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  • "In the mood for cinema" sur France Inter

      medium_inter.JPGBienvenue aux auditeurs de France Inter qui découvriraient « In the mood for cinema » suite à l’émission « Blog à part » de David Abiker et Alexandre Boussageon  qui y a été consacrée ce matin. Comme juste deux questions aussi étranges et anodines qu’expéditives m’ont été posées par ce dernier, par téléphone de surcroît, et que ma réponse devait être encore plus  inintéressante, vous en saurez plus et mieux en parcourant ce blog et notamment les rubriques « Editorial » et « A propos » qui vous en diront davantage quant à ses objectifs.

    A cette occasion, un article musical…et un peu cinématographique aussi, forcément, au sujet du magnifique concert de Vincent Delerm, à La Cigale, ci-dessous.

    Bon voyage sur « In the mood for cinema ». En espérant vous  y revoir, souvent.

    Cinématographiquement vôtre.

    Sandra.M

  • Vincent Delerm à La Cigale: des concerts "In the mood for cinema"

    Un soir de 29 novembre à La Cigale

     

    medium_delerm2.JPGC’était un soir de novembre à la Cigale,

    D’ailleurs cela a commencé par leurs voix si musicales

    Avec aussi le charme suranné d’images un peu jaunies

    Sur un rideau blanc quand même un peu décrépi

    Puis, l’un s’évanouit, l’autre apparut à nos yeux attendris, tout ouïe aussi

    Dans une salle qui aurait pu être de Chatenay Malabry

    Ou recevoir l’archevêque de Canterbury

    Mais c’était dans mon impitoyablement belle ville de Paris

    Là où le faux pas n’est pas permis 

    medium_delerm1.JPGOù, pour presque rien,

    Cela peut s’achever en dénouement shakespearien

    Et puis des piqûres d’araignées

    Au doux présent nous ont ramenés

    A la poésie d’une époque un peu désenchantée

    Alors, son regard aiguisé il a baladé

    Avec son allure élégamment dégingandée

    Sur son époque passée enchantée

    Qu’il sait si joliment nous faire partager, regretter

    Sur son époque actuelle

    Sur laquelle il pose et ose son regard faussement cruel

    Avec sa voix devenue mélodieuse

    Sublimée par les notes de son piano, langoureuses

    Comme de belles et filmiques histoires

    Qu’il conterait à d’éternels enfants dans le noir

    Toujours l’ironie au bord des lèvres

    La pudeur de celui  qui ne renonce pas aux rêves

    Qui sait que l’enfance est à jamais révolue

    Celle qui ne l’a jamais autant ému

    Qu’il nous appartient d’en garder toujours la folie

    De la raviver par notre goût immodéré d’envies, en vie,

    Qui cache sa nostalgie derrière une douce ironie

    Raillant Renaud, les capricornes, les koalas, juste la vie, surtout lui

    Hitchcock Truffaut les entretiens

    Ca aussi, nous avons en commun

    Cela ressemblait à un film de Fellini

    Avec lui, nous sommes allés en Italie

    Cela ressemblait à du Woody Allen

    L’humour pour si bien cacher ses peines

    Cela ressemblait à du Chaplin, simplement finalement à Delerm

    Qui, de sa plume, a capturé les plaies des temps modernes

    Empreint de toute la nostalgie de Truffaut

    Cela ressemblait  à un film avec Jean-Pierre Léaud

    Qui se regarde et s’écoute comme un film d’antan

    Aussi captivant que la voix suave de Fanny Ardant

    On aurait dit ce film avec Charles Denner

    Dont il aurait pu composer l’air

    Cela ressemblait à du cinéma

    Il devrait passer derrière la caméra

    Et puis son air quelque peu distant

    Peut-être intimidé par la présence de son Philippe de parent

    Ou simplement l’humilité maladroite du talent

    Lecteurs du Figaro Madame ou de Libé

    A sa place le public l’a trop timidement entonné

    Par des diapos pourtant bien aidé

    Pour, avec lui, se retrouver en natation synchronisée

    Il a pourtant  finalement si bien su l’envoûter, l’électriser

    Malgré l’air un peu blasé

    De certains Parisiens bobos par Renaud raillés

    Ou de provinciaux qui ont Sardou manqué

    Et se sont à La Cigale égarés

    Disant Delerm c’est bien mais faut aimer Delerm

    A moins qu’ils n’aient eu la déveine

    De dîner auparavant avec Anita Pettersen

    Réveillés quand même par le duo avec Fersen

    Qui nous a entraînés dans sa rengaine

    La salle a enfin trouvé son entrain

    Enchaînant les rappels, tapant dans les mains

    Pour oublier le petit matin, en vain

    Car, forcément, il succèderait, chagrin

    A ce soir  qu’on aurait cru sans lendemain

    J’aurais aimé faire la peau

    Aux maudits qui remettaient trop tôt leurs manteaux

    Avant même le rideau, le dernier écho

    Habitués à zapper, passer, décrier, éluder

    Prisonniers encore de leurs piètres et opiniâtres réalités

    Si pressés toujours de la retrouver

    Métro Boulot Dodo

    Finalement des amateurs égarés de la dame au chapeau

    medium_delerm3.JPGSurtout ne pas rater le dernier métro

    Finalement d’autres admirateurs de Truffaut

    Pourtant le repos arrive bien assez tôt

    Pour se priver de celui des maux

    Engloutis dans cette avalanche de jolies nostalgies

    Pas seulement de Chatenay Malabry

    Déjà, encore, j’étais ailleurs, sur le quai des Grands Augustins,

    Avec peut-être un livre de Modiano à la main

    Et tant de rêves dans ma tête

    Qui plus que jamais chantaient à tue-tête

    Quelque chose comme un air de fête

    Et puis, il le fallait alors je suis sortie

    Avec une image improbable de mariachis

    Enveloppée aussi d’un voile d’une réconfortante mélancolie

    Suscitée par son enchanteresse poésie

    Moi et mes rêves à la folie

    Qui crois aux quatrièmes de couverture

    Qui peuvent effacer toutes les blessures

    Qui sais les soirs d’été à Ambroise Paré

    Mais aussi que tout peut en un jour changer, révéler, réveiller

    Ignorant la chaleur ou le froid ou la pluie

    Ignorant si j’étais à Paris ou Chatenay Malabry

    En rentrant, j’ai admiré plus que jamais l'incomparable charme germanopratin

    Tiens, tiens le quai des Grands Augustins

    Après être passée devant le Carrousel illuminé

    De son incomparable beauté auréolé

    Comme une chanson de Delerm un soir d’été

    Insatiable esthète acharnée

    Si seulement c’était un métier

    Je dois avouer avoir quelques chansons absentes regretté

    Ainsi, j’aurais aimé savourer sa délicieuse heure du thé

    Entendre la voix de Jean-Louis

    Voir le visage de Fanny, aussi

    C’était un soir à La Cigale

    Avec celui que j’ai découvert par son imitateur intarissable

    medium_photosordi_165.jpgDans le Deauville  de Trintignant, subrepticement ensorcelant

    Celui qui n’est jamais décevant

    Le mien celui qui suspend le vol du temps,

    Je vous écris dans le silence qui s’installe

    Le silence lénifiant après un doux soir à la Cigale,

    Dé(i)fiant le temps, la réalité,  l’ennui

    Un moment de poésie, un beau moment de vie, de nostalgie, de mélancolie, de rêveries

    Juste envie de dire merci. Allez-y. Courrez-y.

    Malgré la ville normale

    Malgré les voitures banales

    Il y aura toujours le chant des cigales

    C’était juste et tellement un soir de novembre inoubliable à La Cigale

    medium_de4.jpgVincent Delerm est à La Cigale, à Paris, du 21 novembre au 9 décembre 2006, tous les soirs, à 20H (29,70 euros la place) et sera ensuite en tournée dans toute la France.

    Renseignements et réservations sur http://www.lacigale.fr

    Site officiel de Vincent Delerm

    Blog consacré à Vincent Delerm

     

    Sandra.M

  • Suspendre le vol du temps avec "Le prestige" de Christopher Nolan ou "Perhaps love" de Peter Chan Ho-sun

    medium_prestige.jpgDepuis qu’il avait été primé pour Following lors du 10ème Festival du Film Britannique de Dinard 1999 dont j’avais eu la chance de faire partie du jury cette même année, je suis avec beaucoup d’intérêt la carrière de Christopher Nolan qui, ensuite, avec Memento avait confirmé sa singularité et son indéniable talent. J’attendais donc avec beaucoup d’impatience cette adaptation du roman de Christopher Priest, aux sujet et casting alléchants.

     L’intrigue se déroule à Londres, au début du siècle dernier. Un magicien, Robert Angier (Hug Jackman), meurt lors de son tour emblématique qui électrise les foules « le nouveau transporteur ». Son rival, Alfred Borden (Christian Bale), est accusé et emprisonné.  Robert Angier et Alfred Borden sont deux magiciens qui s’opposent d’abord amicalement puis avec une haine et un orgueil vengeurs lorsque Borden aura, par ambition pour son art, provoqué accidentellement la mort de l’épouse d’Angier. L’envie de surpasser l’autre et de provoquer sa ruine va alors devenir obsessionnelle et l’assistante d’Angier, Olivia, (Scarlette Johansson) qui sera ensuite celle de Borden va être l’instrument de la passion dévorante des deux hommes pour leur art …

    Le prestige c’est le dernier acte d’un tour de magie. Le premier acte, la promesse présente au public une situation banale. Le deuxième c’est le revirement, l’extraordinaire. Enfin c’est le prestige, le dernier acte, le plus fascinant.  Le film est lui-même construit à l’image de ces trois actes, étant tout entier une formidable métaphore d’un tour de magie d’abord, de la magie du cinéma ensuite. Le spectateur se trouve alors dans la même situation que le spectateur des spectacles d’Angier et Borden : intrigué puis admiratif puis fasciné.

    « Vous n’avez pas envie de comprendre, vous avez envie d’être dupé ». Cette voix off pourrait s’appliquer aussi bien au cinéma qu’au spectacle auquel assistent les spectateurs des tours de magie d’Angier et Borden. Le spectateur a tous les indices sous les yeux et ne voit que ce qu’il a envie de voir, pourtant la clef, il l’a, dès le premier plan du film, celui de ces multiples chapeaux amoncelés, et dans de nombreux plans suivants. Mais il préfère se laisser embarquer, oublier que le temps passe, oublier qu’il y a une clef au mystère, oublier que c’est du cinéma, oublier la réalité, tout simplement.

     Un prestigieux divertissement que l’on regarde comme un tour de passe-passe avec des yeux d’enfants écarquillés. Un prestigieux divertissement et pas seulement : on se demande aussi jusqu’où, jusqu’à quels sacrifices on peut aller par amour pour son art, quel qu’il soit, presque jusqu’au déni de soi-même en l’occurrence.  C’est ce qui, aussi, de prime abord différencie les deux magiciens : l’un est prêt à tous les sacrifices. L’autre, non. Mais jusqu’à quel point le désir de vengeance mais surtout la passion pour leur art, leur obsession de vaincre l’autre, l’orgueil vont-ils les pousser à enfreindre les règles qu’ils s’étaient fixés? Jusqu’au point de non retour, peut-être, quoique rien n’y est jamais certain ou univoque…

    Ce Prestige est un film en trompe l’œil, une véritable symphonie visuelle à laquelle Londres sert de cadre dans une atmosphère obscure et envoûtante. A vous de voir si vous ne voulez rien voir… A vous de choisir si vous préférez être dupés ou comprendre, si vous préférez le prestige ou la vérité, si vous préférez le cinéma ou la réalité, le fantastique ou la science.

    En tout cas, un film ensorcelant et captivant qui joue avec notre regard et notre attention notamment par des flash-backs qu’affectionne d’ailleurs Christopher Nolan, une brillante métaphore et démonstration de la magie…du cinéma que je vous recommande vivement.

     En Février sortira The Illusionist d’Edward Norton présenté au dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville. On y retrouve cette même atmosphère sombre. Des deux, je vous recommande  néanmoins le premier, le second vaut le déplacement uniquement pour la formidable performance d’Edward Norton.

    A noter : David Bowie interprète Tesla, qui a véritablement existé et découvert le champ magnétique rotatif.

    medium_perhaps_love.JPG Puisqu’il est question de divertissement, j’en profite pour vous recommander un film présenté en avant-première au dernier Festival du Film Asiatique de Deauville qui avait recueilli le lotus d’or…des applaudissements ! C’est une comédie musicale du Hongkongais Peter Chan Ho-sun intitulée Perhaps love qui entraîne le spectateur dans un univers chatoyant, enchanté et enchanteur.

    Pékin, il y a longtemps…Lin Jiang Dong souhaite faire carrière dans le cinéma quand il tombe amoureux de la jolie Sun Na, danseuse dans un bar. Elle aussi espère un jour briller à l’écran… 

     

    Avec cette comédie musicale romantique et virevoltante, au rythme soutenu, Peter Ho-Sun Chan a su nous éblouir sans nous aveugler ou nous tromper, ayant construit un véritable scénario dont la fin peut rappeler celle du sublime Casablanca de Michael Curtiz dont les amateurs ne pourront qu’être charmés par ce Perhaps love mais aussi les amoureux du septième art puisque Perhaps love est aussi une mise en abyme lyrique au rythme époustouflant.

    Sandra.M
  • Les "Coeurs" en hiver d'Alain Resnais

     medium_coeurs.4.JPGLe film choral est à la mode. Alain Resnais, cinéaste emblématique de la modernité, ne suit pas les modes mais les initie, encore. Malgré le temps, sa modernité n’a pas pris une ride et de ce point de vue du haut de ses 83 ans, mais surtout du haut de ses innombrables chefs d’œuvre (Hiroshima, mon amour,  L’année dernière à Marienbad, Nuit et brouillard, On connaît la chanson, Smoking, no smoking, Je t’aime, je t’aime et tant d’autres), il reste le plus jeune des cinéastes. Coeurs est l'adaptation de Private fears in public places, une pièce de théâtre de l'auteur anglais Alain Ayckbourn dont Alain Resnais avait déjà adapté en 1993 une autre de ses oeuvres, pour en faire Smoking, No smoking. Ce film, choral donc, croise les destins de six « cœurs en hiver » dans le quartier de la Grande Bibliothèque, quartier froid, moderne et impersonnel, sous la neige du début à la fin du film. La neige, glaciale, évidemment. La neige qui incite à se presser, à ne pas voir, à ne pas se rencontrer, à fuir l’extérieur. C’est donc à l’intérieur qu’il faut chercher la chaleur. Normalement. A l’intérieur qu’on devrait se croiser donc. Alors, oui, on se croise mais on ne se rencontre pas vraiment. C’est probablement d’On connaît la chanson que se rapproche le plus ce film, en particulier pour la solitude des personnages. Le dénouement est pourtant radicalement différent et avec les années qui séparent ces deux films la légèreté s’est un peu évaporée. Ainsi, dans On connaît la chanson les personnages chantent. Là, ils déchantent plutôt. Ils sont en quête surtout. En quête de désirs. De désir de vivre, surtout, aussi. Même dans un même lieu, même ensemble, ils sont constamment séparés : par un rideau de perle, par la neige, par une séparation au plafond, par une cloison en verre, par des couleurs contrastées, par des cœurs qui ne se comprennent plus et ne battent plus à l’unisson. Non, ces cœurs-là ne bondissent plus. Ils y aspirent pourtant. Le coeur se serre plus qu’il ne bondit. A cause des amours évanouis. Des parents disparus. Du temps passé. Ils sont enfermés dans leur nostalgie, leurs regrets même si la fantaisie et la poésie affleurent constamment sans jamais exploser vraiment.  La fantaisie est finalement recouverte par la neige, par l’apparence de l’innocence. L’apparence seulement. Chaque personnage est auréolé de mystère. Resnais a compris qu’on peut dire beaucoup plus dans les silences, dans l’implicite, dans l’étrange que dans un excès de paroles, l’explicite, le didactique. Que la normalité n’est qu’un masque et un vain mot. Comme toujours chez Resnais les dialogues sont très et agréablement écrits. La mise en scène est particulièrement soignée : transitions magnifiquement réussies, contrastes sublimes et saisissants des couleurs chaudes et froides, jeu sur les apparences (encore elles). Rien d’étonnant à ce qu’il ait obtenu le Lion d’Argent du meilleur réalisateur  à Venise.  De la mélancolie, Alain Resnais est passé à la tristesse. De l’amour il est passé à la tendresse. Celle d’un frère et d’une sœur qui, à la fin, se retrouvent, seuls, enlacés. Sur l’écran de télévision qu’ils regardent, s’inscrit alors le mot fin. Espérons qu’elle ne préfigure pas la croyance du réalisateur en celle du cinéma, peut-être sa disparition sur le petit écran du moins. Peut-être la fin des illusions du cinéaste. En suivant les cœurs de ces personnages désenchantés, Alain Resnais signe là un film particulièrement pessimiste, nostalgique, cruel parfois aussi. On en ressort tristes, nous aussi, tristes qu’il n’ait plus le cœur léger. Un film qui mérite néanmoins d’être vu. Pour ses acteurs magistraux et magistralement dirigés. Pour la voix vociférante de Claure Rich. Pour le vibrant monologue de Pierre Arditi. Pour le regard d’enfant pris en faute de Dussolier. Pour la grâce désenchantée d’Isabelle Carré. Pour la fantaisie sous-jacente de Sabine Azéma. Pour l’égarement de Lambert Wilson. Pour la voix chantante de Laura Morante soudainement aussi monotone que les appartements qu’elle visite. Pour et à cause de cette tristesse qui vous envahit insidieusement et ne vous quitte plus. Pour son esthétisme si singulier, si remarquablement soigné. Pour la sublime photographie d’Eric Gautier. Pour sa modernité, oui, encore et toujours.  Parce que c’est une pierre de plus au magistral édifice qu’est l’œuvre d’Alain Resnais.

    Sandra.M                                                                         

     

  • Babel, le chef d'oeuvre d'Alejandro Gonzalez Inarritu

    medium_18680421.jpgAvant-première à L’UGC Odéon

    En plein désert marocain, des enfants jouent avec un fusil que leur père vient d’acheter. Un coup de feu retentit et blesse une touriste américaine dans un bus qui passait sur la route, en contrebas. Les destins de cette femme (Cate Blanchett) et de son mari (Brad Pitt) dont le couple battait de l’aile, les destins des deux enfants responsables du coup de feu, le destin de la nourrice mexicaine des enfants du couple d’Américains, le destin d’une jeune Japonaise, en l’occurrence la fille de l’homme qui a donné le fusil à un Marocain qui l’a revendu au père des deux enfants : ces destins vont tous avoir une influence les uns sur les autres, des destins socialement et géographiquement si éloignés, mais si proches dans l’isolement et dans la douleur.

    Rares sont les films que je retourne voir, mais pour Babel vu au dernier festival de Cannes où il a obtenu le prix de la mise en scène et celui du jury œcuménique, c’était une vraie nécessité parce que Babel c’est plus qu’un film : une expérience.  Ce film choral qui clôt le triptyque du cinéaste après Amours chiennes et 21 grammes fait partie de ces films après lesquels toute parole devient inutile et impossible, de ces films qui expriment tant dans un silence, dans un geste, qu’aucune parole ne pourrait mieux les résumer. De ces films qui vous hypnotisent et vous réveillent. De ces films qui vous aveuglent et vous éclairent. Donc le même choc, la même claque, le même bouleversement, quelques mois après, l’effervescence, la déraison et les excès cannois en moins. Malgré cela.

    Si la construction n’avait été qu’un vain exercice de style, qu’un prétexte à une démonstration stylistique ostentatoire, l’exercice  aurait été alors particulièrement agaçant mais son intérêt provient justement du fait que cette construction ciselée illustre le propos du cinéaste, qu’elle traduit les vies fragmentées, l’incommunicabilité universelle.

    Le montage alterné ne cherche pas à surprendre mais à appuyer le propos, à refléter un monde chaotique, brusque et impatient, des vies désorientées, des destins morcelés. En résulte un film riche, puissant où le spectateur est tenu en haleine du début à la fin, retenant son souffle, un souffle coupé par le basculement probable, soudain, du sublime dans la violence. Du sublime d’une danse à la violence d’un coup de feu. Du sublime d’une main sur une autre, de la blancheur d’un visage à la violence d’une balle perdue et d’une blessure rouge sang. Du sublime  du silence et du calme à la violence du basculement dans le bruit, dans la fureur, dans la déraison.

    medium_P80601087315038.jpgUn film qui nous emmène sur trois continents sans jamais que notre attention ne soit relâchée, qui nous confronte à l’égoïsme, à notre égoïsme, qui nous jette notre aveuglement et notre surdité en pleine figure, ces figures et ces visages qu’il scrute et sublime d’ailleurs, qui nous jette notre indolence en pleine figure, aussi. Un instantané troublant et désorientant de notre époque troublée et désorientée.  La scène de la discothèque est ainsi une des plus significatives, qui participe de cette expérience. La jeuneJaponaise sourde et muette est aveuglée. Elle noie son désarroi dans ces lumières scintillantes, fascinantes et angoissantes.  Des lumières aveuglantes: le paradoxe du monde, encore. Lumières qui nous englobent. Soudain aveuglés et sourds au monde qui nous entoure nous aussi.

    Le point de départ du film est donc le retentissement d'un coup de feu au Maroc, coup de feu déclenchant une série d'évènements, qui ont des conséquences désastreuses ou salvatrices, selon les protagonistes impliqués. Peu à peu le puzzle se reconstitue brillamment, certaines vies se reconstruisent, d’autres sont détruites à jamais. Jamais il n’a été aussi matériellement facile de communiquer. Jamais la communication n’a été aussi compliquée, Jamais nous n’avons reçu autant d’informations et avons si mal su les décrypter. Jamais un film ne l’a aussi bien traduit. Chaque minute du film illustre cette incompréhension, parfois par un simple arrière plan, par une simple image qui se glisse dans une autre, par un regard qui répond à un autre, par une danse qui en rappelle une autre, du Japon au Mexique, l’une éloignant et l’autre rapprochant.

    Virtuosité des raccords aussi : un silence de la Japonaise muette qui répond à un cri de douleur de l’américaine, un ballon de volley qui rappelle une balle de fusil. Un monde qui se fait écho, qui crie, qui vocifère sa peur et sa violence et sa fébrilité, qui appelle à l’aide et qui ne s’entend pas comme la Japonaise n’entend plus, comme nous n’entendons plus à force que notre écoute soit tellement sollicitée, comme nous ne voyons plus à force que tant d’images nous soit transmises, sur un mode analogue, alors qu’elles sont si différentes. Des douleurs, des sons, des solitudes qui se font écho, d’un continent à l’autre, d’une vie à l’autre. Et les cordes de cette guitare qui résonnent comme un cri de douleur et de solitude. 

     Véritable film gigogne, Babel nous montre un monde paranoïaque,  paradoxalement plus ouvert sur l’extérieur fictivement si accessible et finalement plus égocentrique que jamais,  monde paradoxalement mondialisé et individualiste. Le montage traduit magistralement cette angoisse, ces tremblements convulsifs d’un monde qui étouffe et balbutie, qui n’a jamais eu autant de moyens de s’exprimer et pour qui les mots deviennent vains. D’ailleurs chaque histoire s’achève par des gestes, des corps enlacés, touchés, touchés enfin. Touchés comme nous le sommes. Les mots n’ont plus aucun sens, les mots de ces langues différentes. Selon la Bible, Babel fut  ainsi une célèbre tour construite par une humanité unie pour atteindre le paradis. Cette entreprise provoqua la colère de Dieu, qui pour les séparer, fit parler à chacun des hommes impliqués une langue différente, mettant ainsi fin au projet et répandant sur la Terre un peuple désorienté et incapable de communiquer.

    medium_P80601161052655.jpgC’est aussi un film de contrastes. Contrastes entre douleur et grâce, ou plutôt la grâce puis si subitement la douleur, puis la grâce à nouveau, parfois. Un coup de feu retentit et tout bascule. Le coup de feu du début ou celui en pleine liesse du mariage.  Grâce si éphémère, si fragile, comme celle de l’innocence de ces enfants qu’ils soient japonais, américains, marocains, ou mexicains. Contrastes entre le rouge des vêtements de la femme mexicaine et les couleurs ocres du désert. Contrastes entres les lignes verticales de Tokyo et l’horizontalité du désert. Contrastes entre un jeu d’enfants et ses conséquences dramatiques. Contraste entre le corps dénudé et la ville habillée de lumière. Contraste entre le désert et la ville.   Contrastes de la solitude dans le désert et de la foule de Tokyo. Contrastes de la foule et de la solitude dans la foule. Contrastes entre « toutes les télévisions [qui] en parlent » et ces cris qui s’évanouissent dans le désert.  Contrastes d’un côté et de l’autre de la frontière.  Contrastes d’un monde qui s’ouvre à la communication et se ferme à l’autre. Contrastes d’un monde surinformé mais incompréhensible, contrastes d’un monde qui voit sans regarder, qui interprète sans savoir ou comment, par le prisme du regard d’un monde apeuré, un jeu d’enfants devient l’acte terroriste de fondamentalistes ou comment ils estiment savoir de là-bas ce qu’ils ne comprennent pas ici.

    medium_P80601693016905.jpgMais toutes ces  dissociations et ces contrastes ne sont finalement là que pour mieux rapprocher.   Contrastes de ces hommes qui parlent des langues différentes mais se comprennent d’un geste, d’une photo échangée (même si un billet méprisant, méprisable les séparera, à nouveau). Contrastes de ces êtres soudainement plongés dans la solitude qui leur permet finalement de se retrouver. Mais surtout, surtout, malgré les langues : la même violence, la même solitude, la même incommunicabilité, la même fébrilité, le même rouge et la même blancheur, la même magnificence et menace de la nuit au-dessus des villes, la même innocence meurtrie, le même sentiment d’oppression dans la foule et dans le désert. 

     Loin d’être une démonstration stylistique, malgré sa virtuosité scénaristique et de mise en scène Babel est donc un édifice magistral tout entier au service d’un propos qui parvient à nous transmettre l’émotion que ses personnages réapprennent.  Notons que malgré la pluralité de lieux, de langues, d'acteurs (professionnels mais souvent aussi non professionnels), par le talent de son metteur en scène, Babel ne perd jamais sa cohérence qui surgit, flagrante, bouleversante, évidente, au dénouement.

    La mise en scène est volontairement déstructurée pour refléter ce monde qu'il met en scène, un monde qui s'égare, medium_P80601398560603.jpget qui, au moindre geste , à la moindre seconde, au moindre soupçon, peut basculer dans la violence irraisonnée, un monde qui n'a jamais communiqué aussi vite et mal, un monde que l'on prend en pleine face, fascinés et horrifiés à la fois, un monde brillamment ausculté, décrit,  par des cris et des silences aussi ; un monde qui nous aveugle, nous assourdit, un monde de différences si semblables, un monde d’après 11 septembre. 

     Babel est un film douloureux et clairvoyant, intense, empreint de la fébrilité du monde qu’il parcourt et dépeint de sa lumière blafarde puis rougeoyante puis nocturne. Un film magnifique et éprouvant dont la mise en scène vertigineuse nous emporte dans sa frénésie d’images, de sons, de violences, de jugements hâtifs, et nous laisse avec ses silences, dans le silence d’un monde si bruyant. Le silence après le bruit, malgré le bruit, le silence de l’harmonie retrouvée, l’harmonie éphémère car il suffirait qu’un coup de feu retentisse pour que tout bascule, à nouveau. La beauté et la douleur pareillement indicibles. Babel, tour de beauté et de douleur. Le silence avant les applaudissements, retentissants, mérités. Si le propre de l’Art c’est de refléter son époque et de l’éclairer, aussi sombre soit-elle, alors Babel est un chef d’œuvre. Une expérience dont on ne peut ressortir indemne ! Mais silencieux, forcément.

    Sortie en salles: le 15 novembre 2006

    Cet article a été repris sur Agoravox et sur Yahoo Actualités.

    Sandra.M

  • Création d'un Festival de cinéma à Saint-Germain des Prés: donnez votre avis!

    medium_place_Saint_Germain.jpgEn 1998, je faisais partie du jury d'un festival de cinéma pour la première fois. C’était le medium_photosordi_1647bis.JPGjury jeunes du Festival du Film de Paris, festival cette année-là présidé par Sean Penn, un festival qui attirait alors spectateurs et têtes d’affiche internationales sans pour autant négliger les premiers films et les œuvres plus confidentielles.En 1998, Gadjo Dilo de Tony Gatlif avait ainsi obtenu le prix du jury jeunes. De l’entièreté du Gaumont Marignan, à l’Espace Pierre Cardin où il se déroulait alors, le Festival a ensuite dû se contenter de quelques salles du Gaumont Marignan (et sa dernière année, il cohabitait étrangement avec les projections de ... Brice de Nice) et rares étaient encore ceux qui savaient qu’un festival de cinéma se déroulait encore sur les Champs Elysées. Je n’ai donc pas été très étonnée de voir ce festival disparaître après s’être transformé en Festival de Paris Île-de-France

    Certes, depuis 4 ans, s’est mis en place un nouveau festival, « Paris Cinéma », initié par la Mairie de Paris. L’intention est louable mais avec une programmation trop vaste, des lieux de programmation très (trop) diversifiés, une thématique floue pour ne pas dire inexistante, les salles sont malheureusement bien souvent vides… Alors que d’autres capitales européennes comme Rome (depuis cette année)ou Berlin ont leurs festivals de cinéma, Paris, la ville emblématique du septième art, ne possède pas vraiment de festival de cinéma digne de ce nom.

    medium_photosordi_349.jpgPour moi, il est un quartier plus que d’autres où il aurait pourtant sa place: c’est Saint-Germain des Prés. Saint-Germain des Prés, plus qu’un quartier de Paris ou de son 6ème arrondissement : un univers, un monde à part, un village citadin, intemporel et branché, littéraire et (faussement) futile, grave et désinvolte. Les boutiques de luxe y côtoient les maisons d’édition. Les écrivains y croisent les touristes et les nombreux acteurs qui y vivent. Acteurs du septième art et pas seulement : de la vie publique, politique aussi. Quartier discret, exubérant aussi, parfois, moins que ses voisins de la rive droite néanmoins. Joyeux et mélancolique. Intemporel et moderne. Paradoxal surtout, donc. Quartier qui est un peu l'âme de Paris et aime à se croire le centre du monde. C’est aussi celui où se trouvent le plus de cinémas art et essai : l’Arlequin, le Saint-André des Arts, le Saint-Germain des Prés et tant d’autres. C’est aussi le quartier qui a inspiré nombre de cinéastes (ci-contre l'affiche des Tricheurs de Marcel Carné) où chaque année sont encore tournés un nombre medium_32e65f33420517ad0bf5a3aba22242de.jpgconsidérable de films. Rares sont les jours où par hasard, je ne tombe pas sur un tournage. Je suis donc très étonnée de constater qu’il n’existe pas réellement de manifestations cinématographiques emblématiques pour un quartier qui symbolise pourtant tellement le septième art même s'il existe des "opérations" ponctuelles comme le Festival du Cinéma Allemand organisé par L'Arlequin.

    medium_photosordi_350.jpgAlors qu’existent déjà plus de 200 festivals de cinéma en France, évidemment il serait absurde de créer un festival juste pour faire un festival mais je pense qu’un festival dans ce quartier aurait réellement sa place, un festival qui mettrait en avant de jeunes réalisateurs, des premières œuvres, mais qui saurait aussi être populaire, et s’intégrer au cadre magnifique du quartier, par exemple avec des projections en plein air, dans les Jardins du Luxembourg notamment. 

    medium_cafe_de_Flore.jpgQuant à la thématique, par exemple, il n’existe pas encore réellement de festival du cinéma européen d’envergure internationale.

    Il pourrait aussi être judicieux de mettre en place un festival autour de la littérature et de l’écriture (scénario, adaptations littéraires). Ce festival existait sous la forme de l’Encre à l’Ecran, à Tours. Son ultime édition a eu lieu en 2005. (Il était question qu’une municipalité le reprenne. D’ailleurs si quelqu’un a des informations à ce sujet, elles seront les bienvenues.) Or, Saint-Germain des Prés est aussi le quartier des éditeurs, le quartier sur lequel les ombres de Jean-Paul Sartre et de Simone de Beauvoir planent encore, notamment sur le mythique café de Flore qui se trouve d’ailleurs près de la place qui porte leurs noms.

    medium_pont_neuf.jpgAvant de prendre la décision de soumettre un dossier à la Mairie de l’arrondissement, je voulais donc ici lancer le débat.

    Pensez-vous qu’un tel festival serait intéressant et porteur? 

    Quel(s) thème(s) serai(en)t selon vous le(s) plus approprié(s) ?

    Toutes les suggestions seront également les bienvenues. Germanopratins, Parisiens mais aussi cinéphiles, festivaliers de France et de Navarre : à vous la parole...

    Sandra.M

  • "Nouvelle chance": la fantaisie mélancolique d'Anne Fontaine. Avant-première à l'UGC Ciné Cité les Halles.

    medium_18669724.jpgAprès la passion douloureuse et le drame poignant, fascinant, inquiétant, troublant, avec Entre ses mains ( un film à voir absolument, ma critique ici), Anne Fontaine a changé de registre pour mettre en scène une comédie fantaisiste non dénuée d’ironie délicieusement cruelle.

     Comme souvent dans les comédies, les destins des personnages principaux, si dissemblables, n’avaient aucune raison de se croiser. Il y a Odette Saint-Gilles (Danielle Darrieux), vieille actrice oubliée dans un centre social; Augustin Dos Santos ( Jean-Christian Sibertin-Blanc), garçon de piscine à l'hôtel Ritz; Bettina Fleischer (Arielle Dombasle), héroïne de feuilleton populaire et accessoirement cliente du Health club du Ritz; et Raphaël (Andy Gillet), jeune homme à la beauté troublante, travaillant au centre social où loge Odette. Augustin est aussi metteur en scène pour des centres, des foyers, des entreprises… et en l’espèce il doit mettre en scène une pièce pour un spectacle d’entreprise. Il décide de mettre en scène une pièce du XVIIIème trouvée chez Odette, une histoire de passion et de rivalité féminine. Il va donc réunir ces êtres dissemblables et leur donner une nouvelle chance d'assouvir leurs rêves...

    Jean-Christian Sibertin-Blanc (le frère d’Anne Fontaine) reprend ici le personnage d’Augustin qu’elle avait créé et déjà mis en scène dans Augustin (1995) et Augustin roi du kung-fu (1999). Personnage lunaire aux idées incongrues, insolites, avec un naturel désarmant, il ne recule devant rien pour mettre son projet à exécution : ni demander à Jack Lang (qui fait aussi ses débuts au cinéma, d’autres diraient qu’il ne fait que ça, je leur en laisse la responsabilité) un lieu pour ses répétitions, ni arranger une rencontre aquatique entre Odette et Bettina, dans la piscine du Ritz.

     En présentant le film, lors de l’avant-première, Anne Fontaine a précisé qu’elle avait songé aux acteurs avant d’écrire son scénario, cela se ressent dans son écriture avant tout centrée sur ses acteurs, donc. Elle a également précisé que si Danielle Darrieux était absente c’était parce qu’elle déménageait pour la cinquième fois en deux ans, tournée vers l’avenir, toujours, encore, merveilleusement...à 89 ans.

     Nouvelle chance est d’ailleurs surtout un magnifique hommage à Darielle Darrieux (Avec plus de 130 films à son actif, tournés sous la direction des plus grands -de Claude Autant-Lara à François Ozon en passant par Max Ophüls, Claude Chabrol et Benoît Jacquot-, elle fut l'égérie du réalisateur Henri Decoin qui lui offrit la vedette de nombre de ses longs métrages - Mademoiselle ma Mère (1936), Abus de Confiance (1938), Battement de Coeur (1940)... - et connut la consécration internationale avec The Rage of Paris d'Henry Koster (1938) et L'Affaire Cicéron (1951) de Joseph L. Mankiewicz.). Ici, elle est tantôt fragile, forte, caustique, cruelle, mourante, incroyablement vivante, bref émouvante, sublime. Elle est filmée sans artifices, parfois en gros plan. Nous voilà plongés dans son regard, un regard incroyablement expressif, nous voilà plongés dans l’Histoire du cinéma français, un regard incroyablement pluriel. Un regard qui perd la vue. Le drame, la mélancolie affleurent, constamment. Ce regard si expressif suffit à nous émouvoir. Nous l’écoutons, la regardons religieusement. Peut-être n’est-ce pas un hasard s’ils répètent dans une église ...

    Danielle Darrieux nous fait oublier le manque de rythme et les faiblesses scénaristiques. D’ailleurs peut-on réellement parler de faiblesse puisque l’objectif n’était pas là? La mise en scène est aussi très théâtrale, l'intérêt n'est pas là non plus et puis après tout il est question de théâtre, aussi. C’est avant tout une histoire d’acteurs, pour ses acteurs, et finalement nous sommes tristes de les quitter, tristes après avoir ri, quand même, aussi. Nous aimerions savoir ce qu’ils vont devenir avec  leurs solitudes, leurs regrets, leurs ambitions.

     Le film pourrait commencer quand il s’achève sur une note de musique et d’amertume. Les dernières minutes nous font ainsi retrouver l’amoralité jubilatoire d’Entre ses mains et des précédents films d’Anne Fontaine (Nathalie, Nettoyage à sec). En quelques plans tout est dit : la cruauté, l’amertume, l’arrivisme et la beauté, encore, finalement, celle de cette dame en noir, radieuse, lumineuse, plongée à jamais dans l’obscurité. Dans Entre ses mains, déjà, la fascination ‘du personnage d’Isabelle Carré pour celui de Benoît Poelvorde et du spectateur pour cette histoire d’amour absolu, dérangeante et non moins sublime- provenait de ses personnages, si ambivalents et si magistralement interprétés.  C’est aussi ce qui fait le charme de cette Nouvelle chance. Oui, rassurez-vous : l’amoralité (et heureusement pas la moralité) est sauve. Rien que pour cela  cette comédie caustique empreinte de charme nostalgique et de la grâce juvénile  de Danielle Darrieux,  vaut la peine que vous leur donniez cette nouvelle chance.

    Sandra.M

  • Ne le dîtes à personne...ou le débat du jour

    medium_arton8800.jpgNe dîtes à personne que Ne le dis à personne de Guillaume Canet m’a déçue.

    Ne le dîtes à personne :

    Parce que le pitch était quand même alléchant : un homme dont la femme qu’il aimait depuis l’enfance a été sauvagement assassinée. Huit ans plus tard, il reçoit un email la montrant vivante.

    Parce que c’était un vrai défi d’adapter le best seller de Harlan Coben traduit en 27 langues et vendu à des millions d’exemplaires.

    Parce qu’il met en scène une pléiade d’acteurs tous plus talentueux les uns que les autres : Jean Rochefort, Nathalie Baye, François Berléand, Jalil Lespert, André Dussolier, Kristin Scott Thomas, Marie-Josée Croze, Marina Hands, Florence Thomassin…jusque dans les plus petits rôles.

    Parce qu’un tel casting ce ne doit pas être si évident à réunir.

    Parce que de ce film sombre se dégage une belle luminosité photographique (pas vraiment thématique).

    Parce que ce n’est, après tout, qu’un second long métrage.

    Parce que, quand même, il s’est attiré les foudres de quelques milliers d’automobilistes pour avoir bloqué le périphérique pendant plusieurs heures.

    Parce que le réalisateur s’est attribué un rôle particulièrement antipathique.

    Parce que vouloir faire un « thriller romantique » est une intention louable et un genre malheureusement ignoré en France.

    Parce qu’il y a des films dont la sincérité et l’énergie de ceux qui les font nous font regretter de ne pas les aimer.

    Parce qu'il vous fait oublier le temps qui passe et c’est déjà beaucoup quand d’autres vous le rappellent.

    Parce que la bande originale (notamment avec la musique de Matthieu Chedid) est particulièrement réussie.

    Parce que je n’aime pas dire du mal d’un film fait avec sincérité.

    Parce que la maladresse c’est touchant quand même.

    Parce que Mon idole portait la patte d’un futur cinéaste.

    Parce que je ne le recommanderais pas mais ne voudrais empêcher personne d’y aller.

     

    Mais quand même:

     

    Parce qu’un bon film ne se résume pas à un bon pitch.

    Parce que c’est frustrant de voir autant d’acteurs talentueux sans que leurs personnages existent réellement.

    Parce que le scénario ne joue pas avec mais contre le spectateur.

    Parce que, bon d’accord, le personnage de Berléand est maniaque et a des tocs mais ça ne rattrape pas le manque d’existence et de caractérisation de ses petits camarades.

    Parce qu'il ne suffit pas de faire soudainement une contre plongée très appuyée pour passer d’acteur qui filme à cinéaste.

    Parce qu’un film nerveux n’est pas forcément rythmé.

    Parce que ce personnage ne semble pas vraiment traqué et n’inspire ni sympathie ni même empathie.

    Parce qu’il ne doit en parler à personne et parce qu’il en parle à tout le monde.

    Parce que la scène au parc Monceau.

    Parce que ces méchants ont vraiment l’air de caricatures de méchants.

    Parce que par moment c’est aussi improbable que Mission impossible 3.

    Parce que j’en attendais beaucoup plus de cette intrigue prometteuse, de ces acteurs si talentueux, et de cette équipe qui a éclusé tous les plateaux TV de France et de Navarre.

    Parce que c’est juste un film d’action de plus qui manque de psychologie.

    Parce que trop de personnages tuent la psychologie du personnage.

    Parce qu’on se demande comment lors du précèdent procès il n’a pas été au courant  de certains détails.

    Parce que je ne me suis pas sentie impliquée ni touchée.

    Parce que  j’ai plus ri qu’aux Bronzés 3 (bon d’accord, je n’ai pas ri mais quand même…) et parce que je ne crois pas que ce soit une comédie.

    Parce que la police n’y est pas myope mais complètement aveugle.

    Parce que certains personnages apparaissent comme des cheveux sur la soupe.

    Parce que Guillaume Canet dans le rôle d'un pédophile, non vraiment …

    Parce que j’ai imaginé le même film tourné par Melville, parce que je n’aurais pas dû, parce que évidemment ce serait impossible.

    medium_18680377.jpgParce qu’un film, par exemple comme Ô Jérusalem d'Elie Chouraqui, certes scénaristiquement  imparfait, mais malgré son sujet très sensible, historiquement passionnant et si instructif, aurait mérité qu’il en soit autant question.( Phrase effacée parce que vous avez raison, l’un n’empêche pas l’autre mais j’avais juste envie de vous le recommander et oui, je vous le recommande!).

    Parce que tout ça donc je vous le dis quand même (on est entre nous, hein!) . Parce que je voudrais que vous m'expliquiez  POURQUOI (et si) vous  avez aimé…ou pas. Parce que ce n’est qu’un avis parmi d’autres. Parce que j’ai envie d’en débattre  !

    Sandra.M