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  • Critique - THE RIDER de Chloé Zhao en salles le 28/03/2018

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    Demain en salles, ne manquez pas mon coup de cœur du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2017 (dont vous pouvez retrouver le compte rendu ici et dont est extraite cette critique) qui a reçu le Grand Prix du festival.

    Brady, un jeune cow-boy, entraîneur de chevaux et étoile montante du rodéo, voit sa vie basculer après un tragique accident de rodéo. On lui annonce alors qu’il ne pourra plus jamais faire d’équitation. De retour chez lui, il est confronté au vide qu’est devenue sa vie : celle d’un cow-boy qui ne peut désormais ni faire de rodéo ni même monter à cheval. Pour reprendre son destin en mains, Brady se lance alors dans une quête identitaire en cherchant à comprendre ce que c’est vraiment qu’être un homme au cœur même de l’Amérique.    

    INTERPRÉTATION Brady Jandreau (Brady Blackburn), Tim Jandreau (Wayne Blackburn), Lilly Jandreau (Lilly Blackburn), Lane Scott (Lane Scott), Cat Clifford (Cat Clifford

    Brady vit ainsi avec une blessure à vif, physique et morale. Ainsi a-t-il vu ses rêves, son « American dream », se briser.  Brady Jandreau, qui joue son propre rôle aux côtés de sa famille et de ses amis est vraiment une jeune star du rodéo qui a vu sa vie basculer suite à un accident et cette véracité renforce bien sûr l’émotion qui émane de chacun des plans.

    Ici pas de super héros, pas de grandiloquence, pas de chevauchées fantastiques aux sanglots longs des violons, mais un homme à terre qui essaie de trouver la voie à emprunter pour se relever et continuer à avancer. Comme il le dit lui-même, là où un animal aurait été abattu lui est « obligé de vivre ». Meurtri mais combattif.  Les scènes d’une beauté et simplicité bouleversantes s’enchainent pour dresser le portrait d’un homme que la réalisatrice regarde avec beaucoup d’humilité et de bienveillance aussi éloignée soit-elle (à l'origine du moins) du Dakota du Sud où le film est tourné.

    Après s’être immergée durant quatre ans dans une réserve amérindienne du Dakota du Sud pour réaliser « Les chansons que mes frères m’ont apprises », la réalisatrice pose ainsi à nouveau sa caméra dans cet Etat, à nouveau dans la réserve indienne de Pine Ridge. Après s’être intéressée aux Indiens, elle se penche cette fois sur ces Cowboys d’une autre Amérique, sans éclat, sans flamboyance, sans rutilance, qui combattent pour survivre. Chloé Zhao  revisite ainsi le western faisant du décor un personnage à part entière. Sa caméra caresse et sublime les corps de ces cowboys qui « chevauchent la douleur », qui bravent la nature.

    A l’image du personnage de Katie dans « Katie says goodbye » (autre film en compétition du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2017), Brady doit faire face à un avenir sans espoir, à un parent immature, et lui aussi incarne de nombreux contrastes à l’image de cette Amérique pétrie de contradictions. La violence de l’arène dans laquelle il évolue contraste avec la tendresse dont il fait preuve avec sa jeune sœur handicapée ou son ami victime d’un accident de rodéo (ces scènes ne sont jamais voyeuristes ou larmoyantes mais pleines de sensibilité). Les immenses plaines évocatrices de liberté contrastent avec la blessure et l’arène qui l’enferment. Et c’est en renonçant au rodéo que le cowboy va devenir un homme…

    Chloé Zhao réussit une œuvre  pleine de délicatesse et de subtilité sur un univers a priori rude et rugueux. Entre documentaire et drame intimiste, son film  dresse le portrait poignant d’un personnage qui apprend à renoncer dont la force vous accompagne bien après le générique de fin et qui vous donnera envie de continuer à avancer et rêver envers et contre tout.

    Le jury qui lui a attribué le grand prix a salué sa poésie et son humanité.

  • Critique de LA LA LAND de Damien Chazelle à voir à 20H50 ce soir sur Canal +Cinéma

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    J’ai attendu pour vous en parler me disant que, peut-être, la magie qui n’a pas opéré lors de la projection se révèlerait à moi a posteriori… Alors ?

    Le synopsis d’abord. «La La Land » nous emmène au cœur de Los Angeles, et suit deux personnages : une actrice en devenir prénommée Mia (Emma Stone) qui, entre deux  castings, sert des boissons à des actrices dans la cafétéria où elle travaille, située dans les célèbres studios de la vil et Sebastian (Ryan Gosling), passionné de jazz et talentueux musicien, qui est contraint de jouer la musique d’ascenseur qu’il déteste pour assurer sa subsistance. Elle rêve de rôles sur grand écran. Lui de posséder son propre club de jazz. Elle aime le cinéma d’hier, lui le jazz qui, par certains, est considérée comme une musique surannée.  Ces deux rêveurs mènent pourtant une existence bien loin de la vie d’artistes à laquelle ils aspirent… Le hasard les fait se rencontrer sans cesse, dans un embouteillage d’abord, dans un bar, et enfin dans une fête. Ces deux idéalistes tombent amoureux…

    Le film débute par un plan séquence virevoltant, jubilatoire, visuellement éblouissant. Sur une bretelle d’autoroute de Los Angeles, dans un embouteillage qui paralyse la circulation, une musique jazzy s’échappe des véhicules. Des automobilistes en route vers Hollywood sortent alors de leurs voitures, soudain éperdument joyeux, débordants d’espoir et d’enthousiasme, dansant et chantant leurs rêves de gloire.  La vue sur Los Angeles est à couper le souffle, la chorégraphie millimétrée est impressionnante et d’emblée nous avons envie de nous joindre à eux, de tourbillonner, et de plonger dans ce film qui débute par ces réjouissantes promesses. A ma grande déception, rien n’égalera ensuite cette scène époustouflante.

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    Après ses 7 récompenses aux Golden Globes,   « La La Land » totalise 14 nominations aux Oscars : meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur acteur, meilleure actrice, meilleure chanson... Deux films seulement avaient auparavant atteint un tel nombre de nominations, « Titanic » de James Cameron en 1997 et « Eve » de Joseph L. Mankiewicz  en 1951, un chef-d’œuvre passionnant,  tableau  cruel et lucide de la vie d’actrice. Décidément, les Oscars affectionnent les films sur le cinéma.

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    Le cinéma affectionne la mise en abyme, ce qui a d’ailleurs souvent produit des chefs d’œuvre. Il y a évidemment « La comtesse aux pieds nus » de Mankiewicz, « Etreintes brisées » de Pedro Almodovar « La Nuit américaine de Truffaut », « Sunset Boulevard » de Billy Wilder, « Une étoile est née » de George Cukor et encore « Chantons sous la pluie » de Stanley Donen et Gene Kelly, deux films auxquels « The Artist » de Michel Hazanivicius se référait également. Le film de Stanley Donen et Gene Kelly (comme beaucoup d’autres et comme le cinéma de Demy) est aussi largement cité dans « La la land » (comme dans la photo ci-dessous). Les points communs sont également nombreux entre La la land et « The Artist ».

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    « The Artist » raconte ainsi l’histoire de George Valentin (Jean Dujardin), une vedette du cinéma muet qui connait un succès retentissant…mais l’arrivée des films parlants va le faire passer de la lumière à l’ombre et le plonger dans l’oubli. Pendant ce temps, une jeune figurante, Peppy Miller (Bérénice Béjo) qu’il aura au départ involontairement  placée dans la lumière, va voir sa carrière débuter de manière éblouissante. Le film raconte l’histoire de leurs destins croisés.  Comme « La la land », « The Artist » est un hommage permanent et éclatant au cinéma. Hommage à ceux qui ont jalonné et construit son histoire, d’abord, évidemment. De Murnau à Welles, en passant par Borzage, Hazanavicius cite brillamment ceux qui l’ont ostensiblement inspiré. Hommage au burlesque aussi, avec son mélange de tendresse et de gravité, et évidemment, même s’il s’en défend, à Chaplin qui, lui aussi,  lui surtout, dans « Les feux de la rampe », avait réalisé un hymne à l'art qui porte ou détruit, élève ou ravage, lorsque le public, si versatile, devient amnésique, lorsque le talent se tarit, lorsqu’il faut passer de la lumière éblouissante à l’ombre dévastatrice. Le personnage de Jean Dujardin est aussi un hommage au cinéma d’hier : un mélange de Douglas Fairbanks, Clark Gable, Rudolph Valentino, et du personnage de Charles Foster Kane (magnifiques citations de « Citizen Kane ») et Bérénice Béjo, avec le personnage de Peppy Miller est, quant à elle, un mélange de Louise Brooks, Marlène Dietrich, Joan Crawford…et nombreuses autres inoubliables stars du muet. Michel Hazanavicius  signe là un hommage au cinéma, à sa magie étincelante, à son histoire, mais aussi et avant tout aux artistes, à leur orgueil doublé de solitude, parfois destructrice. Des artistes qu’il sublime, mais dont il montre aussi les troublantes fêlures et la noble fragilité. Parce qu’il est burlesque, inventif, malin, poétique, et touchant.  Parce qu’il montre les artistes dans leurs belles et poignantes contradictions et fêlures. Rarement un film aura aussi bien su en concentrer la beauté simple et magique, poignante et foudroyante. Foudroyante comme la découverte  de ce plaisir immense et intense que connaissent les amoureux du cinéma lorsqu’ils voient un film pour la première fois, et découvrent son pouvoir d’une magie ineffable, omniprésente ici.

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    Malheureusement je n’ai pas été foudroyée par « La La Land ». Bien sûr, les hommages à l’âge d’or de la comédie musicale se multiplient. Sebastian tournoie admirablement autour d’un lampadaire, référence revendiquée à « Singing in the rain ». Et les deux amoureux s’envolent dans les airs comme dans « Moulin rouge ». Deux exemples parmi tant d’autres. Chazelle, au-delà de la comédie musicale, rend aussi hommage  à l’âge d’or hollywoodien tout entier notamment avec la scène de l’Observatoire Griffith, clin d’œil au chef-d’œuvre de Nicholas Ray, « La Fureur de vivre ». Et Mia cite « L’impossible Monsieur bébé », « Les Enchaînés », « Casablanca » sans parler de la réalisation qui rend elle aussi hommage au cinéma d’hier, fermeture à l’iris y comprise.

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    Si j’ai fait cette parenthèse, c’est en raison des nombreux points communs entre les deux films, deux films qui ont eu les honneurs des Oscars, et si le film de Michel Hazanavicius m’a transportée, emportée, enthousiasmée, même après de nombreux visionnages, celui de Damien Chazelle m’a souvent laissée au bord de l’autoroute…au point même (ce qui ne m’arrive quasiment jamais au cinéma) de parfois m’ennuyer. Paradoxalement, le film en noir et blanc de Michel Hazanavicius m’aura semblé plus étincelant que le film si coloré de Damien Chazelle. J’avais pourtant sacrément envie de les aimer ces deux rêveurs idéalistes, guidés par un amour et des aspirations intemporels.

    C'est la troisième fois que Ryan Gosling et Emma Stone sont partenaires de jeu au cinéma après « Crazy, Stupid, Love » et « Gangster Squad ». Ici, c’est Emma Stone qui crève littéralement l’écran comme c’était d’ailleurs déjà le cas dans les films de Woody Allen « Magic in the moonlight » et « L’homme irrationnel ». Ici, elle est remarquable, notamment dans les scènes de casting, lorsqu’elle est écoutée d’une oreille distraite alors que le « casteur » regarde un assistant lui faire des signes derrière la porte tandis que face caméra elle passe d’une émotion à l’autre, et montre toute l’étendue de son talent, indéniable. Une des très belles scènes du film, d’ailleurs. Ryan Gosling réalise lui aussi une performance impressionnante ayant appris tous les morceaux de piano du film.

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    Damien Chazelle montre et transmet une nouvelle fois sa fascination pour le jazz, mais aussi pour les artistes qui endurent souffrances et humiliations pour tenter de réaliser leurs rêves.   « Whiplash », le film précédent de Damien Chazelle, notamment couronné au Festival du Cinéma Américain de Deauville, est ainsi exemplaire dans sa précision et l’exigence à l’image de la musique qu’il exalte et sublime. Comme son personnage,  Andrew Nieman (à une lettre près Niemand, personne en Allemand) qui semble avoir une seule obsession, devenir quelqu’un par la musique. Assouvir sa soif de réussite tout comme le personnage interprété par J.K Simmons souhaite assouvir sa soif d’autorité. Une confrontation explosive entre deux desseins, deux ambitions irrépressibles, deux folies.   La réalisation s’empare du rythme fougueux, fiévreux, animal de la musique, grisante et grisée par la folie du rythme et de l’ambition, dévastatrice, et joue judicieusement et avec manichéisme sur les couleurs sombres, jusque dans les vêtements: Fletcher habillé en noir comme s’il s’agissait d’un costume de scène à l’exception du moment où il donne l’impression de se mettre à nu et de baisser la garde, Andrew habillé de blanc quand il incarne encore l’innocence puis de noir à son tour et omniprésence du rouge (du sang, de la viande, du tshirt d’un des « adversaires » d’Andrew) et des gros plans lorsque l’étau se resserre, lorsque le duel devient un combat impitoyable, suffocant. Le face à face final est un véritable combat de boxe (et filmé comme tel) où l’immoralité sortira gagnante : la dictature et l’autorité permettent à l’homme de se surpasser… La scène n’en est pas moins magnifiquement filmée  transcendée par le jeu enfiévré et exalté des deux combattants.

    Etrange critique me direz-vous que la mienne qui consiste à parler d’autres films pour donner mon opinion sur celui-ci. Peut-être, justement, parce que de là provient ma déception, après l’électrique et captivant « Whiplash » qui déjà évoquait -magnifiquement- les ambitions artistiques de ses personnages, et malgré tous les chefs-d’œuvre auxquels il se réfère ce « La La Land » ne m’a pas projetée dans les étoiles malgré la caméra virevoltante qui, constamment, cherche à nous étourdir et à nous embarquer dans sa chorégraphie.  

    Les personnages secondaires, comme le scénario, manquent à mes yeux de consistance pour être totalement convaincants. Sans doute me rétorquera-t-on que Mia et Sebastian sont tout l’un pour l’autre, et que le reste du monde n’existe pas pour eux et n’existe donc pas pour le spectateur. Si j’ai cru à l’amour de l’art de ces deux-là, je n’ai pas réussi à croire en leur histoire d’amour. Certes la sympathique mélodie  composée par Justin Hurwitz nous trotte dans la tête longtemps après la projection. Certes le travail sur le son est intéressant et les transitions sont habiles (comme ce bruit de klaxon qui succède à celui du four qui siffle à nous percer les tympans). Certes certaines scènes sont particulièrement réussies (la scène d’ouverture, les castings de Mia, les plans de Sebastian jouant dans un halo de lumière, ou encore cet échange de regards chargés de regrets et, peut-être, de possibles).

    Le film devient d’ailleurs intéressant vers la fin quand il évoque cette dichotomie entre les rêves et la réalité,  les idéaux et les concessions à son idéalisme que nécessite souvent la concrétisation de ses rêves (dont on réalise alors qu’ils n’étaient qu’illusion d’un bonheur dont la réalisation des rêves en question a nécessité l’abandon comme le montre la séquence - déjà vue ailleurs mais efficace- de ce qu’aurait été la vie si…).

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    Sans doute la nostalgie d’une époque insouciante, l’utopie de revivre une période révolue où les spectateurs allaient au cinéma pour voir des "vedettes" glamours interprétant des personnages sans aspérités (dont les noms sur l’affiche suffisaient à inciter les spectateurs à découvrir le film en salles), évoluant dans un monde enchanté et enchanteur à la Demy (sans les nuances de ses personnages, plus complexes), sans doute le besoin de légèreté (dans les deux sens du terme), sans doute la rencontre entre une époque troublée, sombre, cynique, et un mélo coloré, léger, lumineux expliquent-ils le succès retentissant de ce film aussi bien en salles qu’aux Golden Globes et dans ses nominations aux Oscars. Comme un feu d'artifice qui nous éblouirait et, un temps, occulterait la réalité. Je n’ai pas succombé au charme, pourtant certain, de "La la land", peut-être  parce que, à la joie feinte et illusoire, je préfère la mélancolie (qui y  affleure un peu tard), mais ce n’est pas une raison suffisante pour vous dissuader de le découvrir...

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  • César 2018 : nominations et avis sur les films en lice

     

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    Ce soir aura lieu la 43ème cérémonie des César qui, comme l'an passé, se déroulera dans le cadre de la salle Pleyel. Comme chaque année, elle sera retransmise sur Canal +, à partir de 21H. La cérémonie sera présentée par Manu Payet. Elle sera dédiée à Jeanne Moreau (qui figure sur l'affiche de cette édition).  Un César d'honneur sera remis à Penelope Cruz. Vanessa Paradis présidera la cérémonie. Il semblerait donc que l'Académie ait devancé les éventuelles critiques (on se souvient de la polémique avec Roman Polanski nommé comme président l'an dernier avant le retrait de ce dernier) avec ce programme très féminin et avec le communiqué de presse de cette semaine qui annonçait que "L'Académie des César accompagne la Fondation des Femmes dans son opération "Ruban blanc" à l'occasion de la 43ème cérémonie des César." L'Académie s'associe ainsi à cette initiative en proposant aux 1700 invités de la cérémonie de porter un ruban blanc, symbole de la lutte contre les violences faites aux femmes."

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    Là aussi, face aux éternelles polémiques, cette fois sur le manque de représentativité des comédies, cette année a été créé un César du public, qui devrait revenir à Dany Boon pour Raid dingue.

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    Arrivent en tête des nominations 120 battements par minute et Au revoir là-haut avec 13 nominations devant Le sens de la fête qui totalise 10 nominations. Viennent ensuite Barbara (8 nominations), Petit paysan ( 8 nominations), Grave (6 nominations), Le Redoutable (5 nominations)...

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    Le film qui avait bouleversé les festivaliers du 70ème Festival de Cannes, qui avait obtenu le Grand prix du jury présidé par Almodovar et qui a raflé presque tous les prix lors de la dernière cérémonie des Lumières (mon compte rendu de cette cérémonie des prix Lumières de la presse est à lire ici), 120 battements par minute, connaîtra-t-il ce soir le même succès auprès des votants de l'Académie des César ? Difficile en tout cas de rester insensible devant ce très grand film qui donne furieusement envie d'étreindre le moment présent.  Un film jalonné de moments de grâce et d’images fortes qui nous laissent une trace indélébile. Lorsque la Seine devient rouge. Lorsque Sean évoque le ciel et la vie, plus prégnante avec la maladie, et que Paris défile, insolemment belle et mélancolique, derrière la vitre, irradiée de soleil. Un film qui rend magnifiquement hommage à ces combattants, à leur ténacité notamment lorsque, finalement, le désir de vie l’emporte, avec ces battements musicaux et cardiaques, qui s’enlacent et se confondent dans un tourbillon sonore et de lumières stroboscopiques, qui exaltent la force de l’instant, et nous accompagnent bien après le générique de film.  Il est également difficilement imaginable que la réalisation de ce film puisse ne pas être récompensée : effrénée, nerveuse,  d’une énergie folle, elle ne nous laisse pas le temps de respirer. Avec sa musique exaltant la vie. Ses images fortes aussi comme ces corps allongés sur le sol de Paris symbolisant les défunts, des corps que la caméra surplombe, tourbillonnant autour comme si elle filmait un ballet funèbre.

     

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    Si l'histoire et l'interprétation de Au-revoir là-haut sont bouleversantes, j'ai été moins sensible à sa réalisation, très démonstrative. La poésie de Barbara (qui avait obtenu d'ailleurs un prix "de la poésie du cinéma" à Cannes célébrant cette poésie) pourrait lui permettre également de figurer au palmarès, peut-être Jeanne Balibar se verra-t-elle ainsi couronnée du César de la meilleure actrice car, du dédale inénarrable qu'est le film de Mathieu Amalric, on ressort avec le souvenir d’une voix, celle de Barbara/Balibar, envoûtante, et d’une femme, de femmes, fantaisistes, captivantes et fuyantes. Et d’une actrice impressionnante.

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    Les votants pourraient néanmoins aussi créer la surprise en couronnant une comédie comme Le sens de la fête même si ce terme de comédie mérite d'être nuancé pour un film qui l'est justement plus que cela, nuancé, et qui traite d'ailleurs avec beaucoup de sensibilité de la solitude des personnages qui y évoluent et dans lequel l'humour est avant tout "le masque du désespoir."

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    C'est d'ailleurs la comédie qui est à la fête cette année entre le prix du public initié cette année, et les nominations du Brio ou du Redoutable.

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    Côté actrices s'affronteront 7 actrices exceptionnelles toutes remarquables dans leurs rôles respectifs. Il me serait bien difficile de choisir entre ces beaux rôles de femmes. Il faut dire ainsi que Karin Viard excelle dans son rôle riche et complexe dans Jalouse dans lequel elle réussit l'exploit d'être agaçante et attendrissante. La dextérité avec laquelle elle passe d'un registre à un autre (parfois dans une même réplique) est fascinante notamment quand la jalousie presque attendrissante devient dangereuse. Il en faut du talent pour incarner un personnage qui dit à sa meilleure amie "Tu peux pas comprendre toi tout va bien, en plus ta fille elle est moche" sans nous être tout à fait antipathique. Ce film est à la frontière des genres,  entre comédie et drame et  lorgne même du côté du thriller, une comédie noire en somme. Un oxymore à l'image de son personnage principal d'une touchante cruauté. Mais, à vrai dire, toutes les autres m'ont émue, surprise, et parfois même bouleversée dans leurs rôles respectifs. Elles sont indissociables de la réussite des films pour lesquels elles sont nommées. Emmanuelle Devos mériterait aussi d'être récompensée pour son très beau rôle dans le film de Tonie Marshall. Charlotte Gainsbourg et Juliette Binoche continuent à me surprendre de rôles en rôles... Bref, un César collectif serait parfait ! Au passage incompréhensible est l'absence de nomination de Pierre Niney pour La promesse de l'aube.

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    Côté acteurs, le choix sera tout aussi cornélien. J'aimerais beaucoup que soit couronné Swann Arlaud que j'avais découvert dans un court-métrage au Festival de Cabourg il y a des années, un film dans lequel son talent crevait littéralement l'écran. Il porte Petit paysan sur ses épaules et son interprétation y est pour beaucoup dans l'empathie que nous avons pour ce beau personnage. C'est sans doute le nom le moins connu des sept en lice. Et là aussi tous les autres sont remarquables dans leurs rôles respectifs mais ce serait une juste récompense et mise en lumière pour cet acteu trop longtemps resté dans l'ombre des premiers rôles qu'il mérite lui-même d'endosser.

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    Pour la meilleure actrice dans un second rôle, en mère totalement immature et débridée, démunie aussi face au mal qui ronge sa fille, Laure Calamy est remarquable dans Ava. Adèle Haenel mériterait aussi d'être récompensée, imposant sa colère avec force dans 120 battements par minute.

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    Pour le meilleur espoir féminin, j'ai manqué deux des cinq films en lice, mais il est vrai en tout cas que Eye Haidara a une puissance comique rare dans Le sens de la fête et que Camélia Jordana dans Le Brio  met toute son énergie dans ce rôle de composition dans lequel elle se glisse à merveille. Face à elle, Daniel Auteuil est une fois de plus remarquable dans ce rôle de misanthrope solitaire et malheureux qui retrouve au contact de sa jeune élève le goût de sourire et des autres. Une radiographie de notre société aux mondes parfois cloisonnés dont la rencontre improbable et les joutes jouissives permettent l'éclosion de l'émotion et du plaisir du spectateur, nous faisant occulter certaines facilités et ellipses scénaristiques.

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    Le César du meilleur espoir masculin pourrait difficilement échapper à Nahuel Perez Biscayart impressionnant de justesse, de combattivité, d'intensité, rendant son personnage furieusement vivant dans 120 battements par minute. Il le mérite d'autant plus qu'il est tout aussi bouleversant dans Au revoir là-haut...même derrière un masque !

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    Pour le meilleur premier film, la réalisation de Nicolas Bedos avait beaucoup séduit public et critiques et pourrait l'emporter une nouvelle fois ce soir même si Petit paysan, à la frontière des genres, témoigne d'un véritable univers et d'une singularité dans sa réalisation.

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    Pour le meilleur documentaire, il y a de fortes chances que le documentaire d'Agnès Varda et JR, Visages villages, soit à nouveau couronné. Que de poésie en effet dans ce film, révélateur de la profondeur, la noblesse, la beauté et la vérité des êtres ! Présenté hors-compétition du dernier Festival de Cannes, il y avait reçu le prix L’œil d’or du meilleur documentaire.  Ce récit plein de vie et fantaisie est aussi jalonné par l’évocation tout en pudeur de ceux qui ne sont plus, du temps qui efface tout (parce que photographier les visages c’est faire en sorte qu’ils « ne tombent pas dans les trous de la mémoire ») comme la mer qui engloutit ce portrait de cet ami d’Agnès Varda qui avait pourtant été soigneusement choisi pour être collé sur un bunker en bord de mer. Et la nostalgie et la mélancolie gagnent peu à peu du terrain jusqu’à la fin. Jusqu’à cette « rencontre » avec le « redoutable » Jean-Luc Godard qui donne lieu à un grand moment de cinéma poignant et terriblement cruel. Jusqu’au lac où la vérité et le regard sont, enfin, à nu. Et le nôtre embué de larmes. Ajoutez à cela la musique de M. Et vous obtiendrez une ode au « pouvoir de l’imagination », un petit bijou de délicatesse et de bienveillance. Un pied de nez au cynisme. Passionnant. Poétique. Surprenant. Ensorcelant. Emouvant. Rare. A voir absolument. Alors, un César avant un Oscar ?

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    Pour le meilleur film étranger, là aussi le choix sera certainement cornélien pour les votants. Difficile de trancher tant les films sont différents. Il y a notamment la palme d'or du dernier Festival de Cannes The Square mais aussi Faute d'amour de Zviaguintsev, mon coup de cœur de 2017 et le prix du jury à Cannes. Le film est éprouvant, par moment étouffant, suffocant même. Il décrit des êtres et un univers âpres, abîmés,  cela ne le rend pas moins passionnant comme un éclairage implacable sur une société déshumanisée, pétrie de contradictions. Ainsi, le père travaille dans une société avec un patron intégriste qui ne supporte pas que ses employés divorcent tandis que la mère travaille dans un institut de beauté et passe son temps à s’occuper de son corps. Des décors de l’appartement, d’une froideur clinique, à ces arbres squelettiques, à l’entreprise du père avec ses règles et espaces rigides, en passant par les extérieurs que la neige et l’obscurité envahissent de plus en plus au fil du film, tout semble sans âme et faire résonner ces pleurs déchirantes d’un enfant en mal d’amour (auxquelles d’ailleurs feront écho d’autres pleurs et d’autres cris lors de séquences ultérieures  également mémorables et glaçantes). Des plans qui nous hanteront bien après le film.  Un très grand film qui m’a rappelée une palme d’or qui nous interrogeait sur les petitesses en sommeil recouvertes par l’immaculée blancheur de l’hiver, un film rude et rigoureux, Winter sleep  de Nuri Bilge Ceylan. Une palme d’or que Zvyagintsev   aurait indéniablement méritée pour ce film parfait de l’interprétation au scénario en passant par la mise en scène et même la musique, funèbre et lyrique, qui renforce encore le sentiment de désolation et de tristesse infinie qui émane de ces personnages que la richesse du scénario nous conduit finalement à plaindre plus qu’à blâmer. Du grand art. Cliquez ici pour lire ma critique complète.

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    Difficile de comparer ce film à Lalaland dont le succès provient avant tout de la nostalgie d’une époque insouciante, de l’utopie de revivre une période révolue où les spectateurs allaient au cinéma pour voir des "vedettes" glamours interprétant des personnages sans aspérités (dont les noms sur l’affiche suffisaient à inciter les spectateurs à découvrir le film en salles), évoluant dans un monde enchanté et enchanteur à la Demy (sans les nuances de ses personnages, plus complexes), sans doute le besoin de légèreté (dans les deux sens du terme), sans doute la rencontre entre une époque troublée, sombre, cynique, et un mélo coloré, léger, lumineux expliquent-ils le succès retentissant de ce film aussi bien en salles qu’aux Golden Globes et dans ses nominations aux Oscars. Comme un feu d'artifice qui nous éblouirait et, un temps, occulterait la réalité.  Le film devient d’ailleurs intéressant vers la fin quand il évoque cette dichotomie entre les rêves et la réalité,  les idéaux et les concessions à son idéalisme que nécessite souvent la concrétisation de ses rêves (dont on réalise alors qu’ils n’étaient qu’illusion d’un bonheur dont la réalisation des rêves en question a nécessité l’abandon comme le montre la séquence - déjà vue ailleurs mais efficace- de ce qu’aurait été la vie si…). Ma critique complète est à lire ici.

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    Pour le meilleur scénario, Campillo démontre ici une nouvelle fois son talent de scénariste dans 120 battements par minute (il fut notamment celui d’ Entre les murs, palme d’or 2008 mais aussi  notamment des autres films de Laurent Cantet), dosant brillamment l’intime et le collectif, l’histoire d’amour et le combat politique et parvenant à faire de chacun des débats, parfois virulents,  des moments passionnants, témoignant toujours de ce sentiment d’urgence.  Certains ont reproché au film d’être trop long ou bavard mais aucun de ces échanges n’est vain ou gratuit. Ils sont toujours vifs et incisifs, enragés de l’urgence dictée par la maladie et la mort qui rôde. Ne pas s’arrêter, ne pas se taire pour ne pas mourir. La dernière partie du film, poignante, ne tombe pourtant jamais dans le pathos ni dans la facilité. Campillo raconte avec minutie et pudeur les derniers sursauts de vie, puis la mort et le deuil, leur triviale absurdité. « Mince » réagit une mère à la mort  de son enfant. Et c’est plus bouleversant que si elle s’était écroulée, éplorée.

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    Pour la musique, le suspense reste entier puisqu'elle est un élément essentiel des cinq films nommés. De même pour la photographie et le montage même si ce dernier César pourrait revenir à Barbara tant ce film singulier ne cherche pas forcément à séduire et encore moins à nous prendre par la main avec des facilités scénaristiques. Il se mérite, se dérobe et se cherche. Et capture pourtant notre attention et notre émotion comme le ferait une chanson de Barbara, avec intensité. Celle que met l’étonnante Jeanne Balibar pour l’incarner au point de se confondre avec celle dont elle joue le rôle comme son personnage se confond avec la chanteuse qu’elle interprète. Un film, notamment grâce à son montage, qui nous laisse avec le sentiment d’une œuvre poétique, abrupte, confuse, audacieuse, inclassable. Tour à tour agaçante et séduisante. Quatre femmes en une. Balibar la femme que la caméra caresse. Balibar l’actrice. L’actrice qu’elle incarne dans le film, Brigitte. Barbara qu’incarne l’actrice qu’elle incarne dans le film réalisé par le réalisateur Amalric,…lui-même réalisateur dans son film.

     A voir en complément : le documentaire de Patrick Fabre Un César nommé espoir disponible en replay sur MyCanal. Je vous en parle ici.

    Je vous emmène aussi aux César dans mon recueil de nouvelles Les illusions parallèles (Editions du 38).

    Demain, retrouver ici le palmarès des César 2018 commentés. Et suivez mes commentaires de la cérémonie sur twitter (@Sandra_Meziere).

    Meilleur film

    • 120 Battements par minute de Robin Campillo
    • Au revoir là-haut d'Albert Dupontel
    • Barbara de Mathieu Amalric
    • Le Brio de Yvan Attal
    • Patients de Grand Corps Malade et Mehdi Idir
    • Petit Paysan de Hubert Charuel
    • Le Sens de la fête d'Eric Toledano et Olivier Nakache

    Meilleur réalisateur

    • Robin Campillo pour 120 Battements par minute
    • Albert Dupontel pour Au revoir là-haut
    • Mathieu Amalric pour Barbara
    • Julia Ducournau pour Grave
    • Hubert Charuel pour Petit Paysan
    • Michel Hazanavicius pour Le Redoutable
    • Eric Toledano et Olivier Nakache pour Le Sens de la fête

    Meilleure actrice

    • Jeanne Balibar pour Barbara
    • Juliette Binoche pour Un beau soleil intérieur
    • Emmanuelle Devos pour Numéro Une
    • Marina Foïs pour L'Atelier 
    • Charlotte Gainsbourg pour La Promesse de l'aube
    • Doria Tillier pour Mr et Mme Adelman
    • Karin Viard pour Jalouse

    Meilleur acteur

    • Swann Arlaud pour Petit Paysan
    • Albert Dupontel pour Au revoir là-haut
    • Daniel Auteuil pour Le Brio
    • Guillaume Canet pour Rock n' Roll
    • Jean-Pierre Bacri pour Le Sens de la fête
    • Louis Garrel pour Le Redoutable
    • Reda Kateb pour Django

    Meilleure actrice dans un second rôle

    • Laure Calamy pour Ava
    • Anaïs Demoustier pour La Villa
    • Sara Giraudeau pour Petit Paysan
    • Adèle Haenel pour 120 Battements par minute
    • Mélanie Thierry pour Au revoir là-haut

    Meilleur acteur dans un second rôle

    • Niels Arestrup pour Au revoir là-haut 
    • Laurent Lafitte pour Au revoir là-haut 
    • Gilles Lellouche pour Le Sens de la fête
    • Vincent Macaigne pour Le Sens de la fête
    • Antoine Reinartz dans 120 Battements par minute

    Meilleur espoir féminin

    • Iris Bry pour Les Gardiennes
    • Laetitia Dosch pour Jeune femme
    • Eye Haidara pour Le Sens de la fête
    • Camelia Jordana pour Le Brio
    • Garance Marillier pour Grave

    Meilleur espoir masculin

    • Benjamin Lavernhe pour Le Sens de la fête
    • Finnegan Oldfield pour Marvin
    • Pablo Pauly pour Patients
    • Nahuel Perez Biscayart pour 120 Battements par minute
    • Arnaud Valois pour 120 Battements par minute 
    Meilleur premier film
    • Grave de Julia Ducournau
    • Jeune femme de Léonor Serraille
    • Mr et Mme Adelman de Nicolas Bedos
    • Patients de Grand Corps Malade et Mehdi Idir
    • Petit Paysan de Hubert Charuel

    Meilleur documentaire

    • 12 jours de Raympnd Depardon
    • A voix haute de Stéphane de Freitas et Ladj Ly
    • Carré 35 d'Eric Caravaca
    • I'm not your negro de Raoul Peck 
    • Visages Villages d'Agnès Varda et JR

    Meilleur film étranger

    • Le Caire Confidentiel de Tarik Saleh
    • Dunkerque de Christopher Nolan 
    • L'Echange des princesses de Marc Dugain
    • Faute d'amour d'Andreï Zviaguintsev 
    • La La Land de Damien Chazelle
    • Noces de Stephan Streker 
    • The Square de Ruben Ostlund

    Meilleur scénario original

    • Robin Campillo pour 120 Battements par minute
    • Mathieu Amalric et Philippe Di Folco pour Barbara
    • Julia Ducornau pour Grave
    • Claude Le Pape et Hubert Charuel pour Petit paysan
    • Eric Toledano et Olivier Nakache pour Le Sens de la fête

    Meilleure adaptation

    • Albert Dupontel, Pierre Lemaitre pour Au revoir là-haut
    • Xavier Beauvois, Frédérique Moreau, Marie-Julie Maille pour Les Gardiennes
    • Grand Corps Malade et Fadette Drouard pour Patients
    • Eric Barbier et Marie Eynard pour La Promesse de l’aube
    • Michel Hazanavicius pour Le Redoutable 

    Meilleurs costumes

    • Isabelle Pannetier pour 120 Battements par minute
    • Mimi Lempicka pour Au-revoir là-haut
    • Pascaline Chavanne pour Barbara
    • Anaïs Romand pour Les Gardiennes
    • Catherine Bouchard pour La Promesse de l’Aube 

    Meilleurs décors

    • Emmanuelle Duplay pour 120 Battements par minute
    • Pierre Quefféléan pour Au revoir là-haut
    • Laurent Baude pour Barbara
    • Pierre Renson pour La Promesse de l’aube
    • Christian Marti pour Le Redoutable 

    Meilleur film d'animation 

    • Le Grand méchant Renard et autres contes de Benjamin Renner et Patrick Imbert
    • Sahara de Pierre Coré
    • Zombillénium d'Arthur de Pins et Alexis Ducord 

    Meilleur court métrage d'animation

    • Le Jardin de minuit de Benoît Chieux
    • Pépé le Morse de Lucrèce Andreae
    • Le Futur sera chauve de Paul Cabon
    • I Want Pluto To Be A Planet Again de Marie Amachoukeli, Vladimir Mavounia-Kouka 

    Meilleure musique originale 

    • Arnaud Rebotini pour 120 battements par minute
    • Christophe Julien pour Au revoir là-haut 
    • Jim Williams pour Grave
    • Myd pour Petit Paysan
    • Mathieu Chedid pour Visages Villages

    Meilleur court métrage

    • Les Bigorneaux d'Alice Vial
    • Le Bleu blanc rouge de mes cheveux de Josza Anjembe
    • Debout Kinshasa ! de Sébastien Maitre
    • Marlon de Jessica Palud
    • Les Misérables de Ladj Ly

    Meilleure photographie

    • Jeanne Lapoirie pour 120 battements par minute
    • Vincent Mathias pour Au revoir là-haut
    • Christophe Beaucarne pour Barabara
    • Caroline Champetier pour Les Gardiennes
    • Guillaume Schiffman pour Le Redoutable 

    Meilleur montage

    • Robin Campillo pour 120 Battements par minute
    • Christophe Pinel pour Au revoir là haut
    • François Gedigier pour Barbara
    • Julie Lena, Lilian Corbeille et Grégoire Pontecaille pour Petit paysan
    • Dorian Rigal Ansous pour Le Sens de la fête 

    Meilleur son

    • Julien Sicart, Valérie de Loof, Jean-Pierre Laforce pour 120 Battements par minute
    • Jean Minondo, Gurwal Coïc-Gallas, Cyril Holtz, Damien Lazzerini pour Au revoir là-haut
    • Olivier Mauvezin, Nicolas Moreau, Stéphane Thiébault pour Barbara
    • Mathieu Descamps, Séverin Favriau, Stéphane Thiébaut pour Grave
    • Pascal Armant, Sélim Azzazi, Jean-Paul Hurier pour Le Sens de la fête
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  • Critique de WONDER WHEEL de Woody Allen

    Wonder Wheel de Woody Allen critique.jpg

    C’est plus de trois semaines après l’avoir découvert en salles que je trouve enfin le temps de vous parler du dernier film de Woody Allen. Cette critique sera donc peut-être moins précise que ce qu’elle aurait dû être. Je tenais néanmoins à y consacrer quelques lignes tant il m’a fait forte impression, tant je suis loin de le considérer comme un « petit » Woody Allen comme je l’ai lu ici et là. Ce que certains qualifient de « petit Woody Allen » reste pour moi un film bien au-dessus de la mêlée des sorties cinématographiques et un film qui est, du premier au dernier plan, de la première à la dernière phrase, une véritable leçon de scénario.

    Avec son précédent film, Café Society, Woody Allen nous avait emmenés dans les années 30,  et il nous avait laissés à la joie factice du réveillon dans ce fameux café. Le film éponyme, empreint d’une féroce nostalgie, était ainsi une chronique acide sur Hollywood, son vain orgueil et sa superficialité, et  un nouvel hommage à la beauté incendiaire de New York mais c’était aussi  un hymne aux amours impossibles qui auréolent l’existence d’une lumineuse mélancolie.

    Avec ce nouveau long-métrage, Woody Allen nous embarque cette fois deux décennies plus tard dans un lieu d’évasion qui s’apparente aussi à une prison, Coney Island, parc d’attraction, péninsule située à l'extrême sud de Brooklyn au centre de laquelle trône une grande roue qui tourne irrémédiablement sur elle-même, métaphore des destinées des personnages de Wonder Wheel et surtout de celle de Ginny (Kate Winslet).

    Wonder Wheel croise ainsi les trajectoires de quatre personnages, dans l'effervescence du parc d’attraction de Coney Island, dans les années 50 : Ginny, ex-actrice lunatique reconvertie serveuse ; Humpty (James Belushi), opérateur de manège marié à Ginny (Kate Winslet) ; Mickey (Justin Timberlake), séduisant maître-nageur aspirant à devenir dramaturge ; et Carolina (Juno Temple), fille de Humpty longtemps disparue de la circulation qui se réfugie chez son père pour fuir les gangsters à ses trousses.

    Je pourrais (presque) reprendre les mêmes mots que ceux employés pour commencer ma critique de Café Society : «  Un film de Woody Allen comporte des incontournables, ce qui rend ses films singuliers et jubilatoires. La virtuosité de ses scènes d’ouverture qui vous embarquent en quelques mots, notes et images, vous immergent d’emblée dans un univers et brossent des personnages avec une habileté époustouflante.  Des dialogues cinglants et réjouissants qui suscitent un rire teinté de désenchantement : il excelle ici à nouveau dans l’exercice.  Des personnages brillamment dessinés : quelle belle galerie de portraits à nouveau avec parfois des personnages caractérisés d’une réplique. La musique dont la tristesse sous-jacente à ses notes joyeuses fait écho à la joie trompeuse des personnages. Des pensées sur la vie, l’amour, la mort. Une mise en scène élégante sublimée ici par la photographie du chef opérateur triplement oscarisé Vittorio Storaro (pour Apocalypse now, Reds, Le dernier empereur). La caméra virtuose de Woody Allen tournoie à l’image de cette société virevoltante dont les excès et les lumières étourdissent et masquent la vérité et les désillusions. »

    En effet, une fois de plus, dès les premiers plans, Woody Allen sait capter et captiver notre attention, en plantant le décor, en caractérisant ses personnages. C’est brillant et fascinant. La voix off, celle de Mickey, le maître-nageur aspirant dramaturge qui se dit « friand de mélodrames et truculents protagonistes », corroborant ce que nous dit déjà la grande roue avec son irrémédiable mouvement, aussi irrémédiable que la répétition tragique du destin de ceux qui évoluent dans son sillage. « Comme dans une tragédie grecque, la fatalité régit notre vie » dira ainsi plus tard Mickey.  Le film est ainsi en effet très inspiré de la tragédie grecque avec aussi une  théâtralité assumée (même si ce film est tout sauf du théâtre filmé).

    Ce qui est fascinant dans ce nouveau film de Woody Allen, outre cette manière de nous plonger dans l’intrigue et de nous faire appréhender ses personnages en quelques secondes, c’est cette lumière éblouissante, d’une beauté vertigineuse, qui contraste avec le désenchantement des destins qu’elle éclaire et qui alors en devient presque inquiétante. Chaque plan est d’une beauté à couper le souffle. Rarement la photographie d'un film m'aura éblouie à ce point, une photographie qui fait sens. Souvent, ainsi, une partie des visages des personnages est dans la lumière tandis que l’autre est plongée dans l’ombre pour bien nous signifier de ne pas être dupe de cette luminosité éclatante, que la noirceur guette, là, tout près, que tout cela est terni par l’ombre des regrets et, ainsi, cette lumière chaleureuse, véritable tableau de Vittorio Storaro, au lieu d’atténuer ces regrets,  les exacerbe encore par contraste. Il faudrait encore évoquer intelligence des décors, de cet appartement depuis lequel là aussi la grande roue est omniprésente, comme une menace qui, constamment, plane.

    Que dire de Kate Winslet tant son interprétation est remarquable, tant son personnage est un magnifique portrait de femme  qui survit à côté d’un mari qui ne la voit pas, une femme brisée par la roue du destin ? Peut-être serait-elle ici une lointaine cousine de son personnage de Noces rebelles (son meilleur rôle jusqu’ici), un film dans lequel, par son jeu trouble et troublant, elle n’avait ainsi pas son pareil pour faire passer la complexité et la douleur de ses tourments, l’ambivalence de cette femme que le conformisme étouffait progressivement et dont chacune de ses expressions contenait une infinitude de possibles, contribuant à ce suspense et cette sensation de suffocation intolérable.  On étouffait, subissait, souffrait déjà avec elle qui, déjà, interprétait le rôle d’une actrice à la carrière avortée. On étouffe et on souffre aussi ici avec Ginny, sorte de mélange entre Blanche Dubois et Mme Bovary,  condamnée dans cette prison de divertissement (qu’elle qualifie elle-même de « pays des merveilles miteux ») qui la mènera jusqu’aux portes de la folie. Le dénouement est ainsi d’une lucidité magistrale sur l’ironique cruauté de l’existence. Ici il n’est plus « minuit à Paris » et il n’est plus permis de rêver. Ici la nostalgie n’est plus joyeuse comme dans le film précité. Une issue d'une implacable et sinistre logique comme l’était celle de son chef-d’œuvre Match point, une autre variation sur la roue du destin.

     Comme avec, Cate Banchett dans Blue Jasmine, la réussite de ce film doit beaucoup à l’écriture de ce personnage féminin et à sa remarquable interprétation. Cate Blanchett était parvenue à nous faire aimer son personnage horripilant, snob, condescendant, inquiétant même parfois mais surtout très seul, perdu, et finalement touchant, comme l’est Ginny. Jasmine maquillait ses failles derrière un culte de l’apparence, Ginny par un culte du passé.

    Il y aurait tant à dire encore sur ce film que j’ai déjà envie de revoir… Cette tragédie lumineuse est absolument passionnante du premier au dernier plan. Elle m'a laissée KO comme hypnotisée par cette grande roue qui tourne irrémédiablement emportant tous les espoirs sur son passage. « Dreams are dreams » entendait-on dans Café Society comme une rengaine aux accents de regret. Cela pourrait aussi être la devise de Ginny. Une Rose pourpre du Caire dans laquelle rêve et réalité seraient condamnés à rester à leur place. Brillant vous dis-je ! Brillamment sombre et cruel.