Les Magnétiques de Vincent Maël Cardona sort cette semaine en VOD sur Universcine.com. Ce film, présenté dans le cadre de la Quinzaine des Réalisateurs 2021, avait reçu le prix de la SACD. Il fut également lauréat du Prix d’Ornano-Valenti du dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville, toujours un gage de talent et de qualité. En bref, je vous donne quelques excellentes raisons de le découvrir, urgemment. Avant cela, son synopsis.

Une petite ville de province au début des années 80. Philippe (Thimotée Robart) vit dans l’ombre de son frère, Jérôme (Joseph Olivennes), le soleil noir de la bande, extraverti, extravagant même. Entre la radio pirate, le garage du père (Philippe Frécon) et la menace du service militaire, les deux frères ignorent qu’ils vivent là les derniers feux d’un monde sur le point de disparaître. La première partie se déroule en province, entre la radio, le garage de leur père…et la belle Marianne (Marie Colomb), en stage dans le salon de coiffure local, la petite amie de Jérôme dont Philippe tombe fou amoureux. La deuxième partie se déroule à Berlin où Philippe effectue son service militaire, n’ayant pas réussi à se faire réformer.

Ce sublime titre sied magnifiquement à ce film enfiévré de sons et de musiques qui est cela de la première à la dernière seconde. Magnétique !

Le film débute le 10 mai 1981.  Quatre jours avant le premier tour de la Présidentielle 2022, voilà de quoi vous plonger dans l’ambiance de celle de 1981. Celle de l’’espoir et du sentiment de tous les possibles. Et d’un monde scindé en deux qu’on croyait à jamais révolu…Mais, surtout, si vous avez connu les années 1980, ce film vous insufflera forcément un parfum de nostalgie tout en étant d’une contemporanéité et modernité époustouflantes.

Ce  film suinte la fougue, l’énergie, le désir, les certitudes folles, l’urgence ardente, la fragilité, le charme et la déraison de la jeunesse. Comme il y en a peu.

Vous serez forcément emportés par ce maelstrom de sons, de musiques, d’émotions, ce vertige fascinant d’ondes et de lueurs stroboscopiques. Par ce montage visuel et sonore d’une inventivité rare qui sublime la puissance sensuelle des sons et de la musique. Une véritable expérience sensorielle.

Vous serez aussi forcément fascinés par la mise en scène inspirée de Vincent Maël Cardona et ses nombreux moments d’anthologie, d’une déclaration originale sur les ondes, à une scène tout en pudeur et « magnétisme » sur la musique de Claude-Michel Schönberg. Sans oublier des plans dans l’embrasure d’une porte qui se répondent comme un hommage à John Ford.

 Vous serez forcément charmés par son héros timide et discret, interprété magistralement par Thimotée Robart (toute la distribution est d’ailleurs remarquable), un ancien perchman (une belle ironie pour un film qui met tant en valeur le son), avec sa voix qui vous emporte comme une mélopée qui vous dit : « La maladie de la jeunesse ce n'est pas de savoir ce qu'on veut mais de le vouloir à tout prix. Moi je sais ce que je veux. Je détestais ma voix. C'était tout ce que j'avais à l'intérieur tout ce que je voulais cacher. »

Croyez-moi, ce film vous donnera envie d’empoigner, célébrer et danser la vie, l’avenir et la liberté.

Et puis un film qui cite les Lettres à un jeune poète de Rainer Maria Rilke est forcément recommandable : « Les êtres jeunes, neufs en toutes choses, ne savent pas encore aimer ; ils doivent apprendre. »  Pour terminer, une autre citation de « Lettres à un jeune poète » (qui n’est pas dans le film mais qui pourrait s’appliquer à celui-ci) : « Si beaucoup de beauté est ici, c'est que partout il y a beaucoup de beauté. »

Hier soir, sur France 2, était diffusé Deux moi, un film de Cédric Klapisch de 2019, un conte sur l’ultra-moderne solitude urbaine dans lequel les errements de deux âmes sœurs sont mis en parallèle. Les deux protagonistes, chaque semaine, chacun de leur côté, confient leurs bleus à l’âme à un psy… À l’image de Klapisch, Toledano et Nakache, dans chacun de leurs films, ont su remarquablement saisir les maux et les contradictions de l’époque, et réconcilier des êtres et des réalités en apparence inconciliables ou irréconciliables. Rarement une œuvre télévisuelle est autant entrée en résonance avec son époque et ses besoins qu'En thérapie. Le tournage de la première saison s’achevait ainsi alors que le premier confinement débutait. Et c’est pendant celui de 2021 que la série a été diffusée. Comme une pause réconfortante au milieu de l'incompréhensible cacophonie. Comme un miroir apaisant pour nos esprits désorientés, avides d’être libérés et écoutés. Là, pas d’injonction à taire ses blessures ou faire son deuil, mais au contraire une écoute bienveillante, sans jugement. Un reflet apaisant. « C'est difficile de parler de soi. Certains disent que c'est le travail de toute une vie. », « Ici vous n'avez pas besoin de vous excuser de quoi que ce soit. », « Il n'y a pas de bonnes ou mauvaises pensées, pas de bonnes ou mauvaises choses à dire. ». Tels sont les mots du Docteur Dayan (Frédéric Pierrot), le psychanalyste d’En thérapie, dans les premiers épisodes de cette saison 2. « Vous sondez l'âme humaine » lui répond ainsi le personnage incarné par Jacques Weber.

Grâce au Festival Séries Mania, sur seriemaniadigital.com, j’ai en effet eu le plaisir de découvrir en avant-première les cinq premiers épisodes de la saison 2 de la série En thérapie d’Éric Toledano et Olivier Nakache, également présentés ce mercredi 23 mars au festival Séries Mania de Lille. Cette saison 2 sera disponible sur le site d'Arte dès le 31 mars 2022.  Trente-cinq épisodes qui seront ensuite diffusés à la télévision le jeudi soir, à partir du 7 avril, à 20H55, jusqu’au 19 mai.

Je vous parle rarement de séries ici mais la saison 1 de celle-ci dont j’ai dévoré tous les épisodes fut pour moi un tel coup de cœur que j’ai décidé de lui consacrer un article. Si vous n’avez pas succombé à ce succès retentissant l’an passé (53 millions de vidéos vues sur arte.tv), j’espère que ces quelques lignes vous donneront envie de vous y plonger.

En thérapie est une adaptation de la série israélienne Betipul d'Hagai Levi, adaptée dans treize pays dont les Etats-Unis sous le titre « In treatment ».  Dans cette version américaine, le psychanalyste était incarné par Gabriel Byrne. Ce succès hexagonal n’était pourtant pas gagné d’avance. Qui aurait pu imaginer que ce (quasi) huis-clos susciterait un tel engouement ?  Le décor et le dispositif sont en effet minimalistes (le cabinet du thérapeute) et le hors-champ se cantonne à une fenêtre à laquelle il regarde parfois pour observer le départ de ses patients. C’est sans doute la raison pour laquelle les chaînes françaises ont de prime abord été réticentes à son adaptation.

Cette saison 2 nous présente la vie de Philippe Dayan, cinq ans après les attentats du Bataclan, au sortir du premier confinement de 2020. Le psychanalyste met à l'épreuve ses processus thérapeutiques auprès de quatre nouveaux patients : Ines (Eye Haïdara), une avocate solitaire à la vie bien rangée, Robin (Aliocha Delmotte), jeune adolescent en surpoids victime de harcèlement scolaire, Lydia (Suzanne Lindon), une étudiante venue partager une sombre nouvelle sur son état de santé et Alain (Jacques Weber), un chef d'entreprise dans la tourmente médiatique...Divorcé, attaqué en justice par la famille de l’un de ses anciens patients, le Dr Dayan se tourne vers Claire (Charlotte Gainsbourg), une analyste et essayiste médiatisée dont il espère le soutien pour le procès en cours.

Avant de vous parler de la saison 2, retour sur la saison 1 constituée de trente-cinq épisodes d’une vingtaine de minutes chacun. L’intrigue du premier épisode de la saison 1 se déroule le 16 novembre 2015, dans le quartier du Bataclan et des terrasses, une tragédie qui s’immisce via la parole mais demeure hors champ. De la fenêtre du cabinet de Dayan, rien n’indique l’urgence et la violence du dehors. Les deux premiers épisodes mettent en scène des patients bouleversés par les attentats : Ariane (Mélanie Thierry), chirurgienne, qui a soigné des blessés de la tragédie et Chibane (Reda Kateb), policier de la BRI qui est intervenu dans le Bataclan.  À ces personnages s’ajouteront ensuite ceux de Léonora et Damien incarnés par Clémence Poésy et Pio Marmaï, un couple en crise, et une jeune nageuse avec des tentations suicidaires, remarquablement interprétée par Céleste Brunnquell, qui dans le magnifique film Les Éblouis de Sarah Succo jouait le rôle de Camille, une adolescente libre, rebelle et courageuse qui prenait son envol pour échapper à l’emprise, physique et mentale, d’une communauté « religieuse ».

Le personnage le plus passionnant était cependant déjà celui du psychanalyste incarné magistralement par Frédéric Pierrot, pétri de doutes, angoissé à l’idée du temps qui passe et s’éprenant d’une de ses patientes. On le quittait déambulant parmi la foule aux terrasses qui reprenait vie, comme avant le 13 novembre, comme si tout cela n’avait pas existé, comme si toutes les blessures demeuraient de nouveau cachées, loin du cabinet.

Frédéric Pierrot trouve toujours le ton, d’une sidérante et admirable justesse et douceur, entre force et fragilité, pour jouer la distance nécessaire à la profession qu’il incarne et la bienveillance, l’écoute, une apparente sérénité que démentaient ses rencontres avec sa contrôleuse incarnée par Carole Bouquet (sa propre psy). Là, il laissait s’exprimer ses fêlures et ses atermoiements. Sans jamais être du théâtre filmé, malgré le recours systématique (car indissociable du dispositif) au champ/contre-champ, En thérapie met en exergue le poids des maux et la magie des mots. De l’empathie. De la parole libératrice. Du temps laissé au temps, le temps de s’appesantir alors qu’une actualité et une tragédie et une émotion en chassent une autre, en apparence du moins, mais certainement pas dans les esprits de ceux qui les ont endurées.

Les attentats du 13 novembre 2015 avaient servi de fil directeur à la première saison. Cette fois, c’est donc la pandémie de Covid-19 et ses répercussions sur la santé mentale. Cette deuxième saison commence ainsi cinq ans après la première, après le premier confinement, en mai 2020. Le psychanalyste, divorcé, est désormais installé en banlieue parisienne. Frédéric Pierrot incarne toujours le Docteur Dayan et reçoit donc quatre nouveaux patients. Clémence Poésy et Pio Marmaï, séparés, sont également à nouveau présents dans cette saison 2. Charlotte Gainsbourg incarne la superviseure du Docteur Dayan.

Les épisodes de cette saison 2 ont été réalisés par Agnès Jaoui, Emmanuelle Bercot, Arnaud Desplechin, Emmanuel Finkiel, et évidemment Éric Toledano et Olivier Nakache. Des cinéastes qui, dans leurs propres films, se concentrent sur les bleus à l’âme de leurs personnages et, en écho, leur (et nous) apportent un peu de légèreté. Chaque réalisateur ou réalisatrice s’attèle aux épisodes liés à un personnage particulier, lui apportant ainsi son regard aiguisé. L'équipe de scénaristes a également été renouvelée. Clémence Madeleine-Perdrillat supervise ainsi l'écriture de cette saison 2 après le départ des scénaristes Vincent Poymiro et David Elkaïm.

Le premier épisode est réalisé par Agnès Jaoui. Sur Dayan plane l’ombre de son patient mort en Syrie, un patient dont le père est décédé un an auparavant, terrassé par la disparition de son fils. Il prépare le procès qui lui est intenté. Ce premier épisode se déroule hors du cabinet. Il y rencontre une avocate qui fut sa patiente des années auparavant...Dans le deuxième épisode, Dayan reçoit un nouveau patient, un enfant (le fils du couple formé par Léonora et Damien). Il porte le masque de Spiderman, se lave longuement les mains au gel, s’inquiète de voir que Dayan ne porte pas de masque, lui demande s’il est certain qu'il y a un mètre, ajoute que deux sont recommandés dans certains pays, dit que les héros ont de la chance d’être orphelins, qu’il ne veut pas dormir chez son père. Le troisième épisode réalisé par Arnaud Desplechin présente une étudiante en dernière année d’architecture. Elle ironise sur les « gens  qui viennent ici pour pleurnicher sur leur vie ». Elle écrit sur un petit mot ce qui l’amène dans le cabinet, l’épreuve à laquelle elle doit faire face et dont elle n’a parlé à personne avant le thérapeute. Dans le quatrième épisode réalisé par Emmanuelle Bercot, c’est un Jacques Weber nerveux qui entre en scène, « Avec le trafic, j'ai mis une heure pour venir jusqu'ici » commence-t-il ainsi par dire. « Certains mettent des années à venir jusqu'ici» lui répond Dayan. Il gère une entreprise de 4000 employés. La semaine précédente, l’une d’entre elles s'est jetée par la fenêtre de son appartement. Il dit n’être là que pour recevoir « une approche nouvelle, des conseils fins précis. », « Si je suis là c'est pour que ça serve à quelque chose», « Je ne suis pas venu ici en dissimulant ma fragilité. » Peu à peu, il révèle qu’il « lutte pour s’endormir » et qu’il veut éradiquer ses insomnies même s’il déclare aussi « je dormirai quand je serai mort. » Il semble bouleversé par le départ de sa fille, volontaire dans un camp de réfugiés en Grèce. Le regard soudainement rempli de détresse de Weber, qui tout à coup s’écroule, promet un personnage complexe. Le cinquième épisode réalisé par Emmanuel Finkiel nous présente la superviseure de Dayan qui n’a « jamais fait de supervision » avant lui. Dayan hésite à repartir. « Vous partez ou vous arrivez ? » lui demande-t-elle. Il rétorque qu’il allait prendre l’air. L’épisode s’achève par une rencontre aussi impromptue que bouleversante pour ses protagonistes. Dans la salle d'attente du cabinet, en repartant, Dayan croise une femme incarnée par Agnès Jaoui. Des retrouvailles qui les remuent l’un et l’autre, 30 ans après…

« Depuis le 13 novembre, nous vivons tous plus ou moins dans un imaginaire de la guerre. Tout s’est mis à grincer. Tout ce qui était distinct et différent est devenu conflictuel. Nous avons mis la guerre partout. » entendait-on dans un épisode de la saison 1. Si une saison 3 n'a pas encore été annoncée, l'actualité récente, une autre guerre, effroyable et inconcevable, devrait servir de matériau à celle-ci.

Dans chacun de leurs films, Toledano et Nakache, savent ainsi allier les contraires, les univers différents, le rire et l’émotion, des personnages a priori opposés. Plus qu’à Intouchables ou au merveilleux Sens de la fête, cette série me fait beaucoup penser à leur film Samba dont le personnage féminin principal était d’ailleurs interprété par Charlotte Gainsbourg.

 Tout en vous recommandant de nouveau cette série poignante, consolante, passionnante, déstabilisante aussi parfois (je vous mets au défi de ne vous reconnaître à aucun moment dans les mots et maux des personnages) dont ces premiers épisodes donnent vivement envie de voir la suite, et d’entendre encore longuement  la voix apaisante de Dayan et d’en déceler les tourments cachés, une petite digression coutumière pour vous parler du film Samba précédemment évoqué (pas le plus grand succès du duo de cinéastes mais un film que j’avais particulièrement apprécié) qui débusquait aussi la vérité des êtres derrières les apparences et était là aussi formidablement écrit. Vous l’aurez compris, je vous recommande vivement cette série. Mon seul regret : ne pas retrouver certains « patients » de la saison 1, tellement crédibles, vivants, vivaces dans nos esprits qu’on aurait aimé savoir ce qu’ils sont advenus, comme si on les avait intégrés à notre propre histoire. Preuve encore de la résonance et de la justesse de cette série dont l’interprétation et l’écriture ciselées en font une œuvre à part, terriblement actuelle, moderne, et captivante. Une écriture qui force d'autant plus le respect que cette saison 2 a été scénarisée et réalisée en un temps record, ce qui ne se ressent en rien dans ces cinq premiers épisodes.

A propos de Samba...

Après les 19, 44 millions d’entrées d’ Intouchables, ce film du tandem Toledano-Nakache était attendu.  A nouveau en haut de l’affiche, Omar Sy incarne donc ici Samba, un Sénégalais en France depuis 10 ans, qui essaie de s’en sortir tant bien que mal en enchaînant les petits boulots. Face à lui, Charlotte Gainsbourg est Alice, une cadre supérieure épuisée par un burn out, terme des années 2000 un peu fourre-tout  ui désigne un des nouveaux maux du siècle : la dépression liée au travail. Tous deux luttent, à leur manière. Lui pour obtenir ses papiers et pouvoir vivre paisiblement. Elle pour se reconstruire en travaillant comme bénévole dans une association qui vient en aide aux immigrés. Rien ne devait les prédestiner à se rencontrer, tous deux venant d’univers très différents, menant des vies très différentes. C’est souvent ce qui, au cinéma, donne lieu aux plus belles histoires : la rencontre de deux êtres que rien ne devait a priori (ré)unir comme Samba et Alice et ce film ne déroge pas à la règle. Le film Samba est adapté du roman Samba pour la France de Delphine Coulin, paru aux éditions du Seuil en 2011.  Parmi leurs nombreuses trouvailles, l’ajout du personnage d’Alice qui, notamment grâce à son interprète mais pas seulement, échappe aux stéréotypes de ces films qui, justement, racontent l’histoire de deux êtres que tout oppose. Alice n’est pas d’emblée sympathique. Un peu égoïste, snob, confrontée à des soucis parfois bien anecdotiques à côté du combat pour sa survie de Samba, elle va se révéler au contact de ce dernier par le parcours duquel il serait difficile au spectateur de ne pas être touché. De leur couple se dégage d’autant plus de charme qu’il est inattendu et pas moins crédible grâce à la délicatesse de l’écriture et des interprétations. Charlotte Gainsbourg, plus irrésistible que jamais incarne cette Alice dotée d’une folie douce, entre force et fragilité et rend son personnage séduisant, agaçant avec charme, passant du rire aux larmes, et nous faisant nous aussi passer du rire aux larmes. Omar Sy dégage toujours une élégance folle, emportant d’emblée l’empathie du spectateur. Deux personnages que tout oppose mais qu’une quête d’identité, la maladresse et la solitude réunissent. La réalisation n’est jamais négligée au profit de l’émotion, avec quelques plans remarquables, de Paris notamment,  filmée sans idéalisme ni misérabilisme et parée de couleurs inconnues.  Certaines scènes sont de vrais petits bijoux d’écriture jonglant habilement entre drame et comédie, comme cette scène après la fête à la fois drôle et émouvante. Les seconds rôles ne sont pas délaissés, a fortiori dans la scène précitée, et la fougue d’Azia Higelin, le talent Tahar Rahim qui dévoile ici son pouvoir comique, y sont aussi pour beaucoup. Ajoutez à cela des dialogues réjouissants, une musique originale mélancolique et envoûtante et vous obtiendrez un film romantique et jamais mièvre, ironique et jamais cynique, actuel et jamais démagogique et possédant toute l’élégance irrésistible de son tandem d’acteurs. Un conte moderne émouvant. Le récit rythmé et passionnant du parcours du combattant de (et qu’est) Samba et de la rencontre de ces deux solitudes réussit le difficile mariage entre drame et comédie, humour et mélancolie, film divertissant et sujet de société, plus convaincant et émouvant que n’importe quel discours (par définition abstrait) sur la cruelle réalité que vivent les sans-papiers. De ces films, précieux, qui vous donnent envie de croire à tout. Surtout à l’impossible et à la magie exaltante des rencontres improbables. Les plus belles et marquantes. 

A l'occasion du 50ème anniversaire du film, le Festival de Cabourg a souhaité rendre hommage à ce chef-d'œuvre du cinéma romantique qu'est César et Rosalie de Claude Sautet en lui consacrant l'affiche de sa 36ème édition. Vous pourrez également redécouvrir ce film à La Cinémathèque, ce samedi 19 mars, dans le cadre de l'exposition consacrée à Romy Schneider.

Vous pouvez également retrouver ma critique de César et Rosalie, ci-dessous.

Je vous informerai de la suite de la programmation de cette édition 2022 des Journées romantiques de Cabourg, un festival dont j'avais eu le plaisir de faire partie du jury des courts-métrages en 2002. Vous pouvez également le retrouver dans une des nouvelles de mon recueil de 16 nouvelles sur le cinéma, Les illusions parallèles (Editions du 38).

CRITIQUE de CESAR ET ROSALIE de Claude Sautet

Il y a les cinéastes qui vous font aimer le cinéma, ceux qui vous donnent envie d'en faire, ceux qui vous font appréhender la vie différemment, voire l'aimer davantage encore. Claude Sautet, pour moi, réunit toutes ces qualités.

Certains films sont ainsi comme des rencontres, qui vous portent, vous enrichissent, vous influencent ou vous transforment même parfois. Les films de Claude Sautet, pour moi, font partie de cette rare catégorie et de celle, tout aussi parcimonieuse, des films dont le plaisir à les revoir, même pour la dixième fois, est toujours accru par rapport à la première projection. J'ai beau connaître les répliques par cœur, à chaque fois César et Rosalie m'emportent dans leur tourbillon de vie joyeusement désordonné, exalté et exaltant.

Claude Beylie parlait de « drame gai » à propos de César et Rosalie, terme en général adopté pour la Règle du jeu de Renoir, qui lui sied également parfaitement. Derrière l'exubérance et la truculence de César, on ressent en effet la mélancolie sous-jacente. César donc c'est Yves Montand, un ferrailleur qui a réussi, vivant avec Rosalie (Romy Schneider) divorcée d'Antoine (Umberto Orsini), et qui aime toujours David (Sami Frey), un dessinateur de bandes dessinées, sans cesser d'aimer César. Ce dernier se fâche puis réfléchit et abandonne Rosalie à David. Des liens de complicité et même d'amitié se tissent entre les deux hommes si bien que Rosalie, qui veut être aimée séparément par l'un et par l'autre, va tenter de s'interposer entre eux, puis va partir...

Dans ce film de 1972, qui fut souvent comparé à Jules et Jim de Truffaut, on retrouve ce qui caractérise les films de Claude Sautet : les scènes de café, de groupe et la solitude dans le groupe, la fugacité du bonheur immortalisée, l'implicite dans ce qui n'est pas- les ellipses- comme dans ce qui est-les regards- (Ah, ces derniers regards entre les trois personnages principaux! Ah, le regard de David lorsque l'enfant passe des bras de Rosalie à ceux de César, scène triangulaire parfaitement construite!).

Sur la tombe de Claude Sautet au cimetière Montparnasse, il est écrit : « Garder le calme devant la dissonance », voilà probablement la phrase qui définirait aussi le mieux son cinéma : d'abord parce que son cinéma est un cinéma de la dissonance, de l'imprévu, de la note inattendue dans la quotidienneté (ici, l'arrivée de David) et ensuite parce que cette épitaphe fait référence à la passion de Claude Sautet pour la musique. Claude Sautet a ainsi été critique musical au journal « Combat », un journal de la Résistance, il avait ainsi une vraie passion pour le jazz et pour Bach, notamment. Il a par ailleurs consacré un film entier à la musique, « Un cœur en hiver », (d'après un recueil de nouvelles de Lermontov : « Un héros de notre temps ») le meilleur selon moi tant les personnages y sont ambivalents, complexes, bref humains, et tout particulièrement le personnage de Stéphane interprété par Daniel Auteuil, le « cœur en hiver », pouvant donner lieu à une interprétation différente à chaque vision du film. Le tempo de ses films est ainsi réglé comme une partition musicale, impeccablement rythmée, une partition dont on a l'impression qu'en changer une note ébranlerait l'ensemble de la composition. C'est évidemment aussi le cas dans « César et Rosalie ».

« L'unité dans la diversité ». Pour qualifier le cinéma de Claude Sautet et l'unité qui le caractérise malgré une diversité apparente, nous pourrions ainsi paraphraser cette devise de l'Union européenne. Certes a priori, « L'arme à gauche » est un film très différent de « Vincent, François, Paul et les autres », pourtant si son premier film « Classe tous risques » est un polar avec Lino Ventura et Jean-Paul Belmondo (« Bonjour sourire », une comédie, a été renié par Claude Sautet qui n'en avait assuré que la direction artistique), nous pouvons déjà y trouver ce fond de mélancolie qui caractérise tous ses films. Tous ses films se caractérisent d'ailleurs aussi par le suspense (il était fasciné par Ford et Hawks ) : le suspense sentimental avant tout, concourant à créer des films toujours haletants et fascinants. Claude Sautet citait ainsi souvent la phrase de Tristan Bernard : « il faut surprendre avec ce que l'on attend ». On ne peut certainement pas reprocher au cinéma de Claude Sautet d'être démesurément explicatif, c'est au contraire un cinéma de l'implicite, des silences et du non-dit. Pascal Jardin disait de Claude Sautet qu'il « reste une fenêtre ouverte sur l'inconscient ».

Dans « Nelly et M. Arnaud » se noue ainsi une relation ambiguë entre un magistrat à la retraite, misanthrope et solitaire, et une jeune femme au chômage qui vient de quitter son mari. Au-delà de l'autoportrait ( Serrault y ressemble étrangement à Sautet ), c'est l'implicite d'un amour magnifiquement et pudiquement esquissé, composé jusque dans la disparition progressive des livres d'Arnaud, dénudant ainsi sa bibliothèque et faisant référence à sa propre mise à nu. La scène pendant laquelle Arnaud regarde Nelly dormir, est certainement une des plus belles scènes d'amour du cinéma: silencieuse, implicite, bouleversante. Le spectateur retient son souffle, le suspense, presque hitchcockien y est à son comble. Sautet a atteint la perfection dans son genre, celui qu'il a initié: le thriller des sentiments.

Les films de Sautet ont tous des points communs : le groupe, (dont « Vincent, François, Paul et les autres » est le film emblématique), des personnages face à leurs solitudes malgré ce groupe, des scènes de café,( « A chaque film, avouait Sautet, je me dis toujours : non, cette fois tu n'y tournes pas. Et puis, je ne peux pas m'en empêcher. Les cafés, c'est comme Paris, c'est vraiment mon univers. C'est à travers eux que je vois la vie. Des instants de solitude et de rêvasseries. ») les personnages filmés à travers les vitres de ces mêmes cafés, des scènes de pluie qui sont souvent un élément déclencheur, des scènes de colère (peut-être inspirées par les scènes de colère incontournables dans les films de Jean Gabin, Sautet ayant ainsi revu « Le jour se lève » ...17 fois en un mois!), des femmes combatives souvent incarnées par Romy Schneider puis par Emmanuelle Béart, des fins souvent ouvertes et avant tout un cinéma de personnages : César, Rosalie, Nelly, Arnaud, Vincent, François, Paul, Max, Mado, ...et les autres, des personnages égarés affectivement et/ou socialement, des personnages énigmatiques et ambivalents.

Claude Sautet, en 14 films, a imposer un style, des films inoubliables, un cinéma du désenchantement enchanteur, d'une savoureuse mélancolie, de l'ambivalence et de la dissonance jubilatoires, une symphonie magistrale dont chaque film est un morceau unique indissociable de l'ensemble. Il a signé aussi bien des "drames gais" avec « César et Rosalie », ou encore le trop méconnu, fantasque et extravagant « Quelques jours avec moi », un film irrésistible, parfois aux frontières de l'absurde, mais aussi des films plus politiques notamment le très sombre « Mado » dans lequel il dénonce l'affairisme et la corruption...

« Les films de Claude Sautet touchent tous ceux qui privilégient les personnages par rapport aux situations, tous ceux qui pensent que les hommes sont plus importants que ce qu'ils font (..). Claude Sautet c'est la vitalité. », disait Truffaut. Ainsi, personne mieux que Claude Sautet ne savait et n'a su dépeindre des personnages attachants, fragiles mais si vivants (à l'exception de Stephan interprété par Daniel Auteuil dans Un cœur en hiver, personnage aux émotions anesthésiées quoique...) comme le sont César et Rosalie.

Ici au contraire ce n'est pas « un cœur en hiver », mais un cœur qui bat la chamade et qui hésite, celui de Rosalie, qui virevolte avec sincérité, et qui emporte le spectateur dans ses battements effrénés. Et effectivement on retrouve cette vitalité, celle de la mise en scène qui épouse le rythme trépidant de César face au taciturne David. César qui pourrait agacer ( flambeur, gouailleur, lâche parfois) face à la fragilité et la discrétion de l'artiste David. Deux hommes si différents, voire opposés, dans leur caractérisation comme dans leur relation à Rosalie que Sautet dépeint avec tendresse, parfois plutôt une tendre cruauté concernant César.

Là se trouve la fantaisie, dans ce personnage interprété magistralement par Yves Montand, ou dans la relation singulière des trois personnages, si moderne. Un film qui n'est pas conventionnel jusque dans sa magnifique fin, ambiguë à souhait. Sans effets spéciaux. Simplement par la caractérisation ciselée de personnages avec leurs fêlures et leur déraison si humaines.

On a souvent dit de Claude Sautet était le peintre de la société des années 70 mais en réalité la complexité des sentiments de ses personnages disséquée avec une rare acuité est intemporelle. S'il est vrai que la plupart de ses films sont des tableaux de la société contemporaine, notamment de la société d'après 1968, et de la société pompidolienne, puis giscardienne, et enfin mitterrandienne, ses personnages et les situations dans lesquelles il les implique sont avant tout universels, un peu comme « La Comédie Humaine » peut s'appliquer aussi bien à notre époque qu'à celle de Balzac.

« César et Rosalie » est un film à l'image de son personnage principal qui insuffle ce rythme précis et exalté : truculent et émouvant, mélancolique et joyeux, exubérant et secret. Un film intemporel et libre, qui oscille entre le rire et les larmes, dans lequel tout est grave et rien n'est sérieux (devise crétoise, un peu la mienne aussi). Un film délicieusement amoral que vous devez absolument voir ou revoir ne serait-ce que pour y voir deux monstres sacrés (Romy Schneider et Yves Montand, l'une parfaite et resplendissante dans ce rôle de femme riche de contradictions moderne, amoureuse, indépendante, enjouée, et triste, incarnant à elle seule les paradoxes de ce « drame gai » ; l'autre hâbleur, passionné, cabotin, bavard, touchant face à Samy Frey silencieux, posé, mystérieux, séduisant mais tous finalement vulnérables, et les regards traversés de voiles soudains de mélancolie ) au sommet de leur art et pour entendre des dialogues aussi incisifs, précis que savoureux (comme pour le scénario également cosigné par Jean-Loup Dabadie)...

Claude Sautet disait lui-même que ses films n'étaient pas réalistes mais des fables. Son univers nous envoûte en tout cas, et en retranscrivant la vie à sa « fabuleuse » manière, il l'a indéniablement magnifiée. Certains lui ont reproché son classicisme, pour le manque de réflexivité de son cinéma, comme on le reprocha aussi à Carné dont Sautet admirait tant « Le jour se lève. » On lui a aussi reproché de toujours filmer le même milieu social (bourgeoisie quinquagénaire et citadine). Qu'importe ! Un peu comme l'ours en peluche du « Jour se lève » qui a un œil qui rit et un autre qui pleure, nous ressortons de ses films, entre rires et larmes, bouleversés, avec l'envie de vivre plus intensément encore car là était le véritable objectif de Claude Sautet : nous « faire aimer la vie »...et il y est parvenu, magistralement. Personne après lui n'a su nous raconter des « histoires simples » aux personnages complexes qui nous parlent aussi bien de « choses de la vie ».

Retrouvez également ma critique du film Les choses de la vie de Claude Sautet, ici.

Retrouvez ma critique de Un cœur en hiver de Claude Sautet, ici.

Après Goliath de Frédéric Tellier, La Brigade de Louis-Julien Petit, voici un troisième film que je vous recommande d’aller voir à l’occasion du Printemps du Cinéma (20 au 22 mars).

Brindille (Philippe Rebbot), Casquette (Antoine Bertrand) et La Flèche (Côme Levin) vivent comme ils peuvent, au jour le jour, dans le bois de Vincennes. Mais leur situation précaire devrait changer du tout au tout le jour où ils gagnent au Loto. Encore faut-il pouvoir encaisser l’argent, car sans domicile, pas de carte d’identité à jour et sans compte bancaire, pas de paiement !

Le rituel semble immuable pour Brindille et Casquette : la douche (à l’occasion de laquelle ils rencontreront La Flèche, ainsi baptisé en raison de son cerveau qui ne fonctionne pas vraiment à la vitesse de la lumière, et son indéfectible compagnon à 4 pattes dont je vous laisse découvrir le doux nom qui donnera lieu à quelques quiproquos), le loto, et la soirée sur le banc depuis lequel ils regardent les résultats diffusés à la télévision d’un appartement. C’est ainsi qu’ils découvrent qu’ils ont gagné. La Flèche ayant payé le loto, il leur faudra donc partager avec lui les gains…et les aventures…et mésaventures qui en découleront.

Cinq ans après Le petit locataire, Nadège Loiseau signe son deuxième long-métrage présenté en compétition au Festival International du Film de comédie de l'Alpe d'Huez qui, décidément, proposait cette année une programmation de qualité puisque le remarquable film de Louis-Julien petit, La Brigade, pour lequel Audrey Lamy a obtenu le prix d’interprétation féminine, figurait également parmi les films en compétition.

L’absurdité de l’administration à laquelle ils se heurtent est prétexte à des scènes aussi kafkaïennes que justes. Sans justificatif de domicile et de compte bancaire, il leur est en effet impossible de poser le chèque en banque et, sans papiers d’identité, il leur est impossible d’avoir un logement…

Paris, à l’exception de quelques plans, est un décor presque absent. Nadège Loiseau a préféré braquer sa caméra sur ceux qu’on ignore habituellement et qui y errent et y survivent pourtant, tant bien que mal.

Comme le film précité, le film de Nadège Loiseau est également une comédie sociale. Avec son coscénariste, Niels Rahou, elle a trouvé le ton juste, burlesque et tendre, pour nous émouvoir avec l’histoire d’amitié entre ces trois naufragés de la vie, tous trois tombés dans la précarité. Trois être fragiles, vulnérables, écorchés par la vie qu’un coup de chance va lier, eux qui en ont tant manqué. A priori, rien d’autre ne les relie si ce n’est l’expérience de la rue. Tout pourrait les opposer même.

L’un est tombé dans la précarité suite à une séparation et une dépression, un autre suite au décès de ses parents, fuyant ses familles d’accueil. Quant au troisième, Casquette, le mystère demeure quant aux raisons qui l’ont amené dans la rue et même son identité ne sera jamais dévoilée. Philippe Rebbot lui apporte son côté dégingandé,  lunaire et poétique, que l’on aimait déjà tant dans L’amour flou (le film puis la série). Dans le bois de Vincennes, il vit dans une cabane qui semble sorti d’un conte qui contraste avec l’appartement vide dans lequel ils aménagent, un lieu sans passé, où ils sont en quête d’avenir. Casquette, lui l’avenir, celui dont il rêve, c’est un tour du monde avec Brindille…qui a d’autres projets en tête…

Là, les trois se reconstituent une famille dont La Flèche est l’enfant inconséquent. Le personnage le plus attachant est celui incarné par le Québécois Antoine Bertrand. Ce gain va être pour lui le moyen de prendre un nouveau départ et de tenter de renouer avec ses enfants qu’il n’a pas vus depuis des années et qui ignorent même qu’il est en vie, ce qui donnera lieu à une scène absolument poignante.

A noter aussi, la présence lumineuse de Nadège Beausson-Diagne, qui semble tout droit sortie d’une bd et complète parfaitement cette étrange équipée.

Nadège Loiseau a trouvé la note juste, tragi-comique, lorgnant même parfois du côté de la fable, une note si complexe pour traiter d’un sujet aussi délicat. Ces trois blessés de la vie, sur le chemin de la résilience, nous accompagneront bien longtemps après le générique de fin, grâce à la remarquable interprétation de ses trois acteurs principaux qui donnent de la voix et de la visibilité à ceux qui en manquent cruellement.

Au cinéma le 16 mars 2022

1/ Nominations commentées

(retrouvez en bas de cet article le palmarès commenté mis à jour le 26/02/2022)

Ce soir, retransmise à 21h, sur Canal +, en direct de l'Olympia, aura lieu la 47ème cérémonie des César, un mois avant la cérémonie des Oscars qui se tiendra le 27 mars. Bien sûr, dans cet effroyable contexte de l’invasion de l’Ukraine et de la guerre, tout cela peut sembler futile et anecdotique, néanmoins nombreux sont les films en lice à nous rappeler que le cinéma est aussi cela : un moyen de mettre en lumière les ombres du monde (comme dans La Loi de Téhéran), de donner un coup de projecteur sur les maux de la société et des êtres (comme dans La Fracture, Médecin de nuit, Les Intranquilles...), souvent porté par une volonté sincère de changer les choses à l’exemple aussi d’ailleurs de films qui sortiront le mois prochain et dont je vous ai parlé il y a quelques jours comme Goliath de Frédéric Tellier ou La Brigade de Louis-Julien Petit.

L’édition 2021 des César avait été marquée par le contexte sanitaire et par la surprenante apparition de Corinne Masiero. Il ne fait aucun doute que la situation internationale s’invitera ce soir à L’Olympia.

Après Marina Foïs, ce sera Antoine de Caunes qui présentera la cérémonie cette année…pour la dixième fois, avec la volonté de « remettre le cinéma au cœur du dispositif, qu'on parle de cinéma, qu'on ait du plaisir à retourner dans les salles. »

C’est la scénariste et réalisatrice Danièle Thompson qui présidera la soirée.

 A l’image de l’affiche de cette édition, la cérémonie rendra hommage à Jean-Paul Belmondo ou encore à Bertrand Tavernier. La soirée sera dédiée à Gaspard Ulliel. Xavier Dolan lui rendra hommage.

Le César d’honneur sera attribué à Cate Blanchett.

Parmi les 2217 professionnels du cinéma proposés aux suffrages des votants de l’Académie, subsistent 126 nominations et forcément quelques oubliés qui auraient mérité d'y figurer que vous trouverez dans ma rubrique "Critiques des films à l'affiche en 2021" comme les remarquables Rose d'Aurélie Saada, My son de Christian Carion, L'Etat du Texas contre Melissa de Sabrina van Tassel ou encore Albatros de Xavier Beauvois.

Illusions perdues, la sublime adaptation de Balzac par Xavier Giannoli figure en tête des nominations,  15 fois en lice. Pour ce film, Xavier Giannoli était accompagné de Jacques Fieschi au scénario, il y avait donc déjà fort à parier que ce serait une réussite, l’un et l’autre ayant à leur actif des peintures ciselées des dissonances du cœur et des tourments de l’âme. Jacques Fieschi est en effet notamment le scénariste de Quelques jours avec moi, Un cœur en hiver, Nelly et Monsieur Arnaud, Place Vendôme, Mal de pierres, Un balcon sur la mer. Le casting est aussi pour beaucoup dans cette réussite. À commencer par Benjamin Voisin qui crevait déjà l'écran dans Eté 85 de François Ozon qui, au bout de quelques minutes, m’a fait oublier l’image de Lucien de Rubempré que je m’étais forgée. Le héros de Balzac aura désormais ses traits, sa naïveté, sa fougue, son cynisme, sa vitalité, sa complexité (c’est aussi une richesse de cette adaptation de ne pas en faire un personnage manichéen) auxquels il donne corps et âme avec une véracité déconcertante. Il EST Lucien qui évolue, grandit, se fourvoie puis chute, Lucien ébloui par ses ambitions et sa soif de revanche jusqu’à tout perdre, y compris ses illusions. Vincent Lacoste est tout aussi sidérant de justesse dans le rôle d’Etienne à la fois charmant et horripilant. Xavier Dolan aussi dans le rôle de Nathan, un personnage qui est une judicieuse idée parmi d’autres de cette adaptation. Jeanne Balibar est une Marquise d'Espard manipulatrice et perfide à souhait. Cécile de France est, comme toujours, parfaite. Gérard Depardieu en éditeur qui ne sait ni lire ni écrire mais très bien compter bouillonne et tonitrue avec ardeur, Louis-Do de Lencquesaing est irréprochable en patron de presse, Jean-François Stévenin aussi en cynique marchant de succès et d’échecs, sans oublier Salomé Dewaels, vibrante Coralie qui a l’intelligence du cœur qui se donne sans retenue, corps et âme, telle que je l’aurais imaginée. Il faudrait encore parler de la photographie de Christophe Beaucarne et de la musique, notamment de Schubert, qui achèvent de nous transporter dans ce monde d’hier qui ressemble à s’y méprendre à celui d’aujourd’hui. Cette adaptation d’un classique de la littérature qu’est Illusions perdues est tout sauf académique. Cette satire de l’arrivisme, du théâtre des vanités que furent et sont encore Paris et le monde des médias, des « bons » mots, armes vengeresses qui blessent et tuent parfois, est d’une modernité époustouflante comme l’était l’œuvre de Balzac. Bien sûr, comme le roman, l’adaptation de Giannoli n’est pas seulement une peinture sociale mais aussi un film d’amour condamné sur l’autel d’une fallacieuse réussite. « L'amour véritable offre de constantes similitudes avec l'enfance : il en a l'irréflexion, l'imprudence, la dissipation, le rire et les pleurs. » écrivit ainsi magnifiquement Balzac dans Illusions perdues. Si, comme moi, vous aimez passionnément Balzac, son écriture, ses peintures de la société et des sentiments et leurs illusions (nobles, sacrifiés, sublimés, éperdus, terrassés), alors cette adaptation parfois intelligemment infidèle mais toujours fidèle à l’esprit de l’œuvre devrait vous séduire. Et si vous ne connaissez pas encore ce roman alors la modernité, la beauté, la clairvoyance et la flamboyance de cette adaptation devraient vous donner envie de le dévorer surtout que vous ne verrez pas passer ces 2H29 absolument captivantes qui s’achèvent sur cette citation de Balzac terrible et sublime : « Je pense à ceux qui doivent trouver quelque chose en eux après le désenchantement ». Espérons que, comme cela est parfois arrivé à certains films multi-nommés lors de précédentes éditions, malgré ses 15 nominations, le film de Xavier Giannoli ne repartira pas bredouille.

Vient ensuite Annette avec 11 nominations, l’opéra-rock poétiquement sombre de Léos Carax. Cette expérience déroutante et flamboyante, lyrique, tragique, étourdissante, cruelle, captivante, ode au pouvoir de l’imaginaire et donc du cinéma, a récemment reçu deux Paris Film Critics Awards, l’un pour la photographie envoûtante de Caroline Champetier et l’autre pour la musique originale des Sparks, qui mériteraient aussi d’être récompensés lors de ces César. Adam Driver, nommé comme meilleur acteur, sera présent à la cérémonie.  Face à lui, des comédiens auxquels on doit aussi  de formidables prestations comme Damien Bonnard dans  Les intranquilles de Joachim Lafosse, Vincent Macaigne dans Médecin de nuit d' Elie Wajeman , ou encore Benoît Magimel dans De son vivant d'Emmanuelle Bercot.

Ensuite figure Aline de Valérie Lermercier  avec ses 10 nominations et Bac Nord de Cédric Jimenez  avec 7 nominations.

Le film de Catherine Corsini, La Fracture, a été nommé 6 fois. Catherine Corsini, une fois de plus, avec cette tragicomédie sociale, a su brillamment marier  et manier les genres cinématographiques et faire se côtoyer les mondes pour nous emporter avec elle dans ce tourbillon à la fois drôle et désespéré sur la fracture et les maux d’une époque. Un cri d’alerte retentissant et surtout clairvoyant. Les acteurs sont pour beaucoup dans cette réussite au premier rang desquels des comédiens non professionnels comme Aissatou Diallo Sagna (nommée au César de la meilleure actrice dans un second rôle). Elle est absolument bouleversante dans le rôle de l’infirmière Kim. Valeria Bruni-Tedeschi (nommée pour le César de la meilleure actrice) est une Raf à la fois exaspérante et touchante, égocentrique et attachante, et surtout blessée dans tous les sens du terme. Quant à Pio Marmaï (également nommé, pour le César du meilleur acteur), il incarne l’énergie du désespoir avec une conviction qui force l’admiration.

Notons également 5 nominations pour Boîte noire de Yann Gozlan qui narre l’histoire d’un Technicien au BEA, autorité responsable des enquêtes de sécurité dans l’aviation civile, Mathieu Vasseur (Pierre Niney, nommé pour le César du meilleur acteur) est propulsé enquêteur en chef sur une catastrophe aérienne sans précédent. Après un premier plan séquence vertigineux à l’intérieur de l’avion, ensuite pendant (presque) tout le film le point de vue est celui de Matthieu. Hermétique, méticuleux, même maniaque, n’esquissant jamais l’ombre d’un sourire, s’exprimant d’une voix atone. Comme dans Un homme idéal néanmoins, se dessine peu à peu le portrait d’un homme face à ses contradictions, ses failles, ses rêves brisés (les siens ou ceux que son père avait forgés pour lui) qui veut tout contrôler et qui semble perdre progressivement le contact avec la réalité. Dans les deux films, la réalisation de Yann Gozlan enserre le protagoniste pour souligner son enfermement mental. Déjà dans Un homme idéal les brillantes références étaient savamment distillées : Plein soleil, Match point, La Piscine, Tess, Hitchcock pour l’atmosphère, Chabrol pour l’auscultation impitoyable de la bourgeoisie… La mise en scène était déjà précise, signifiante et le scénario, terriblement efficace, allait à l’essentiel, ne nous laissant pas le temps de réfléchir, le spectateur ayant alors la sensation d’être claquemuré dans le même étau inextricable que Mathieu, aux frontières de la folie.  C’est ici à nouveau le cas avec un scénario signé Yann Gozlan, Simon Moutaïrou, Nicolas Bouvet. Un film sobre, intense, haletant, dans lequel le son et la musique de Philippe Rombi jouent un rôle à part entière. Un film qui s’inspire autant des héros melvilliens, des films noirs avec leur fatalité inexorable, que de Sydney Pollack et des thrillers des années 70. Dans le rôle de l’épouse glaciale (en écho à l’archétype de la femme fatale du film noir) toujours époustouflante et si différente à chaque rôle, Lou de Laâge, dont la carapace se fissure peu à peu, la froideur laissant finalement place à l’émotion qui la saisit, enfin, et nous saisit à l’issue de cette quête effrénée de vérité, où la machine comme l’homme laissent apparaître leurs failles. Un film palpitant, brillamment interprété, mis en scène et en « sons ».

L'événement d’Audrey Diwan est également nommé 4 fois et pourrait aussi figurer parmi les lauréats, le film ayant déjà remporté de nombreux prix comme le Lion d'Or à la Mostra de Venise.

 La palme d'or du dernier Festival de Cannes, Titane de Julia Ducournau, a également récolté 4 nominations.

Arthur Harari est, quant à lui, nommé 4 fois. Il a récemment reçu le prix du meilleur réalisateur aux Paris Films Critics Awards pour Onoda, 10 000 nuits dans la jungle, un prix que lui a remis Régis Wargnier qui a ainsi déclaré que : « La grande mise en scène se voit assez mais ne dépasse jamais le récit » et qui a qualifié Arthur Harari de «fils naturel de Lean et Kurosawa» tout en ajoutant que «C’est une folie de faire un film pareil.» Ce film est en effet une expérience, d’une lenteur paradoxalement palpitante, l’histoire vraie d’un Japonais qui, sur une île philippine, obsédé par une croyance obsessionnelle, a continué à se battre pendant des années après la fin de la Seconde Guerre mondiale, et cela malgré la reddition du Japon, ou la mise en scène inspirée d’une prison mentale ou d'un huis-clos dans un décor extérieur.

Seulement une nomination pour The Father de Florian Zeller (dans la catégorie César du meilleur film étranger) . Il y a parfois des brûlures nécessaires pour nous rappeler la glaçante vanité de l’existence mais aussi pour nous rappeler de ne pas oublier l’essentiel : les sentiments, la fugacité du bonheur et de la mémoire, la fuite inexorable du temps qu’une montre ne suffit pas à retenir (ce n’est pas un hasard si c’est l’objet auquel s’accroche tant Anthony), la fragilité des êtres car il n’y a guère que sur un tableau (qui d’ailleurs finira aussi par disparaître) qu’une petite fille court sans jamais vieillir, sans jamais s’abîmer, sans jamais devoir mourir. « Je ne me souviens plus du film, mais je me souviens des sentiments » entend-on ainsi le personnage incarné Jean-Louis Trintignant dire en racontant une anecdote à son épouse, victime d’une attaque cérébrale, dans Amour d’Haneke, film dans lequel ces deux octogénaires sont enfermés dans leur appartement, unis pour un ultime face à face, une lente marche vers la déchéance puis la mort. Un Impromptu de Schubert accompagne cette marche funèbre. Dans The Father, Anthony lui aussi a son appartement pour seul univers et la musique pour compagnie (Norma de Bellini, Les Pêcheurs de perles de Bizet). De l’autre côté de sa fenêtre, la vie s’écoule, immuable, rassurante, mais à l’intérieur de l’appartement, comme dans son cerveau, tout est mouvant, incertain, fragile, inquiétant. Un labyrinthe inextricable, vertigineux. Peu à peu le spectateur s’enfonce avec lui dans ce brouillard, plonge dans cette expérience angoissante. Les repères spatio-temporels se brouillent, les visages familiers deviennent interchangeables. Dans chaque instant du quotidien s’insinue une inquiétante étrangeté qui devient parfois une équation insoluble. Une mise en scène et en abyme de la folie qui tisse sa toile arachnéenne nous envahit et progressivement nous glace d’effroi.  Pour cela nul besoin d’artifices mais un scénario, brillant, de Christopher Hampton et Florian Zeller, qui nous fait expérimenter ce chaos intérieur. L’interprétation magistrale d’Anthony Hopkins y est aussi pour beaucoup, jouant de la confusion entre son personnage (qui s’appelle d’ailleurs, à dessein, Anthony) et l’homme vieillissant qui l’incarne. Comment ne pas être bouleversée quand The Father redevient un enfant inconsolable secoué de sanglots, réclamant que sa maman vienne le chercher, l’emmener loin de cette prison mentale et de cette habitation carcérale ? Quand je suis sortie de la salle, une chaleur, accablante, s’est abattue sur moi, ressentie comme une caresse, celle de la vie tangible et harmonieuse, une respiration après ce suffocant voyage intérieur, me rappelant cette phrase du film : « Et tant qu’il y a du soleil il faut en profiter car cela ne dure jamais. »   Une brûlure décidément nécessaire.  Pour mieux savourer la sérénité de ces feuilles qui bruissent, là, de l’autre côté de la fenêtre, avant ou après la tempête. Ou la beauté d’un Impromptu de Schubert.

Une seule nomination aussi pour Les choses humaines d'Yvan Attal, dans la catégorie du César de la meilleure adaptation. Ce film a presque inventé un genre, le thriller sociétal, qui dresse un tableau passionnant mais effrayant de notre société, dans laquelle des mondes se côtoient sans se comprendre, dans laquelle même dans l’ère post #Metoo des comportements inacceptables restent banalisés. Il questionne notre époque, et dans celle-ci le rapport à l’autre, à la vérité, au corps. Il en est un instantané brillant et nuancé. Un film qui fait confiance à l’intelligence du spectateur à qui il appartiendra de se forger une opinion après ce plan de la fin et ce visage, poignant, qui pour moi apporte une réponse sur ces faits qu’Yvan Attal a eu la brillante idée de laisser hors champ. Mais pour chacun sans doute cette réponse sera-t-elle différente. Et là réside aussi le mérite de ce film :  susciter le débat sur la manière dont chacun perçoit les « choses humaines ». Et les restituer dans toute leur ambivalence. Un film qui m’a laissée bouleversée et KO comme au dénouement d’un thriller, palpitant.

Un film en écho au poignant film de Charlène Favier, Slalom, qui mériterait également de trouver sa place au palmarès.

A noter également, 3 nominations pour Les magnétiques (pour Thimotée Robart dans la catégorie meilleur espoir masculin, dans la catégorie son, et comme meilleur premier film ) qui porte si bien son nom qui mériterait d’être récompensé ne serait-ce que pour le formidable travail sur le son.

Dans la catégorie meilleur premier film, il faudra aussi compter sur Gagarine de Fanny Liatard et Jérémy Trouilh,  un conte envoûtant qui nous embarque dans une sorte de rêve, en apesanteur, un périple qui nous évade de la réalité  comme le ferait un voyage interstellaire. Un film audacieux, métaphorique, onirique, fabuleux. Un film qui, tout en douceur, prône la résistance par le rêve et par la puissance de l'imaginaire et du cinéma pour faire face aux fracas de la réalité et pour ne pas quitter l'enfance.

Retrouvez l’ensemble des nominations ci-dessous.

2. Nominations et palmarès commenté (Article complété le 26/02/2022)

Au regard des nominations commentées ci-dessous, vous ne serez pas surpris que j’écrive à quel point ce palmarès me réjouit. Mais aussi que le cinéma ait été au centre de la cérémonie globalement réussie, sans égarements, et que la situation internationale n’ait pas non plus été oubliée, mentionnée par plusieurs lauréats (Vincent Maël Cardona, Cate Blanchett, Nelly Quettier) et aussi en ouverture par le maître de cérémonie :  « Ce que nous célébrons ce soir est précieux. Ce soir nous pensons aux Ukrainiens. Et soyons à la hauteur de la chance qu’ils n’ont pas. » Cette soirée a été un bel hommage au cinéma, à la salle de cinéma (« la magie de la salle de cinéma que jamais rien ne remplacera » comme l’a évoquée la présidente de cette 47ème édition, Danièle Thompson, et en écho le cri de colère de Arthur Harari, César du meilleur scénario original pour Onoda, 10 000 nuits dans la jungle qui a ainsi déclaré : « on ne va pas au supermarché pour avoir une émotion »). De cette édition, je retiendrai : les 7 César dont celui du meilleur film pour Illusions perdues de Xavier Giannoli (qui avait battu le record de nominations avec 15 citations) et 5 pour Annette dont celui de la meilleure réalisation pour Léos Carax, amplement mérités (cf ce que je vous disais ci-dessus sur ces deux films), le César du meilleur film étranger pour The Father de Florian Zeller, la reconnaissance du travail de scénariste du prolifique et si talentueux Jacques Fieschi, le vibrant hommage de Xavier Dolan à Gaspard Ulliel et l’évocation de la plaie béante du deuil dans une magnifique lettre ouverte adressée à la mère du disparu, la reconnaissance du talent magistral d’un acteur exceptionnel avec le sacre de Benoît Magimel mais aussi de la prestation d’une non professionnelle, Aissatou Diallo Sagna, dans la formidable tragicomédie de Catherine Corsini, La Fracture, le César du meilleur premier film pour Les Magnétiques, un film qui l’est tellement, justement magnétique, la classe de Cate Blanchett, la prestation enchanteresse des Sparks (récompensés pour la musique originale d’Annette), l’hommage trop court à Bertrand Tavernier au regard de son immense carrière… Et, malgré tout, une belle célébration du septième art, rudement éprouvé ces dernières années, qui a mis en lumière la richesse et la diversité du cinéma français.

Je vous laisse découvrir le palmarès complet ci-dessous.

CÉSAR DE LA MEILLEURE ACTRICE

LEÏLA BEKHTI dans LES INTRANQUILLES

VALERIA BRUNI TEDESCHI dans LA FRACTURE

LAURE CALAMY dans UNE FEMME DU MONDE

VIRGINIE EFIRA dans BENEDETTA

VICKY KRIEPS dans SERRE MOI FORT

VALÉRIE LEMERCIER dans ALINE

LÉA SEYDOUX dans FRANCE

 CÉSAR DU MEILLEUR ACTEUR

DAMIEN BONNARD dans LES INTRANQUILLES

ADAM DRIVER dans ANNETTE

GILLES LELLOUCHE dans BAC NORD

VINCENT MACAIGNE dans MÉDECIN DE NUIT

BENOÎT MAGIMEL dans DE SON VIVANT

PIO MARMAÏ dans LA FRACTURE

PIERRE NINEY dans BOÎTE NOIRE

CÉSAR DE LA MEILLEURE ACTRICE DANS UN SECOND RÔLE

JEANNE BALIBAR dans ILLUSIONS PERDUES

CÉCILE DE FRANCE dans ILLUSIONS PERDUES

AISSATOU DIALLO SAGNA dans LA FRACTURE

ADÈLE EXARCHOPOULOS dans MANDIBULES

DANIELLE FICHAUD dans ALINE

CÉSAR DU MEILLEUR ACTEUR DANS UN SECOND RÔLE

FRANÇOIS CIVIL dans BAC NORD

XAVIER DOLAN dans ILLUSIONS PERDUES

VINCENT LACOSTE dans ILLUSIONS PERDUES

KARIM LEKLOU dans BAC NORD

SYLVAIN MARCEL dans ALINE

CÉSAR DU MEILLEUR ESPOIR FÉMININ

NOÉE ABITA dans SLALOM

SALOMÉ DEWAELS dans ILLUSIONS PERDUES

AGATHE ROUSSELLE dans TITANE

ANAMARIA VARTOLOMEI dans L’ÉVÉNEMENT

LUCIE ZHANG dans LES OLYMPIADES

CÉSAR DU MEILLEUR ESPOIR MASCULIN

SANDOR FUNTEK dans SUPRÊMES

SAMI OUTALBALI dans UNE HISTOIRE D’AMOUR ET DE DÉSIR

THIMOTÉE ROBART dans LES MAGNÉTIQUES

MAKITA SAMBA dans LES OLYMPIADES

BENJAMIN VOISIN dans ILLUSIONS PERDUES

CÉSAR DU MEILLEUR SCÉNARIO ORIGINAL

VALÉRIE LEMERCIER, BRIGITTE BUC pour ALINE

LEOS CARAX, RON MAEL, RUSSELL MAEL pour ANNETTE

YANN GOZLAN, SIMON MOUTAÏROU, NICOLAS BOUVET-LEVRARD pour BOÎTE NOIRE

CATHERINE CORSINI, LAURETTE POLMANSS, AGNÈS FEUVRE pour LA FRACTURE

ARTHUR HARARI, VINCENT POYMIRO pour ONODA, 10 000 NUITS DANS LA JUNGLE

CÉSAR DE LA MEILLEURE ADAPTATION

YAËL LANGMANN, YVAN ATTAL pour LES CHOSES HUMAINES

AUDREY DIWAN, MARCIA ROMANO pour L’ÉVÉNEMENT

XAVIER GIANNOLI, JACQUES FIESCHI pour ILLUSIONS PERDUES

CÉLINE SCIAMMA, LÉA MYSIUS, JACQUES AUDIARD pour LES OLYMPIADES

MATHIEU AMALRIC pour SERRE MOI FORT

CÉSAR DE LA MEILLEURE MUSIQUE ORIGINALE

RON MAEL, RUSSELL MAEL pour le groupe Sparks pour ANNETTE

GUILLAUME ROUSSEL pour BAC NORD

PHILIPPE ROMBI pour BOÎTE NOIRE

RONE pour LES OLYMPIADES

WARREN ELLIS, NICK CAVE pour LA PANTHÈRE DES NEIGES

CÉSAR DU MEILLEUR SON

OLIVIER MAUVEZIN, ARNAUD ROLLAND, EDOUARD MORIN, DANIEL SOBRINO pour ALINE

ERWAN KERZANET, KATIA BOUTIN, MAXENCE DUSSÈRE, PAUL HEYMANS, THOMAS GAUDER

pour ANNETTE

NICOLAS PROVOST, NICOLAS BOUVET-LEVRARD, MARC DOISNE pour BOÎTE NOIRE

FRANÇOIS MUSY, RENAUD MUSY, DIDIER LOZAHIC pour ILLUSIONS PERDUES

MATHIEU DESCAMPS, PIERRE BARIAUD, SAMUEL AÏCHOUN pour LES MAGNÉTIQUES

CÉSAR DE LA MEILLEURE PHOTO

CAROLINE CHAMPETIER pour ANNETTE

CHRISTOPHE BEAUCARNE pour ILLUSIONS PERDUES

PAUL GUILHAUME pour LES OLYMPIADES

TOM HARARI pour ONODA, 10 000 NUITS DANS LA JUNGLE

RUBEN IMPENS pour TITANE

CÉSAR DU MEILLEUR MONTAGE

NELLY QUETTIER pour ANNETTE

SIMON JACQUET pour BAC NORD

VALENTIN FÉRON pour BOÎTE NOIRE

FRÉDÉRIC BAILLEHAICHE pour LA FRACTURE

CYRIL NAKACHE pour ILLUSIONS PERDUES

CÉSAR DES MEILLEURS COSTUMES

CATHERINE LETERRIER pour ALINE

PASCALINE CHAVANNE pour ANNETTE

MADELINE FONTAINE pour DÉLICIEUX

THIERRY DELETTRE pour EIFFEL

PIERRE-JEAN LARROQUE pour ILLUSIONS PERDUES

CÉSAR DES MEILLEURS DÉCORS

EMMANUELLE DUPLAY pour ALINE

FLORIAN SANSON pour ANNETTE

BERTRAND SEITZ pour DÉLICIEUX

STÉPHANE TAILLASSON pour EIFFEL

RITON DUPIRE-CLÉMENT pour ILLUSIONS PERDUES

CÉSAR DES MEILLEURS EFFETS VISUELS

SÉBASTIEN RAME pour ALINE

GUILLAUME PONDARD pour ANNETTE

OLIVIER CAUWET pour EIFFEL

ARNAUD FOUQUET, JULIEN MEESTERS pour ILLUSIONS PERDUES

MARTIAL VALLANCHON pour TITANE

CÉSAR DE LA MEILLEURE RÉALISATION

VALÉRIE LEMERCIER pour ALINE

LEOS CARAX pour ANNETTE

CÉDRIC JIMENEZ pour BAC NORD

AUDREY DIWAN pour L’ÉVÉNEMENT

XAVIER GIANNOLI pour ILLUSIONS PERDUES

ARTHUR HARARI pour ONODA, 10 000 NUITS DANS LA JUNGLE

JULIA DUCOURNAU pour TITANE

CÉSAR DU MEILLEUR FILM DE COURT MÉTRAGE D’ANIMATION

EMPTY PLACES

réalisé par GEOFFROY DE CRÉCY,

produit par NICOLAS SCHMERKIN

FOLIE DOUCE, FOLIE DURE

réalisé par MARINE LACLOTTE,

produit par CHRISTIAN PFOHL

LE MONDE EN SOI

réalisé par SANDRINE STOÏANOV, JEAN-CHARLES FINCK,

produit par JÉRÔME BARTHÉLEMY, DANIEL SAUVAGE

PRÉCIEUX

réalisé par PAUL MAS,

produit par MARC JOUSSET, PERRINE CAPRON

CÉSAR DU MEILLEUR FILM DE COURT MÉTRAGE DOCUMENTAIRE

AMERICA

réalisé par GIACOMO ABBRUZZESE,

produit par SÉBASTIEN HUSSENOT, MARIE SAVARE DE LAITRE

LES ANTILOPES

réalisé par MAXIME MARTINOT,

produit par QUENTIN BRAYER

LA FIN DES ROIS

réalisé par RÉMI BRACHET,

produit par JOSÉPHINE MOURLAQUE, ANTOINE SALOMÉ

MAALBEEK

réalisé par ISMAËL JOFFROY CHANDOUTIS,

produit par LIONEL MASSOL, PAULINE SEIGLAND, JULES REINARTZ, MAXENCE VOISEUX

CÉSAR DU MEILLEUR FILM DE COURT MÉTRAGE DE FICTION

L’ÂGE TENDRE

réalisé par JULIEN GASPAR-OLIVERI,

produit par HÉLÈNE MITJAVILE

LE DÉPART

réalisé par SAÏD HAMICH BENLARBI,

produit par SOPHIE PENSON

DES GENS BIEN

réalisé par MAXIME ROY,

produit par ALICE BLOCH

LES MAUVAIS GARÇONS

réalisé par ELIE GIRARD,

produit par LIONEL MASSOL, PAULINE SEIGLAND

SOLDAT NOIR

réalisé par JIMMY LAPORAL-TRÉSOR,

produit par MANUEL CHICHE, VIOLAINE BARBAROUX, NICOLAS BLANC, SARAH EGRY

CÉSAR DU MEILLEUR FILM D’ANIMATION

MÊME LES SOURIS VONT AU PARADIS

réalisé par DENISA GRIMMOVÁ, JAN BUBENICEK,

coproducteurs France ALEXANDRE CHARLET, JONATHAN HAZAN

LE SOMMET DES DIEUX

réalisé par PATRICK IMBERT,

produit par JEAN-CHARLES OSTORERO, DIDIER BRUNNER, DAMIEN BRUNNER

LA TRAVERSÉE

réalisé par FLORENCE MIAILHE,

produit par DORA BENOUSILIO, LUC CAMILLI

CÉSAR DU MEILLEUR FILM DOCUMENTAIRE

ANIMAL

réalisé par CYRIL DION,

produit par GUILLAUME THOURET, CÉLINE ROUX, PATRICE LORTON, JEAN-MARIE MICHEL,

THOMAS BÉNET, CYRIL DION, PATRICK FOURNIER

BIGGER THAN US

réalisé par FLORE VASSEUR,

produit par DENIS CAROT, FLORE VASSEUR

DEBOUT LES FEMMES !

réalisé par GILLES PERRET, FRANÇOIS RUFFIN,

produit par THIBAULT LHONNEUR

INDES GALANTES

réalisé par PHILIPPE BÉZIAT,

produit par PHILIPPE MARTIN, DAVID THION

LA PANTHÈRE DES NEIGES

réalisé par MARIE AMIGUET, VINCENT MUNIER,

produit par LAURENT BAUJARD, PIERRE-EMMANUEL FLEURANTIN, VINCENT MUNIER

CÉSAR DU MEILLEUR PREMIER FILM

GAGARINE

réalisé par FANNY LIATARD, JÉRÉMY TROUILH,

produit par JULIE BILLY, CAROLE SCOTTA

LES MAGNÉTIQUES

réalisé par VINCENT MAËL CARDONA,

produit par MARC-BENOÎT CRÉANCIER, TOUFIK AYADI, CHRISTOPHE BARRAL

LA NUÉE

réalisé par JUST PHILIPPOT,

produit par THIERRY LOUNAS, MANUEL CHICHE

LA PANTHÈRE DES NEIGES

réalisé par MARIE AMIGUET, VINCENT MUNIER,

produit par LAURENT BAUJARD, PIERRE-EMMANUEL FLEURANTIN, VINCENT MUNIER

SLALOM

réalisé par CHARLÈNE FAVIER,

produit par ÉDOUARD MAURIAT, ANNE-CÉCILE BERTHOMEAU

CÉSAR DU MEILLEUR FILM ÉTRANGER

COMPARTIMENT N°6

réalisé par JUHO KUOSMANEN,

distribution France HAUT ET COURT DISTRIBUTION

DRIVE MY CAR

réalisé par RYÛSUKE HAMAGUCHI,

distribution France DIAPHANA DISTRIBUTION

FIRST COW

réalisé par KELLY REICHARDT,

distribution France CONDOR DISTRIBUTION

JULIE (EN 12 CHAPITRES)

réalisé par JOACHIM TRIER,

coproduction France MK PRODUCTIONS (Nathanaël Karmitz, Juliette Schrameck, Elisha Karmitz)

LA LOI DE TÉHÉRAN

réalisé par SAEED ROUSTAEE,

distribution France WILD BUNCH DISTRIBUTION

MADRES PARALELAS

réalisé par PEDRO ALMODÓVAR,

distribution France PATHÉ

THE FATHER

réalisé par FLORIAN ZELLER,

coproduction France F COMME FILM (Jean-Louis Livi), CINÉ-@. (Philippe Carcassonne)

CÉSAR DU MEILLEUR FILM 

ALINE

produit par EDOUARD WEIL, ALICE GIRARD, SIDONIE DUMAS,

réalisé par VALÉRIE LEMERCIER

ANNETTE

produit par CHARLES GILLIBERT,

réalisé par LEOS CARAX

BAC NORD

produit par HUGO SÉLIGNAC,

réalisé par CÉDRIC JIMENEZ

L’ÉVÉNEMENT

produit par EDOUARD WEIL, ALICE GIRARD,

réalisé par AUDREY DIWAN

LA FRACTURE

produit par ELISABETH PEREZ,

réalisé par CATHERINE CORSINI

ILLUSIONS PERDUES

produit par OLIVIER DELBOSC, SIDONIE DUMAS,

réalisé par XAVIER GIANNOLI

ONODA, 10 000 NUITS DANS LA JUNGLE

produit par NICOLAS ANTHOMÉ, LIONEL GUEDJ,

réalisé par ARTHUR HARARI

* Les 7 films nommés au César du Meilleur Film seront également soumis au vote de 1866 lycéens pour le César des Lycéens.

DECOMPTE DES NOMINATIONS

15 pour ILLUSIONS PERDUES

11 pour ANNETTE

10 pour ALINE

7 pour BAC NORD

6 pour LA FRACTURE

5 pour BOÎTE NOIRE

5 pour LES OLYMPIADES

4 pour L’ÉVÉNEMENT

4 pour ONODA, 10 000 NUITS DANS LA JUNGLE

4 pour TITANE

3 pour EIFFEL

3 pour LES MAGNÉTIQUES

3 pour LA PANTHÈRE DES NEIGES

2 pour DÉLICIEUX

2 pour LES INTRANQUILLES

2 pour SERRE MOI FORT

2 pour SLALOM

1 pour L’ÂGE TENDRE

1 pour AMERICA

1 pour ANIMAL

1 pour LES ANTILOPES

1 pour BENEDETTA

1 pour BIGGER THAN US

1 pour LES CHOSES HUMAINES

1 pour COMPARTIMENT N°6

1 pour DE SON VIVANT

1 pour DEBOUT LES FEMMES !

1 pour LE DÉPART

1 pour DES GENS BIEN

1 pour DRIVE MY CAR

1 pour EMPTY PLACES

1 pour LA FIN DES ROIS

1 pour FIRST COW

1 pour FOLIE DOUCE, FOLIE DURE

1 pour FRANCE

1 pour GAGARINE

1 pour INDES GALANTES

1 pour JULIE (EN 12 CHAPITRES)

1 pour LA LOI DE TÉHÉRAN

1 pour MAALBEEK

1 pour MADRES PARALELAS

1 pour MANDIBULES

1 pour LES MAUVAIS GARÇONS

1 pour MÉDECIN DE NUIT

1 pour MÊME LES SOURIS VONT AU PARADIS

1 pour LE MONDE EN SOI

1 pour LA NUÉE

1 pour PRÉCIEUX

1 pour SOLDAT NOIR

1 pour LE SOMMET DES DIEUX

1 pour SUPRÊMES

1 pour THE FATHER

1 pour LA TRAVERSÉE

1 pour UNE FEMME DU MONDE

1 pour UNE HISTOIRE D’AMOUR ET DE DÉSIR

TOTAL : 126 NOMINATIONS