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césar 2019

  • Compte rendu et palmarès des César 2019

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    « Je ne sais pas si j'ai manqué au cinéma français. Mais à moi, le cinéma français a manqué... Follement... Eperdument... Douloureusement... Et votre témoignage, votre amour me font penser que, peut-être, je dis bien ''peut-être'', je ne suis pas encore tout à fait morte... ». Comment oublier cette déclaration bouleversante d’Annie Girardot, lorsqu’elle reçut son César du meilleur second rôle féminin pour Les Misérables de Claude Lelouch, en 1996 ? Combien d’actrices, d’acteurs, de cinéastes à qui, depuis, aussi, le cinéma a dû manquer follement, éperdument, douloureusement ? Sans doute y en avait-il quelques-uns, ignominieusement oubliés et sans doute hypocritement salués ou ignorés par le monde du cinéma, à la mémoire parfois versatile,  parmi ceux que j’ai croisés vendredi dernier, Salle Pleyel (qui, au passage, sied bien mieux à la cérémonie que le Théâtre du Châtelet où elle avait lieu jusqu'en 2016), et qui se dissimulaient derrière le masque du bonheur et de l’insouciance pour cette occasion qui leur donnait l’illusion de pouvoir revenir sur le devant de la scène.  Même si vendredi dernier aucun moment d’émotion n’a égalé celui-ci, la cérémonie n’en a pas non plus été complètement avare.

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    Après le passage sur le tapis rouge et les deux heures habituelles de cocktail qui précèdent la cérémonie (dont je ne saurais mieux vous parler que dans la nouvelle de mon recueil de 16 nouvelles Les illusions parallèles qui s’y déroule), chacun a regagné sa place, le cœur battant avant l’annonce des nominations, certainement davantage encore pour ceux qui espéraient entendre retentir leurs noms au moment de l’annonce des lauréats.

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    Toujours, à cet instant, je me revois dans mon enfance, lorsque je regardais et commentais avec passion la cérémonie dans le salon familial et je repense aux moments d’émotion et de cinéma qu’elle a engendrés lorsque j’étais derrière l’écran ou dans la salle, aux films qui y ont connu un succès éclatant aussi, si nombreux depuis 1976, date de la première édition alors présidée par Jean Gabin qui remit cette année-là le César du meilleur film au Vieux fusil de Robert Enrico. L’année suivante, cette distinction fut remise à Monsieur Klein de Losey, l’occasion pour moi de vous recommander à nouveau ce chef-d’œuvre, plus que jamais nécessaire, a fortiori ces jours-ci (ma critique, ici).

    Parmi les films mémorables qui reçurent un grand nombre de récompenses figurent Le dernier métro (10 César), Cyrano de Bergerac, (10) Tous les matins du monde (7 césar), On connaît la chanson (7 césar), Un Prophète (9 César).

     Cette année, aucun film n’a obtenu autant de récompenses, pas même celui de Jacques Audiard qui n’a pas obtenu autant de récompenses pour ses Frères Sisters qu’il en avait obtenu pour Un Prophète. Il a néanmoins récolté 4 statuettes (pour 9 nominations), autant que Jusqu’à la garde  de Xavier Legrand.

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     Jusqu’à la garde méritait amplement 4 récompenses, un drame social haletant aux accents hitchcockiens dans lequel la violence conjugale est traitée comme un thriller étouffant, un film mis en scène et interprété magistralement, d'où une tension qui vous harponne dès la première seconde et qui va crescendo jusqu’à un dénouement aussi terrifiant que cinématographiquement remarquable.

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    Dans Les frères Sisters, Audiard lui aussi détourne des codes cinématographiques, en l’occurrence ceux du western en ce que son film présente plusieurs degrés de lecture. La violence héritée de leur père que manifestent les deux frères Sisters, c’est aussi celle de cette Amérique héritée des pères fondateurs. Pour trouver de l’or et donc s’enrichir, les compères vont polluer la rivière sans souci des conséquences sur l’environnement et sur leur propre vie. Des drames vont pourtant découler de cet acte métaphorique d’un capitalisme carnassier et impitoyable. Mais "les frères Sisters" est aussi un conte à la fois cruel et doux. Le dénouement est ainsi aussi paisible que le début du film était brutal. Il s’achève sur une note d’espoir. L’espoir d’une Amérique qui ouvre enfin les yeux, se montre apaisée et fraternelle. Si les frères Sisters, ces tueurs à gages sans états d’âme ont changé, qui ne le pourrait pas ? Tout est possible…Ajoutez à cela la photographie sublime de Benoît Debie (récompensée d’un César de même que le son, les décors et la réalisation), la musique d’Alexandre Desplat et vous obtiendrez un western à la fois sombre et flamboyant. Et d’une originalité incontestable. Retrouvez ma critique complète, ici.

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    Le grand bain qui avait obtenu autant de nominations que Jusqu’à la garde (10) est reparti avec une seule récompense, pour Philippe Katerine, meilleur acteur dans un second rôle, aussi décalé sur scène (joyeusement décalé même) que dans le film dans lequel il interprète un grand enfant lunaire, son discours a ainsi donné lieu à un des meilleurs moments de cette cérémonie. Dommage que le film de Gilles Lellouche n’ait pas reçu plus de récompenses, un vrai modèle de feel good movie, du genre à vous donner envie de rire et de pleurer en même temps, de battre la mesure, de danser avec les personnages (judicieuse bande originale indissociable de tout feel good movie), d’empoigner la vie, votre destin et vos rêves. Du genre à vous faire penser qu’on peut affronter des accidents de la vie, accepter d’en être brisé, blessé, de s’en relever sans que ce soit un challenge, ou une obligation, du genre à vous rappeler qu’il n’est jamais trop tard pour plonger dans le grand bain, pour penser qu’un nouveau départ ensoleillé est toujours possible, quels que soient votre âge, vos rêves déchus et vos blessures. Du genre à vous dire que le pouvoir du cinéma est sacrément magique quand il parvient à cela, que Gilles Lellouche est un cinéaste avec lequel il va falloir compter (dont je suis vraiment curieuse de voir la suite du parcours après cette success-story sur l’écran et dans les salles, méritée). Et puis, rien que pour me donner l’envie de relire ce chef-d’œuvre de Rilke qu’est Lettres à un jeune poète, Le grand bain valait la peine de se déplacer. Alors terminons avec cet extrait que Delphine (Virginie Efira) lit à ses élèves nageurs, et acceptons encore, comme des enfants que nous sommes toujours au fond un peu, d’être tristes et heureux : « Les enfants sont toujours comme l'enfant que vous fûtes : tristes et heureux ; et si vous pensez à votre enfance, vous revivez parmi eux, parmi les enfants secrets. Les grandes personnes ne sont rien, leur dignité ne répond à rien. »

    Dommage aussi que la cérémonie qui avait pourtant démarré en fanfare avec un Kad Merad se prenant pour Freddy Mercury se soit rapidement essoufflée avec des « gags » pas toujours très heureux à l’exception de ceux de Jérôme Commandeur qui rendait hommage à Betty Marmont, actrice fictive dont il a dressé le portrait avec une mordante ironie, et de Laurent Lafitte totalement et faussement lifté (à entendre le malaise dans la salle, certains ont bien cru ce lifting réel).

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    Regrettable est aussi cette manière désinvolte de remettre les César techniques, ce qui ne fait pas honneur à ces métiers d’art comme ils le mériteraient. C’est d’ailleurs d’un de ces César (costumes) qu’a dû se contenter l’excellent Mademoiselle de Joncquières, malgré ses 6 nominations (meilleure actrice pour Cécile de France, meilleur acteur pour Edouard Baer, meilleure photographie, meilleure adaptation, meilleurs costumes, meilleur décor). Cette adaptation d'un épisode de Jacques le Fataliste de Diderot (déjà adapté par Bresson avec la complicité de Cocteau sous le titre Les dames du bois de Boulogne) est pourtant savoureuse du premier au dernier plan, et surtout de la première à la dernière phrase. Les dialogues y sont d'une beauté, d'une richesse, d'un lyrisme, d'une ironie et d'une profondeur jubilatoires, d'autant plus que les acteurs jonglent avec les mots et les émotions avec un talent rare, au premier rang desquels Cécile de France qui passe en une fraction de seconde d'une émotion à l'autre. Elle est absolument sidérante de justesse en femme cruelle car et seulement car blessée au cœur. Si, comme moi, vous aimez "Les liaisons dangereuses" de Choderlos de Laclos, vous ne pourrez qu'être transportés par ce film finalement très moderne qui dresse le portrait de 4 femmes dont celle qui donne son nom au titre et qui, d'abord en arrière-plan et effacée, se révèle la plus passionnée et vibrante (sublime et si juste aussi Alice Isaaz). L'absence de nomination du réalisateur est incompréhensible tant sa réalisation est maligne, élégante sans pour autant être académique (tout le contraire) ! Les plans séquences et les judicieuses ellipses (ou quand deux livres symbolisent magnifiquement une scène d'amour), la façon de passer de l'extérieur à l'intérieur, tout est le reflet des âmes sinueuses ou tourmentées. Edouard Baer manie aussi la langue du 18ème avec brio et incarne avec une élégance tout en désinvolture ce libertin qui peu à peu découvre les affres de la passion après les avoir tant singées et s'en être si souvent lassé. Et une mention spéciale à Laure Calamy également remarquable en amie bienveillante. À savourer sans modération !

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    Pas même un César n’a été attribué à La Douleur d'Emmanuel Finkiel malgré ses 8 nominations. Un film âpre et glaçant. Troublant et nécessaire (a fortiori ces jours-ci, là aussi). Et cette fin, poignante, d'une infinie mélancolie, et cette "voix" de Duras, qui vous accompagnent longtemps après. Et puis Mélanie Thierry (nommée comme meilleure actrice), fiévreuse, enfiévrée de douleurs. Une douleur. Des douleurs. Celle des déportés, de familles qui attendent, d'une femme qui attend, celle de l'absence, omniprésente, obsédante, qui tétanise. Une remarquable et singulière adaptation qui brouille nos perceptions comme celles de Marguerite le sont alors, qui joue brillamment avec le son, le flou, les ellipses comme un écho aux pensées douloureuses et désordonnées de Marguerite. Un film intense, délicat qui a une âme, celle de Duras, sublimée par l'interprétation de Mélanie Thierry et par la mise en scène. Benoît Magimel (oublié des nominations) est aussi remarquable dans le rôle de l'inspecteur collabo, d'une obséquiosité inquiétante, fasciné par l'auteure avec laquelle il entre dans un jeu de manipulations trouble.

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    Le César du meilleur film étranger est revenu à la palme d'or du Festival de Cannes 2018,  Une affaire de famille de Koere-Eda.  Entre documentaire et fable, chaque plan filmé comme un tableau, sans esbrouffe, avec humilité, s’intéressant à nouveau plus que jamais à la famille, et traitant de la société japonaise sous un angle inédit (car critique et s’intéressant aux laissés-pour-compte d’un Japon en crise économique), Kore-Eda (qui a déjà en 13 films, tant de chefs-d’œuvre, à son actif), est ici au sommet de son art. Comme le titre semble nous l’indiquer, ce film est la quintessence de son cinéma, clamant dès celui-ci ce thème présent dans chacun de ses longs-métrages : la famille. Et quel film ! Un film d’une sensibilité unique. Des personnages bouleversants. Des blessés de la vie que la fatalité, la pauvreté et l’indifférence vont conduire à la rue et réunir par des liens du cœur, plus forts que ceux du sang. Une peinture pleine d’humanité, de nuance, de poésie, de douceur qui n’édulcore pas pour autant la dureté et l’iniquité de l’existence. Comme un long travelling avant, sa caméra dévoile progressivement le portrait de chacun des membres de cette famille singulière, bancale et attachante pour peu à peu révéler en gros plan leurs âpres secrets et réalités. Kore-Eda, plus que le peintre de la société japonaise est celui des âmes blessées et esseulées, et plus que jamais il fait vibrer nos cœurs par ce film d’une rare délicatesse et bienveillance, avec cette famille de cœur à l’histoire poignante jalonnée de scènes inoubliables et qui nous laissent le cœur en vrac. Du grand art. Le cinéaste japonais était malheureusement absent.

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    Heureusement, il y a eu l’émotion de Karin Viard, César de la meilleure actrice dans un second rôle pour Les Chatouilles  dans lequel elle interprète la mère cassante et glaçante, sur les épaules de laquelle on imagine aussi peser un lourd passé  qui, même une fois la vérité révélée, au lieu de se révolter contre l’agresseur et d’entourer sa fille d’amour préfèrera lui reprocher, obsédée par ce que « diront les gens », un rôle que l’actrice définit comme celui  « épouvantable de mère si toxique qui condamne sa fille une deuxième fois en ne l'écoutant pas, en ne voulant pas la croire ». André Bescond et Eric Métayer ont également reçu le César de la meilleure adaptation après avoir également reçu le prix d’Ornano-Valenti lors du dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville. Les Chatouilles est un film aussi lumineux et solaire que la réalité de l’héroïne est sombre et brutale. La fin est bouleversante parce qu’elle montre que la lumière peut se trouver au bout du tunnel. Si cela a autant bouleversé les festivaliers de Deauville  qui avaient réservé une retentissante standing ovation à l’équipe, c’est sans doute aussi parce que cette possibilité d’une résilience touche les victimes de toutes sortes de blessures intimes et de traumatismes.

    Heureusement, il y a eu aussi Léa Drucker, César de la meilleure actrice pour Jusqu'à la garde, et son beau discours lors duquel elle a notamment rappelé que « La violence commence par les mots et même si tous ces mots utilisés tous les jours, semblent ordinaires, banals, ils sont le début d'une menace ».  Jusqu'à la garde a également été récompensé des César du meilleur scénario original, du meilleur montage et du meilleur film. Dans son discours, Xavier Legrand qui avait déjà réalisé un court-métrage sur ce même sujet, a rappelé une effroyable réalité : « 25 femmes ont été assassinées depuis le début 2019. On est passé à 1 femme tuée sous les coups de son conjoint tous les 2 jours. Il faut penser aux victimes un autre jour que le 25 novembre ».

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    Heureusement, il y a eu les récompenses ( musique, acteur) pour Guy, un inénarrable Guy Jamet beaucoup plus mélancolique et moins léger qu'il n'y paraît, un film qui donne envie de se souvenir des belles choses, et un personnage magistralement inventé et interprété par Alex Lutz.

    Heureusement, il y a eu l’élégance de Kristin Scott Thomas qui présidait la cérémonie cette année.

    Heureusement, il y a eu la classe de Robert Redford recevant un César d’honneur des mains de la présidente de la cérémonie qui fut aussi sa partenaire dans L’homme qui murmurait à l’oreille des chevaux,  montant sur scène au son de l’inoubliable et poignante musique d’Out of Africa signée John Barry et revenant sur des souvenirs de jeunesse en France, quand il n’avait «pas d’argent, que de l’espoir ».

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    Photo de Robert Redford ci-dessus prise lors de la conférence de presse de "All is lost" au Festival de Cannes (un film dont vous pouvez retrouver ma critique, ici).

    Restent inexplicables les absences parmi les nommés de Sauver ou périr, de Gueule d'ange, de Sur le bout des doigts (en particulier pour son jeune interprète prénommé en meilleur espoir) et de Ma mère est folle (pour Fanny Ardant qui est absolument exceptionnelle). Aussi inexplicable me semble l'absence du Poirier sauvage comme meilleur film étranger, même si je me réjouissais par ailleurs des nominations de Capharnaüm, Cold war et  Une affaire de famille.  Sans doute les mystères insondables des « professionnels de la profession » que Godard avait remerciés en recevant son César d’honneur en 1987.

    Comme l’a si bien dit Robert Redford en recevant son César « tout à coup demain devient hier », alors n'oublions pas que le temps, cet insatiable, dévore tout. D'ailleurs, à l’heure à laquelle ont déjà été remis les Oscars et à l’heure à laquelle a déjà été annoncé le nom du Président du jury du Festival de Cannes 2019 (cf mon article suivant), ces informations sont déjà surannées. Alors, pour faire écho aux interrogations de Philippe Katerine lorsqu'il a reçu son prix, je vais m’en aller m’informer de ce que deviennent les personnages une fois les films finis, ou peut-être vais-je aller imaginer leurs vies… non sans vous avoir recommandé une nouvelle fois de découvrir les films évoqués dans cet article (de mon côté, je vais rattraper Shéhérazade qui a reçu les César du meilleur premier film, meilleur espoir masculin et meilleur espoir féminin, un film que j'avais manqué lors de sa sortie) car, quels que soient les défauts de cette cérémonie, si au moins elle peut donner envie aux téléspectateurs  de découvrir des films à côté desquels ils étaient passés, cela justifie déjà amplement son existence.

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    PALMARES :

     

    Meilleure Actrice

    Léa Drucker

     

    Meilleur Acteur

    Alex Lutz

     

    Meilleure Actrice dans un Second Rôle

    Karin Viard

    Les Chatouilles

     

    Meilleur Acteur dans un Second Rôle

    Philippe Katerine

     

    Meilleur Espoir Féminin

    Kenza Fortas

    Shéhérazade

     

    Meilleur Scénario Original

    Xavier Legrand

    Jusqu'à la garde

     

    Meilleure Adaptation

    Andréa Bescond

    Eric Métayer

    Les Chatouilles

     

    Meilleure Musique Originale

    Vincent Blanchard

    Romain Greffe

    Guy

     

    Meilleur Son

    Brigitte Taillandier

    Valérie de Loof

    Cyril Holtz

    Les Frères Sisters

     

    Meilleure Photo

    Benoît Debie

    Les Frères Sisters

     

    Meilleur Montage

    Yorgos Lamprinos

    Jusqu'à la garde

     

    Meilleurs Costumes

    Pierre-Jean Larroque

    Mademoiselle de Joncquières

     

    Meilleurs Décors

    Michel Barthélémy

    Les Frères Sisters

     

    Meilleure Réalisation

    Jacques Audiard

    Les Frères Sisters

     

    Meilleur Film de Court Métrage

    Les Petites mains

    réalisé par Rémi Allier

    produit par Pauline Seigland

     

    Meilleur Film d'Animation

    Vilaine fille (COURT MÉTRAGE)

    réalisé par Ayce Kartal

    produit par Damien Megherbi, Justin Pechberty

    Dilili à Paris (LONG MÉTRAGE)

    réalisé par Michel Ocelot

    produit par Christophe Rossignon, Philip Boëffard

     

    Meilleur Film Documentaire

    Ni Juge, Ni Soumise

    réalisé par Jean Libon, Yves Hinant

    produit par Bertrand Faivre

     

    Meilleur Premier Film

    Shéhérazade

    réalisé par Jean-Bernard Marlin

    produit par Grégoire Debailly

     

    Meilleur Film Étranger

    Une affaire de famille

    réalisé par Hirokazu Kore-eda

    distribution France LE PACTE

     

    Meilleur Film

    Jusqu'à la garde

    produit par Alexandre Gavras

    réalisé par Xavier Legrand

     

    César d'Honneur

    Robert Redford

     

    César du Public

    Les Tuche 3

    produit par Richard Grandpierre

    réalisé par Olivier BAROUX

  • Retrouvez-moi ce soir en direct des César 2019 : les nominations complètes

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    Vendredi, j'aurai le plaisir d'être en direct de la Salle Pleyel pour assister à la 44ème cérémonie des César à suivre également en clair, exclusivité et direct sur Canal +. Vous pourrez me suivre en direct sur twitter et instagram (@Sandra_Meziere).

    Comme chaque année, en direct du Fouquet's, Alain Terzian, le Président des César et Kad Merad, le présentateur des César 2019, ont annoncé les nominations aux César 2019. 

    Un hommage sera rendu à l'immense Robert Redford.  C’est en effet une véritable légende d’Hollywood qui viendra recevoir, le vendredi 22 février 2019 sur la scène de la Salle Pleyel, le César d’Honneur. Acteur iconique, réalisateur d’exception, producteur passionné, fondateur et président de Sundance, le festival de films indépendants le plus réputé au monde, Robert Redford a marqué de son empreinte chacune de ses implications dans le monde du cinéma.  L'incarnation du héros américain indissociable de tant de classiques du cinéma que sa présence a sublimés : Jeremiah Johnson, Nos plus belles années, Gatsby le magnifique, Les trois jours du Condor, Les hommes du président, Brubaker, Out of Africa, Et au milieu coule une rivière, L'homme qui murmurait à l'oreille des chevaux, l'Arnaque, la Poursuite impitoyable… C'est aussi l'occasion de vous parler à nouveau du remarquable "All is lost", ici et e bas de cet article. J'avais ainsi eu l'immense plaisir d'assister à sa projection cannoise et à sa conférence de presse (dont est issue ma photo de Robert Redford, ci-dessous). Retrouvez également ci-dessous ma critique de Gatsby le magnifique de Jack Clayton.

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    C'est l'actrice de "L'homme qui murmurait à l'oreille des chevaux" (et de bien d'autres grands rôles), Kristin Scott Thomas, qui présidera ainsi la cérémonie dédiée cette année à Charles Aznavour.

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    Cette année, 226 films étaient éligibles (films sortis entre le 1er janvier et le 31 décembre 2018).

    22 César seront remis. 

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    Je me réjouis que "Le grand bain" et "Jusqu'à la garde", deux de mes coups de cœur de cette année 2018, figurent en tête des nominations (10 pour l'un et l'autre), prouvant ainsi la réjouissante diversité du cinéma français, deux films remarquables, aussi différents soient-ils.  Le premier est un drame social aux accents hitchcockiens dans lequel la violence conjugale est traitée comme un thriller, un film mis en scène et interprété magistralement, d'où une tension, constante, de la première à la dernière seconde.

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    Dans le second, la fin est un vrai modèle de feel good movie, du genre à vous donner envie de rire et de pleurer en même temps, de battre la mesure, de danser avec les personnages (judicieuse bande originale indissociable de tout feel good movie), d’empoigner la vie, votre destin et vos rêves. Du genre à vous faire penser qu’on peut affronter des accidents de la vie, accepter d’en être brisé, blessé, de s’en relever sans que ce soit un challenge, ou une obligation, du genre à vous rappeler qu’il n’est jamais trop tard pour plonger dans le grand bain, pour penser qu’un nouveau départ ensoleillé est toujours possible, quels que soient votre âge, vos rêves déchus et vos blessures. Du genre à vous dire que le pouvoir du cinéma est sacrément magique quand il parvient à cela, que Gilles Lellouche est un cinéaste avec lequel il va falloir compter (dont je suis vraiment curieuse de voir la suite du parcours après cette success-story sur l’écran et dans les salles, méritée). Et puis, rien que pour me donner l’envie de relire ce chef-d’œuvre de Rilke qu’est Lettres à un jeune poète, Le grand bain valait la peine de se déplacer. Alors terminons avec cet extrait que Delphine (Virginie Efira) lit à ses élèves nageurs, et acceptons encore, comme des enfants que nous sommes toujours au fond un peu, d’être tristes et heureux : « Les enfants sont toujours comme l'enfant que vous fûtes : tristes et heureux ; et si vous pensez à votre enfance, vous revivez parmi eux, parmi les enfants secrets. Les grandes personnes ne sont rien, leur dignité ne répond à rien. »

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    Je me réjouis également des 6 nominations de "Mademoiselle de Joncquières" (amplement méritées) aux César 2019 (meilleure actrice pour Cécile de France, meilleur acteur pour Edouard Baer, meilleure photographie, meilleure adaptation, meilleurs costumes, meilleur décor). Cette adaptation d'un épisode de "Jacques le Fataliste" de Diderot (déjà adapté par Bresson avec la complicité de Cocteau sous le titre "Les dames du bois de Boulogne") est savoureuse du premier au dernier plan, et surtout de la première à la dernière phrase. Les dialogues y sont d'une beauté, d'une richesse, d'un lyrisme, d'une ironie, d'une profondeur jubilatoires, d'autant plus que les acteurs jonglent avec les mots et les émotions avec un talent rare, au premier rang desquels Cécile de France qui passe en une fraction de seconde d'une émotion à l'autre. Elle est absolument sidérante de justesse en femme cruelle car et seulement car blessée au coeur. Si, comme mois, vous aimez "Les liaisons dangereuses" de Choderlos de Laclos, vous ne pourrez qu'être transportés par ce film finalement très moderne qui dresse le portrait de 4 femmes dont celle qui donne son nom au titre et qui, d'abord en arrière plan et effacée, se révèle la plus passionnée et vibrante (sublime et si juste aussi Alice Isaaz). L'absence de nomination du réalisateur est incompréhensible tant sa réalisation est maligne, élégante sans pour autant être académique (tout le contraire) ! Les plans séquences et les judicieuses ellipses (ou quand deux livres symbolisent magnifiquement une scène d'amour), la façon de passer de l'extérieur à l'intérieur, tout est le reflet des âmes sinueuses ou tourmentées. Edouard Baer manie aussi la langue du 18ème avec brio et incarne avec une élégance tout en désinvolture ce libertin qui peu à peu découvre les affres de la passion après les avoir tant singées et s'en être si souvent lassé. Et une mention spéciale à Laure Calamy également remarquable en amie bienveillante. À savourer sans modération !

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    "Les Frères Sisters", récolte 9 nominations, un film dans lequel Audiard détourne les codes du western en ce que son film présente plusieurs degrés de lecture. La violence héritée de leur père que manifestent les deux frères, c’est aussi celle de cette Amérique héritée des pères fondateurs. Pour trouver de l’or et donc s’enrichir, les compères vont polluer la rivière sans souci des conséquences sur l’environnement et sur leur propre vie. Des drames vont pourtant découler de cet acte métaphorique d’un capitalisme carnassier et impitoyable. Mais "les frères Sisters" est aussi un conte à la fois cruel et doux. Le dénouement est ainsi aussi paisible que le début du film était brutal. Comme la plupart des films de cette sélection, il s’achève sur une note d’espoir. L’espoir d’une Amérique qui ouvre enfin les yeux, se montre apaisée et fraternelle. Si les frères Sisters, ces tueurs à gages sans états d’âme ont changé, qui ne le pourrait pas ? Tout est possible…Ajoutez à cela la photographie sublime de Benoît Debie, la musique d’Alexandre Desplat et vous obtiendrez un western à la fois sombre et flamboyant. Et d’une originalité incontestable. Retrouvez ma critique complète, ici.

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    "La Douleur" d'Emmanuel Finkiel récolte 8 nominations. Un film âpre et glaçant. Troublant et nécessaire (a fortiori ces jours-ci). Et cette fin, poignante, d'une infinie mélancolie, et cette "voix" de Duras, qui vous accompagnent longtemps après. Et puis Mélanie Thierry (nommée comme meilleure actrice), fiévreuse, enfiévrée de douleurs. Une douleur. Des douleurs. Celle des déportés, de familles qui attendent, d'une femme qui attend, celle de  l'absence, omniprésente, obsédante, qui tétanise. Une remarquable et singulière adaptation qui brouille nos perceptions comme celles de Marguerite le sont alors, qui joue brillamment avec le son, le flou, les ellipses comme un écho aux pensées douloureuses et désordonnées de Marguerite. Un film intense, délicat qui a une âme, celle de Duras, sublimée par l'interprétation de Mélanie Thierry et par la mise en scène. Benoît Magimel (oublié des nominations) est aussi remarquable dans le rôle de l'inspecteur collabo, d'une obséquiosité inquiétante, fasciné par l'auteure avec laquelle il entre dans un jeu de manipulations trouble.

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    Parmi les lauréats figurera également certainement "Guy", un inénarrable Guy Jamet beaucoup plus mélancolique et moins léger qu'il n'y paraît, un film qui donne envie de se souvenir des belles choses, et un personnage magistralement inventé et interprété qui pourrait valoir plusieurs récompenses à Alex Lutz et son équipe : interprétation, montage, scénario...

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    A noter également les 5 nominations pour "Les Chatouilles",  film aussi lumineux et solaire que la réalité de l’héroïne est sombre et brutale. La fin est bouleversante parce qu’elle montre que la lumière peut se trouver au bout du tunnel. Si cela a autant bouleversé les festivaliers de Deauville (où le film avait reçu le prix d'Ornano) qui ont réservé une retentissante standing ovation à l’équipe, c’est sans doute aussi parce que cette possibilité d’une résilience touche les victimes de toutes sortes de blessures intimes et de traumatismes.

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    Il sera aussi intéressant de voir à quel film étranger les votants de l'Académie décerneront leur César entre, notamment :

    - la palme d'or "Une affaire de famille".  Entre documentaire et fable, chaque plan filmé comme un tableau, sans esbrouffe, avec humilité, s’intéressant à nouveau plus que jamais à la famille, et traitant de la société japonaise sous un angle inédit (car critique et s’intéressant aux laissés-pour-compte d’un Japon en crise économique), Kore-Eda (qui a déjà en 13 films, tant de chefs-d’œuvre, à son actif), est ici au sommet de son art.. Tous les ingrédients d'une palme d'or… Comme le titre semble nous l’indiquer, ce film est la quintessence de son cinéma, clamant dès celui-ci ce thème présent dans chacun de ses longs-métrages : la famille. Et quel film ! Un film d’une sensibilité unique. Des personnages bouleversants. Des blessés de la vie que la fatalité, la pauvreté et l’indifférence vont conduire à la rue et réunir par des liens du cœur, plus forts que ceux du sang. Une peinture pleine d’humanité, de nuance, de poésie, de douceur qui n’édulcore pas pour autant la dureté et l’iniquité de l’existence. Comme un long  travelling avant, sa caméra dévoile progressivement le portrait de chacun des membres de cette famille singulière, bancale et attachante pour peu à peu révéler en gros plan leurs âpres secrets et réalités. Kore-Eda, plus que le peintre de la société japonaise est celui des âmes blessées et esseulées, et plus que jamais il fait vibrer nos cœurs par ce film d’une rare délicatesse et bienveillance, avec cette famille de cœur à l’histoire poignante jalonnée de scènes inoubliables et qui nous laissent le cœur en vrac. Du grand art.

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    -"Cold war", prix de la mise en scène à Cannes. Cold war, c'est l'amour impossible d'un musicien et d'une jeune chanteuse entre la Pologne Stalinienne et le Paris bohème des années 50. La distance que pourraient induire les judicieuses (et nombreuses) ellipses, au contraire, laissent place à l'imaginaire du spectateur (que ça fait du bien parfois de ne pas être infantilisé ! ) et nous font ressentir avec une force accrue et magistrale le vide de l'existence des deux amants lorsqu'ils sont séparés. Les années écoulées importent peu, seuls comptent les instants qu'ils partagent. Le reste n'est que temps vain et perdu (éclipse-s-, du nom du bar parisien où joue le musicien, bel hommage au film éponyme d'Antonioni aussi), et la musique (vibrante, poignante) n'a vraiment de sens qu'en présence de l'autre ou en pensant à l'autre. Le temps passé se comble de cette attente. Entre la Pologne et le Paris jazzy de Saint-Germain-des-Prés, ce sont deux univers qui se confrontent, un mur qui sépare ces deux êtres différents mais que réunit un amour irrépressible et tortueux dès les premières notes voué à un dénouement tragique. Si pour lui la vie est "plus belle de l'autre côté" (citation extraite du film, je ne vous en dis pas plus tant cette phrase y est tragiquement belle), pour elle cette vie les arrache à eux-mêmes. En toile de fond la guerre froide dont la violence insidieuse imprègne tout le film et appose le sceau de la fatalité sur la destinée des deux amoureux. Ajoutez à cela une photographie hypnotique, une dernière phrase à double sens, absolument bouleversante et vous obtiendrez un très grand film romanesque dont la fausse simplicité est avant tout la marque d'un travail d'une perfection admirable. Ce film est aussi une réflexion sur le temps qui passe et dévore tout sauf peut-être les sentiments essentiels ou "éternels", thème commun aux films de la compétition du Festival de Cannes 2018.

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    -"Capharnaüm", prix du jury à Cannes. Nous suivons Zain dans le chaos poussiéreux, ce dédale tentaculaire qu’est le bidonville de Beyrouth, ce capharnaüm gigantesque et oppressant. Téméraire, il tente de survivre malgré la dureté révoltante de son quotidien. Sur son chemin, il rencontre Cafardman, personnage burlesque, lunaire, drôle et tragique, qui semble là pour nous rappeler  que « l’humour est la politesse du désespoir ».  Ainsi, dans ce capharnaüm, même les héros de l’enfance ont le cafard. Zain dort d’abord dans un parc d’attractions, celui où travaille Cafardman. Plans sublimement tristes de Zain qui erre dans ce lieu censé être de jeu et de joie devenu fantomatique et sinistre, comme un vestige de son enfance à jamais inaccessible et révolue. Il y rencontre une immigrée éthiopienne qui a quitté son travail d’employée de maison après être tombée enceinte. Elle élève seule Yonas, son bébé qu’elle entoure et grise d’amour, qu’elle cache aux autorités de crainte qu’ils ne soient expulsés.  A la tendresse dont elle entoure son bébé, s’opposent l’indifférence glaciale et même la violence et les coups que Zain a subis de la part de ses parents. Quand elle disparait, il s’occupe pourtant du bébé, le nourrit, le trimballe partout avec lui, et déploie une force admirable pour celui-ci. Leur duo improbable est poignant, d’autant plus que le bébé est d’une rare expressivité et que la réalisatrice en fait un personnage à part entière. Malgré tout ce qu’il a affronté et subi, ce petit homme qu’est Zain, malgré ce regard duquel semble avoir disparu toute candeur, conserve en lui une humanité salvatrice qu’il déploie pour s’occuper de Yonas comme un pied-de-nez à ce cercle vicieux de la violence et de l’indifférence et de l’absence de tendresse. (Extrait de ma critique à retrouver en entier, ici).

     

    Plus inexplicable me semble l'absence de "Sauver ou périr", de "Gueule d'ange", de Sur le bout des doigts" (en particulier pour son jeune interprète prénommé en meilleur espoir) et de "Ma mère est folle" (pour Fanny Ardant qui est absolument exceptionnelle). Aussi inexplicable me semble l'absence du "Poirier sauvage" comme meilleur film étranger, même si je me réjouis par ailleurs des nominations de "Capharnaüm", "Cold war" et "Une affaire de famille".

     

    LISTE OFFICIELLE DES NOMINATIONS POUR LES CÉSAR 2019

    Meilleur film

    La Douleur, d’Emmanuel Finkiel
    En liberté !, de Pierre Salvadori
    Les Frères Sisters, de Jacques Audiard
    Le Grand Bain, de Gilles Lellouche
    Guy, d’Alex Lutz
    Jusqu’à la garde, de Xavier Legrand
    Pupille, de Jeanne Herry

    Meilleure actrice

    Elodie Bouchez dans Pupille
    Cécile de France dans Mademoiselle de Joncquières
    Léa Drucker dans Jusqu’à la garde
    Virginie Efira dans Un amour impossible
    Adèle Haenel dans En liberté !
    Sandrine Kiberlain dans Pupille
    Mélanie Thierry dans La Douleur

    Meilleur acteur

    Edouard Baer dans Mademoiselle de Joncquières
    Romain Duris dans Nos batailles
    Vincent Lacoste dans Amanda
    Gilles Lellouche dans Pupille
    Alex Lutz dans Guy
    Pio Marmaï dans En liberté !
    Denis Ménochet dans Jusqu’à la garde

    Meilleur acteur dans un second rôle

    Jean-Hughes Anglade dans Le Grand Bain
    Damien Bonnard dans En liberté !
    Clovis Cornillac dans Les Chatouilles
    Philippe Katerine dans Le Grand Bain
    Denis Podalydès dans Plaire, aimer et courir vite

    Meilleure actrice dans un second rôle

    Isabelle Adjani dans Le Monde à nous
    Leila Bekhti dans Le Grand Bain
    Virginie Efira dans Le Grand Bain
    Audrey Tautou dans En liberté !
    Karin Viard dans Les Chatouilles

    Meilleur réalisateur

    Emmanuel Finkiel, La Douleur
    Pierre Salvadori, En liberté !
    Jacques Audiard, Les Frères Sisters
    Gilles Lellouche, Le Grand Bain
    Alex Lutz, Guy
    Xavier Legrand, Jusqu’à la garde
    Jeanne Herry, Pupille

    Meilleure espoir féminin

    Ophélie Bau dans Mektoub My Love
    Galatéa Bellugi dans L’Apparition
    Jehnny Beth dans Un amour impossible
    Lily Rose-Depp dans L’Homme fidèle
    Kenza Fortas dans Shéhérazade

    Meilleur espoir masculin

    Antony Bajon dans La Prière
    Thomas Gloria dans Jusqu’à la garde
    William Lebghil dans Première Année
    Karim Leklou dans Le Monde est à toi
    Dylan Robert dans Shéhérazade

    Meilleur premier film

    L’Amour flou, de Romane Bohringer et Philippe Rebbot
    Les Chatouilles, d’Andréa Bescond et Éric Métayer
    Jusqu’à la garde, de Xavier Legrand
    Sauvage, de Camille Vidal-Naquet
    Shéhérazade, de Jean-Bernard Marlin

    Meilleur documentaire

    America, de Claus Drexel
    De chaque instant, de Nicolas Philibert
    Le Grand Bal, de Laetitia Carton
    Ni juge ni soumise, de Jean Libon et Yves Hinant
    Le Procès contre Mandela et les autres, de Nicolas Champeaux et Gilles Porte

    Meilleur film étranger

    3 Billboards, les panneaux de la vengeance, de Martin MacDonagh
    Capharnaüm, de Nadine Labaki
    Cold War, de Paweł Pawlikowski
    Girl, de Lukas Dont
    Hannah, d’Andrea Pallaoro
    Nos batailles, de Guillaume Senez
    Une affaire de famille, d’Hirokazu Kore-eda

    Meilleur court-métrage

    Bragino, de Clément Gogitore
    Les Indes galantes, de Clément Gogitore
    Kapitalistis, de Pablo Muñoz Gomez
    Laissez-moi danser, de Valérie Leroy
    Les Petites Mains, de Rémi Allier

    Meilleur court-métrage d’animation

    Au cœur des ombres, de Mónica Santos et Alice Guimarães
    La mort, père et fils, de Winshluss et Denis Walgenwitz
    Raymonde ou l’Evasion verticale, de Sarah Van Den Boom.
    Vilaine fille, de Ayçe Kartal

    Meilleur film d’animation

    Astérix : Le Secret de la potion magique, d’Alexandre Astier et Louis Clichy
    Dilili à Paris, de Michel Ocelot
    Pachamama, de Juan Antin

    Meilleure photographie

    Alexis Kavyrchine, La Douleur
    Benoît Debie, Les Frères Sisters
    Laurent Tangy, Le Grand Bain
    Nathalie Durand, Jusqu’à la garde
    Laurent Desmet, Mademoiselle de Joncquières

    Meilleure adaptation

    Andréa Bescond et Eric Métayer, Les Chatouilles
    Emmanuel Finkiel, La Douleur
    Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Les Frères Sisters
    Emmanuel Mouret, Mademoiselle de Joncquières
    Catherine Corsini et Laurette Polmanss, Un amour impossible

    Meilleur son

    Antoine-Basile Mercier, David Vranken, Aline Gavroy pour La Douleur
    Brigitte Taillandier, Valérie De Loof, Cyril Holtz pour Les Frères Sisters
    Cédric Deloche, Gwennolé Le Borgne, Marc Doisne pour Le Grand Bain
    Yves-Marie Omnès, Antoine Baudouin, Stéphane Thiébaut pour Guy
    Julien Sicart, Julien Roig, Vincent Verdoux pour Jusqu’à la garde

    Meilleure musique originale

    Anton Sanko, Amanda
    Camille Bazbaz, En liberté !
    Alexandre Desplat, Les Frères Sisters
    Vincent Blanchard, Romain Greffe, Guy
    Pascal Sangla, Pupille
    Grégoire Hetzel, Un amour impossible

    Meilleur scénario original

    Pierre Salvadori, Benoît Graffin, Benjamin Charbit pour En liberté !
    Gilles Lellouche, Ahmed Hamidi, Julien Lambroschini pour Le Grand Bain
    Alex Lutz, Anaïs Deban, Thibault Segouin pour Guy
    Xavier Legrand pour Jusqu’à la garde
    Jeanne Herry, pour Pupille

    Meilleurs costumes

    Anaïs Romand et Sergio Ballo, La Douleur
    Pierre- Yves Guerraud, L’Empereur de Paris
    Miléna Canonero, Les Frères Sister
    Pierre-Jean Larroque, Mademoiselle de Joncquières
    Anaïs Romand, Un peuple et son roi

    Meilleurs décors

    Pascal Le Guellec, La Douleur
    Emile Ghigo, L’Empereur de Paris
    Michel Barthélémy, Les Frères Sisters
    David Faivre, Mademoiselle de Joncquière
    Anaïs Roman, Un peuple et son roi

    Meilleur montage

    Valérie Deseine, Les Chatouilles
    Isabelle Devinck, En liberté !
    Juliette Welfling, Les Frères Sisters
    Simon Jacquet, Le Grand Bain
    Yorgos Lamprinos, Jusqu’à la garde

    DETAIL DES NOMINATIONS :

    10 pour LE GRAND BAIN

    10 pour JUSQU’À LA GARDE

    9 pour EN LIBERTÉ !

    9 pour LES FRÈRES SISTERS

    8 pour LA DOULEUR

    7 pour PUPILLE

    6 pour GUY

    6 pour MADEMOISELLE DE JONCQUIÈRES

    5 pour LES CHATOUILLES

    4 pour UN AMOUR IMPOSSIBLE

    3 pour SHÉHÉRAZADE

    2 pour AMANDA

    2 pour L’EMPEREUR DE PARIS

    2 pour LE MONDE EST À TOI

    2 pour NOS BATAILLES

    2 pour UN PEUPLE ET SON ROI

    1 pour 3 BILLBOARDS, LES PANNEAUX DE LA VENGEANCE

    1 pour AMERICA

    1 pour L’AMOUR FLOU

    1 pour L’APPARITION

    1 pour ASTÉRIX - LE SECRET DE LA POTION MAGIQUE

    1 pour AU CŒUR DES OMBRES

    1 pour BRAGUINO

    1 pour CAPHARNAÜM

    1 pour COLD WAR

    1 pour DE CHAQUE INSTANT

    1 pour DILILI À PARIS

    1 pour GIRL 1 pour LE GRAND BAL

    1 pour HANNAH 1 pour L’HOMME FIDÈLE

    1 pour LES INDES GALANTES

    1 pour KAPITALISTIS

    1 pour LAISSEZ-MOI DANSER

    1 pour MEKTOUB, MY LOVE : CANTO UNO

    1 pour LA MORT, PÈRE ET FILS

    1 pour NI JUGE, NI SOUMISE

    1 pour PACHAMAMA 1 pour LES PETITES MAINS

    1 pour PLAIRE, AIMER ET COURIR VITE

    1 pour PREMIÈRE ANNÉE

    1 pour LA PRIÈRE

    1 pour LE PROCÈS CONTRE MANDELA ET LES AUTRES

    1 pour RAYMONDE OU L’ÉVASION VERTICALE

    1 pour SAUVAGE

    1 pour UNE AFFAIRE DE FAMILLE

    1 pour VILAINE FILLE TOTAL 

    : 118 NOMINATIONS

    CRITIQUE DE "ALL IS LOST" de J.C CHANDOR

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    C'est lors du dernier Festival de Cannes 2013 dans le cadre duquel il était présenté en sélection officielle mais hors compétition que j'avais eu le plaisir de découvrir "All is lost" de J.C Chandor en présence de Robert Redford qui avait également donné une conférence de presse dont je vous parle également ci-dessous et dont vous pourrez également retrouver quelques images. 

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    All is lost est le deuxième film du réalisateur J.C Chandor après Margin Call, avec un unique interprète, et non des moindres, Robert Redford, dont la mythique présence a  illuminé la Croisette. Quel contraste  entre le vacarme, la foule cannois et le silence, la solitude de All is lost.

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     Lors de la conférence de presse cannoise, Robert Redford, a notamment parlé, avec autodérision et simplicité,  de son amour de la nature et de son inquiétude pour celle-ci, rappelant son engagement en faveur de l'environnement qu’il juge dans une  situation "carrément catastrophique, désastreuse".  "A mon avis, la planète essaie de nous parler", a-t-il ajouté, évoquant "les ouragans, les tremblements de terre et les tornades", deux jours après la tornade dévastatrice de Moore, près d'Oklahoma City. Il a aussi évoqué son envie de continuer  à jouer, de la difficulté de faire des films aujourd’hui. Il a évoqué le défi que représentait ce film pour lui : « C’est un défi qui m’a beaucoup attiré en tant qu’acteur. Je voulais me donner entièrement à un réalisateur ». Il a aussi abordé l’importance du silence « Je crois dans l’intérêt du silence au cinéma. Je crois aussi dans l’intérêt du silence dans la vie car on parle car on parle parfois trop. Si on arrive à faire passer le silence dans une forme artistique, c’est intéressant ». « Ce film est en plein contraste avec la société actuelle. On voit le temps qu’il fait, un bateau et un homme. C’est tout ». « Il y a évidemment des similitudes avec Jeremiah Johnson » a-t-il également répondu.

     

    Dans Jeremiah Johnson de Sydney Pollack, Robert Redford fuyait ainsi les hommes et la civilisation pour les hauteurs sauvages des montagnes Rocheuses. Ici, dans All is lost, au cours d’un voyage en solitaire dans l’Océan Indien, au large de Sumatra, à son réveil, il découvre que la coque de son voilier a été heurtée et endommagée par un container flottant à la dérive. Privé de sa radio, il doit affronter seul les éléments mais malgré toute sa force, sa détermination, son intelligence, son ingéniosité, il devra bientôt regarder la mort en face. Ici, aussi, c’est finalement la civilisation (incarnée par ce container rouge au milieu de l’horizon bleutée et qui transportait d’ailleurs des chaussures, incarnation de la société de consommation mondialisée ) qui le rattrape (alors que, peut-être, il voulait la fuir, nous ne le saurons jamais…), contraint à se retrouver ainsi « seul au monde », comme dans le film éponyme de Robert Zemeckis avec Tom Hanks, même si je lui préfère, et de loin, ce film de J.C Chandor.

    Pendant 1H45, il est en effet seul. Seul face à la folle et splendide violence des éléments. Seul face à nous. Seul face à lui-même. Seul face à l’Océan Indien à perte de vue. Seul face à la force des éléments et face à ses propres faiblesses. Seul face à la nature. Cela pourrait être ennuyeux…et c’est passionnant, palpitant, terrifiant, sublime, et parfois tout cela à la fois.

    Le seul «dialogue », est en réalité un monologue en ouverture du film, une sorte de testament qui s’écoute comme le roulement poétique, doux et violent, des vagues, et qui place ce qui va suivre sous le sceau de la fatalité : « Ici, tout est perdu, sauf le corps et l’âme ».

     

     Progressivement il va se voir dépouillé de ce qui constitue ses souvenirs, de tout ce qui constitue une chance de survie : radio, eau... Son monde va se rétrécir. La caméra va parfois l’enfermer dans son cadre renforçant le sentiment de violence implacable du fracas des éléments. Avec lui, impuissants, nous assistons au spectacle effrayant et fascinant du déchainement de la tempête et de ses tentatives pour y survivre et résister.

     

    Le choix du magnétique Robert Redford dans ce rôle renforce encore la force de la situation. Avec lui c’est toute une mythologie, cinématographique, américaine, qui est malmenée, bousculée, et qui tente de résister envers et contre tout, de trouver une solution jusqu’à l’ultime seconde. Symbole d’une Amérique soumise à des vents contraires, au fracas de la nature et de la réalité, et qui tente de résister, malgré tout.

     

     La mise en scène et la photographie sobre, soignée, épurée, le montre (et sans le moindre artifice de mise en scène ou flashback comme dans L’Odyssée de Pi) tantôt comme une sorte de Dieu/mythe dominant la nature (plusieurs plongées où sa silhouette se détache au milieu du ciel), ou comme un élément infime au milieu de l’Océan. La musique signée Alex Ebert (du groupe Edward Sharpe and the Magnetic Zeros) apporte une force supplémentaire à ces images d’une tristesse et d’une beauté mêlées d’une puissance dévastatrice. Inexistante au début du film, elle prend de l’ampleur a fur et à mesure que la tragédie se rapproche et qu’elle devient inéluctable, sans jamais être trop grandiloquente ou omniprésente.

     

    Certains plans sont d’une beauté à couper le souffle, comme ces requins en contre-plongée qui semblent danser, le défier et l’accompagner ou comme cette fin qui mélange les éléments, l’eau et le feu, le rêve et la réalité ou encore cette lune braquée sur lui comme un projecteur.

     

     Comme l’a souligné Robert Redford, il s’agit d’un « film presque existentiel qui laisse la place à l’interprétation du spectateur » et cela fait un bien fou de « regarder quelqu’un penser » pour reprendre les termes du producteur même si cette définition pourrait donner une image statique du film qui se suit au contraire comme un thriller.

     

    En conférence de presse, Robert Redford avait révélé ne pas avoir vu le film et qu’il allait le découvrir le même soir lors de la projection officielle cannoise dans le Grand Théâtre Lumière. On imagine aisément son émotion, à l’issue de cette heure quarante. Face à lui-même. Face à cette fable bouleversante d’une beauté crépusculaire

     

     All is lost a été présenté hors compétition du 66ème Festival de Cannes. Il aurait indéniablement eu sa place en compétition et peut-être même tout en haut du palmarès.

    Critique de GATSBY LE MAGNIFIQUE de Jack Clayton

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    gatsby3.jpgAdapté en 1974 du chef d'œuvre de Fizgerald, le film (comme le roman) se déroule dans la haute aristocratie américaine. Une vraie gageure d'adapter ce sublime romanqui évite toujours soigneusement la mièvrerie et assume le romantisme effréné et exalté (mais condamné) de son personnage principal.

    Eté 1920. Nick Carraway (Sam Waterston), jeune homme du Middlewest américain se rend à New York pour travailler comme agent de change.  C'est dans la zone huppée de Long Island qu'il trouve une maison, juste à côté de la somptueuse demeure du mystérieux Gatsby (Robert Redford) et avec une vue imprenable sur East Egg où vivent sa cousine Daisy (Mia Farrow) et son mari Tom Buchanan (Bruce Dern) . Daisy  s'ennuie avec son mari bourru qui la trompe ouvertement et elle tue le temps avec son amie la golfeuse professionnelle Jordan Baker. Tom présente même à Nick  sa maîtresse Myrtle Wilson (Karen Black), la femme du garagiste. Tous s'étonnent que Nick ne connaisse pas son voisin Jay Gatsby qui donne des réceptions somptueuses avec des centaines d'invités et sur le compte de qui courent les rumeurs les plus folles. C'est en répondant à une des invitations de son mystérieux voisin que Nick va faire ressurgir le passé liant sa cousine Daisy à l'étrange et séduisant Jay Gatsby.

    Dès les premières minutes, ce film exerce la même fascination sur le spectateur que le personnage de Jay Gatsby sur ceux qui le côtoient ou l'imaginent. La magnificence crépusculaire  de la photographie et la langueur fiévreuse qui étreint les personnages nous laissent entendre que tout cela s'achèvera dans le drame mais comme Nick nous sommes fascinés par le spectacle auquel nous souhaitons assister jusqu'au dénouement. Jay Gatsby n'apparaît qu'au bout de vingt minutes, nous nous trouvons alors dans la même situation que Nick qui ne le connaît que par sa réputation : on dit qu'il «  a tué un homme » et qu'il n'apparaît jamais aux fêtes somptueuses qu'il donne dans une joyeuse décadence.

    Comme dans le roman de Fitzgerald, le film de Jack Clayton dépeint brillamment l'ennui de la haute aristocratie américaine grâce à plusieurs éléments : l'élégance romantique et le jeu de Robert Redford ( difficile après avoir vu le film d'imaginer autrement le personnage de Gatsby qu'il incarne à la perfection que Di Caprio incarnera aussi pourtant remarquablement à sa manière), le scénario impeccable signé Francis Ford Coppola, une photographie éblouissante qui évoque à la fois la nostalgie et la chaleur éblouissantes, une interprétation de Mia Farrow entre cruauté, ennui, insouciance et même folie, l'atmosphère nostalgique et fiévreuse (la sueur perle en permanence sur le front des personnages comme une menace constante), et puis bien sûr l'adaptation du magnifique texte de Fitzgerald : « La poussière empoisonnée flottant sur ses rêves » ou cette expression de « nuages roses » qui définit si bien le ton du roman et du film. Avec l'amertume dissimulée derrière l'apparente légèreté. La mélancolie et le désenchantement derrière la désinvolture. Il faut aussi souligner l'excellence des seconds rôles et notamment de Karen Black aussi bien dans la futilité que lorsqu'elle raconte sa rencontre avec Tom Buchanan.

     « Gatsby le magnifique » est à la fois une critique de l'insouciance cruelle et de la superficialité de l'aristocratie que symbolise Daisy, c'est aussi le portrait fascinant d'un homme au passé troublant, voire trouble et à l'aura romantique dont la seule obsession est de ressusciter le passé et qui ne vit que pour satisfaire son amour inconditionnel et aveugle. (Ah la magnifique scène où Jay et Daisy dansent dans une pièce vide éclairée à la bougie !) Face à lui Daisy, frivole et lâche, qui préfère sa réputation et sa richesse à Gatsby dont la réussite sociale n'avait d'autre but que de l'étonner et de poursuivre son rêve qui pour lui n'avait pas de prix. Gatsby dont par bribes  la personnalité se dessine : par sa manie d'appeler tout le monde « vieux frère », par ses relations peu recommandables, par le portrait qu'en dresse son père après sa mort, un père qu'il disait riche et mort. Pour Daisy, la richesse est un but. Pour  Jay, un moyen (de la reconquérir). Elle qui ne sait que faire des 30 années à venir où il va falloir tuer le temps.

    Les deux êtres pour qui l'argent n'étaient qu'un moyen et non une fin et capables d'éprouver des sentiments seront condamnés par une société pervertie et coupable de désinvolture et d'insouciance. Un film de contrastes. Entre le goût de l'éphémère de Daisy et celui de l'éternité de Gatsby. Entre la réputation sulfureuse de Gatsby et la pureté de ses sentiments. Entre la fragilité apparente de Daisy et sa cruauté. Entre la douce lumière d'été et la violence des sentiments. Entre le luxe dans lequel vit Gatsby et son désarroi. Entre son extravagance apparente et sa simplicité réelle. Entre la magnificence de Gatsby et sa naïveté. Et tant d'autres encore. Des contrastes d'une douloureuse beauté.

    C'est à travers le regard sensible et lucide de Nick qui seul semble voir toute l'amertume, la vanité, et la beauté tragique de l'amour, mélancolique, pur et désenchanté, que Gatsby porte à Daisy que nous découvrons cette histoire tragique dont la prégnante sensation ne nous quitte pas et qui nous laisse avec l'irrésistible envie de relire encore et encore le chef d'œuvre de Fitzgerald et de nous laisser dangereusement griser par l'atmosphère de chaleur écrasante, d'extravagance et d'ennui étrangement mêlés dans une confusion finalement criminelle. Un film empreint de la fugace beauté de l'éphémère et de la nostalgie désenchantée qui portent le fascinant et romanesque Gatsby. A (re)voir absolument.

  • "Cinéma au féminin Pluri(elles)", documentaire de Patrick Fabre à voir le 21.02.2019 à 22H10 sur Canal + Cinéma

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    La 44ème édition des César aura lieu ce vendredi, à la Salle Pleyel, une cérémonie en direct de laquelle vous pourrez me suivre et qui sera diffusée en clair et en direct à 21H sur Canal +. Retrouvez ici mon article sur les films nommés.

     En préambule de cette cérémonie, à 22H10, le 21 février sur Canal + Cinéma, je vous invite également à regarder ce passionnant documentaire de Patrick Fabre intitulé Cinéma, au féminin Pluri(elles) après Un César nommé espoir, également réalisé par ce dernier, l’an passé (mon article, ici). 

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    Patrick Fabre est journaliste, réalisateur notamment du court-métrage Rue des roses mais aussi la voix inénarrable et inimitable de la montée des marches du Festival de Cannes et le directeur artistique du formidable Festival International de Saint-Jean-de-Luz. Comme son précédent, ce documentaire est produit par Mon Voisin Productions. Patrick Fabre est d’autant plus légitime pour réaliser et présenter ce documentaire que le Festival de Saint-Jean-de-Luz a d’ailleurs souvent mis en lumière de formidables films de femmes comme ceux de Leyla Bouzid, Maïwenn, Mélanie Laurent, Marine Place, Lidia Terki et tant d’autres… sans oublier son jury 100% féminin en 2018.

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     Personne n’a oublié cette image qui a fait le tour du monde : en mai dernier, lors de la 71ème édition du Festival de Cannes, 82 femmes de l’industrie du cinéma montaient les marches, 7 mois après l’affaire Weinstein, avec en tête du cortège Agnès Varda et Cate Blanchett, alors présidente du jury, à l’appel du collectif 50 X 50 pour 2020. C’est par ce rappel et cette image forte que débute le documentaire. Une montée des marches symbolique pour réclamer la parité et l’égalité.  82 correspond au nombre de films réalisés par des femmes invitées à concourir en compétition officielle depuis la première édition du Festival de Cannes contre…1688 hommes. Parmi ces 82 femmes, 2 réalisatrices ont obtenu la palme d’or : la Néo-zélandaise Jane Campion pour La leçon de piano (palme d’or ex-aequo avec Adieu ma concubine du Chinois Chen Kaige, en 1993) et Agnès Varda (une palme d’honneur reçue lors du 68ème Festival de Cannes). 

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    D’autres chiffres sont tout aussi édifiants comme ces 23%, pourcentage de réalisatrices de la profession ou encore ces 45% seulement de monteuses…alors que les femmes sont plus nombreuses que les hommes dans la section montages dans les écoles. Au-delà des chiffres et du constat, implacables, il s’agit de faire un « état des lieux » d’une profession, d’essayer d’expliquer les mécanismes et les raisons qui aboutissent à ces chiffres, et d’y remédier mais aussi de donner des raisons d’espérer en un changement que ce soit avec la signature d’une charte pour la diversité et la parité ou avec ce bonus de 15% de soutien par le CNC pour les films qui intègrent autant de femmes que d’hommes dans les postes d’encadrement de leurs équipes de tournage.

     Le documentaire est émaillé d’interventions percutantes, tout particulièrement celles de Stéphanie Pillonca (réalisatrice de  Fleur de tonnerre qui met en scène un personnage féminin bien loin des stéréotypes et de ce que certains esprits étriqués entendent par un « film de femmes »), de Tonie Marshall (je vous recommande au passage le remarquable Numéro une dont le documentaire présente d’ailleurs un extrait, thriller économique palpitant sur les mécanismes de pouvoir, la misogynie plus ou moins insidieuse ou latente), Deniz Gamze Ergüven quand  elle a voulu réalisé Kings sur les émeutes de Los Angeles, Catherine Corsini qui, dans la commission d’aide au développement, voyait « des choses hallucinantes passer » notamment dans la caractérisation des personnages féminins, Elisabeth Tanner, Lidia Leber Terki qui voulait faire un film fantastique et un film d’anticipation, Frédérique Bredin présidente du CNC, plus optimiste, qui « voit émerger une nouvelle génération »…

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    Chaque témoignage permet de reconstituer le puzzle qui explique les raisons de cette disproportion entre le nombre d’hommes et le nombre de femmes dans l’industrie cinématographique. Agnès Varda apporte aussi un regard plus nuancé et non moins éclairé qui permet d’éviter tout manichéisme et la vision d’un cinéma totalement hostile aux femmes, en rappelant aussi la part de volonté et de choix qui incombe à chacune sans pour autant nier les obstacles à franchir : « J’ai toujours peur qu’on fasse ghetto », « le cinéma doit avancer », « je n’aime pas parler du cinéma des femmes », « j'aime bien les femmes qui ont envie de faire du cinéma, qui ont de l’ambition ». C’est aussi l’occasion de rappeler que c'est une femme, Alice Guy, qui a réalisé la première fiction de cinéma La fée aux choux. Un prix porte d’ailleurs désormais son nom.

    Ce documentaire m’a intéressée à trois titres, en tant que femme bien entendu, en tant que cinéphile mais aussi en tant qu’ancienne étudiante notamment en cinéma (d’un Master 2 professionnel à la Sorbonne… constitué à l’époque pour 90% de femmes !). Ce documentaire est néanmoins intéressant au-delà de l’appartenance à ces catégories (messieurs, ne fuyez pas…) en ce qu’il relate, au-delà du cinéma, les grandes lignes de « l’action de ce mouvement qui dépasse les frontières du cinéma » comme le dit Patrick Fabre et plus largement d’une société qui n’échappe pas aux stéréotypes. Mais n’est-ce pas là aussi le merveilleux pouvoir des films (parmi tant d’autres) que d’aider, par le biais du documentaire ou de la fiction, à changer les mentalités, à  faire péricliter ces éternels clichés et à faire voler en éclats ces cases dans lesquels on s’obstine à enfermer les un(e)s et les autres ?

    C’est ainsi sans doute Patrick Fabre qui résume le mieux la situation : "de l’ambition, il leur en faut d’autant plus qu’on a tendance à les enfermer dans des cases." Les stéréotypes auxquels on nous cantonne ne sont en effet pas forcément et pas seulement affaires de cinéma ou de femmes…même s’ils sont d’autant plus visibles et flagrants dans des professions qui sont liées à l’image. Patrick Fabre a enfin eu la bonne idée de terminer son documentaire par l’inscription des noms des 60 réalisatrices ou coréalisatrices des films présentés à Cannes…et de préciser …en attendant les suivantes !

    Rendez-vous jeudi soir à 22H10 sur Canal + cinéma (dans le cadre de "La Nuit au féminin pluri(elles) avec, au programme, ce documentaire et 6 films dont Numéro une évoqué dans l'article)  et le lendemain pour les César !

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