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  • Critique de "Public Enemies" de Michael Mann, ce soir, sur cinécinéma Premier, à 20H40

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    Sorti en 2009, "Public Enemies" était un film attendu : pour son sujet,  l’utilisation de la caméra numérique HD, mais évidemment surtout pour ses acteurs principaux (Johnny Depp et Marion Cotillard dans son premier grand rôle américain, auréolée de son Oscar de la meilleure actrice pour « La Môme ») et pour son réalisateur, Michael Mann, qui a multiplié les nominations aux Oscars ces dernières années (notamment celles du meilleur film, meilleur réalisateur et meilleur scénario pour « Révélations »).

     

    « Public Enemies » est le onzième long-métrage de Michael Mann et  l’adaptation du roman éponyme de Bryan Burrough inspiré de l’histoire de John Dillinger (Johnny Depp), un braqueur de banques qui a réellement existé et qui a déjà inspiré de nombreux cinéastes (Johnny Depp est ainsi le dixième acteur à l’incarner) et a fortiori l’époque dans laquelle il évolua, celle de la Grande Dépression. Considéré comme « l’ennemi public n°1 » par le patron du FBI, John Edgar Hoover (Billy Crudup), il sera traqué inlassablement par l’agent fédéral Melvin Purvis (Christian Bale).

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    Ce qui marque d’abord c’est le dépouillement, l’élégance et la noirceur : de la mise en scène, du personnage principal, de l’atmosphère.  En résulte une sensation immédiate d’immersion, de réalisme et d’intemporalité, cette dernière étant renforcée par le sujet terriblement actuel : des citoyens dépouillés par les banques, victimes de la Grande Dépression. Un braqueur va, en dévalisant ces banques, d’une certaine manière, les venger.  Ce braqueur c’est donc John Dillinger, mélange de dureté et d’audace,  d’élégance et d’insolence, incarné par Johnny Depp dont cela va devenir un pléonasme de dire qu’il est parfait dans un rôle, mais il l’est ,encore, dans celui de  ce charismatique personnage.

     

    Ce dépouillement et ce réalisme (essentiellement lié à l’utilisation de la caméra numérique HD, et du recours aux longues focales) s’ils décontenancent d’abord contribuent à l’originalité de ce nouveau long-métrage de Michael Mann, à impliquer le spectateur et à accroître son empathie pour John Dillinger que le film s’attache essentiellement à suivre, délaissant un peu les personnages secondaires (mais les esquissant suffisamment pour que l’intrigue soit limpide). Se crée alors une sorte de miroir entre l’acteur, mythe cinématographique, et celui qu’il incarne, devenu un héros  pour une population en quête de vengeance et de repères.

     

    John Dillinger s’érige et est érigé en héros, et nargue les autorités avec une audace jouissive pour le spectateur, un aspect jubilatoire renforcé par une musique trépidante et réjouissante (signée Elliot Goldenthal) et des scènes lyriques filmées avec emphase et virtuosité et comme celles d’un western.

     

     Dans une société, la nôtre, avide de modèles et de renommée, à tout prix, un tel héros pourrait évidemment émerger, et la sensation d’intemporalité, de réalisme que crée la mise en scène est encore renforcée par cette idée finalement très contemporaine.  En 13 mois, le vrai John Dillinger parvint à fasciner les Américains, à tel point qu’il se montrait sans crainte en public.

     

    L’ambitieuse Billie Frechette (Marion Cotillard), Indienne d’origine française, elle aussi, est fascinée, par cet homme qui veut tout, tout de suite, par ce personnage d’une troublante et séduisante insolence, épris de liberté, de célébrité. Elle aussi a une revanche à prendre. Du couple qu’elle forme avec John Dillinger émane un romantisme fatal et ténébreux qui renforce la mélancolie, mais aussi la force et la beauté sombre de l’ensemble.  Là encore, elle n’est  pas filmée comme une femme fatale et lointaine comme c’est souvent le cas dans les films noirs qui relatent cette période, mais avec réalisme, renforçant la sensation de contemporanéité.

     

    Et puis comme dans tout western il faut un duel, une confrontation obstinée,  ici c’est celle qui oppose Dillinger à Purvis (et à travers ce dernier à Hoover). C’est d’ailleurs pour vaincre des gangsters tels que Dillinger que sera créée la première police fédérale aux Etats-Unis : un certain… FBI. C’est un duel impitoyable qui, évidemment, ne peut que se terminer dans la tragédie, je vous laisse découvrir pour qui.

     

    Et pour ceux qui, comme moi, trouveraient que la fin est exagérée en coïncidences troublantes, sachez que l’anecdote du film « Ennemi public n°1 »  ( « Manhattan Melodrama ») que va voir Dillinger est réelle. C’est aussi l’occasion d’un nouveau duel, entre l’image qui figure sur l’écran (de Clark Gable) et celle de Dillinger qui la regarde avec fierté, voyant en ce dernier son propre reflet, son incarnation mythique.

     

    Je vous laisse juge de la fin, peut-être un peu expéditive (à l’image de la psychologie des personnages) au regard de ce film qui nous tient en haleine et crée une tension sans cesse croissante et nous laissait espérer un final paroxystique mais après tout c’est aussi à l’image de ce personnage pour qui tout devait aller vite, et donc finir vite.

     

    Un divertissement de haute qualité dans lequel la singularité de la forme enrichit le fond, contribuant au plaisir et à l’immersion du spectateur :  vous auriez donc tort de vous priver de ces « Public Enemies »  à la rencontre explosive desquels Inthemoodforcinema.com vous recommande vivement d’aller… 

     
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  • Critique de « Drive » de Nicolas Winding Refn avec Ryan Gosling, Carey Mulligan… - Prix de la mise en scène du Festival de Cannes 2011

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    « Drive » de Nicolas Winding Refn avait créé l’évènement lors du dernier Festival de Cannes duquel il était d’ailleurs reparti avec un prix de la mise en scène. L’ayant alors manqué, je l’a finalement vu à Deauville où il était présenté en avant-première après la remise des trophées du Nouvel Hollywood (nouveauté de ce festival 2011) à Jessica Chastain et Ryan Gosling… en leur absence (mais ne manquez pas le discours de ce dernier lu par Nicolas Winding Refn, petit bijou de lucidité et d’humour).

    Drive est l'adaptation du livre éponyme écrit par James Sallis ; c’est  le scénariste Hossein Amini qui a  transformé le roman en scénario.

     C’est l’histoire d’un jeune homme solitaire, "The Driver" (Ryan Gosling),  qui conduit le jour à Hollywood pour le cinéma en tant que cascadeur et la nuit pour des truands. Il a pour « principe » de ne participer aux crimes de ses employeurs qu’en conduisant et de n’être jamais armé. Sa  route croise celle d’Irene (Carey Mulligan) et de son jeune fils, ses voisins, et il succombe rapidement au charme de l’un et l’autre, et réciproquement. Lorsque le mari d’Irene sort de prison et se retrouve enrôlé de force dans un braquage pour s’acquitter d’une dette, il décide pourtant de lui venir en aide. L’expédition tourne mal… Doublé par ses commanditaires, et obsédé par les risques qui pèsent sur Irene, il n’a dès lors pas d’autre alternative que de les traquer un à un…

    Cela commence sur les chapeaux de roue : une mise en scène époustouflante, flamboyante et crépusculaire, qui nous fait ressentir les sensations trépidantes, périlleuses et vertigineuses de ce chauffeur hors pair et  mutique, au sourire retenu, dans une ville de Los Angeles tentaculaire, éblouissante et menaçante. Mais « The Driver » porte un masque, au propre comme au figuré (symbolisme un peu simpliste pour nous dire de nous méfier des apparences qui ne reflètent pas la réalité et pour symboliser la fragile frontière entre cinéma et réalité) et derrière ce chauffeur mutique d’allure plutôt sympathique va se révéler un vengeur impitoyable, sournois et trompeur comme le scorpion qu'il arbore sur sa veste, prêt à tous les excès pour protéger ceux qu’il « aime ».

     La violence psychologique s’annonce palpitante : pris dans un étau, il n’a d’autre solution que de commettre un méfait pour le mari d’Irène, pour sauver celle-ci … malheureusement ce qui dans la première partie s’annonçait comme un film à suspense se transforme en règlement de compte sanguinolent dans lequel l’intrigue devient inexistante et simple prétexte à une suite de scènes sanglantes, invraisemblables et vaines sans parler du personnage féminin totalement velléitaire.

     Là où un cinéaste comme James Gray -même si la mise en scène de Nicolas Winding Refn lorgne plus du côté de celle de Michael Mann- sublime une ville, en l’occurrence New York, et traite lui aussi de vengeance et d’amour, mais sans jamais mettre le scénario de côté, ou sans qu’un de ces aspects prennent le pas sur les autres, Nicolas Winding Refn se laisse entraîner par une sorte de fascination pour la violence (me rappelant ainsi la phrase de Coppola lors de sa master class deauvillaise « Montrer la guerre c’est déjà faire l’éloge de la guerre »), montrant pourtant le temps d’un meurtre sur la plage qu’il savait très bien filmer la mort, avec une force prenante, sans que cela tourne à la boucherie ridicule.

    Ryan Gosling est certes époustouflant (et il a confirmé dans "Crazy, stupid love," la large palette de son jeu et sa capacité à tourner son image en dérision, au passage comédie romantique qui détourne puis respecte habilement les codes du genre) et derrière sa gueule d’ange dissimule une violence froide, se transformant en un vengeur impitoyable qu’il est pourtant difficile de prendre en sympathie ou même en empathie alors que tout au début s'y prêtait pourtant.

    Dommage car la première partie était jubilatoire, réellement, de par la mise en scène qui nous fait éprouver ses sensations de vitesse et de mélancolie vertigineuses (sombre et belle alliance) mais aussi de par les contradictions du personnage principal et des conflits que cela annonçait. Dommage encore car la première partie était particulièrement prometteuse  avec des scènes plus calmes d’une beauté saisissante  comme ce face-à-face entre Irène et The Driver, dans l’appartement d’Irène, scène dans laquelle le temps est suspendu et dans laquelle les échanges évasifs de regards et les silences d’une douce sensualité en disent tellement. Sans parler évidemment d’une bo remarquable qui contribue fortement au caractère jubilatoire de la première partie.

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    Nicolas Winding Refn a ravi le prix de la mise en scène à Pedro Almodovar à Cannes qui, à mon avis, l’aurait davantage mérité (pour « La Piel que habito »), ne serait-ce que  parce qu’il a brillamment raconté une histoire cruelle, terrible, effroyable où toute la finesse de la mise en scène réside justement dans ce qui n’est pas montré et qui n’en a que plus de force…

    A voir néanmoins pour les amateurs de séries B auxquelles le film rend hommage, pour ceux pour qui la virtuosité de la mise en scène prédomine sur un scénario bancal, voire vide (dans la deuxième partie), ce qui n’enlève certes rien à la force de l’univers visuel de Nicolas Winding Refn mais ce qui pour moi a gâché tout le plaisir engendré par la première partie. La violence absurde et les excès du personnage principal (qui promettait là aussi d'être d'une complexité passionnante), sans parler des réactions invraisemblablement vélléitaires du personnage féminin, le manichéisme des méchants du film, l’ont emporté ainsi sur une première partie prometteuse comme rarement avec des images et une musique qui, encore maintenant, me restent en tête. Un magnifique clip, à défaut du grand film que la première partie annonçait pourtant. Surtout, un beau gâchis.

     

     Date de sortie en salles en France: 5 octobre 2011

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  • Programme complet du Festival Lumière de Lyon 2011

     

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    C'est avec beaucoup de plaisir que je suis cette année invitée au Festival Lumière de Lyon (je vous en dirai prochainement plus sur les raisons de ma présence) auquel je rêve d'assister depuis sa création, il y a 3 ans. Ce festival présente une programmation hétéroclite qui met à l'honneur autant les oeuvres les plus pointues que le cinéma le plus "populaire", un festival qui ravira autant les cinéphiles avertis que les simples amateurs de cinéma. La bonne idée de ce festival est de confier la présentation de classiques du cinéma à des personnalités du 7ème art (pas forcément impliquées dans les films en question, vous pouvez en découvrir quelques exemples ci-dessus). Bref, un rendez-vous de cinéphilie, d'échanges et de passion(s) cinématographique(s), à ne pas manquer, par ailleurs créé par l'enthousiaste Thierry Frémaux (directeur de l'Isntitut Lumière de Lyon mais aussi évidemment délégué général du Festival de Cannes). Un festival à découvrir à Lyon du 3 au 9 octobre prochain. Pour les informations pratiques, rendez-vous sur le site officiel du festival: http://www.festival-lumiere.org/lumiere-2011.html .

    Quelques critiques de films que vous pourrez découvrir à Lyon, cette année (et que je vous recommande) - Cliquez sur les titres des films pour accéder à mes critiques:

    "The Artist" de Michel Hazanavicius (film d'ouverture)

    "La Femme d'à côté" de François Truffaut (dans le cadre du prix Lumière attribué cette année à Gérard Depardieu). Vous pourrez découvrir de nombreux autres grands films dans lesquels a joué l'acteur (liste ci-dessous) parmi lesquels "Le Dernier métro", "Le choix des armes", "Cyrano de Bergerac"...

    "Le Quai des Brumes" de Marcel Carné dans la section "Le temps retrouvé".

    "The Look" d'Angelina Maccarone dans le cadre de l'invitation à Charlotte Rampling.

    A ne pas manquer non plus : l'intégrale Jacques Becker et à voir notamment l'incontournable "Casque d'or". Vous pourrez aussi voir "Le Voyage dans la Lune" de Méliès, grand moment du dernier Festival de Cannes. Moment magique concentrant toute la beauté, la richesse, la modernité, la puissance du cinéma. Vous pourrez aussi découvrir des chefs d'oeuvre du film de gangster japonais dans la section "Yakuza!". Egalement à ne pas manquer parmi les évènéments du festival, le chef d'oeuvre de Marcel Carné "Les Enfants du Paradis". Et bien d'autres grands moments de cinéma que je vous laisse découvrir, ci-dessous.

    PROGRAMME COMPLET DU FESTIVAL LUMIERE DE LYON 2011:

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    Ouverture

    The Artist de Michel Hazanavicius (2011, 1h40)

    Prix Lumière : Gérard Depardieu

     Pas si méchant que ça de Claude Goretta (1974, 1h52)

    1900 de Bernardo Bertolucci (Novecento, 1975, 5h25 – 1ère partie: 2h49/2e partie: 2h26)

    Dites-lui que je l’aime de Claude Miller (1977, 1h46)

    La Nuit tous les chats sont gris de Gérard Zingg (1977, 1h44)

    Préparez vos mouchoirs de Bertrand Blier (1978, 1h48)

    Le Sucre de Jacques Rouffio (1978, 1h40)

    Loulou de Maurice Pialat (1980, 1h57)

    Le Dernier métro de François Truffaut (1980, 2h11)

    Le Choix des armes d’Alain Corneau (1981, 2h15)

    La Femme d’à côté de François Truffaut (1981, 1h46) Remise du Prix Lumière

    Danton d’Andrzej Wajda (1982, 2h16)

    Le Tartuffe de Gérard Depardieu (1984, 2h20)

    Sous le soleil de Satan de Maurice Pialat (1987, 1h37)

    Cyrano de Bergerac de Jean-Paul Rappeneau (1990, 2h18)

    Le Visiteur de Satyajit Ray (Agantuk, 1991, 2h)

     Court métrage :

    Le Beatnik et le minet de Roger Leenhardt (1965, 20min)

    Grenouille d'hiver de Slony Sow (2011, 17min)

     Intégrale Jacques Becker

    Dernier atout de Jacques Becker (1942, 1h45)

    Goupi Mains Rouges de Jacques Becker (1943, 1h44)

    Falbalas de Jacques Becker (1945, 1h50)

    Antoine et Antoinette de Jacques Becker (1947, 1h38)

    Rendez-vous de juillet de Jacques Becker (1949, 1h39)

    Édouard et Caroline de Jacques Becker (1951, 1h28)

    Casque d'Or de Jacques Becker (1952, 1h36)

    Rue de l’Estrapade de Jacques Becker (1953, 1h42)

    Touchez pas au grisbi de Jacques Becker (1954, 1h36)

    Ali Baba et les quarante voleurs de Jacques Becker (1954, 1h32)

    Les Aventures d’Arsène Lupin de Jacques Becker (1957, 1h44)

    Montparnasse 19 de Jacques Becker (1958, 1h49)

    Le Trou de Jacques Becker (1960, 2h12)

     Court métrage :

    La Grande espérance de Jacques Becker (1938, 30min)

     Documentaires :

    Jacques Becker, la passion cinéma de Hubert Niogret (1998, 1h17)

    Jacques Becker ou l’élégance morale de Claude-Jean Philippe (1979, 24min)

    Cinéastes de notre temps Jacques Becker de Claude de Givray (1967, 1h16)

     Rétrospective William A. Wellman

    Les Ailes de William A. Wellman (Wings, 1927, 2h31)

    Les Mendiants de la vie de William A. Wellman (Beggars of Life, 1928, 1h21)

    Other Men’s Women de William A. Wellman (1931, 1h10)

    L’Ennemi public de William A. Wellman (The Public Enemy, 1931, 1h23)

    L’Ange blancde William A. Wellman (Night Nurse, 1931, 1h12)

    Safe in Hell de William A. Wellman (1931, 1h13)

    Héros à vendre de William A. Wellman (Heroes For Sale, 1933, 1h16)

    Wild Boys of the Road de William A. Wellman (1933, 1h08)

    Une étoile est née de William A. Wellman (A Star is Born, 1937, 1h51)

    L’Étrange incident de William A. Wellman (The Ox-Bow Incident, 1943, 1h15)

    Les Forçats de la gloire de William A. Wellman (Story of G.I. Joe, 1945, 1h49)

    La Ville abandonnée de William A. Wellman (Yellow Sky, 1948, 1h38)

    Convoi de femmes de William A. Wellman (Westward the Women, 1951, 1h58)

    Documentaire : The Men who Made Movies: William Wellman de Richard Schickel (1973, 58min)

    Yakuza ! 5 chefs-d’œuvre du film de gangsters japonais

    Fleur pâle de Masahiro Shinoda (Kawaita hana, 1964, 1h32)

    Guerre des gangs à Okinawa de Kinji Fukasaku (Bakuto gaijin butai, 1971, 1h33)

    Combat sans code d'honneur de Kinji Fukasaku (Jingi naki tatakai, 1973, 1h39)

    Police contre syndicat du crime de Kinji Fukasaku (Kenkei tai soshiki Boryoku, 1975, 1h34)

    Femmes de Yakuzas de Hideo Gosha (Gokudô no onna-tachi, 1986, 1h57)

     Documentaires:

    Yakuza Eiga, une histoire du cinéma yakuza de Yves Montmayeur (2008, 1h)

    Pinku Eiga, The Pleasure Dome of Japanese Erotic Cinema d’Yves Montmayeur (2011, 1h25)

     Cinéma muet : hommage à Kevin Brownlow

    Les Quatre cavaliers de l’Apocalypse de Rex Ingram (The Four Horsemen of the Apocalypse, 1921, 2h12)

    Loin de Hollywood - L'art européen du cinéma muet de Kevin Brownlow et David Gill (Cinema Europe - The Other Hollywood, 1994, 6 épisodes de 52min)

     Cinémathèque invitée : Il Museo del Cinema di Torino

    Le Feu de Giovanni Pastrone (Il fuoco, 1916, 51min)

    L’Assassin d’Elio Petri (L’assassino, 1961, 1h38)

    I giorni contati d’Elio Petri (1962, 1h39)

     Sublimes moments du muet

    Muets en couleurs (1896-1914, 54min)

    Le Voyage dans la Lune de Georges Méliès (1902, 16min)

    Le Feu de Giovanni Pastrone (Il fuoco, 1916, 51min)

    Les Quatre cavaliers de l’Apocalypse de Rex Ingram (The Four Horsemen of the Apocalypse, 1921, 2h12)

    Les Ailes de William A. Wellman (Wings, 1927, 2h31)

    Les Mendiants de la vie de William A. Wellman (Beggars of Life, 1928, 1h21)

     Le temps retrouvé

    Muets en couleurs (1896-1914, 54min)

    No Man’s Land de Victor Trivas (Niemansland, 1931, 1h33)

    Le Quai des brumes de Marcel Carné (1938, 1h44)

    Lumière d’été de Jean Grémillon (1943, 1h52)

    Femme de feu d’André De Toth (Ramrod, 1947, 1h35)

    La Machine à tuer les méchants de Roberto Rossellini (La macchina ammazzacattivi, 1952, 1h20)

    Park Row de Samuel Fuller (1952, 1h23)

    Jowita de Janusz Morgenstern (1967, 1h34)

    Portrait d’une enfant déchue de Jerry Schatzberg (Puzzle of a Downfall Child, 1970, 1h45)

    La Horse de Pierre Granier-Deferre (1970, 1h18)

    Frankenstein Junior de Mel Brooks (Young Frankenstein, 1974, 1h45)

    The Plague Dogs de Martin Rosen (1982, 1h43)

     Hommage à Roger Corman

    Corman’s World d’Alex Stapleton (Corman’s World: Exploits of a Hollywood Rebel, 2011, 1h35)

    L’Affaire Al Capone de Roger Corman (The St. Valentine's Day Massacre, 1967, 1h40)

     Événements

    • Restauration par Pathé

    Les Enfants du paradis de Marcel Carné (1945, 3h10)

     • Invitation à Benicio Del Toro

    L’Île nue de Kaneto Shindô (Hadaka no shima, 1960, 1h36)

     • Invitation à Fatih Akin

    La Loi de la frontière de Lüfti Akad (Hudutlarin Kanunu, 1966, 1h11)

     • Invitation à Helmut Berger

    Le Jardin des Finzi-Contini de Vittorio De Sica (Il giardino dei Finzi-Contini, 1970, 1h34)

     • Hommage à Raoul Ruiz

    Trois vies & une seule mort de Raoul Ruiz (1995, 2h15)

     • Axel Brücker, empereur de la bande-annonce

    Mini-nuit de la bande annonce (environ 3h)

     • Avant-première

    Bollywood, Bollywood de Rakeysh Omprakash Mehra et Jeff Zimbalist (Bollywood : The Greatest Love Story Ever Told, 2011, 1h21)

    • Hommage à Warner Home Video

    Ben-Hur de William Wyler (1959, 3h32) 

     • Invitation à Charlotte Rampling

    The Look d’Angelina Maccarone (2011, 1h34) 

    Déjà classiques !

    La Fiancée du pirate de Nelly Kaplan (1969, 1h47)

    L’Important c’est d’aimer d’Andrzej Zulawski (1975, 1h50)

    Le Sauvage de Jean-Paul Rappeneau (1975, 1h43)

    Le Sucre de Jacques Rouffio (1978, 1h40)

     Nuit de la science fiction : de la Terre à la Lune

    Le Voyage dans la Lune de Georges Méliès (1902, 16min)

    Soleil vert de Richard Fleischer (Soylent Green, 1973, 1h37)

    District 9 de Neill Blomkamp (2009, 1h52)

    La Machine à explorer le temps de George Pal (The Time Machine, 1960, 1h35)

    2001, l’Odyssée de l’espace de Stanley Kubrick (2001 : A Space Odyssey, 1968, 2h27)

     Mon festival à moi

    La Guerre des boutons d’Yves Robert (1962, 1h33)

    Ali Baba et les quarante voleurs de Jacques Becker (1954, 1h32)

    Documentaires sur le cinéma

    Loin de Hollywood - L'art européen du cinéma muet de Kevin Brownlow et David Gill (Cinema Europe - The Other Hollywood, 1994, 6 épisodes de 52min)

    Jacques Becker, la passion cinéma de Hubert Niogret (1998, 1h17)

    Jacques Becker ou l’élégance morale de Claude-Jean Philippe (1979, 24min)

    Cinéastes de notre temps Jacques Becker de Claude de Givray (1967, 1h16)

    The Men who Made Movies: William Wellman de Richard Schickel (1973, 58min)

    Yakuza Eiga, une histoire du cinéma yakuza de Yves Montmayeur (2008, 1h)

    Pinku Eiga, The Pleasure Dome of Japanese Erotic Cinema d’Yves Montmayeur (2011, 1h25)

    Elio Petri, notes sur un auteur de Stefano Leone, Federico Bacci, Nicola Guarneri (Elio Petri… appunti su une autore, 2005, 1h10)

    Jean Douchet ou l’art d’aimer de Thierry Jousse (2011, 1h15)

    Marcel Ophuls et Jean-Luc Godard : La rencontre de Saint-Gervais de Vincent Lowy et Frédéric Choffat (44 min, 2011)

    Dominique Laffin, portrait d’une enfant pas sage de Laurent Perrin (2007, 55 min)

    Maurice Pialat, l’amour existe de Anne-Marie Faux et Jean-Pierre Devilliers (2007, 1h21)

    Il était une fois... Vol au-dessus d'un nid de coucou d’Antoine de Gaudemar (2011, 52min)

     

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  • Critique de « Musée haut, musée bas » : comédie chorale baroque de Jean-Michel Ribes (ce soir, à 23H20, sur France 3)

    Ce soir, à 23H20, France 3 diffusera "Musée haut, musée bas", la comédie chorale baroque de Jean-Michel Ribes sortie en salles en 2008. Retrouvez ma critique ci-dessous.

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    Voilà un film qui, au moins, et avant tout, a le mérite (et le défaut) de ne ressembler à aucun autre, et d’être tour à tour percutant, agaçant virevoltant, drôle aussi. Le genre de film prédestiné à être détesté ou adoré et pourtant je ne me place dans aucune des deux catégories, ne parvenant pas à choisir entre le « musée haut » et le « musée bas » sans doute.

    Directeur du théâtre du Rond-point depuis 2001, Jean-Michel Ribes y a  créé, en 2004, la pièce « Musée haut, musée bas » qu’il a transformé en film homonyme sur les conseils de l’ex-agent devenu producteur Dominique Besnehard. Rien de plus périlleux que de transformer une pièce de théâtre en scénario, de risquer de la transformer en théâtre filmé, un reproche que Jean-Michel Ribes semble avoir anticipé en faisant virevolter, tournoyer, avancer, surplomber sa caméra, en multipliant démesurément les plans et les angles de vue à nous en donner le tournis sans que ce soit forcément justifié, le nombre vertigineux de personnages étant déjà suffisamment étourdissant.  Des personnages qui vont des gardiens harassés par la beauté littéralement ravageuse des œuvres auxquelles ils sont confrontés (passage que j’ai trouvé le plus intéressant) à un conservateur terrorisé par l’irruption de la nature dans son musée,  à un Ministre de la Culture imperturbable, des provinciaux passionnés d’Impressionnistes, une femme qui trouve tout merveilleux au désespoir de son mari qui trouve cela déprimant, une snob qui recherche désespérément Kandinsky et tant d’autres encore.

    Il aurait été facile de tomber dans l’écueil du mépris : mépris pour ceux que l’Art indiffère ou mépris pour l’Art qui méprise ceux qui n’en possèdent pas les codes. Or toute l’intelligence de ce film réside dans son titre et son désir de trouver l’équilibre entre le musée haut et le musée bas, entre le sublime et le ridicule, entre le méprisable et l’admirable, ce à quoi Jean-Michel Ribes est (presque) parvenu. Il ne se contente pas de faire une satire du monde de l’Art ou de la démocratisation de la culture, il lui rend aussi hommage (même si pas assez à mon goût.) Tourné au Petit palais, au Louvre, au musée Guimet, aux Beaux-Arts c’est aussi une promenade colorée, fantaisiste, décidément étourdissante, dans les couloirs labyrinthiques de l’Art et une réflexion sur le rapport de chacun à celui-ci.

     Ce film m’a autant charmée qu’exaspérer. Charmée par son audace, son aspect iconoclaste, par ses comédiens (provenant d’ailleurs souvent du théâtre), tous parfaits (et donc forcément bien dirigés) même si criant un peu trop parfois et nous donnant davantage l’impression d’être sur une scène de théâtre que devant une caméra (oui, malgré tout), mais réussissant tous à donner vie et crédibilité et épaisseur à leurs personnages malgré le peu de place qui leur est parfois donné, parfois seulement une réplique. Mention spéciale pour Isabelle Carré, irrésistible en femme incurablement joyeuse, face à son mari Pierre Arditi que cela déprime ; à André Dussolier  parfait en Jack Lang Ministre qui passe de la consternation à l’admiration feinte, qui passe d’une conversation avec le conservateur à une conversation avec un Mickey surréaliste avant de partir épingler une présentatrice ; à  Michel Blanc en gardien au bord de la folie débordé par une nature envahissante ; à Muriel Robin en snob obsédée par Kandinsky ; à Daniel Prévost en quête du parking Rembrandt marié à une allergique à Picasso. D’autres présentent moins d’intérêt comme cette prof qui demande aux élèves d’être calmes et silencieux, ce à quoi ils répondent systématiquement par des hurlements grégaires  (gag un peu trop répétitif et qui tend à montrer les enfants sous forme d’une masse inculte et désintéressée : musée bas sans doute).

     Exaspérée parce qu’à vouloir brosser trop de portraits, ils nous égare parfois :  on zappe d’une idée à l’autre, d’une personne à l’autre, d’une émotion à l’autre, sans rien approfondir, comme devant une télévision  abêtissante qu’il semble pourtant critiquer.  Il ébauche beaucoup de pistes, interroge le rapport de chacun à l’art. Une sorte de réflexion sur l’art donc, de mise en abyme aussi parfois, de critique aussi bien de ceux qui pensent que  l’art qui a du sens est condamné à être populaire et donc méprisable, à  l’art qui le devient simplement parce que nous le décrétons (comme ces performances d’un homme qui tue sa mère ou des visiteurs qui deviennent l’œuvre, ou d’autres qui ne sont pas sans rappeler le travail de certains comme Sophie Calle), une critique de l’art qui devient objet de consommation, aussi . Un film rempli de références qui parfois ressemble à une démonstration d’érudition (ça va d’un urinoir qui fait penser à celui de Duchamp à cette visiteuse-Victoria Abril, comme toujours fantasque et fantastique - qui confond Leveau et un veau à des plans qui singent de célèbres œuvres et nous le –dé-montrent un peu trop) : ce qui est d’ailleurs un atout du film. Un atout parce qu’il nous donne à voir et à être immergés dans un véritable bain de culture qui tend néanmoins à tout mélanger ...comme le fait la télévision aujourd’hui (paradoxe du film qui emprunte à ce qu’il critique). Un défaut parce qu’il tombe alors dans l’écueil que lui-même critique : égarer ceux qui ne possèdent pas les codes.

    L’absence de scénario trouve se justification finale dans une réflexion sur la confrontation entre nature et culture. Avant lui, beaucoup de philosophes comme Hegel se sont penchés sur cette question. Pour Ribes (théorie défendue dans le film par le conservateur interprété par Michel Blanc) et ainsi selon ce dernier, les arbres n’étaient pas beaux avant que Corot ne les ait peints. Ce n’est alors pas l’art qui imite le réel mais le réel qui est sublimé par l’art.  A ce sujet Jean-Michel Ribes tient un  discours relativement simpliste et finalement très politiquement correct à force de vouloir ne pas l’être (musée bas donc), confondant opposition entre nature et culture dans l’art, et  progrès et défense de l’environnement comme si ces deux derniers éléments étaient irrémédiablement incompatibles et tenant des propos comme ceux-ci : . « Moi je vous avoue ne pas trouver tout détestable dans le progrès. Je préfère habiter Venise que dans une yourte en roseaux et c'est vrai que je suis plus sensible au génie de Michel-Ange qu'à celui d'un champ de poireaux. J'aime la nature quand elle imite l'art, j'aime les jardins japonais parce qu'ils sont philosophiques avant d'être naturels. Je respire mieux dans un musée que dans une forêt. Et on semble oublier que beaucoup d'hommes passent leur vie à combattre quotidiennement la nature comme les médecins par exemple, qui luttent chaque jour contre cette chose très naturelle qu'est le cancer."

    J’en suis ressortie étourdie, en ayant l’impression d’avoir fait un tour de manège, agréable et perturbant,  comme si Warhol (l’esthétique du film s’inspire pas mal du pop art) avait rencontré Tati (les couloirs du musée rappellent parfois « Playtime », ou même certains plans s’inspirent de Tati), mais qu’ils ne s’étaient pas forcément bien entendus, comme s’ils n’avaient pas réussi à concilier musée haut et musée bas.

    Un film sans scénario mais pas sans saveur. Burlesque. Absurde. Fantaisiste. Inclassable. De jubilatoires numéros d’acteurs (Jean-Michel Ribes a eu le mérite de donner aussi des rôles à des acteurs de théâtre qui mériteraient de faire davantage de cinéma). De bonnes répliques percutantes. Des idées farfelues parfois savoureuses. Une réflexion intéressante sur l’art. Par moment, j’ai effleuré cette impression qui me (trans)porte tellement dans certains musées et qui fait que je peux aller des dizaines de fois à Orsay, au Louvre ou ailleurs et être toujours aussi transportée, éblouie,  joliment ravagée, par cette beauté qui ronge et qui porte, qui fait de la rencontre avec l’art un véritable rendez-vous amoureux qui perturbe, émeut, ébranle les certitudes, renforce, enrichit, nous élève : peut-être est-ce la raison pour laquelle le musée haut l’a emporté dans mon esprit. Mais là où une visite au musée m’enrichit, j’en suis finalement ressortie un peu vide, étourdie par tant d’images, de visages, d’idées désordonnées ne parvenant pas à retenir un ou une seule comme si le tout était dilué dans l’eau dévastatrice. Oui, c’est bien la nature qui a repris ses droits finalement…

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