalisatrice, actrice, elle a aussi composé, écrit, interprété la musique du film).

     La légèreté des moyens rend service au sujet puisque le même acteur interprète tous les hommes que rencontre Adèle, tous les hommes en qui elle voit celui qu'elle a perdu, qu'ils s'appellent (avec beaucoup d'ironie) Pierre, Paul ou Jacques.

    Seule la fin, à new York (où Adèle a un nouveau regard sur un nouveau monde, quand la reine des pommes se retrouve dans la grosse pomme) redevient sérieuse là où le film aurait peut-être gagné à rester dans le décalage et la légèreté.

    Sélectionné à la Quizaine des réalisateurs pour son court-métrage « Il fait beau dans la plus belle ville du monde »,  avec « La Reine des pommes » Valérie Donzelli a reçu le prix du public du festival d'Angers.

    Un film fantaisiste, attachant, parfois même touchant qui sort du cadre formaté des comédies habituelles et on aurait bien tord de s'en priver et de ne pas se laisser enchanter par cet air connu et joliment singularisé.

    Remarque :  Les plus cinéphiles s'amuseront à reconnaître Serge Bozon, Dominik Moll et Gilles Marchand.

  • Concours: 5x2 places pour "A single man" de Tom Ford

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    Je vous ai déjà parlé à plusieurs reprises de l'excellent premier film en tant que réalisateur du couturier Tom Ford (Cliquez ici pour lire mon compte rendu de la conférence de presse de Julianne Moore, Tom Ford et Colin Firth et pour lire ma critique et cliquez ici pour voir la bande-annonce), grâce à Cinefriends, je vous propose aujourd'hui 5x2 places pour découvrir le film en salles.

     Comme le délai est très court (réponses à envoyer avant mardi soir minuit à inthemoodforcinema@gmail.com avec, comme intitulé de l'email "Concours A single man", n'oubliez pas de joindre vos coordonnées postales sans lesquelles vos réponses seraient caduques. Seuls les gagnants seront prévenus), trois questions très simples:

    1. De quel livre "A single man" est-il l'adaptation cinématographique?

    2. Qu'est-ce que Tom Ford a le plus détesté dans son nouveau métier de réalisateur?

    3. Pourquoi voulez-vous voir ce film en particulier?

     

    Lien permanent Imprimer Catégories : CONCOURS/JEUX Pin it! 3 commentaires
  • "A single man" de Tom Ford: en salles le 24 février

    singleman.jpgVous avez déjà pu lire ma critique du premier film de Tom Ford "A single man", ici, ainsi que mon compte rendu de la conférence de presse de Tom Ford, Julianne Moore et Colin Firth.

     Pour patienter en attendant la sortie du film le 24 février prochain, je vous propose aujourd'hui des photos du film et de l'avant-première ainsi que la bande-annonce.

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     © Jean-Marc Haedrich / Visual Press Agency
     
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  • 40 -délicieuses- minutes avec Colin Firth, Julianne Moore et Tom Ford ( conférence pour "A single man" de Tom Ford)!

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    Compte rendu de la conférence de presse:

     J'étais, cet après-midi, invitée à l'hôtel George V pour une conférence de presse du premier film du couturier Tom Ford en tant que réalisateur -"A single man" (voir ma critique en bas de cet article)- dans lequel Colin Firth interprète le rôle principal, un rôle pour lequel il vient d'être nommé comme meilleur acteur aux Oscars. Alors que, dehors, la neige endolorit Paris sous un voile mélancolique, voire morose, l'élégance feutrée et luxueuse du George V me replonge dans l'atmosphère du film, visuellement somptueux et envoûtant. Rendez-vous était donné au salon Bonaparte. J'effectue une petite halte à la réception pour demander où se situe ledit salon, ce à quoi la réceptionniste me rétorque, poliment mais fermement, qu'il n'y a pas de salon Bonaparte, m'envoyant dans une suite au 4ème étage. Heureusement, je croise l'attachée de presse qui m'indique le salon NAPOLEON (ah ah, à ne pas confondre avec Bonaparte, bien évidemment, au cas où vous tomberiez sur une réceptionniste érudite). A peine plus de 10 journalistes et des blogueurs qui se comptent sur les doigts d'une main attendent déjà dans un salon tamisé. La rencontre s'annonce relativement confidentielle. Interdiction de filmer et de photographier (la captation ayant été faîte par Mars Distribution), si ce n'est le quart de seconde pendant lequel les interviewés sont restés (d'où le caractère approximatif et le flou pas artistique de ma "photo") avant de s'évader vers d'autres interviews. Ce n'est finalement pas plus mal. La photo trahit ou banalise finalement souvent la réalité, je préfère qu'elle ressemble carrément à un songe évanescent, plus fidèle au souvenir émotionnel de l'instant et plus propice à ce que nous soyons dans le présent (si on veut être fidèle à l'esprit du film...pour profiter de la beauté de l'instant). J'admire la diplomatie et le plaisir apparent avec lesquels ils ont répondu à des questions qui leur sont sans doute posées pour la centième fois souvent par des journalistes blasés à l'affût de leur hypothétique bon mot davantage que de la potentielle intéressante réponse (comme toute règle celle-ci a ses exceptions, sans doute), je trouve néanmoins ces rencontres toujours instructives, en particulier quand le film est aussi réussi que l'est celui-ci. L'élégance irréprochable de Tom Ford, le charme dévastateur de Colin Firth, la douce incandescence de Julianne Moore ont fait paraître trop courtes ces délicieuses 40 minutes en leur compagnie. J'ai essayé de les retranscrire au mieux ci-dessous. Vous verrez que Tom Ford n'est pas seulement un couturier mais un vrai cinéaste avec une idée très précise et personnelle de son travail de metteur en scène, et avec un réel point de vue (ce qui se raréfie ces temps-ci, dans ce qui est produit en tout cas), que son élégance et celle de Colin Firth ne sont pas seulement vestimentaires, que la mélancolie n'empêche pas l'humour (à commencer par celui qui concerne leurs propres personnes).  Merci à Cinéfriends et Mars Distribution pour cette rencontre passionnante et privilégiée. Tout cela ne dit pas ce qui se passait en réalité au 4ème étage, mais c'est une autre histoire...

    singleman8.jpg-(A Tom Ford): Etait-ce une nécessité pour vous de passer au cinéma? Que comptez-vous exprimer de plus dans le cinéma?

    Tom Ford: J'ai réalisé que j'étais incapable de communiquer et de convaincre par la mode. Certains stylistes sont des artistes et expriment quelque chose par la mode. Pas moi. La mode est le miroir de notre culture. Je me suis toujours considérée comme un designer commercial contrairement à d'autres qui expriment leur art à travers la mode.

    -(A Tom Ford): Est-ce que le fait d'être un couturier vous a aidé ou handicapé pour ce nouveau métier?

    Tom Ford: Le processus est assez similaire. Le plus important est d'avoir quelque chose à dire, d'avoir un point de vue.   L'essentiel est de savoir ce qu'on veut dire. Tout est oeuvre de collaboration, dans la mode comme dans le cinéma. Dans l'univers de la mode, ce sont les ateliers... Au cinéma, il faut à la fois inspirer ses acteurs et leur donner l'espace de liberté dont ils ont besoin.

    -(A Tom Ford): Dans quelle mesure le roman et le personnage de Georges ont pu inspirer votre propre vision du glamour?

    Tom Ford: J'ai lu le livre alors que j'avais 20 ans et j'étais très intéressé par le travail de Christopher Isherwood. Je savais que cette histoire "Un homme au singulier" serait mon premier film. J'ai eu la chance de rencontrer Isherwood. J'ai dévoré toute son oeuvre.  J'ai relu ce roman après mes 40 ans. Dans le livre il parle de lui-même à la troisième personne. A l'époque, la première fois, je n'ai pas compris la dimension spirituelle de ce roman. Christopher était ancré dans la notion de vie dans le présent. En relisant plus tard, j'ai compris que cette troisième personne était l'âme du personnage qui observait l'être charnel.  Se réveiller le matin (ce par quoi commence le film) c'est déjà dire "je vis maintenant."

    -(A Colin Firth): Vous êtes nommé aux Oscars comme meilleur acteur pour "A single man". Avez-vous l'impression que c'est votre meilleure prestation et comment Tom Ford vous a-t-il poussé si haut?

    Colin Firth: La première question, ce n'est pas à moi d'y répondre mais aux critiques. C'est probablement l'expérience la plus forte que j'ai connue comme acteur. Les films ont toujours à voir avec l'anticipation, à aller au moment suivant. Ce film est une formidable méditation sur la façon d'expérimenter le présent. C'est une formidable chose à expérimenter.  Pour une fois, je n'ai pas dû faire appel à des artifices (accent...). Il s'agissait ici d'habiter le présent, d'être au présent tout le temps, ce qu'on fait paradoxalement peu au cinéma. Ce film nous offre une méditation sur ce qu'est "être dans le présent." Dans le cas de mon personnage, Georges, il a décidé que c'était le dernier jour de sa vie donc il est forcé de s'immerger dans le présent. Malheureusement, cela n'a rien changé pour moi.  Je n'ai jamais réussi à être dans le présent avant ce film, et toujours pas maintenant.

    -(A Tom Ford, Colin Firth, Julianne Moore:) Que vous est-il arrivé de plus enrichissant dans votre vie?

    Colin Firth: Je ne veux pas donner une réponse banale mais, ayant un enfant, devenir père est la chose qui bouleverse le plus.

    Tom Ford: Pour moi, l'expérience ce n'est pas ce qui arrive à un homme mais ce que fait un homme de ce qui lui arrive. Cette phrase (présente dans le film et empruntée à Huxley) signifie que ce qui est important c'est ce qu'on fait de son expérience, d'en tirer les leçons.

    Julianne Moore: Avoir un enfant est ce qu'il y a de plus formidable et marquant. On a d'abord un bébé et puis on découvre une personne avec qui entretenir une relation tout le reste de sa vie.

    -(A Colin Firth:) Colin, vous avez encore aujourd'hui la même élégance que votre personnage. Puisque vous n'êtes pas dans le présent, êtes-vous dans le passé ou dans le futur?

    Colin Firth: Je suis probablement à 200 kms d'ici à ce moment précis. Peut-être que je suis à Calais ou déjà en Californie. J'ai une relation très limitée au présent.

    Julianne Moore: Tom Ford m'a donné toutes les règles dont j'avais besoin et la liberté pour créer le personnage. [...] Nous avons beaucoup d'amis en commun avec Colin mais nous ne nous étions jamais rencontrés, nous nous étions juste croisés une fois dans un ascenseur à Toronto. [...] On demande souvent aux acteurs de parler de leurs propres expériences mais j'aime ce que disait Tom à propos du point de vue. Et en tant qu'actrice, ce qui me fait vibrer, c'est le point de vue d'un réalisateur. J'ai infiniment besoin d'un vrai point de vue. Par ses paroles, par ses indications et la liberté dans la structure, j'ai eu beaucoup de bonheur à créer ce personnage. Il y a un plan que j'aime beaucoup, c'est celui où je me maquille les yeux, grâce auquel tout est dit sur mon personnage. Colin était cet acteur normal mais avec une vraie joie de vivre, très drôle. Nous étions très heureux de travailler ensemble.

    Tom Ford:  Oui, c'était impossible de les faire taire. Je leur disais "il faut vous mettre dans la peau de vos personnages" et en une seconde Julianne était le personnage.

    -(A Tom Ford:)  Pourquoi avez-vous utilisé la chanson de Gainsbourg "Baudelaire"?

    Tom Ford: 1962 était la pire année aux Etats-Unis pour la musique. Comme le personnage de Julianne était sophistiqué... tout dans son personnage aspire à être dans son temps et même en avance sur son temps. Elle pense qu'elle doit toujours être à la mode et en avance de la mode pour tout (les vêtements, la musique...) et que c'est pour ça qu'on l'aime. Je voulais montrer qu'elle était en avance pour son époque.  D'ailleurs, elle passe ses vacances dans le Sud de la France où elle a pu entendre Gainsbourg.

    -(A Tom Ford:) Allait-il au tournage mal habillé?

    Tom Ford: Non, parce que je voulais être moi-même. Et ça c'est moi.  Je me réveille et je mets mon costume. C'est ainsi que je me sens bien. Cela aurait été ridicule de venir avec une casquette de baseball.

    Colin Firth: En 25 ans, c'était la première fois que je voyais ça. Souvent les réalisateurs s'effondrent derrière la caméra. Tom, pas du tout et c'est pour ça qu'il a été accueilli avec scepticisme par le monde du cinéma qui n'était pas habitué à ça.

    Tom Ford: Je suis au fond un peu comme Georges. Si l'extérieur est parfait alors le reste est parfait.

    -(A Tom Ford:) Dans ce nouveau métier de réalisateur, qu'est-ce qui vous a le plus plu et qu'est-ce que vous avez le plus détesté?

    Tom Ford: Chaque moment était délicieux. Je ne me suis jamais autant amusée dans ma vie. Le côté business (j'ai aussi produit le film) et la distribution a été le plus difficile. C'était compliqué car nous avons vendu le film dans le monde entier. Pour la mode, j'approuve tout depuis mon bureau de New York. Là, parfois, j'ai des surprises étranges en découvrant certains teasers ou trailers. C'est le business le côté le plus frustrant.

    -(A Tom Ford:) Est-ce que le fait que le film se déroule dans les années 60 vous a aidé?

    Tom Ford: J'ai avant tout choisi ce film pour l'histoire. L'histoire est le plus important, elle aurait très bien pu se dérouler à l'époque contemporaine.

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    Ma critique du film "A single man" de Tom Ford:

    Los Angeles, en 1962. Depuis qu'il a perdu son compagnon Jim (Matthew Goode) dans un accident, George Falconer (Colin Firth), professeur d'université Britannique, se sent incapable d'envisager l'avenir. Solitaire malgré le soutien de son amie Charley (Julianne Moore), George essaie en vain de « vivre comme avant ». Une série d'évènements et de rencontres vont l'amener à décider s'il peut y avoir une vie après Jim.

    J'ai abordé ce film sans en avoir vu la bande annonce, sans en connaître le sujet. Tout juste savais-je que le styliste Tom Ford en était le réalisateur, scénariste et producteur. En quelques secondes, en quelques plans, j'étais dans l'ailleurs universel de cet homme singulier, porté par le charme ensorcelant de l'univers visuel de Tom Ford. Un univers d'une rare élégance, tantôt sombre, tantôt lumineux à l'image des variations de couleurs sur lesquelles influe l'humeur de George (et par lesquelles Tom Ford a eu la judicieuse idée de remplacer le monologue intérieur du roman de Christopher Iserwood « Un homme au singulier » dont il s'est inspiré pour ce film ).

    L'intrigue se déroule en une journée, une journée à l'issue de laquelle George a décidé de se suicider. Le compte à rebours est lancé. Quelques heures pendant lesquelles chaque minute compte plus que toute autre. Ou le présent prend toute sa douloureuse et belle signification. Ou la beauté des choses simples de la vie prend une toute autre dimension. La beauté des visages et des corps. La beauté des fleurs. La beauté des objets. La beauté des regards. Ceux des autres ou celui apposé sur le monde qui les et nous entoure.

    Les ralentis langoureux, la musique languissante (de Shigeru Umebayashi  mais aussi de  Abel Korzeniowski) nimbent ce single man, ce et ceux qui l'entourent d'une sensualité et d'une poésie envoûtantes qui rappellent celles de Wong Kar Wai (référence assumée puisque Shigeru Umebayashi est son compositeur). La solitude de George (mais aussi celle de Charley), la menace d'une guerre nucléaire en pleine crise des missiles de Cuba, la destinée de cette journée fatale renforcent la beauté fugace de chaque instant et de chaque rencontre. A l'image des personnages, nous sommes immergés dans la beauté sensuelle de l'instant.  Chaque rencontre évoque la beauté évanescente du possible, d'un désir.

    A single man est le film d'un artiste, et cela saute aux yeux dès les premiers plans. Un artiste, qu'il soit styliste ou cinéaste, est en effet quelqu'un qui vous embarque dans son univers qui lui ressemble et le singularise tout en apportant à cette histoire singulière des accents d'universalité. Le deuil, la solitude, le temps qui passe, autant de sujets universels en plus de la beauté plastique pleinement assumée qui rend caduque toute critique de superficialité puisque cette beauté devient argument artistique. Que ce soit celle de Julianne Moore, désespérément glamour ou des jeunes hommes à la beauté fatale ou trompeusement lisse (à l'image du film) que croise George. Que ce soit celle d'un plan de regards, ceux que George croise ou celui de l'affiche de « Psychose ».

     Tom Ford y apporte son style, de la classe, une incontestable élégance  pour nous faire appréhender la beauté du monde, un monde entre la ravageuse sensualité de Gucci et la sobre élégance de Saint-Laurent pour lesquels Tom Ford a travaillé. La sublime photographie  d'Eduard Grau, la musique et les costumes évidemment soignés complètent le tableau et la reconstitution subtile et magnifiée d'une époque.

    Un (premier) film incontestablement personnel d'une touchante et rare naïveté, un voyage sensoriel et sensuel d'un pessimisme lumineux et d'une beauté sombre, élégante, troublante avec comme guide l'excellent Colin Firth (qui a reçu pour ce film la Coupe Volpi de l'interprétation masculine au dernier Festival de Venise). Laissez-vous (em)porter... vous ne le regretterez pas !

    Sortie en salles : 24 février 2010

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