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  • CRITIQUE de ALL IS LOST de J.C Chandor avec Robert Redford

    Retrouvez, ci-dessous, mon article publié suite à la projection cannoise de "All is lot" avec, également, mon compte-rendu de la conférence de presse cannoise du film.

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    A l’image de la météo, pour le moins capricieuse cette année sur la Croisette, avec un ciel particulièrement changeant, passant du soleil à l’orage, avec une brusquerie parfois perturbante, mes journées se (dé)composent de films et d’évènements qui me font passer par une myriade d’émotions en un temps record, d’où la nécessité  de  prendre du recul sur cette tornade émotionnelle et de vous livrer mes comptes-rendus avec parcimonie (mais un long compte-rendu post Cannes sera bien entendu publié comme chaque année) au-delà du fait que mes journées sont bien remplies.

    Cela tombe bien, le film évènement d’hier nous embarquait justement au cœur d’une tempête. Je parle bien évidemment de  « All is lost », deuxième film du réalisateur J.C Chandor après « Margin Call » avec un unique interprète, Robert Redford, dont la mythique présence a hier illuminé la Croisette où il est trop rarement venu (Ryan Gosling qui incarnait le personnage principal de « Only god forgives », hier en compétition, a en revanche brillé par son absence, pour cause de réalisation de son propre film). Robert Redford est un des deux acteurs, dont les films comme « Les 3 jours du Condor », « Out of Africa », « Jeremiah Johnson » et bien sûr « Gatsby » sont à l’origine de ma passion pour le septième art. Le deuxième acteur qui a fortement contribué à cette passion sera d’ailleurs également  à Cannes samedi près avoir illuminé de sa charismatique présence tant de chefs d’œuvre : « Le Guépard », « Le Samouraï », « La Piscine », « Plein soleil » (projeté en version restaurée dans le cadre de Cannes Classics cette année), « Monsieur Klein », « Le Cercle rouge »…

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     Je vous parlais avant-hier de contrastes à propos du film de Rebecca Zlotowski,  mes journées cannoises en sont ainsi jalonnées : entre des moments hors du temps à vivre, parler, rêver, cinéma, avec des amis ou même des inconnus dans les files d’attente, à croiser quelques ombres furtives du passé,  et d’autres qui me font sentir comme Gatsby sur son ponton, comme détachée de cette fête continuelle, éblouissante et assourdissante, perdue dans la mélancolie de mes pensées, repensant à cette phrase de Balzac « Beaucoup d’hommes ont un orgueil qui les pousse à cacher leurs combats et à ne se montrer que victorieux » que j’ai mise en exergue des « Orgueilleux », me disant que je pouvais difficilement choisir  un autre titre que « Les Orgueilleux » pour un roman se déroulant dans un festival de cinéma, me disant que je recommence à digresser  alors que je dois/veux vous parler de « All is lost ». Contraste entre ces films qui vous parlent souvent de l’essentiel et la superficialité, tantôt salutaire, tantôt exaspérante, de la Croisette. Contraste, surtout, entre le vacarme, la foule et le silence, la solitude de « All is lost ».

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    J’ai donc commencé cette journée par la conférence de presse de "All is lost", en présence de J.C Chandor et de Robert Redford, attristée tout d’abord de voir que la foule des grands jours n’était pas au rendez-vous ( la presse est sans doute versatile ou amnésique), rassurée de voir que la simple apparition de Robert Redford sur le tapis rouge retransmise dans le Grand Théâtre Lumière lors de la projection officielle le soir a suscité des applaudissements effrénés

    Lors de cette conférence, Robert Redford, a notamment parlé, avec autodérision et simplicité,  de son amour de la nature et de son inquiétude pour celle-ci, rappelant son engagement en faveur de l'environnement qu’il juge dans une  situation "carrément catastrophique, désastreuse". "A mon avis, la planète essaie de nous parler", a-t-il ajouté, évoquant "les ouragans, les tremblements de terre et les tornades", deux jours après la tornade dévastatrice de Moore, près d'Oklahoma City. Il a aussi évoqué son envie de continuer  à jouer, de la difficulté de faire des films aujourd’hui. Il a évoqué le défi que représentait ce film pour lui : « C’est un défi qui m’a beaucoup attiré en tant qu’acteur. Je voulais me donner entièrement à un réalisateur ». Il a aussi abordé l’importance du silence « Je crois dans l’intérêt du silence au cinéma. Je crois aussi dans l’intérêt du silence dans la vie car on parle car on parle parfois trop. Si on arrive à faire passer le silence dans une forme artistique, c’est intéressant ». « Ce film est en plein contraste avec la société actuelle. On voit le temps qu’il fait, un bateau et un homme. C’est tout ». « Il y a évidemment des similitudes avec Jeremiah Johnson » a-t-il également répondu.

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    Après la conférence de presse, direction le pavillon américain, invitée par le Festival du Film Merveilleux dont je ferai partie du jury en juin prochain. Alors qu’un ciel bleu étincelant surplombait la Méditerranée, un nuage noir menaçant l’a impitoyablement et progressivement envahi, comme un écho à l’horizon assombri du personnage de « All is lost ». C’est donc à nouveau sous une pluie battante que j’ai monté les marches pour une ascension épique au milieu d’un océan de parapluies.

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    Dans « Jeremiah Johnson » de Sydney Pollack, Robert Redford fuyait les hommes et la civilisation pour les hauteurs sauvages des montagnes Rocheuses. Ici, dans « All is lost », au cours d’un voyage en solitaire dans l’Océan Indien, au large de Sumatra, à son réveil, il découvre que la coque de son voilier a été heurtée et endommagée par un container flottant à la dérive. Privé de sa radio, il doit affronter seul les éléments mais malgré toute sa force, sa détermination, son intelligence, son ingéniosité, il devra bientôt regarder la mort en face. Ici, aussi, c’est finalement la civilisation (incarnée par ce container rouge au milieu de l’horizon bleutée et qui transportait d’ailleurs des chaussures, incarnation de la société de consommation mondialisée ) qui le rattrape (alors que, peut-être, il voulait la fuir, nous ne le saurons jamais…), contraint à se retrouver ainsi « seul au monde », comme dans le film éponyme de Robert Zemeckis avec Tom Hanks, même si je lui préfère, et de loin, ce film de J.C Chandor.

    Pendant 1H45, il est en effet seul. Seul face à la folle et splendide violence des éléments. Seul face à nous. Seul face à lui-même. Seul face à l’Océan Indien à perte de vue. Seul face à la force des éléments et face à ses propres faiblesses. Seul face à la nature. Cela pourrait être ennuyeux…et c’est passionnant, palpitant, terrifiant, sublime, et parfois tout cela à la fois.

    Le seul «dialogue », est en réalité un monologue en ouverture du film, une sorte de testament qui s’écoute comme le roulement poétique, doux et violent, des vagues, et qui place ce qui va suivre sous le sceau de la fatalité : « Ici, tout est perdu, sauf le corps et l’âme ».

    Progressivement il va se voir dépouillé de ce qui constitue ses souvenirs, de tout ce qui constitue une chance de survie : radio, eau... Son monde va se rétrécir. La caméra va parfois l’enfermer dans son cadre renforçant le sentiment de violence implacable du fracas des éléments. Avec lui, impuissants, nous assistons au spectacle effrayant et fascinant du déchainement de la tempête et de ses tentatives pour y survivre et résister.

    Le choix du magnétique Robert Redford dans ce rôle renforce encore la force de la situation. Avec lui c’est toute une mythologie, cinématographique, américaine, qui est malmenée, bousculée, et qui tente de résister envers et contre tout, de trouver une solution jusqu’à l’ultime seconde. Symbole d’une Amérique soumise à des vents contraires, au fracas de la nature et de la réalité, et qui tente de résister, malgré tout.

    La mise en scène et la photographie sobre, soignée, épurée, le montre (et sans le moindre artifice de mise en scène ou flashback comme dans « l’Odyssée de Pi ») tantôt comme une sorte de Dieu/mythe dominant la nature (plusieurs plongées où sa silhouette se détache au milieu du ciel), ou comme un élément infime au milieu de l’Océan. La musique signée Alex Ebert (du groupe Edward Sharpe and the Magnetic Zeros) apporte une force supplémentaire à ces images d’une tristesse et d’une beauté mêlées d’une puissance dévastatrice. Inexistante au début du film, elle prend de l’ampleur a fur et à mesure que la tragédie se rapproche et qu’elle devient inéluctable, sans jamais être trop grandiloquente ou omniprésente.

    Certains plans sont d’une beauté à couper le souffle, comme ces requins en contre-plongée qui semblent danser, le défier et l’accompagner ou comme cette fin qui mélange les éléments, l’eau et le feu, le rêve et la réalité ou encore cette lune braquée sur lui comme un projecteur.

    Comme l’a souligné Robert Redford, il s’agit d’un « film presque existentiel qui laisse la place à l’interprétation du spectateur » et cela fait un bien fou de « regarder quelqu’un penser » pour reprendre les termes du producteur même si cette définition pourrait donner une image statique du film qui se suit au contraire comme un thriller.

    En conférence de presse, Robert Redford avait révélé ne pas avoir vu le film et qu’il allait le découvrir le soir lors de la projection officielle dans le Grand Théâtre Lumière. On imagine aisément son émotion, à l’issue de cette heure quarante. Face à lui-même. Face à cette fable bouleversante d’une beauté crépusculaire

    « All is lost »a été présenté hors compétition. Il aurait indéniablement eu sa place en compétition et peut-être même tout en haut du palmarès

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  • CRITIQUE - THE IMMIGRANT de James Gray

    James Gray, The Immigrant, Marion Cotillard, Festival de Cannes, cinéma, critique

    Dans mon dossier publié dans le magazine des anciens élèves de l'ENA, "L'ENA hors les murs", de juillet/août 2013, à lire en cliquant ici, je vous parlais notamment de "The Immigrant" de James Gray (en salles le 27 nombre 2013), un de mes énormes coups de cœur de cette année cinématographique, le grand oublié du palmarès cannois. Retrouvez ma critique, ci-dessous et en bonus celles de "Two lovers" et "La Nuit nous appartient".

    Projeté en compétition officielle du 66ème Festival de Cannes, The Immigrant de James Gray décidément à l’honneur cette année puisqu’il est aussi le coscénariste de  Blood ties réalisé par Guillaume Canet (également présenté à Cannes) est, seulement, le cinquième long-métrage du cinéaste américain ( après Little Odessa, The Yards, La Nuit nous appartient, Two lovers) et nous avons bien du mal à le croire tant chacun de ses films précédents était déjà maîtrisé, et James Gray comptant, déjà, comme un des plus grands cinéastes américains contemporains. The Immigrant a apparemment déçu bon nombre de ses admirateurs alors que, au contraire, c’est à mon sens son film le plus abouti, derrière son apparente simplicité. Il s’agit en effet de son film le plus sobre, intimiste et épuré mais quelle maîtrise dans cette épure et sobriété!

    On y retrouve les thèmes chers au cinéaste: l’empreinte de la Russie, l’importance du lien fraternel, le pardon mais c’est aussi son film le plus personnel puisque sa famille d’origine russe est arrivée à Ellis Island, où débute l’histoire, en 1923.

     

    L’histoire est centrée sur le personnage féminin d’Ewa interprétée par Marion Cotillard. 1921. Ewa et sa sœur Magda quittent leur Pologne natale pour la terre promise, New York. Arrivées à Ellis Island, Magda, atteinte de tuberculose, est placée en quarantaine et Ewa, seule et désemparée, tombe dans les filets de Bruno, un souteneur sans scrupules. Pour sauver sa sœur, elle est prête à tous les sacrifices et se livre, résignée, à la prostitution.  L’arrivée d’Orlando (Jeremy Renner), illusionniste et cousin de Bruno (Joaquin Phoenix), lui redonne confiance et l'espoir de jours meilleurs. Mais c'est sans compter sur la jalousie de Bruno...

     

    James Gray a écrit le rôle en pensant à Marion Cotillard (très juste et qui aurait mérité un prix d’interprétation) qui ressemble ici à une actrice du temps du cinéma muet, au visage triste et expressif. The Immigrant est ainsi un mélo assumé qui repose sur le sacrifice de son héroïne qui va devoir accomplir un véritable chemin de croix pour (peut-être…) accéder à la liberté et faire libérer sa sœur. Les personnages masculins, les deux cousins ennemis, sont  en arrière-plan, notamment Orlando. Quant à Bruno interprété par l’acteur fétiche de James Gray, Joaquin Phoenix, c’est un personnage complexe et mystérieux qui prendra toute son ampleur au dénouement et montrera aussi à quel point le cinéma de James Gray derrière un apparent manichéisme est particulièrement nuancé et subtil.

     

    Le tout est sublimé par la photographie de Darius Khondji (qui avait d’ailleurs signé la photographie de la palme d’or du Festival de Cannes 2012, Amour de Michael Haneke) grâce à laquelle certains plans sont d’une beauté mystique à couper le souffle.

    James Gray a par ailleurs tourné à Ellis Island, sur les lieux où des millions d’immigrés ont débarqué de 1892 à 1924, leur rendant hommage et, ainsi, à ceux qui se battent, aujourd’hui encore, pour fuir des conditions de vie difficiles, au péril de leur vie. C’est de dos qu’apparaît pour eux la statue de la liberté au début du film. C’est en effet la face sombre de cette liberté qu’ils vont découvrir, James Gray ne nous laissant d’ailleurs presque jamais entrevoir la lumière du jour. Si le film est situé dans les années 1920, il n’en est pas moins intemporel et universel. Une universalité et intemporalité qui, en plus de ses très nombreuses qualités visuelles, ne lui ont pas permis de figurer au palmarès cannois auquel il aurait mérité d’accéder.

    Tout comme dans La Nuit nous appartient qui en apparence opposait les bons et les méchants, l’ordre et le désordre, la loi et l’illégalité, et semblait au départ très manichéen, dans lequel le personnage principal était écartelé,  allait évoluer,  passer de l’ombre à la lumière, ou plutôt d’un univers obscur où régnait la lumière à un univers normalement plus lumineux dominé par des couleurs sombres, ici aussi le personnage de Bruno au cœur qui a « le goût du poison », incarne toute cette complexité, et le film baigné principalement dans des couleurs sombres, ira vers la lumière. Un plan, magistral, qui montre son visage à demi dans la pénombre sur laquelle la lumière l’emporte peu à peu, tandis qu’Ewa se confesse, est ici aussi prémonitoire de l’évolution du personnage. L’intérêt de Two lovers  provenait avant tout des personnages, de leurs contradictions, de leurs faiblesses. C’est aussi le cas ici même si le thème du film et la photographie apportent encore une dimension supplémentaire. James Gray s’est inspiré des photos « quadrichromes » du début du XXe  siècle, des tableaux qui mettent en scène le monde interlope des théâtres de variétés de Manhattan. Il cite aussi comme référence Le Journal d’un curé de campagne, de Robert Bresson.

     

    James Gray parvient, comme avec Two lovers, à faire d’une histoire a priori simple un très grand film d’une mélancolie d’une beauté déchirante et lancinante qui nous envahit peu à peu et dont la force ravageuse explose au dernier plan et qui nous étreint longtemps encore après le générique de fin. Longtemps après, en effet, j’ai été  éblouie par la noirceur de ce film, une noirceur de laquelle émerge une lueur de clarté sublimée par une admirable simplicité et maitrise des contrastes sans parler du dernier plan, somptueux, qui résume toute la richesse et la dualité du cinéma de James Gray et de ce film en particulier.

    Critique de TWO LOVERS de James Gray

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     Direction New York, ville fétiche du cinéma de James Gray, où, après avoir tenté de se suicider,  un homme hésite entre suivre son destin et épouser la femme que ses parents ont choisie pour lui, ou se rebeller et écouter ses sentiments pour sa nouvelle voisine, belle, fragile et inconstante, dont il est tombé éperdument amoureux, un amour dévastateur et irrépressible.

    L’intérêt de « Two lovers » provient avant tout des personnages, de leurs contradictions, de leurs faiblesses. Si James Gray est avant tout associé au polar, il règne ici une atmosphère de film noir et une tension palpable liée au désir qui s’empare du personnage principal magistralement interprété par Joaquin Phoenix avec son regard mélancolique, fiévreux, enfiévré de passion, ses gestes maladroits, son corps même qui semble  crouler sous le poids de son existence, sa gaucherie adolescente.

    Ce dernier interprète le personnage attachant et vulnérable de Leonard Kraditor (à travers le regard duquel nous suivons l’histoire : il ne quitte jamais l’écran), un homme, atteint d'un trouble bipolaire (mais ce n'est pas là le sujet du film, juste là pour témoigner de sa fragilité) qui, après une traumatisante déception sentimentale, revient vivre dans sa famille et fait la rencontre de deux femmes : Michelle, sa nouvelle voisine incarnée par Gwyneth Paltrow, et Sandra, la fille d’amis de ses parents campée par l’actrice Vinessa Shaw. Entre ces deux femmes, le cœur de Leonard va balancer…

    Il éprouve ainsi un amour obsessionnel, irrationnel, passionnel pour Michelle. Ces « Two lovers » comme le titre nous l’annonce et le revendique d’emblée ausculte  la complexité du sentiment amoureux, la difficulté d’aimer et de l’être en retour, mais il ausculte aussi les fragilités de trois êtres qui s’accrochent les uns aux autres, comme des enfants égarés dans un monde d’adultes qui n’acceptent pas les écorchés vifs. Michelle et Leonard ont, parfois, « l’impression d’être morts », de vivre sans se sentir exister, de ne pas trouver « la mélodie du bonheur ».

    Par des gestes, des regards, des paroles esquissés ou éludés, James Gray  dépeint de manière subtile la maladresse touchante d’un amour vain mais surtout la cruauté cinglante de l’amour sans retour qui emprisonne ( plan de Michelle derrière des barreaux de son appartement, les appartements de Leonard et Michelle donnant sur la même cour rappelant ainsi « Fenêtre sur cour » d’Hitchcock de même que la blondeur toute hitchcockienne de Michelle), et qui exalte et détruit.

    James Gray a délibérément choisi une réalisation élégamment discrète et maîtrisée et un scénario pudique et  la magnifique photographie crépusculaire de Joaquin Baca-Asay qui procurent des accents lyriques à cette histoire qui aurait pu être banale,  mais dont il met ainsi en valeur les personnages d’une complexité, d’une richesse, d’une humanité bouleversantes.  James Gray n’a pas non plus délaissé son sujet fétiche, à savoir la famille qui symbolise la force et la fragilité de chacun des personnages (Leonard cherche à s’émanciper, Michelle est victime de la folie de son père etc).

     Un film d’une tendre cruauté, d’une amère beauté, et parfois même d'une drôlerie désenchantée,  un thriller intime d’une vertigineuse sensibilité à l’image des sentiments qui s’emparent des personnages principaux, et de l’émotion qui s’empare du spectateur. Irrépressiblement. Ajoutez à cela la bo entre jazz et opéra ( même influence du jazz et même extrait de l’opéra de Donizetti, L’elisir d’amore, « Una furtiva lagrima » que dans  le chef d’œuvre de Woody Allen « Match point » dans lequel on retrouve la même élégance dans la mise en scène et la même "opposition" entre la femme brune et la femme blonde sans oublier également la référence commune à Dostoïevski… : les ressemblances entre les deux films sont trop nombreuses pour être le fruit du hasard ), et James Gray parvient à faire d’une histoire a priori simple un très grand film d’une mélancolie d’une beauté déchirante qui nous étreint longtemps encore après le générique de fin. Trois ans après sa sortie : d’ores et déjà un classique du cinéma romantique.

     

    Critique de LA NUIT NOUS APPARTIENT de James Gray

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    La nuit nous appartient. Voilà un titre très à-propos pour un film projeté en compétition officielle au Festival de Cannes.  Cannes : là où les nuits semblent ne jamais vouloir finir, là où les nuits sont aussi belles et plus tonitruantes que les jours et là où les nuits  s’égarent, délicieusement ou douloureusement, dans une profusion de bruits assourdissants, de lumières éblouissantes, de rumeurs incessantes. Parmi ces rumeurs certaines devaient bien  concerner ce film de James Gray et lui attribuer virtuellement plusieurs récompenses qu’il aurait amplement méritées (scénario, interprétation, mise en scène...) au même titre que « My blueberry nights », mon grand favori, ou plutôt un autre de mes grands favoris du festival, l’un et l’autre sont pourtant repartis sans obtenir la moindre récompense…

    Ce titre poétique (« We own the night » en vo, ça sonne encore mieux en Anglais non ?)  a pourtant une source plus prosaïque qu’il ne le laisserait entendre puisque c’est la devise de l’unité criminelle de la police de New York chargée des crimes sur la voie publique. Ce n’est pas un hasard puisque, dans ce troisième film de James Gray ( « The Yards » son précèdent film avait déjà été projeté en compétition au Festival de Cannes 2000)  qui se déroule à New York, à la fin des années 80,  la police en est un personnage à part entière.  C’est le lien qui désunit puis réunit trois membres d’une même famille :  Bobby Green (Joaquin Phoenix), patron d’une boîte de nuit appartenant à des Russes, à qui la nuit appartient aussi, surtout,  et qui représentent pour lui une deuxième et vraie famille qui ignore tout de la première, celle du sang, celle de la police puisque son père Burt (Robert Duvall) et son frère Joseph (Mark Walhberg) en sont tous deux des membres respectés et même exemplaires. Seule sa petite amie Amada (Eva Mendes), une sud américaine d’une force fragile,  vulgaire et touchante, est au courant. Un trafic de drogue  oriente la police vers la boîte détenue par Bob, lequel va devoir faire un choix cornélien : sa famille d’adoption ou sa famille de sang, trahir la première  en les dénonçant et espionnant ou trahir la seconde en se taisant ou en consentant tacitement à leurs trafics. Mais lorsque son frère Joseph échappe de justesse à une tentative d’assassinat orchestrée par les Russes, le choix s’impose comme une évidence, une nécessité, la voie de la rédemption pour Bobby alors rongé par la culpabilité.

    Le film commence vraiment dans la boîte de nuit de Bobby, là où il est filmé comme un dieu, dominant et regardant l’assemblée en plongée, colorée, bruyante, gesticulante, là où il est un dieu, un dieu de la nuit. Un peu plus tard, il se rend à la remise de médaille à son père, au milieu de la police de New York, là où ce dernier et son frère sont des dieux à leur tour, là où il est méprisé,  considéré comme la honte de la famille, là où son frère en est la fierté, laquelle fierté se reflète dans le regard de leur père alors que Bobby n’y lit que du mépris à son égard. C’est avec cette même fierté que le « parrain » (les similitudes sont nombreuses avec le film éponyme ou en tout cas entre les deux mafias et notamment dans le rapport à la famille) de la mafia russe, son père d’adoption, regarde et s’adresse à Bobby. Le  décor est planté : celui d’un New York dichotomique, mais plongé dans la même nuit opaque et pluvieuse, qu’elle soit grisâtre ou colorée. Les bases de la tragédie grecque et shakespearienne, rien que ça, sont aussi plantées et même assumées voire revendiquées par le cinéaste, de même que son aspect mélodramatique (le seul bémol serait d’ailleurs les mots que les deux frères s’adressent lors de la dernière scène, là où des regards auraient pu suffire...)

    Les bons et les méchants.  L’ordre et le désordre. La loi et l’illégalité. C’est très manichéen  me direz-vous. Oui et non. Oui, parce que ce manichéisme participe de la structure du film et du plaisir du spectateur. Non, parce que Bobby va être écartelé,  va évoluer,  va passer de l’ombre à la lumière, ou plutôt d’un univers obscur où régnait la lumière à un univers normalement plus lumineux dominé par des couleurs sombres. Il va passer d’un univers où la nuit lui appartenait à un autre où il aura tout à prouver. Une nuit où la tension est constante, du début et la fin, une nuit où nous sommes entraînés, immergés dans cette noirceur à la fois terrifiante et sublime, oubliant à notre tour que la lumière reviendra un jour, encerclés par cette nuit insoluble et palpitante, guidés par le regard lunatique (fier puis désarçonné, puis déterminé puis dévasté de Joaquin Phoenix, magistral écorché vif, dont le jeu est d’ailleurs un élément essentiel de l’atmosphère claustrophobique du film). James Gray a signé là un film d’une intensité dramatique rare qui culmine lors d’une course poursuite d’anthologie, sous une pluie anxiogène  qui tombe impitoyablement, menace divine et symbolique d’un film qui raconte aussi l’histoire d’une faute et d’une rédemption et donc non dénué de références bibliques. La scène du laboratoire (que je vous laisse découvrir) où notre souffle est suspendu à la respiration haletante et au regard de Bob est aussi d’une intensité dramatique remarquable.

     « La nuit nous appartient », davantage qu’un film manichéen est donc un film poignant constitué de parallèles et de contrastes (entre les deux familles, entre l’austérité de la police et l’opulence des Russes,-le personnage d’Amada aussi écartelé est d’ailleurs une sorte d’être hybride, entre les deux univers, dont les formes voluptueuses rappellent l’un, dont la mélancolie rappelle l’autre- entre la scène du début et celle de la fin dont le contraste témoigne de la quête identitaire et de l’évolution, pour ne pas dire du changement radical mais intelligemment argumenté tout au long du film, de Bob) savamment dosés, même si la nuit brouille les repères, donne des reflets changeants aux attitudes et aux visages.  Un film noir sur lequel plane la fatalité :  fatalité du destin, femme fatale, ambiance pluvieuse. James Gray dissèque aussi les liens familiaux, plus forts que tout : la mort, la morale, le destin, la loi.

     Un film lyrique et parfois poétique, aussi : lorsque Eva Mendes déambule nonchalamment dans les brumes de fumées de cigarette dans un ralenti langoureux, on se dit que Wong Kar-Wai n’est pas si loin... même si ici les nuits ne sont pas couleur myrtille mais bleutées et grisâtres. La brume d’une des scènes finales rappellera d’ailleurs cette brume artificielle comme un écho à la fois ironique et tragique du destin.

     C’est épuisés que nous ressortons de cette tragédie, heureux de retrouver la lumière du jour, sublimée par cette plongée nocturne. « La nuit nous appartient » ne fait pas  partie de ces films que vous oubliez sitôt le générique de fin passé (comme celui que je viens de voir dont je tairai le nom) mais au contraire de ces films qui vous hantent, dont les lumières crépusculaires ne parviennent pas à être effacées par les lumières éblouissantes et incontestables, de la Croisette ou d’ailleurs…

     

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  • Critique de THE GREAT GATSBY de Baz Luhrmann

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    Ci-dessous ma critique de "Gatsby" de Baz Luhrmann vu en ouverture du Festival de Cannes 2013 (et publiée suite à cette ouverture) avec, également, mon avis sur cette ouverture.

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    Chaque année, au fur et à mesure que les jours avancent et que la clôture du Festival de Cannes se rapproche, la barrière entre la fiction et la réalité s’amenuise, transformant chaque journée et chaque seconde en une troublante, délicieuse, enivrante et perturbante confusion… Cette année, pour cette 66ème édition qui s’annonce décidément exceptionnelle à tous points de vue, cette vertigineuse et grisante sensation s’est emparée de moi dès le premier jour avec, en film d’ouverture, « Gatsby le magnifique » de Baz Luhrmann, nouvelle adaptation de l’intemporel roman de Francis Scott Fitzgerald,  miroir de Cannes, de la mélancolie et de la solitude, sans doute, de quelques uns, derrière le faste, la fête, les éblouissements.

    Mais avant cela, il y a eu cette musique, dans le Grand Théâtre Lumière qui annonce la cérémonie d’ouverture et, qui, pour la 13ème année consécutive, sans que mon enthousiasme soit entamé (bien au contraire) a réussi à me faire frissonner d’impatience et de plaisir.  Avant, il y a eu la voix douce d’Audrey Tautou qui, dans une élégante robe blanche, simple et raffinée, à son image, le souffle à peine coupé, de sa voix à la fois fragile et assurée, a présenté la cérémonie. Enthousiaste, resplendissante, glamour, pétillante Audrey Tautou qui, contrairement à d’autres lors de précédentes éditions, a eu la bonne idée d’écrire son texte elle-même…et j’en tremblais pour elle devant le public sans doute le plus difficile qui soit dans cette salle en effet vertigineuse. Le prestige de l’évènement ne lui a en rien fait perdre ses moyens. Elle nous a rappelé, avec justesse, les beaux paradoxes cannois, que derrière « son air frivole », c’est la « plus fervente manifestation du 7ème art », que le festival est là pour nous « offrir du rêve » et aussi « nous faire voir la vérité ». Elle nous a aussi parlé d’émotions, de cœurs entrainés, charmés, renversés etc, de ses premières émotions cinématographiques. Et puis il y a eu la standing ovation à Steven Spilerbg, la présentation de son éclectique et splendide jury, l’aperçu des films de la sélection qui m’ont rappelé pourquoi j’aimais Cannes et le cinéma. Et pourquoi je les aimais à la folie.

    A peine le temps de comprendre que tout cela était réel, quoique pas tout à fait en apparence, que déjà Gatsby nous emportait dans son tourbillon mélancolique et festif (certains, certainement, songeant déjà à leurs « tweets grincheux », trop rarement joyeux). Je redoutais beaucoup cette adaptation, appréciant beaucoup celle de Jack Clayton (Robert Redford étant pour moi à jamais Gatsby) et aimant inconditionnellement ce sublime roman qui évite toujours soigneusement la mièvrerie et assume le romantisme effréné et exalté (mais condamné) de son personnage principal. Je redoutais surtout que Baz Luhrmann ne dénature totalement le roman en voulant le vulgariser.

    Le  film a été projeté en 3D. C’était la deuxième fois dans l’histoire du Festival après « Up » (« Là-Haut ») de Pete Docter, en  2009, que le film d’ouverture faisait l’objet d’une projection en relief.

    Printemps 1922. L’époque est propice au relâchement des moeurs, à l’essor du jazz et à l’enrichissement des contrebandiers d’alcool… Apprenti écrivain, Nick Carraway (Tobey Maguire » quitte la région du Middle-West pour s’installer à New York. Voulant sa part du rêve américain, il vit désormais entouré d’un mystérieux millionnaire, Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), qui s’étourdit en fêtes mondaines, et de sa cousine Daisy ( Carey Mulligan) et de son mari volage, Tom Buchanan, issu de sang noble. C’est ainsi que Nick se retrouve au coeur du monde fascinant des milliardaires, de leurs illusions, de leurs amours et de leurs mensonges.

    Dans l’adaptation de Clayton (rappelons que le scénario de cette précédente adaptation était écrit par Coppola), je me souviens de la magnificence crépusculaire de la photographie et de la langueur fiévreuse qui étreignait les personnages et nous laissaient entendre que tout cela s’achèverait dans le drame. Ici, c’est plus implicite même si de la fête émane toujours une certaine mélancolie. C’est d’ailleurs ce qui semble avoir déçu une grande partie des festivaliers hier qui s’attendaient sans doute à une joyeuse flamboyance…et, c’est selon moi, au contraire, toute la réussite de cette adaptation que de retranscrire la flamboyance de l’univers de Gatsby sans dissimuler totalement la mélancolie et même la tristesse qui affleurent dans cette débauche festive. L’amertume dissimulée derrière l’apparente légèreté. La mélancolie et le désenchantement derrière la désinvolture.

    Là aussi, Jay Gatsby n’apparaît qu’au bout de vingt minutes, voire plus.  Nous nous trouvons alors dans la même situation que Nick qui ne le connaît que par sa réputation : on dit qu’il « a tué un homme » et qu’il n’apparaît jamais aux fêtes somptueuses qu’il donne dans une joyeuse décadence.

    « Gatsby le magnifique » est à la fois une critique de l’insouciance cruelle et de la superficialité de l’aristocratie que symbolise Daisy, c’est aussi le portrait fascinant d’un homme au passé troublant, voire trouble et à l’aura romantique dont la seule obsession est de ressusciter le passé et qui ne vit que pour satisfaire son amour inconditionnel et aveugle. (Je me souvenais de la magnifique scène où Jay et Daisy dansaient dans une pièce vide éclairée à la bougie, dans le film de Clayton,  moins réussie ici). Face à lui Daisy, frivole et lâche, qui préfère sa réputation et sa richesse à Gatsby  dont la réussite sociale n’avait d’autre but que de l’étonner et de poursuivre son rêve qui pour lui n’avait pas de prix. Gatsby dont par bribes la personnalité se dessine : par sa manie d’appeler tout le monde « vieux frère », par ses relations peu recommandables. Pour Daisy, la richesse est un but (même si elle me parait moins frivole que dans le roman de Fitzgerald et que dans l’adaptation de Clayton). Pour Jay, un moyen (de la reconquérir). Elle qui ne sait que faire des 30 années à venir où il va falloir tuer le temps.

    Gatsby est une histoire de contrastes. Entre le goût de l’éphémère de Daisy et celui de l’éternité de Gatsby. Entre la réputation sulfureuse de Gatsby et la pureté de ses sentiments. Entre la fragilité apparente de Daisy et sa cruauté. Entre la douce lumière d’été et la violence des sentiments. Entre le luxe dans lequel vit Gatsby et son désarroi. Entre son extravagance apparente et sa simplicité réelle. Entre la magnificence de Gatsby et sa naïveté. Et tant d’autres encore. Des contrastes d’une douloureuse beauté dans le roman, et dans l’adaptation de Clayton dont la mise en scène (trop rare) est la réussite du film de Luhrmann (comme ces plans de Gatsby seul sur son ponton) davantage que les fastueuses et non moins réussies scènes de fête qui ne comblent pas le vide de l’existence de Gatsby.

    C’est à travers le regard sensible et lucide de Nick qui seul semble voir toute l’amertume, la vanité, et la beauté tragique de l’amour, mélancolique, pur et désenchanté, que Gatsby porte à Daisy que nous (re)découvrons cette histoire tragique. Bien que le connaissant par cœur, j’en suis ressortie avec l’irrésistible envie de relire encore et encore le chef d’œuvre de Fitzgerald, une nouvelle fois bouleversée par cette histoire d’amour absolu, d’illusions perdues, de bal des apparences, de solitude, de lâcheté, de cruauté (oui, il y a tout cela dans Gatsby) et avec l’irrésistible envie de  me laisser dangereusement griser par l’atmosphère de chaleur écrasante, d’extravagance et d’ennui étrangement mêlés dans une confusion finalement criminelle.

    Mia Farrow interprétait Daisy entre cruauté, ennui, insouciance et même folie. La Daisy de Carey Mulligan est moins déjantée, presque moins pitoyable. Si Gatsby restera pour moi à jamais Robert Redford, Leonardo DiCaprio, une fois de plus, excelle, et est un Gatsby bouleversant, énigmatique, mélancolique, fragile, charismatique, avec ce sourire triste, si caractéristique du personnage. Il incarne magnifiquement celui qui est pour moi un des plus beaux personnages de la littérature. Le talent de Leonardo Di Caprio n’est plus à prouver : que ce soit dans « Les Noces rebelles« , « Inception » ,  « Shutter Island« ou, plus récemment dans « Django unchained »  , il crève invariablement l’écran et prouve aussi son intelligence par ses judicieux choix de rôles.

    Ont participé à la B.O du film: Lana Del Rey, Beyoncé x André 3000, Florence + The Machine, will.i.am, The xx, Fergie + Q Tip + GoonRock, et The Bryan Ferry Orchestra … Ces anachronismes et cette volonté de moderniser un roman et des sentiments de toute façon intemporel  restent ici (heureusement) mesurés.

    Un film, comme celui de Clayton, empreint de la fugace beauté de l’éphémère et de la nostalgie désenchantée que représente le fascinant et romanesque Gatsby auxquelles Baz Luhrmann ajoute une mélancolique flamboyance. Il n’a pas dénaturé l’essence du roman, en choisissant justement de modérer ses envolées musicales.

    Relisez le magnifique texte de Fitzgerald, ne serait-ce que pour « La poussière empoisonnée flottant sur ses rêves » ou cette expression de « nuages roses » qui définit si bien le ton du roman et du film et revoyez l’adaptation de Jack Clayton …mais ne passez pas non plus à côté de celle-ci qui ne déshonore pas la beauté de ce roman bouleversant sur l’amour absolu, la solitude et les illusions perdues derrière le faste et la multitude, et qui ici, et en particulier hier soir, prenait une étrange résonance devant tous ces acteurs qui, sans doute, connaissent ses rêves inaccessibles (ou les rêves accomplis qui ne guérissent ni l’amertume ni la solitude) et de cruelles désillusions, la mélancolie et la solitude dans la fête et la multitude, peut-être même celui qui incarne Gatsby dont le nom toute la journée, n’a cessé d’être murmuré et hurlé sur la Croisette et qui, peut-être, s’est parfois senti comme Gatsby, dans une troublante confusion (nous y revenons) entre la fiction et la réalité.  Belle mise en abyme pour une ouverture et un film d’ouverture mêlant flamboyance, grand spectacle, mélancolie… à l’image de Cannes. Vivement la suite !

     

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  • Programme complet du Festival Paris Cinéma 2013

    Le Festival Paris Cinéma célèbrera cette année sa 11ème édition, déjà (!), un Festival dont je n’ai manqué aucune édition puisque l’année de sa création coïncide avec mon arrivée à Paris. J’ai même fait partie de ses bénévoles, il y a quelques années de cela, avant d’intégrer son jury de blogueurs un peu plus tard.  Retrouvez mes articles sur les dernières éditions en cliquant sur l’année qui vous intéresse, ci-dessous.

    FESTIVAL PARIS CINEMA 2009

    FESTIVAL PARIS CINEMA 2010

    FESTIVAL PARIS CINEMA 2011

    FESTIVAL PARIS CINEMA 2012

    Comme chaque année, je profiterai donc de ses nombreuses avant-premières (avec de nombreux films présentés à Cannes, comme chaque année, ce qui me permettra de rattraper ceux que j’avais manqués ou d’en revoir certains comme la palme d’or « La vie d’Adèle » ou « La Vénus à la fourrure » de Roman Polanski).

     Comme chaque début été, le festival proposera dans une quinzaine de lieux de la capitale plus de 200 films, dont beaucoup d’inédits, en présence de nombreuses personnalités du 7e art.

    MADE IN BELGIËQUE  :  Les cinémas wallon, flamand et bruxellois à l’honneur

    Après un  focus sur le cinéma hongkongais en 2012, place à l’humour et à l’avant-garde , l’édition 2013 mettra à l’honneur le cinéma belge avec un panorama très large. C’est donc un panorama de plus de 100 films, des premiers temps du muet à nos jours que le festival proposera en présence de nombreux invités : Natacha Régnier, Joachim Lafosse, Bouli Lanners, Félix van Groeningen… Le focus sur Joachim Lafosse sera notamment l’occasion de revoir « A perdre la raison« , grand coup de cœur de l’année 2012 dont vous pouvez retrouver ma critique, ici.

     La Compétition Internationale

    Le Festival Paris Cinéma  offre un aperçu du cinéma contemporain mondial à travers une sélection d’une dizaine de films (fictions, documentaires, films d’animation ou expérimentaux) présentés par leurs réalisateurs. Ces films, en provenance du monde entier, concourent pour le Prix du Public, le Prix du Magazine Grazia, le Prix des Blogueurs & du Web et le Prix des Étudiants. Les films primés recevront une aide pour soutenir leur distribution en France. Voici les films en compétition:

    « La Bataille de Solférino » de Justine Triet

    2013 / France

    « Celui que nous laisserons » de Caetano Gotardo

    2012 / Brésil

     « Eka & Natia, Chronique d’une jeunesse géorgienne » de Nana Ekvtimishvili Simon Groß

    2013 / Allemagne, Géorgie, France

    « Ilo Ilo” de Anthony Chen

    / Singapour

    “Kid” de Fien Troch

    2012 / Belgique

    « Lifelong » (titre provisoire) de Asli Özge

    2013 / Turquie, Allemagne, Pays-Bas

      « Prince Avalanche” de David Gordon Green

    2013 / USA

     “Vic + Flo ont vu un ours » de Denis Côté

    2012 / Canada

     “Youth” de Tom Shoval

    2012 / Israel, Allemagne

    Les Avant-premières 

    Une sélection d’une quarantaine d’avant-premières présentées par leurs équipes  vous permettront de découvrir avant tout le monde les grands films de Cannes, les futurs succès des mois à venir ou pour redécouvrir des classiques du cinéma en copie restaurée.

    2 automnes 3 hivers

    Sébastien Betdeder

    France

    Présenté par Sébastien Betbeder et l’équipe du film

    Vendredi 28 juin à 21h

    MK2 Bibliothèque

    3x3D

     

    JL Godard, P. Greenaway et Edgar Pêra

    Portugal

     

    Alabama Monroe

    Felix van Groeningen

    Belgique

     

    Film de clôture en présebce du réalisateur

    lundi 8 juillet à 21h

    MK2 Bibliothèque

    Les Apaches

    Thierry de Peretti

    France

    Présenté par Thierry de Peretti et l’équipe du film

    Samedi 29 juin à 19h

    MK2 Bibliothèque

    Budori

    Gisaburo Sugii

    Japon

    La Cinquième saison

    Peter Brosens et Jessica Woodworth

    Belgique

    Présenté par Jessica Woodworth et l’équipe du film

    Mardi 2 juillet à 19h

    MK2 Bibliothèque

    Le Congrès

    Ari Folman

    Israël

    Présenté par Ari Folman

    Vendredi 29 juin à 21h

    MK2 Bibliothèque

    Dans un jardin je suis entré

    Avi Mograbi

    Israël

    Film suivi d’un débat avec le réalisateur

    mardi 9 juillet à 19h

    MK2 Bibliothèque

    Elle s’en va

    Emmanuelle Bercot

    France

    Présenté par Emmanuelle Bercot et l’équipe du film

    Dimanche 30 juin à 21h

    MK2 Bibliothèque

    Frances Ha

    Noah Baumbach

    USA

     Gold

    Thomas Aslan

    Allemagne

     Goltzius and the Pelican Company

    Peter Greenaway

    Pays-Bas

    Présenté par Peter Greenaway

    vendredi 5 juillet 21h15

    MK2 Bibliothèque

    Grand Central

    Rebecca Zlotowski

    France

    Présenté par Rebecca Zlotowski

    vendredi 5 juillet à 19h

    MK2 Bibilothèque

    Le Grand’Tour

    Jérôme Le Maire

    Belgique

    Le Grand Méchant Loup

    Nicolas et Bruno

    France

     GriGris

    Mahamat-Saleh Haroun

    France

    Projection + spectacle

    lundi 1er juillet à 19h (film)

    MK2 Bibliothèque

    et à partir de 21h (performance)

    Petit Bain

    Haewon et les Hommes

    Hong Sang-soo

    Corée du Sud

     Henri

    Yolande Moreau

    France

    Hijacking

    Tobias Lindholm

    USA

     Ini Avan – Celui qui revient

    Asoka Handagama

    Sri Lanka

    Présenté par Asoka Handagama

    samedi 6 juillet 21h

    MK2 Bibliothèque

    Jeune et jolie

    François Ozon

    France

    Présenté par François Ozon, Géraldine Pailhas, Frédéric Pierrot et Charlotte Rampling

    Samedi 29 juin à 19h

    MK2 Bibliothèque

    Juliette

    Pierre Godeau

    France

     

    Présenté par Pierre Godeau et l’équipe du film

    dimanche 7 juillet à 21h

    MK2 Bibliothèque

    Koko le clown

    Les frères Fleischer

    USA

    Layla Fourie

    Pia Marais

    Afrique du Sud

     La Légende de Kaspar Hauser

    Davide Manuli

    Italie

    Présentation et débat avec Davide Manuli, suivi d’un Dj set du Label Cracki Records

    2 juillet à 21h30

    Nouveau Latina

    Léo et Fred

    Pal Toth

    Hongrie

    Lettre à Momo 

    Okiura Hiroyuki

    Japon

    Film de clôture de Paris CinéMômes

    mardi 9 juillet à 19h

    Étoile Lilas

    Mes séances de lutte

    Jacques Doillon

    France

    Présenté par Jacque Doillon et, sous réserve, Sara Forestier

    jeudi 4 juillet à 19h

    MK2 Bibliothèque

    Michael H. Profession: Réalisateur

    Yves Montmayeur

    Autriche

     

    Présenté par Yves Montmayeur

    vendredi 5 juillet à 19h15

    MK2 Bibliothèque

    Michael Kohlhaas

    Arnaud des Pallières

    France

    jeudi 4 juillet à 19h (film)

    Max Linder Panorama

    Présenté par l’équipe du film et, sous réserve, Mads Mikkelsen

    Monstres Academy

    Dan Scanlon

    USA

    Film d’ouverture de Paris CinéMômes

    samedi 29 juin dès 13h (film à 14h)

    à Étoile Lilas

    Monstres et Cie

    Pete Docter

    USA

    Northwest

    Michael Noer

    Danmark

     L’Œil du cyclone

    Fred Schepisi

    Australie

    Présenté par Charlotte Rampling

    samedi 6 juillet à 19h

    MK2 Bibliothèque

    Oggy et les Cafards

    Jean-Marie Oliver

    France

    L’Oncle de Brooklyn

    Daniele Cipri et Franco Maresco

    Italie

     Poupi

    Zdenek Miler

    Pussy Riot: A Punk Prayer 

    Mike Lerner et Maxim Pozdorovkin

    Projection et débat

    Lundi 1er juillet à 21h15

    MK2 Bibliothèque

    Les Salauds

    Claire Denis

    France

    Présenté par Claire Denis et l’équipe du film

    samedi 6 juillet 21h

    MK2 Bibliothèque

    Salvo

    Grassadonia et d’Antonio Piazza

    Italie

     Sur le chemin de l’école

    Pascal Plisson

    France

    Présenté par Pascal Plisson et le producteur Barthélémy Fougea

    dimanche 7 juillet à 19h

    MK2 Bibliothèque

    Suzanne

    Katel Quillévéré

    France

    Film suivi d’un débat avec la réalisatrice et l’équipe du film

    vendredi 5 juillet à 21h

    MK2 Bibliothèque

    La Tendresse

    Marion Hänsel

    Belgique

    Présenté par Marion Hänsel, Marilyne Canto et l’équipe du film

    Dimanche 30 juin à 21h

    MK2 Bibliothèque

    Tip Top

    Serge Bozon

    France

    Présenté par Serge Bozon

    jeudi 4 juillet à 21h

    MK2 Bibliothèque

    La Vénus à la fourrure

    Roman Polanski

    France

    Film d’ouverture en présence de l’équipe du film

    jeudi 27 juin à 21h

    Gaumont Opéra Capucines

    La Vie d’Adèle Chapitres 1 & 2

    Abdellatif Kechiche

    France, Belgique, Espagne

    Les Invités d’honneur

    Asghar Farhadi

    Louxor (10e) | Jeudi 29 juin

    Le Festival Paris Cinéma lui rendra hommage à travers une projection exceptionnelle de deux de ses films, en sa présence, au Louxor. Cliquez ici pour lire ma critique du « Passé ».

     

    Natacha Régnier

    Grand Action (5e) | Du 29 juin au 9 juillet

    Retour en 20 films sur les petits et grands rôles d’une comédienne remarquable, en sa présence.

     

     

     

    Les Événements

    Le Festival Paris Cinéma c’est aussi une série d’événements festifs et ludiques pour vivre le cinéma autrement.

    Ne ratez pas la Nuit du Cinéma qui marquera le lancement de cette nouvelle édition : films cultes de série B, petits bijoux d’animations et autres raretés, films trash ou érotiques… viendront ponctuer cette exploration du cinéma sous ses formes les plus déviantes ou méconnues.

    Ouverte aux professionnels comme aux particuliers et dédiée à la vente d’objets en lien avec l’univers du cinéma (DVD, affiches, photos de tournages, revues, matériel de projection, figurines collector…), la 5ème Brocante cinéma se tiendra les samedi 6 et dimanche 7 juillet sur le parvis du MK2 Bibliothèque.

    Sans oublier le désormais mythique Ciné- Karaoke ! Venez fêter le cinéma en sons et en images, et reprendre à tue-tête les grands airs du 7e Art !

    D’autres événements et surprises vous seront dévoilés à l’approche du festival !

    Hommages et rétrospectives

     

    William Kentridge

    Forum des Images (1er)

     

    © Fonds Alain Robbe-Grillet/IMEC Images / DR

    Alain Robbe-Grillet

    Nouveau Latina (4e)

    Hommage au Pape du Nouveau Roman  devenu auteur de cinéma en 1961 en signant le scénario de L’Année dernière à Marienbad d’Alain Resnais. En présence de nombreux invités.

    © Les Films du Jeudi

    Programme Street art

    Autour de Keith Haring : Murmures de la ville

    Centquatre (19e)

    À l’occasion de l’exposition « Keith Haring, The Political Line » qui se tient au CENTQUATRE et au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, le festival propose un cycle de films et des ateliers dédiés au Street Art.

     

     

    Paris Project (événement réservé aux professionnels)

    Du 30 juin au 3 juillet, le Festival Paris Cinéma invite les professionnels du cinéma européen et étranger à sa plateforme de co-production, Paris Project, pour accompagner une sélection de projets à la recherche de financements. Au programme de cet événement devenu incontournable : des rendez-vous personnalisés, des séances de pitching, des séminaires et des ateliers pratiques conçus par des professionnels reconnus de l’industrie du cinéma en Europe et à l’intention des réalisateurs, producteurs, vendeurs internationaux et distributeurs.

    En 2012, 350 professionnels de 140 sociétés ont participé à Paris Project, tandis que 500 rendez-vous étaient organisés.

    Paris Ciné classics

    Paris cinéma, c’est aussi l’occcasion de (re)voir des classiques du cinéma. Je vous recommande notamment « Plein soleil » de René Clément. Retrouvez mon dossier complet sur ce film suite à sa projection cannoise, ici.

    Docteur Jerry et Mister Love, Jerry Lewis
    Enquête sur une passion, Nicolas Roeg
    Faux-semblants, David Cronenberg
    Fedora, Billy Wilder
    La Fille de Ryan, David  Lean
    Le Goût du saké, Yasujiro Ozu
    Hiroshima, mon amour, Alain Resnais
    L’Homme qui en savait trop, Alfred Hitchcock
    Mais… qui a tué Harry ?, Alfred Hitchcock
    Un monde fou, fou, fou, Stanley Kramer
    My childhood, Bill Douglas
    My ain folk, Bill Douglas
    My way home, Bill Douglas
    Plein Soleil, René Clément
    Le Roi et l’oiseau, Paul Grimault
    Sidewalk stories, Charles Lane
    Spéciale première, Billy Wilder
    Le Tombeur de ces dames, Jerry Lewis
    Les Voyages de Sullivan, Preston  Sturges
    Voyage à Tokyo, Yasujiro Ozu

    INFORMATIONS PRATIQUES

     

    Les cartes de fidélité (Gaumont, MK2…), habituellement acceptées par les salles de cinéma, sont valables sur les séances du festival.

    BILLET À LA SÉANCE

    5€ ET 4€ pour les moins de 12 ans

    Séance 3D relief : +2€

    Les billets sont en vente dans la salle où est programmée la séance et sur le site pariscinema.org pour certaines salles.

    TARIFS SPÉCIAUX

    Atelier Street art & Paris CinéMômes : 5€

    Ciné-concert William Kentridge : 9€

    Ciné-concert Jean-François Zygel : 9€

    Nuit du cinéma : 12€

    ENTRÉE LIBRE

    Pour le Ciné-Karaoké Géant, La Brocante Cinéma

    L’Exposition photo  » Les Invités vus par Jérôme Bonnet »

    BILLETTERIE EN MAGASIN ET SUR FNAC.COM DÈS LE 12 JUIN

    INFORMATIONS & ACCUEIL

    Espace Paris Cinéma – MK2 Bibliothèque

    info@pariscinema.org | www.pariscinema.org

    13e arrondissement

    tél. 09 88 77 75 75

    Bibliothèque François-Mitterrand – Quai de la Gare – Bus 62 / 89 / 132

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