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  • Découvrez l'affiche du Festival de Cannes 2011 : Faye Dunaway par Jerry Schatzberg

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    En 2010, le Festival de Cannes, avait choisi de « mettre à l’affiche » Juliette Binoche tenant un stylo lumineux sur fond bleu me rappelant la citation de Cocteau "Le cinéma, c'est l'écriture moderne dont l'encre est la lumière." Une affiche qui s'affirmait une nouvelle fois dans la modernité mais aussi à la confluence des arts et des cultures avec une actrice dont le parcours dépasse largement les frontières de l'hexagone mais aussi celles du cinéma et à qui ce festival a d’ailleurs porté bonheur puisque, la même année, elle a obtenu le prix d’interprétation pour son magnifique rôle dans « Copie conforme » de Kiarostami (que je vous recommande si vous ne l’avez pas encore vu !). Sa sélection avait d’ailleurs créé une vaine polémique, certains criant au favoritisme.

     Cette année, c’est à nouveau une actrice qui est à l’honneur, une actrice qu’il n’est d’ailleurs pas rare de croiser dans les travées du palais du festival d’ailleurs : Faye Dunaway.

     A nouveau également c’est la modernité, même l’intemporalité, qui est à l’honneur avec cette affiche, modèle de grâce, d’épure, de sobriété, de sophistication, de mystère, de classe, de glamour, et même pourvue d’une certaine langueur… (auxquels nous invite cette édition 2011 ?).

     Cette photo a été prise par Jerry Schatzberg en 1970. Peut-être cette affiche signe-t-elle le retour du (grand) cinéma américain au festival qui l’avait un peu délaissé l’an passé avec d’ores et déjà Robert De Niro en président du jury et Woody Allen en ouverture. ?

    Je vous laisse découvrir le communiqué de presse du festival, à ce sujet, ci-dessous, qui nous apprend également que « Portrait d’une enfant déchue », dans lequel Faye Dunaway occupe le premier rôle, vient d'être restauré par le studio Universal et sera présenté en copie restaurée lors du Festival de Cannes, en présence du réalisateur et de son actrice.

    Je vous rappelle que vous pourrez suivre le Festival en direct sur ce blog et avant tout sur mon blog entièrement consacré au Festival de Cannes http://www.inthemoodforcannes.com que vous pouvez également suivre sur twitter (http://twitter.com/moodforcannes ) et sur Facebook (http://facebook.com/inthemoodforcannes ).

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    Le cinéaste new-yorkais, lauréat de la Palme d’or pour Scarecrow (l’Epouvantail, 1973), a commencé sa carrière comme photographe. Son travail est rapidement remarqué, en particulier la série de photos de Bob Dylan, prises dans les années soixante : Schatzberg a signé en particulier le portrait du chanteur qui orne la couverture de son légendaire album Blonde on Blonde. Au début des années 70, Schatzberg se tourne vers le cinéma. Son premier film : Puzzle of a Downfall Child (Portrait d’une enfant déchue, 1970) révèle un sens du cadrage et de la lumière exceptionnel chez un débutant. Suivront rapidement Panique à Needle Park (1971), qui révèle Al Pacino, et Scarecrow, consacrés à Cannes.

    Portrait d’une enfant déchue, dans lequel Faye Dunaway occupe le premier rôle, vient d'être restauré par le studio Universal. Longtemps absent des écrans, il sera présenté en copie restaurée lors du Festival de Cannes, en présence du réalisateur et de son actrice. En France, il sera distribué par Carlotta à l'automne 2011.

     

    L’agence H5 a réalisé l’affiche et signe la création graphique du Festival 2011.

     
  • Palmarès du Festival International du Film Policier de Beaune 2011

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    La 3ème édition du Festival International du Film Policier de Beaune s'est achevé hier après une programmation de qualité (qui me donne très envie d'y aller enfin l'année prochaine).  Un festival au cours duquel Claude Lelouch a également annoncé l'ouverture prochaine de son école de cinéma à Beaune, je vous en reparlerai.

    Le Jury Longs Métrages présidé par Régis Wargnier, entouré de Fred Cavayé, Clovis Cornillac, Mireille Darc, Thierry Fremont, Gaël Morel, Florence Pernel et Linh-dan Pham a décerné les prix suivants :

    GRAND PRIX/Grand Prize

    THE MAN FROM NOWHERE (Ajeossi) de Lee Jeongbeom (Corée du Sud)

    PRIX DU JURY EX-AEQUO

    BULLHEAD (Rundskop) de Michaël R. Roskam (Belgique) 

    IL ETAIT UNE FOIS UN MEURTRE de Baran Bo Odar (Allemagne)

    Le Jury Spécial Police présidé par Danielle Thiery, entourée de Philippe Guichard, Brigitte Jullien, Michel Lepoix et Shen Yong a décerné son prix :

    PRIX SPECIAL POLICE

    L’AFFAIRE RACHEL SINGER (The Debt) de John Madden (Etats-Unis)

    Le jury de la critique composé de journalistes a décerné les prix suivants, salués par le Bureau Interprofessionnel des Vins de Bourgogne (B.I.V.B)

    PRIX DE LA CRITIQUE EX-AEQUO

    ANIMAL KINGDOM de David Michôd (Australie) 

    BULLHEAD (Rundskop) de Michael R. Roskam (Belgique) 

    Le Jury Sang Neuf présidé par Frédéric Schoendoerffer, entouré de Valérie Expert, Léa Fazer, Jean-Christophe Grangé et Florence Thomassin, a décerné son prix :

    PRIX SANG NEUF

    L.A. I HATE YOU de Yvan Gauthier (Etats-Unis)

     

  • Bande-annonce de "La Conquête" de Xavier Durringer avec Denis Podalydès, Florence Pernel, Bernard Le Coq

    Retrouvez ci-dessus la bande-annonce du très attendu "La Conquête" de Xavier Durringer écrit par Patrick Rotman, avec Denis Podalydès, Florence Pernel, Bernard Le Coq, Hippolyte Girardot, Samuel Labarthe, Mathias Mlekuz et Grégory Fitoussi et qui raconte la conquête du pouvoir par Nicolas Sarkozy. Si la qualité d'un film se jugeait à son mimétisme, "La conquête", rien qu'à voir sa bande-annonce, serait une incontestable réussite mais ce n'est néanmoins pas le cas. A une époque où la politique est (dé)considérée par beaucoup comme un spectacle, ce film est-il une bonne idée? Il faudra attendre le mois de mai (la sortie est prévue le 4 mai...à moins qu'une sélection cannoise ne vienne bousculer le calendrier?) pour le savoir...

     

  • Programme du Festival Paris Cinéma 2011 (suite) : rétrospective Don Siegel

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    Je vous ai déjà parlé ici des premiers éléments de programmation du Festival Paris Cinéma 2011 (j'en profite aussi pour vous rappeler que vous pouvez tenter votre chance pour faire partie du jury des étudiants! Cliquez ici pour en savoir plus) dont nous savions déjà qu'il aurait lieu du 2 au 13 juillet 2011, qu'il mettrait le Mexique à l'honneur (c'est confirmé puisqu'on m'avait posé la question), qu'un hommage serait rendu à Michael Lonsdale, qu'il s'ouvrirait à nouveau par une nuit du cinéma et que, comme chaque année, il y aurait une brocante cinéma. A ce programme vient s'ajouter une rétrospective   Don Siegel.

    « Il m'a encouragé à passer à la réalisation, je l'ai encouragé à passer à l'action », se souvient Clint Eastwood. On le surnomme le prince de la série B, on le dit roi du film d'action. Don Siegel a réalisé plus de trente longs métrages, tourné et travaillé avec les plus grands studios américains, les plus grands acteurs (Peter Lorre, Ida Lupino, Robert Mitchum, John Wayne, Clint Eastwood) et a laissé derrière lui des films qui ont bouleversé l'Histoire du cinéma notamment Invasion of the Body Snatchers (1956) ou encore Dirty Harry (1971).

    Pour en savoir plus sur le Festival Paris Cinéma: http://www.pariscinema.org et cliquez ici pour lire mon compte rendu de l'édition 2010 .

  • « Faubourg 36 » de Christophe Barratier : un hommage au cinéma d’hier ( ce soir, sur France 2)

    Si vous n'avez pas TPS star et/ou que je n'ai pas réussi à vous convaincre de regarder "Les noces rebelles", vous pourrez toujours regarder "Faubourg 36" sur France 2 dont vous pouvez retrouver ma critique, publiée lors de la sortie du film, ci-dessous.

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    Je l’avoue : je n’avais aucune envie de voir ce film, la bande annonce me laissait présager un film daté et artificiel mais ayant vu tous les autres films à l’affiche dans mes cinéma favoris, je me suis finalement laissée tenter. Il m’a fallu un petit bout de temps pour m’accoutumer à ce cinéma désuet, à sa succession frénétique de plans, de situations et de personnages stéréotypés et puis je me suis replongée sans déplaisir dans mes souvenirs de ce cinéma que j’aimais tant : celui de Carné, de Duvivier, de Becker (Jacques) , celui de l’avant-guerre , perdu quelque part entre les espoirs du Front populaire et la montée des extrêmes et de l’antisémitisme, avec des références aussi à celui que l’on appelait de qualité française (cinéma de studio et de scénaristes d’après-guerre. )

     Evidemment ce film n’a rien à voir avec « Entre les murs » par exemple actuellement à l’affiche et il ne prétend d’ailleurs nullement au même cinéma (si vous ne devez voir qu’un film ce mois-ci c’est évidemment celui de Laurent Cantet) mais aussi diamétralement opposés que soient leurs styles et leurs écritures (d’ailleurs ne vous y trompez pas « Entre les murs » est un film très écrit, parfaitement écrit  même au point de donner cette parfaite illusion du documentaire, de vérité prise sur le vif) je les crois portés par la même sincérité, la même envie de mener un genre à son paroxysme, le même perfectionnisme.

    Dans un faubourg populaire du nord de Paris en 1936, l'élection printanière du gouvernement de Front Populaire fait naître les plus folles espérances et favorise la montée des extrêmes. C'est là que trois ouvriers du spectacle au chômage Pigoil, Milou et Jacky  ( respectivement incarnés par Gérard Jugnot, Clovis Cornillac et Kad Merad) décident d'occuper de force le music-hall qui les employait il y a quelques mois encore, pour y monter un "spectacle à succès".

    Clovis Cornillac ressemble à s’y méprendre à Jean Gabin dans les films d’avant-guerre, Nora Arnezeder (la découverte du film comme Jean-Baptiste Maunier dans « Les Choristes » avec lequel elle a un commun une fraîcheur et un talent éclatants) à Michèle Morgan : tous deux font inévitablement penser au couple mythique Nelly et Jean du « Quai des Brumes » de Marcel Carné auquel un plan d’ailleurs fait explicitement référence. Bernard-Pierre Donnadieu (Galapiat), quant à lui,  fait penser à Pierre Brasseur (Frédérick Lemaître) dans « Les enfants du paradis » de Carné et à  Jules Berry (Valentin) dans « Le jour se lève »  du même Carné  ou  dont j’ai d’ailleurs cru reconnaître le célèbre immeuble dessiné par Alexandre Trauner dans le premier plan du film… Les décors du film entier  font d’ailleurs penser à ceux de Trauner, avec cette photographie exagérément lumineuse entre projecteurs de théâtre et réverbères sous lesquels Paris et les regards scintillent de mille feux incandescents et mélancoliques. Et l'amitié qui unit les protagonistes de ce "Faubourg 36" fait évidemment penser à celle qui unissait ceux de "La belle équipe" de Duvivier. (Voir mes critiques des films précités dans ce paragraphe en cliquant ici).

      Barratier assume donc ses références, celles d’un cinéma académique, classique et populaire, prévisible,  empreint d’une douce nostalgie. Dommage qu’il n’ait pas trouvé un dialoguiste du talent de Prévert et qu’à la fin les personnages incarnés par Clovis Cornillac et Nora Arnezeder passent au second plan mais après tout le film s’intitule « Faubourg 36 » : c’est lui le vrai héros du film, lequel n’est pas vraiment une comédie musicale (même si la fin du film s’y apparente avec une belle énergie), plutôt un film sur un music hall, ceux qui le font vivre, pour qui il est une raison de vivre. Le destin, le conte de fée  d’une « Môme » qui assume pleinement le genre du film  sans les excès mélodramatiques et les maquillages outranciers du film éponyme...auquel quelques plans font d’ailleurs étrangement songer.

     On en reste peut-être un peu trop à distance comme on regarderait un beau spectacle avec l’impression que ses artistes s’amusent beaucoup entre eux mais ne nous font pas totalement entrer dans la danse mais ce voyage dans le temps et dans le cinéma d’hier que Christophe Barratier fait revivre le temps d’un film vaut néanmoins le détour ne seraient-ce que pour la beauté des plans emportés par une caméra dynamique, et pour ses comédiens portés par une énergie admirable au premier rang desquels François Morel qui apporte ici sa fantaisie imparable, Pierre Richard et sa bonhomie clownesque, Gérard Jugnot sa touchante justesse, Kad Merad son goût du second degré et sa –belle- voix que l’on découvre, et les seconds rôles qui, à l’image de ceux du cinéma auquel Barratier rend hommage, existent réellement.

     Quatre ans après « Les Choristes » (8 million de spectateurs) Christophe Barratier avec son second film a eu l’intelligence de ne pas forcer sa nature, d’être fidèle à ses convictions cinématographiques et impose  ainsi son style joliment désuet, musical, mélancolique, sentimental, photogénique (Tom Stern, photographie de Clint Eastwood signe ici la photographie) et enthousiaste avec une résonance sociale finalement très actuelle. Le film d’un réalisateur qui aime indéniablement le cinéma, ses acteurs et ses artifices revendiqués, et rien que pour cela, pour cette sincérité ce « Faubourg 36 » vaut le détour.

  • Critique de "Les Noces rebelles" de Sam Mendes avec Kate Winslet et Leonardo DiCaprio (ce soir sur TPS star)

    J'emploie le terme chef d'oeuvre avec parcimonie mais je n'hésite pas pour ce film à ne manquer sous aucun prétexte, ce soir, à 20H40, sur TPS Star.

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    Lorsqu’ils se rencontrent, April (Kate Winslet) et Frank Wheeler (Leonardo Di Caprio) en sont persuadés : ils sont différents, exceptionnels même. Certes ils ont emménagé sur Revolutionary road,  dans une banlieue tranquille comme il y en a tant d’autres, où les conventions sociales et la vie routinière règnent mais ils en sont certains : ils ne se laisseront pas piéger. Oui, ils sont différents et le prouveront.

    Actrice sans talent, April consacre  pourtant bientôt tout son temps à sa maison et ses enfants, en rêvant d’une vie trépidante loin de Revolutionary road.  Frank, quant à lui, fait un travail sans intérêt dans un bureau dans la même entreprise que celle où son père travaillait, et finit par tromper sa femme avec une secrétaire terriblement insignifiante et stupide.

    Un jour, celui-là même ou Frank commence à la tromper, en fouillant dans sa boîte à souvenirs, April trouve une photo de Frank à Paris et se souvient de leurs aspirations.  Elle reprend brusquement goût à la vie, surtout espoir en la vie et en l’avenir. C’est décidé : leur avenir est à Paris, elle convainc Franck de partir y vivre quelques mois plus tard. Ils l’annoncent alors à leurs proches avec l’insolence du bonheur.

    L’intrigue se déroule dans le Connecticut, dans les années 50 mais ce n’est finalement qu’un détail… tant ce film a une portée intemporelle et universelle.

    Si ces « Noces rebelles » font l’effet d’un coup de poignard dont il faudra un temps certain pour se remettre, c’est autant pour son dénouement terriblement fort et magnifiquement cruel que pour les questionnements que ce film suscite et auxquels chacun a forcément été confronté, un jour ou l’autre. Le schisme potentiel entre ce que l’on est, ce que l’on voudrait devenir ou ce que l’on a rêvé de devenir. Les idéaux de jeunesse face à la réalité de la vie familiale. Le courage d’échapper à une vie médiocre, confortable et conformiste ou la  facilité, la lâcheté même, de s’y conformer. La facilité de suivre une existence tracée ou le courage de se rebeller contre celle-ci.

    Revolutionary Road, le nom de leur rue : voilà bien tout ce que leur vie a finalement de révolutionnaire tant ils vont se faire enfermer par cette vie si éloignée pourtant de celle à laquelle ils aspiraient, tant ils vont devenir semblables aux autres, malgré tout, tant ils vont être happés par ce « vide désespérant » de l’existence qu’ils méprisent par-dessus tout.

     Avec son costume et son chapeau grisâtres, chaque matin, sur le quai de la gare Frank est anonyme et perdu dans une foule indifférenciée d’hommes vêtus de la même manière, sinistrement semblables. Son bureau est carré, gris, terne comme la cellule d’une prison. Et chaque matin April le regarde partir derrière une vitre aux lignes carcérales. Cette prison d’uniformité, de médiocrité va bientôt se refermer sur eux … jusqu’au point de non retour.

    La rencontre n’occupe qu’une très petite partie du film : le pré-générique au cours duquel April jette son dévolu sur Frank, parce qu’il porte en lui toutes les espérances d’une vie exceptionnelle, parce qu’il a l’arrogance et la beauté prometteuses, prometteuses d’un futur différent de celui des autres, d’une vie où on « ressent » les choses et où on ne les subit pas. Puis, on les retrouve mariés, se disputant suite à une représentation théâtrale dans laquelle jouait April et où son manque de talent a éclaté. Générique. Le temps du bonheur est terminé. Le reste n’en sera que le vain  espoir.

    La suite est à la fois d’une déchirante cruauté mais aussi d’une déchirante beauté : la beauté du regard aiguisé d’un cinéaste au service de ses acteurs, au service du scénario, au service de cet enfermement progressif. La justesse des dialogues, ciselés et incisifs, auxquels notre attention est suspendue. La beauté de certains plans, de certaines scènes, brefs moments de bonheur qui portent déjà en eux son impossibilité et qui les rend d’autant plus éblouissants : April lumineuse, irréelle et déjà évanescente, dans l’embrasure d’une porte  ou une danse sensuelle exprimant autant la vie que la douleur de son renoncement… Et cette scène qui succède à une dispute où tout semble devenu irrévocable et irrémédiable. Cette scène (que je ne vous décrirai pas pour vous la laisser découvrir) à la fois d’une atroce banalité et d’une rare intensité où le contraste avec la précédente et où les enjeux sont tels que notre souffle est suspendu comme lors du plus palpitant des thrillers. Quel(s) talent(s) faut-il avoir pour faire passer dans une scène en apparence aussi insignifiante autant de complexité, de possibles, d’espoir, d’horreur ? Cette scène est magistrale.

    Alors, non…la route ne les mènera nulle part. Si : en enfer peut-être.  Au grand soulagement des voisins qui raillaient hypocritement leur départ, qui redoutaient en réalité qu’ils échappent à cette vie qu’ils se sont condamnés à accepter et à suivre sans rechigner.  Le piège va se refermer sur eux. La rébellion sera étouffée. La médiocrité remportera la bataille contre la vie rêvée et idéalisée.

    La musique de Thomas Newman est parfois douloureusement douce et ne fait qu’exacerber ce sentiment de regret, de bonheur à jamais insaisissable, de même que la photographie qui, tantôt (plus rarement) d’une lumière éclatante, tantôt d’une obscurité presque inquiétante épouse les espoirs et les déchirements, les désillusions du couple.

    Onze ans après « Titanic » le couple Di Caprio / Winslet se reforme (de nouveau accompagnés de Kathy Bates) donc pour ce film qui en est l’antithèse, une adaptation du roman « Revolutionnary Road » (La Fenêtre panoramique) de Richard Yates publié en 1961. Ce choix de casting est judicieux  et très malin, non seulement parce qu’ils auraient pu choisir un blockbuster beaucoup plus « facile » et qu’avec ce sujet ce n’était pas gagné d’avance (au contraire des protagonistes du film, ils ont donc  fait preuve d’audace) mais aussi parce qu’ils représentaient alors le couple romantique par excellence, les voir ainsi se déchirer n’en est d’ailleurs que plus fort. Kate Winslet, par son jeu trouble et troublant, n’a ainsi pas son pareil pour faire passer la complexité et la douleur de ses tourments, l’ambivalence de cette femme que le conformisme étouffe progressivement et pour que chacune de ses expressions contienne une infinitude de possibles, contribuant à ce suspense et cette sensation de suffocation intolérable.  On étouffe, subit, souffre avec elle. C’est à la fois jubilatoire et insoutenable. Avec son air d’éternel adolescent maladroit, ne sachant prendre sa vie en mains, Leonardo Di Caprio, quant à lui, trouve là un de ses meilleurs rôles et prouve une nouvelle fois l’étendue de son jeu.

     Le film leur doit beaucoup tant ils rendent ce couple à la fois unique et universel et extrêmement crédible. Dommage que les seules nominations pour les Oscars ( même si Kate Winslet a obtenu le Golden Globe pour ce rôle ) soient pour Michael Shannon comme meilleur acteur dans un second rôle (qui le mérite néanmoins, qui interprète un fou de la bouche duquel sortira pourtant la vérité , rassurant finalement les voisins hypocrites qui préfèrent ne pas entendre-au sens propre comme au sens figuré, cf le mari de Kathy Bates au dénouement- qui refusent de l’admettre puisque n’étant pas sain d’esprit il aurait donc tort et eux auraient raison d’avoir choisi, plutôt suivi cette vie. C’est aussi le seul à être d’accord et à comprendre réellement les Wheeler), pour le meilleur costume et pour le meilleur décor (Kristi Zea, la chef décoratrice dit s’être inspirée des œuvres du peintre Edward Hopper donc ce film porte la beauté laconique et mélancolique).

     Un film intemporel et universel, d’une force et d’une cruauté aussi redoutables qu’admirables, servi par deux comédiens exceptionnels et une réalisation virtuose. Un film palpitant qui est aussi une réflexion sur le mensonge, l’espoir, les idéaux de jeunesse, la cruauté de la réalité, la médiocrité, l’hypocrisie et le conformisme de la société. Les vingt dernières minutes sont d’une intensité rare et font atteindre des sommets de perspicacité, de complexité à ce film dont on ressort touchés en plein cœur avec cette envie aussi de le faire battre encore plus vite et plus fort. Le pouvoir des grands films dont « Les Noces rebelles » fait indéniablement partie. Je vous invite vivement à faire un tour sur cette « revolutionary road », autre "sentier de la perdition". Vous n’en reviendrez pas indemnes… et je vous le garantis : cette rue-là vous bousculera, vous portera et vous hantera bien après l’avoir quittée. 

  • Les premières images de "Minuit à Paris" de Woody Allen, film d'ouverture du Festival de Cannes 2011

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    Synopsis: "Un jeune couple d’américains dont le mariage est prévu à l’automne se rend pour quelques jours à Paris.
    La magie de la capitale ne tarde pas à opérer, tout particulièrement sur le jeune homme amoureux de la Vil...le-lumière et qui aspire à une autre vie que la sienne."

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    Photographer - Roger Arpajou © 2011 Mediapro, Versátil, & Gravier Productions


     

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    Cliquez ici pour retrouver mon dossier consacré à Woody Allen

     
  • Ouverture du 12ème Festival du Film Francophone de Grèce par Catherine Deneuve et programme du festival

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    Si vous suivez cet autre blog, vous connaissez sans doute mon amour immodéré pour la Grèce, et pour le cinéma français, si vous suivez celui-ci; je ne pouvais donc pas ne pas vous parler de ce festival du film francophone qui se déroule à Athènes (31 mars au 8 avril) puis à Thessalonique (du 7 au 12 avril). Ce festival est organisé par l'Institut Français d'Athènes. En 2010, 25500 spectateurs étaient présents au festival.

    Catherine Deneuve (actuellement à l'affiche des "Yeux de sa mère" de Thierry Klifa, retrouvez ici mon récit de ma rencontre avec l'actrice à l'occasion de la sortie du film) a ouvert le festival par une véritable déclaration d'amour à la Grèce: « J'aime la Grèce", a-t-elle déclaré. "Quand il y a une crise, je pense que malheureusement tout le monde est touché, mais d'une certaine façon cette crise sera peut-être l'occasion de se rendre compte que l'Europe c'est ça, la solidarité qui doit jouer pour subvenir aux difficultés des uns et des autres". "J'espère que la Grèce pourra s'en sortir avec l'aide de ses voisins" a-t-elle ajouté. Elle a aussi parlé de ses « deux heures éblouissantes » au musée de l’Acropole d’Athènes, un musée magnifique que je vous recommande  en effet (cliquez ici pour lire le compte rendu de ma visite du musée de l'Acropole à Athènes).

     Cette année, outre un hommage à Claude Chabrol, le rendez-vous a donné carte blanche à Anna Mouglalis, marraine du Festival, qui présentera ses films coups de coeur au public grec.

    Voici les temps forts du programme :

    -Un hommage sera rendu à Claude Chabrol avec la projection d’une quinzaine de films dont »la Route de Corinthe », tourné en Grèce en 1967 et celle de son dernier film « Bellamy », avec Gérard Depardieu. L’hommage sera inauguré le 1er avril à la Cinémathèque de Grèce par Costa Gavras, président de la Cinémathèque française en présence d’Anna Mouglalis, protagoniste de « Merci pour le Chocolat », qui sera projeté ce soir-là. Anna Mouglalis présentera ses films « coup de coeur » et dévoilera au public grec son dernier film « Chez Gino », de Samuel Benchetrit.

    -Le réalisateur Antony Cordier et la comédienne Élodie Bouchez seront présents pour la projection de « Happy few ».

    - Projection de « Donoma », suivie d’un master class de son réalisateur Djinn Carrenard. Film auto-produit par un collectif d’artistes, film « guérilla », « Donoma » fait écho aux aspirations du jeune cinéma grec qui s’affranchit actuellement des anciens modèles économiques de production en Grèce.

    -Le Festival accueillera par ailleurs Pierre Bergé, qui accompagnera la projection de Yves Saint-Laurent- Pierre Bergé, « l’amour fou », Catherine Deneuve pour « Potiche »

    - Nicole Garcia et Marie-José Croze qui présenteront « Un balcon sur la mer » et Fabienne Berthaud, Diane Krüger et Ludivine Sagnier seront également du voyage pour « Pieds nus sur les limaces. »

     -Claudia Cardinale se verra remettre le prix d’honneur.

    -Le Festival se conclura sur la projection de « Nicostratos » d’Olivier Horlait, en présence d’Emir Kusturica. Tourné dans les cyclades sur l’île de Sifnos, le film donne le coup d’envoi à la réforme de l’accueil de tournages en Grèce dont l’annonce sera faite par le ministre de la Culture grecque.

     Le Festival du Film francophone de Grèce est une production de l’Institut français d’Athènes avec le soutien d’Unifrance.

    Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site officiel du Festival du Film Francophone de Grèce 2011.