Si, comme moi, vous aimez Tennessee Williams, alors cette soirée exceptionnelle est pour vous aussi:

« Le festival qui souffle positif ». Tel est le slogan du Festival International du Film de Boulogne-Billancourt. Voilà qui était fait pour moi…et cela tombe d’autant mieux que j’aurai le plaisir de faire partie du jury des blogueurs du Festival présidé par le journaliste Didier Allouch et qui décernera le prix du meilleur réalisateur, de la meilleure actrice, et du meilleur acteur. Encore une participation à un jury me direz-vous…l’agréable paradoxe est que ces blogs créés au départ pour partager mes singulières expériences de jurée dans des festivals de cinéma intégrés sur concours (dix, je crois)…font qu’on me propose aujourd’hui d’être jurée à titre de blogueuse (pour la 3^ème fois)…sans passer par la case concours, mais avec toujours la même insatiable soif de découvertes cinématographiques.

Ces (18…) années de pérégrinations festivalières n’ont rien changé à ma curiosité (et l’ont même aiguisée) ni au principe initial de mes blogs : défendre ardemment le cinéma qui me bouleverse, me touche, me secoue, me surprend et laisser aux autres les facilités de la critique assassine (parfois) gratuite, préférer l’argumentation discrète, l’enthousiasme au cynisme vindicatif.

« Tourner le dos au cynisme et à la dérision. Mais sans mépris, dédain ou mésestime absurdes, pour ceux faisant un autre choix. Le pessimisme est d’humeur, l’optimisme est de volonté ( disait Alain) » souligne ainsi le cinéaste Claude Pinoteau, Président d’honneur du festival, dans son édito, ajoutant « La Philosophie de ce Festival est de privilégier tout ce qui fait aimer la vie. »

Il aurait tout aussi bien pu citer Claude Sautet dont le cinéma avait pour objectif de « faire aimer la vie » et qui y est magistralement parvenu. Voilà une raison de plus de m’enthousiasmer moi qui cite invariablement « Un cœur en hiver » comme film préféré souvent devant des interlocuteurs interloqués (formulation peu heureuse qui n’en reflète pas moins la réalité)…même si, sans doute « César et Rosalie » conviendrait mieux à cette définition. Pas de Claude Sautet néanmoins au programme qui s’annonce néanmoins réjouissant, en particulier la compétition.

En quatre jours, du 23 au 26 mars, le festival présente ainsi une vingtaine de films – longs-métrages de fiction et films documentaires – du monde entier pour la plupart « des films jubilatoires, optimistes, inspirants, émouvants, des films qui donnent des ailes» comme les définit sa directrice, Caroline Mitchell. Des films en compétition et hors-compétition, des documentaires et même des « reprises » comme le chef d’oeuvre de Roberto Benigni « La vie est belle » (à cette occasion, je vous proposerai une critique du film, la semaine prochaine).

Aux côtés du jury de blogueurs, un jury de jeunes comédiennes présidé par Zoé Félix décernera également ses prix.

Je vous raconterai bien entendu ici cette nouvelle expérience festivalière (après Deauville où je serai comme chaque année dès demain, festival au sujet duquel vous pouvez retrouver mon article , ici) et je vous invite à découvrir ce festival au concept et à la programmation enthousiasmants, un festival très accessible par ailleurs. Vous trouverez toutes les informations pratiques en bas de cet article pour y accéder et y assister.

Détail de la programmation

Film d’ouverture

LE PRÉNOM (Avant-première)

France – 2011 – 110 mn

Réalisateur : Alexandre de La Patellière, Matthieu Delaporte

Adapté de leur pièce de théâtre Le Prénom.

Cast : Patrick Bruel, Charles Berling, Valérie Benguigui

En salles le 25 avril 2012

Synopsis : Vincent, la quarantaine triomphante, va être père pour la première fois. Invité à dîner chez Élisabeth et Pierre, sa sœur et son beau-frère, il y retrouve Claude, un ami d’enfance. En attendant l’arrivée d’Anna, sa jeune épouse éternellement en retard, on le presse de questions sur sa future paternité dans la bonne humeur générale… Mais quand on demande à Vincent s’il a déjà choisi un prénom pour l’enfant à naître, sa réponse

Film de clôture

INDIAN PALACE

USA – 2011 – 124 mn

Réalisateur : John Madden

Cast : Bill Nighy, Maggie Smith, Judi Dench, Tom Wilkinson, Dev Patel

En salles le 25 avril 2012

Des retraités britanniques partent en Inde, où la vie est moins chère. Ils arrivent au Marigold Hotel, un palace dont des publicités leur ont vanté les mérites. Quoique le nouvel environnement soit moins luxueux qu’imaginé, ils sont pour toujours transformés par leurs expériences communes, découvrant que la vie et l’amour peuvent recommencer lorsqu’on laisse son passé derrière

Films en compétition

NINO, UNE ADOLESCENCE IMAGINAIRE DE NINO FERRER

France – 2011 – 75 mn

Réalisateur : Thomas Bardinet

Cast : Lou de Laage, Sarah Coulaud, David Prat, Benoît Gruel

Nino a 16 ans, les vacances commencent et son coeur balance entre Natacha, une très belle fille, comédienne au théâtre comme dans la vie, et la délicieuse Nathalie qu’il connaît depuis toujours. Celle-ci refuse que «l’homme de sa vie» s’éloigne d’elle aussi inexorablement que son enfance…

En présence de l’équipe du film

LOU

Australie – 2011 – 82 mn

Réalisatrice : Belinda Chayko

Cast : John Hurt, Lily Bell-Tindley, Emily Barclay, Jay Ryan

Aussi rapidement que le père de Lou sort de sa vie, son grand-père y fait irruption en semant le désordre dans la petite maison que Lou partage avec sa jeune maman et ses deux soeurs. Doyle, le grand-père atteint de la maladie d’Alzheimer, confond Lou avec sa propre femme. En entrant dan son drôle de jeu, Lou croit pouvoir utiliser Doyle contra sa mère. Sans s’y attendre, elle découvre ce que c’est qu’être aimée.

LE FILS DE L’AUTRE

France – 2012 – 105 mn

Réalisatrice : Lorraine Lévy

Cast : Emmanuelle Devos, Pascal Elbé, Jules Sitruk, Mehdi Dehbi, Areen Omari, Khalifa Natour, Mahmood Shalabi, Bruno Podalydès

Alors qu’il s’apprête à intégrer l’armée israélienne pour effectuer son service millitaire, Joseph découvre qu’il n’est pas le fils biologique de ses parents et qu’il a été échangé à la naissance avec Yacine, l’enfant d’une famille palestinienne de Cisjordanie.

La vie de ces deux familles est brutalement bouleversée par cette révélation qui les oblige à reconsidérer leurs identités respectives, leurs valeurs et leurs convictions.

En présence de l’équipe du film

CREBINSKY

Espagne – 2010 – 90 mn

Réalisateur : Enrique Otero

Cast : Miguel de Lira, Sergio Zearreta

Enfants, les deux frères Feodor et Mijail et leur vache Muchka sont emportés par des pluies torrentielles vers un coin perdu de la côte. Isolés du monde, ils grandissent au pied d’un phare.. Aujourd’hui adultes, ils survivent en récupérant les objets venus de la mer, « las crebas » et vivent dans leur propre univers imaginaire.

En présence du réalisateur

CHERCHER LE GARÇON

France – 2011 – 70 mn

Réalisatrice : Dorothée Sebbagh

Cast : Sophie Cattani, Moussa Maaskri, Gérard Dubouche, Aurélie Vaneck, Frank Libert, Laurent Lacotte

En salles le 18 avril 2012

Emilie, une fille de 35 ans, célibataire depuis trop longtemps, décide de chercher l’amour sur Internet. Avec beaucoup d’espoir, d’acharnement et pas mal de naïveté, elle va découvrir l’univers des sites de rencontres sur Internet et rencontrer plein d’hommes, tous différents: cynique, romantique, excentrique, poétique, pathétique… Elle va finir par trouver l’amour mais pas de la façon dont elle croyait.

Avant-premières

SUR LA PISTE DU MARSUPILAMI

France – 2011 – 110 mn

Réalisateur : Alain Chabat

Cast : Alain Chabat, Jamel Debbouze, Fred Testot, Lambert Wilson, Géraldine Nakache

Quand Dan Geraldo, reporter en quête de scoop, arrive en Palombie, il ne se doute pas qu’il va faire la plus incroyable des découvertes… Avec Pablito, guide local plein de ressources, ils vont aller de surprise en surprise au cours d’une aventure trépidante et surtout révéler une nouvelle extraordinaire : Le Marsupilami, animal mythique et facétieux, existe vraiment !!!

A partir de 6 ans

En présence de l’équipe du film

MINCE ALORS !

France – 2011 – 100 mn

Réalisatrice : Charlotte de Turckheim

Cast : Victoria Abril, Lola Dewaere, Catherine Hosmalin, Julia Platon, Mehdi Nebbou, Grégory Fitoussi, Pascal Legitimus, Pauline Lefèvre, Dominique Besnéhard

Nina est jeune, jolie et ronde. Malheureusement son mari Gaspard n’aime que les femmes très minces… Surtout depuis qu’ils se sont installés à Paris pour monter leur ligne de maillot de bain ultra pointue. Pour tenter de le séduire à nouveau, Nina accepte à contrecoeur le cadeau qu’il lui offre : une cure d’amaigrissement à Brides-les-Bains. Le dernier espoir des gros quand on a tout essayé. %u2028Là bas, elle va faire la connaissance de Sophie une séduisante avocate marseillaise, Emilie, une mère de famille très enveloppée, Thomas et Roxane.%u2028Lorsque toutes ses personnes se confrontent le temps d’un voyage pour aller mieux dans son corps, cela provoque des tempêtes, et c’est peut-être comme cela que chacun trouvera sa porte de sortie…

En présence de l’équipe du film

MIRACLE EN ALASKA / BIG MIRACLE

USA – 2011 – 124 mn – VF

Réalisateur : Ken Kwapis

Cast : Kristen Bell, Drew Barrymore, John Krasinski, Dermot Mulroney

En salles le 9 mai 2012

Octobre 1988. Pour sauver trois baleines grises de Californie, piégées dans les glaces du Cercle arctique, un journaliste recrute son ancienne petite amie, une volontaire de Greenpeace.

Hors-compétition

26 Rue Le Corbusier

92100 Boulogne-Billancourt

Tél. : 08 92 69 66 96

Métro: Jean-Jaurès

DATES

Du vendredi 23 mars au lundi 26 mars 2012, de 11h30 à minuit.

BILLETTERIE

Pass tout accès : ce pass donne accès à toutes les projections et les rencontres, dans la limite des places disponibles, hors ouverture et clôture.

Tarif normal: 15 euros.

Tarif réduit : 10 euros (Etudiants, – de 25 ans, demandeurs d’emploi, + de 60 ans, comités d’entreprise et groupes de plus de 10 personnes, familles nombreuses, personnes handicapées).

Grille de Programmation du Festival

Séance : 3 euros.

Billetterie ouverte pendant le festival au Cinéma Pathé de Boulogne-Billancourt.

Pass et séance en vente à l’Office de Tourisme de Boulogne-Billancourt

Office de Tourisme de Boulogne-Billancourt

25 avenue André Morizet – Boulogne-Billancourt

Tel : 01 55 18 50 50

www.boulogne-billancourt-tourisme.com

Le Festival sur Facebook: https://www.facebook.com/festivaldufilmdeboulogne

Le Festival sur twitter: https://twitter.com/#!/festivalfilm92

Cliquez ici pour lire mon article complet consacré à Archimède, groupe lavallois, nommé comme "Album rock de l'année" aux Victoires de la Musique 2012. Dans ce même article, vous retrouverez également la liste complète des nommés.

Je vous en avais parlé ici il y a quelques semaines, ayant eu le plaisir de préselectionner les films en lice, pour la première cérémonie des prix cinéma remis par les blogueurs cinéma pour lesquels plus de 300 blogueurs ont voté. Si les résultats confirment la tendance sur les blogs l'an passé sur lesquels "Drive" était grand favori (un film au sujet duquel j'étais en revanche plus que réservée, retrouvez ma critique en bas de cet article), je suis ravie de constater que le prix du scénario a été attribué au labyrinthique et cruellement magnifique "La Piel que habito" de Pedro Almodovar. Ce qui est pour moi (et je ne crois pas être la seule) le film français de l'année 2011 (le film de l'année toutes catégories confondues étant pour moi "Melancholia"), "The Artist" ne récolte que le prix de consolation de la meilleure affiche. Enfin, c'est Nathalie Portman qui se voit récompenser pour son rôle dans "Black swan". Je vous laisse découvrir le reste du palmarès ci-dessus, ainsi que mes critique de "Drive" et "Black swan"... et, si vous n'étiez pas à la soirée hier qui a fait salle comble, je vous recommande vivement de venir à la prochaine soirée HIMYB où, je l'espère, comme pour les précèdentes, la convivialité et la cinéphilie seront de mise.

Critique de "Black swan" de Darren Aronofsky

Nina (Natalie Portman) est ballerine au sein du très prestigieux New York City Ballet. Elle (dé)voue sa vie à la danse et partage son existence entre la danse et sa vie avec sa mère Erica (Barbara Hershey), une ancienne danseuse. Lorsque Thomas Leroy (Vincent Cassel), le directeur artistique de la troupe, décide de remplacer la danseuse étoile Beth Mcintyre (Winona Ryder) pour leur nouveau spectacle « Le Lac des cygnes », Nina se bat pour obtenir le rôle. Le choix de Thomas s’oriente vers Nina même si une autre danseuse, Lily, l’impressionne également beaucoup, Nina aussi sur qui elle exerce à la fois répulsion et fascination. Pour « Le Lac des cygnes », il faut une danseuse qui puisse jouer le Cygne blanc, symbole d’innocence et de grâce, et le Cygne noir, qui symbolise la ruse et la sensualité. Nina en plus de l’incarner EST le cygne blanc mais le cygne noir va peu à peu déteindre sur elle et révéler sa face la plus sombre.

« Black swan » n’est pas forcément un film d’emblée aimable (ce qui, pour moi, est une grande qualité quand les synopsis des films ressemblent trop souvent à des arguments marketing) : il se confond ainsi avec son sujet, exerçant tout d’abord sur le spectateur un mélange de répulsion et de fascination, entrelaçant le noir et le blanc, la lumière (de la scène ou de la beauté du spectacle, celle du jour étant quasiment absente) et l’obscurité, le vice et l’innocence mais le talent de cinéaste d’Aronofsky, rusé comme un cygne noir, et de son interprète principale, sont tels que vous êtes peu à peu happés, le souffle suspendu comme devant un pas de danse époustouflant.

« Black swan » à l’image de l’histoire qu’il conte (le verbe conter n’est d’ailleurs pas ici innocent puisqu’il s’agit ici d’un conte, certes funèbre) est un film gigogne, double et même multiple. Jeu de miroirs entre le ballet que Thomas met en scène et le ballet cinématographique d’Aronofsky. Entre le rôle de Nina dans le lac des cygnes et son existence personnelle. Les personnages sont ainsi à la fois doubles et duals : Nina que sa quête de perfection aliène mais aussi sa mère qui la pousse et la jalouse tout à la fois ou encore Thomas pour qui, tel un Machiavel de l’art, la fin justifie les moyens.

Aronofsky ne nous « conte » donc pas une seule histoire mais plusieurs histoires dont le but est une quête d’un idéal de beauté et de perfection. La quête de perfection obsessionnelle pour laquelle Nina se donne corps et âme et se consume jusqu’à l’apothéose qui, là encore, se confond avec le film qui s’achève sur un final déchirant de beauté violente et vertigineuse, saisissant d’émotion.

Par une sorte de mise en abyme, le combat (qui rappelle celui de « The Wrestler ») de Nina est aussi celui du cinéaste qui nous embarque dans cette danse obscure et majestueuse, dans son art (cinématographique) qui dévore et illumine (certes de sa noirceur) l’écran comme la danse et son rôle dévorent Nina. L’art, du cinéma ou du ballet, qui nécessite l'un et l'autre des sacrifices. Le fond et la forme s’enlacent alors pour donner cette fin enivrante d’une force poignante à l’image du combat que se livrent la maîtrise et l’abandon, l’innocence et le vice.

Quel talent fallait-il pour se montrer à la hauteur de la musique de Tchaïkovski (qui décidément inspire ces derniers temps les plus belles scènes du cinéma après « Des hommes et des dieux ») pour nous faire oublier que nous sommes au cinéma, dans une sorte de confusion fascinante entre les deux spectacles, entre le ballet cinématographique et celui dans lequel joue Nina. Confusion encore, cette fois d’une ironie cruelle, entre l'actrice Winona Ryder et son rôle de danseuse qui a fait son temps. Tout comme, aussi, Nina confond sa réalité et la réalité, l’art sur scène et sur l’écran se confondent et brouillent brillamment nos repères. Cinéma et danse perdent leur identité pour en former une nouvelle. Tout comme aussi la musique de Clint Mansell se mêle à celle de Tchaïkovski pour forger une nouvelle identité musicale.

La caméra à l’épaule nous propulse dans ce voyage intérieur au plus près de Nina et nous emporte dans son tourbillon. L’art va révéler une nouvelle Nina, la faire grandir, mais surtout réveiller ses (res)sentiments et transformer la petite fille vêtue de rose et de blanc en un vrai cygne noir incarné par une Natalie Portman absolument incroyable, successivement touchante et effrayante, innocente et sensuelle, qui réalise là non seulement une véritable prouesse physique (surtout sachant qu’elle a réalisé 90% des scènes dansées !) mais surtout la prouesse d’incarner deux personnes (au moins...) en une seule et qui mérite indéniablement un Oscar.

Un film aux multiples reflets et d’une beauté folle, au propre comme au figuré, grâce à la virtuosité de la mise en scène et de l’interprétation et d’un jeu de miroirs et mise(s) en abyme. Une expérience sensorielle, une danse funèbre et lyrique, un conte obscur redoutablement grisant et fascinant, sensuel et oppressant dont la beauté hypnotique nous fait perdre (à nous aussi) un instant le contact avec la réalité pour atteindre la grâce et le vertige.

Plus qu’un film, une expérience à voir et à vivre impérativement (et qui en cela m’a fait penser à un film certes a priori très différent mais similaire dans ses effets : « L’Enfer » d’Henri-Georges Clouzot) et à côté duquel le « Somewhere » de Sofia Coppola qui lui a ravi le lion d’or à Venise apparaît pourtant bien fade et consensuel...

Critique de "Drive" de Nicolas Winding Refn

« Drive » de Nicolas Winding Refn avait créé l’évènement lors du dernier Festival de Cannes duquel il était d’ailleurs reparti avec un prix de la mise en scène. L’ayant alors manqué, je l’a finalement vu à Deauville où il était présenté en avant-première après la remise des trophées du Nouvel Hollywood (nouveauté de ce festival 2011) à Jessica Chastain et Ryan Gosling… en leur absence (mais ne manquez pas le discours de ce dernier lu par Nicolas Winding Refn, petit bijou de lucidité et d’humour).

Drive est l'adaptation du livre éponyme écrit par James Sallis ; c’est le scénariste Hossein Amini qui a transformé le roman en scénario.

C’est l’histoire d’un jeune homme solitaire, "The Driver" (Ryan Gosling), qui conduit le jour à Hollywood pour le cinéma en tant que cascadeur et la nuit pour des truands. Il a pour « principe » de ne participer aux crimes de ses employeurs qu’en conduisant et de n’être jamais armé. Sa route croise celle d’Irene (Carey Mulligan) et de son jeune fils, ses voisins, et il succombe rapidement au charme de l’un et l’autre, et réciproquement. Lorsque le mari d’Irene sort de prison et se retrouve enrôlé de force dans un braquage pour s’acquitter d’une dette, il décide pourtant de lui venir en aide. L’expédition tourne mal… Doublé par ses commanditaires, et obsédé par les risques qui pèsent sur Irene, il n’a dès lors pas d’autre alternative que de les traquer un à un…

Cela commence sur les chapeaux de roue : une mise en scène époustouflante, flamboyante et crépusculaire, qui nous fait ressentir les sensations trépidantes, périlleuses et vertigineuses de ce chauffeur hors pair et mutique, au sourire retenu, dans une ville de Los Angeles tentaculaire, éblouissante et menaçante. Mais « The Driver » porte un masque, au propre comme au figuré (symbolisme un peu simpliste pour nous dire de nous méfier des apparences qui ne reflètent pas la réalité et pour symboliser la fragile frontière entre cinéma et réalité) et derrière ce chauffeur mutique d’allure plutôt sympathique va se révéler un vengeur impitoyable, sournois et trompeur comme le scorpion qu'il arbore sur sa veste, prêt à tous les excès pour protéger ceux qu’il « aime ».

La violence psychologique s’annonce palpitante : pris dans un étau, il n’a d’autre solution que de commettre un méfait pour le mari d’Irène, pour sauver celle-ci … malheureusement ce qui dans la première partie s’annonçait comme un film à suspense se transforme en règlement de compte sanguinolent dans lequel l’intrigue devient inexistante et simple prétexte à une suite de scènes sanglantes, invraisemblables et vaines sans parler du personnage féminin totalement velléitaire.

Là où un cinéaste comme James Gray -même si la mise en scène de Nicolas Winding Refn lorgne plus du côté de celle de Michael Mann- sublime une ville, en l’occurrence New York, et traite lui aussi de vengeance et d’amour, mais sans jamais mettre le scénario de côté, ou sans qu’un de ces aspects prennent le pas sur les autres, Nicolas Winding Refn se laisse entraîner par une sorte de fascination pour la violence (me rappelant ainsi la phrase de Coppola lors de sa master class deauvillaise « Montrer la guerre c’est déjà faire l’éloge de la guerre »), montrant pourtant le temps d’un meurtre sur la plage qu’il savait très bien filmer la mort, avec une force prenante, sans que cela tourne à la boucherie ridicule.

Ryan Gosling est certes époustouflant (et il a confirmé dans "Crazy, stupid love," la large palette de son jeu et sa capacité à tourner son image en dérision, au passage comédie romantique qui détourne puis respecte habilement les codes du genre) et derrière sa gueule d’ange dissimule une violence froide, se transformant en un vengeur impitoyable qu’il est pourtant difficile de prendre en sympathie ou même en empathie alors que tout au début s'y prêtait pourtant.

Dommage car la première partie était jubilatoire, réellement, de par la mise en scène qui nous fait éprouver ses sensations de vitesse et de mélancolie vertigineuses (sombre et belle alliance) mais aussi de par les contradictions du personnage principal et des conflits que cela annonçait. Dommage encore car la première partie était particulièrement prometteuse avec des scènes plus calmes d’une beauté saisissante comme ce face-à-face entre Irène et The Driver, dans l’appartement d’Irène, scène dans laquelle le temps est suspendu et dans laquelle les échanges évasifs de regards et les silences d’une douce sensualité en disent tellement. Sans parler évidemment d’une bo remarquable qui contribue fortement au caractère jubilatoire de la première partie.

Nicolas Winding Refn a ravi le prix de la mise en scène à Pedro Almodovar à Cannes qui, à mon avis, l’aurait davantage mérité (pour « La Piel que habito »), ne serait-ce que parce qu’il a brillamment raconté une histoire cruelle, terrible, effroyable où toute la finesse de la mise en scène réside justement dans ce qui n’est pas montré et qui n’en a que plus de force…

A voir néanmoins pour les amateurs de séries B auxquelles le film rend hommage, pour ceux pour qui la virtuosité de la mise en scène prédomine sur un scénario bancal, voire vide (dans la deuxième partie), ce qui n’enlève certes rien à la force de l’univers visuel de Nicolas Winding Refn mais ce qui pour moi a gâché tout le plaisir engendré par la première partie. La violence absurde et les excès du personnage principal (qui promettait là aussi d'être d'une complexité passionnante), sans parler des réactions invraisemblablement vélléitaires du personnage féminin, le manichéisme des méchants du film, l’ont emporté ainsi sur une première partie prometteuse comme rarement avec des images et une musique qui, encore maintenant, me restent en tête. Un magnifique clip, à défaut du grand film que la première partie annonçait pourtant. Surtout, un beau gâchis.

Exceptionnellement, je vous parle à nouveau d'un film déjà évoqué ici. Mon coup de coeur de ce début d'année cinématographique dont il a été trop peu question à mon goût, raison pour laquelle je vous en parle à nouveau. Il est encore à l'affiche dans quelques salles. Ma critique ci-dessous pour vous convaincre de le découvrir...

J’ai découvert ce film lors du dernier Festival des Jeunes Réalisateurs de Saint-Jean de Luz dans le cadre duquel il était présenté en compétition et où il a d’ailleurs remporté le prix du meilleur film (Chistera d’or). Un vrai coup de cœur. Un coup de foudre, même. Malheureusement, je n’avais pas rédigé de critique à l’époque ou quelques lignes trop brèves. Je n’ai pas la possibilité de le revoir cette semaine mais je vous livrerai une critique plus longue dès que je pourrai retourner le voir. En attendant, ci-dessous, quelques mots qui, je l’espère, vous inciteront à découvrir ce film magnifique et rare.

Adapté du roman de Valérie Zenatti « Une bouteille à la mer de Gaza », c’est l’histoire de Tal (Agathe Bonitzer), une jeune Française installée à Jérusalem avec sa famille. A dix-sept ans, elle a l’âge des premières fois : premier amour, première cigarette, premier piercing. Et premier attentat, aussi. Après l’explosion d’un kamikaze dans un café de son quartier, elle écrit une lettre à un Palestinien imaginaire où elle exprime ses interrogations et son refus d’admettre que seule la haine peut régner entre les deux peuples. Elle glisse la lettre dans une bouteille qu’elle confie à son frère pour qu’il la jette à la mer, près de Gaza, où il fait son service militaire.

« Je m’appelle Tal Lévine, j’ai bientôt 17 ans et j’habite Jérusalem.

Hier soir, il y a eu un attentat près de chez moi […]

Toi qui trouveras cette bouteille, réponds-moi.

Dis-moi où tu l’as trouvée. Qui tu es. Parle-moi de toi. S’il te plaît. »

Quelques semaines plus tard, Tal reçoit une réponse d’un mystérieux « Gazaman » (Mahmoud Shalaby)… Va alors débuter un échange épistolaire d’abord constitué de doutes, de reproches, d’incompréhension mais qui va finalement les mener sur le chemin d’une liberté et d’une réconciliation apriori impossibles.

Je vous avais déjà parlé du travail de Thierry Binisti à l’occasion de la diffusion du docu-fiction « Louis XV, le soleil noir » qu’il avait réalisé pour France 2 et par lequel j’avais été très agréablement surprise et charmée : un divertissement pédagogique passionnant, de très grande qualité, aussi bien dans le fond que dans la forme, une immersion dans les allées tumultueuses de Versailles et dans les mystérieux murmures de l'Histoire, dans le bouillonnant siècle des Lumières et dans la personnalité tourmentée de Louis XV. Les similitudes entre ce téléfilm et « Une bouteille à la mer » sont d’ailleurs assez nombreuses, contrairement à ce qu’on pourrait imaginer : Versailles, une prison (certes dorée) pour Louis XV comme peut l’être Gaza pour Naïm, un portrait nuancé de Louis XV comme le sont ceux de Naïm et Tal, une combinaison astucieuse entre fiction et documentaire ( Certaines séquences d’« Une bouteille à la mer » sont ainsi des images d’actualité provenant d’archives diffusées par les médias, comme celles sur la grande manifestation commémorant l’anniversaire de la mort de Yitzhak Rabin filmée sur la place des Rois, au milieu de milliers d’Israéliens manifestant leur désir de paix ) permettant d’explorer le politique et l’intime, l’importance du lieu qui cristallise les tensions et les émotions.

Tout comme le docu-fiction évoqué ci-dessous, « Une bouteille à la mer » ne laisse pas place à l’approximation. Le sujet est ainsi particulièrement documenté, l’auteure Valérie Zenatti (auteure du roman éponyme et coauteure du scénario) a d’ailleurs passé son adolescence en Israël. Il faut d’ailleurs souligner le formidable travail d’adaptation de ce roman épistolaire, genre particulièrement périlleux à adapter. Valérie Zenatti et Thierry Binisti ont fait de ce qui aurait pu être un inconvénient un atout : ces deux voix qui se répondent, à la fois proches et parfois si lointaines, se font écho, s’entrechoquent, se confrontent et donnent un ton singulier au film, grâce à une écriture belle et précise, et sont ainsi le reflet de ces deux mondes si proches et si lointains qui se parlent, si rarement, sans s’entendre et se comprendre.

Un autre grand atout du film est que Thierry Binisti ne tombe jamais dans l’angélisme ni la diabolisation de l’un ou l’autre côté du « mur ». Il montre au contraire Palestiniens et Israëliens, par les voix de Tal et Naïm, si différents mais si semblables dans leurs craintes et leurs aspirations, et dans l’absurdité de ce qu’ils vivent. Il nous fait tour à tour épouser le point de vue de l’un puis de l’autre, leurs révoltes, leurs peurs, leurs désirs finalement communs, au-delà de leurs différences, si bien que nous leur donnons tour à tour raison. Leurs conflits intérieurs mais aussi au sein de leurs propres familles sont alors la métaphore des conflits extérieurs qui, paradoxalement, les rapprochent.

Agathe Bonitzer, grave et candide, épouse parfaitement la belle maturité de son jeune personnage et, face à elle, Mahmoud Shalaby est bouleversant de douceur et de rage mêlées (vous aviez pu le découvrir dans « Les Hommes libres » d'Ismaël Ferroukhi).

La sensibilité avec laquelle ce sujet justement sensible est évoqué rend probable une histoire a priori impossible entre ces deux êtres que tout sépare, pour qui la vie tient à ça : « avoir envie d’aller ou pas au café d’en bas ». Une violence cruellement quotidienne, ce qui ne les empêche pas d’être épris de vie et de désirs, de rêves et d’aspirations, ce que montre très bien ce film à hauteur d’hommes qui, par la « petite » histoire permet d’appréhender la grande. La caméra est au plus près des êtres, de leurs émotions, de leur rage, leurs désirs, leurs douleurs, leur éveil (à la politique, à l’amour) et se fait « carcérale » pour suivre Naïm emprisonné dans les 370 km2 de Gaza (pour 1,6 millions d’habitants !).

Cela commence par le fracas tétanisant d’une bombe et s’achève par une lumière d’espoir bouleversante, un dénouement fiévreux d’une tension palpitante.

Ce dame cornélien, au sens littéral, concilie l’impossible, la douceur et l’âpreté, la modernité des emails et l’archaïsme romanesque de la bouteille à la mer, le romantisme (ou en tout cas le romanesque) et la politique, la raison et les sentiments. Des « liaisons dangereuses » qui possèdent la beauté tragique du roman éponyme de Laclos, outre le fait d’avoir en commun le style épistolaire.

C’est un hymne à la paix et à la tolérance mais aussi au pouvoir et à la magie des mots qui peuvent unir, réunir ceux que tout oppose, si ce n’est leur aspiration à la liberté. Ce sont finalement leurs différences et leur jeunesse qui les réunissent. C’est d’ailleurs la langue, le Français, qui sert de terrain neutre, de pont entre eux. C’est ainsi au Centre Culturel Français de Gaza que s’évade Naïm et ose croire à la liberté, à un avenir meilleur.

Ce film réunit tout ce que j’aime dans le cinéma : une histoire d’amour ou en tout cas d’amitié, apriori impossible, un propos engagé, une réalisation maîtrisée, des acteurs époustouflants, un style épistolaire que et qui sublime(nt) les mots. De l’émotion. De l’espoir. Sans mièvrerie, mais avec beaucoup de sensibilité et de pudeur (aucun cliché, aucune volonté de forcer l’émotion, pourtant ravageuse).

Ce film m’a bouleversée comme je l’ai rarement été ces derniers temps au cinéma. Un film intense d’une douce gravité qui possède et concilie la fraîcheur et l'incandescence de ses jeunes interprètes. Une brillante métaphore d’un conflit a priori insoluble auquel il apporte un vibrant message d’espoir. Un film plus convaincant que n'importe quel discours politique. Deux personnages bouleversants que la réalisation et la direction d’acteurs nous font prendre en empathie ainsi que ceux qui subissent la même situation. Une bouteille à la mer qui nous fait croire à l’impossible. Que des bouteilles à la mer peuvent arriver à destination. Réunir ceux que tout oppose. Et que des milliers de bouteilles, un jour, peut-être, arriveront à faire entendre leurs voix pacifistes et arriveront à briser le fracassant et assourdissant silence après les tonitruantes explosions de terreur et de haine. Un film ensorcelant, poignant comme un poème entremêlant tragédie et espoir, et les réunissant par la beauté lumineuse et clairvoyante des mots. Mon coup de coeur de ce début d'année 2012.

« Une bouteille à la mer » a également été récompensé dans d’autres festivals que celui de Saint-Jean de Luz et en particulier au Festival du film de La Réunion 2011 où il a reçu le Prix du Public ;le Prix Coup de cœur du Jury Jeune ;le Mascarin de la meilleure interprétation masculine à Mahmoud Shalaby.

Je ne peux pas m'empêcher de songer à cette première projection cannoise de "The Artist" qui m'avait émue, bouleversée, enthousiasmée, aux larmes alors de Jean Dujardin, à l'enthousiasme du Grand Théâtre Lumière, à la sensation alors d'avoir découvert une pépite cinématographique. Entre-temps le film aura récolté des récompenses partout, des Bafta aux Goya, avant ce couronnement historique aux Oscars. An american dream. Cette nuit la cérémonie des Oscars m'a donnée des frissons comme le film il y a quelques mois, une sorte de mise en abyme l'un et l'autre étant un hommage sublime au cinéma. Et quel parcours pour Jean Dujardin qui entre dans l'Histoire en étant le premier acteur français à recevoir l'Oscar du meilleur acteur et qui prouve qu'à force de talent, de ténacité, de passion, tout devient possible. Un beau pied-de-nez aussi à ceux qui clament sans cesse la supériorité du cinéma américain sur le cinéma français alors que le premier vient de s'incliner devant le second. "The Artist" repart donc avec 5 Oscars après ses 6 César: meilleur film, meilleur acteur, meilleur réalisateur, meilleure musique, meilleurs constumes. Dommage pour Bérénice Béjo qui a heureusement obtenu le César (cliquez ici pour lire mon article sur la cérémonie vécue en direct) vendredi dernier. Les César auront donc été les seuls à ne pas reconnaître l'incroyable performance de Jean Dujardin. Sans commentaires. Je me réjouis également du prix du scénario pour "Minuit à Paris" de Woody Allen, un des meilleurs films de cette année 2011, également un hommage au pouvoir de l'imaginaire, finalement à l'image des deux grands vainqueurs de cette 84ème cérémonie: "The Artist" et Hugo Cabret de Scorsese.  Je vous invite à retrouver ma critique de "The Artist" en bas de cet article et le palmarès, ci-dessous.

PALMARES DES OSCARS 2012

Meilleur film

The Artist de Michel Hazanavicius

 Meilleure actrice

 Meryl Streep – La Dame de Fer

 Meilleur acteur

Jean Dujardin - The Artist

 Meilleur réalisateur

Michel Hazanavicius (The Artist)

 Meilleur second rôle masculin

Christopher Plummer - Beginners

 Meilleur second rôle féminin

Octavia Spencer – La Couleur des sentiments

 Meilleur Scénario original

Minuit à Paris - Woody Allen

 Meilleur Scénario adapté

The Descendants - Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash

 Meilleur film en langue étrangère

 Une Séparation d'Asghar Farhadi (Iran)

 Meilleur film d'animation

Rango de Gore Verbinski

  Meilleure photographie

Robert Richardson pour Hugo Cabret

  Meilleure direction artistique

Dante Ferretti et Francesca Lo Schavio pour Hugo Cabret

 Meilleurs costumes

Mark Bridges pour The Artist

 Meilleur documentaire

Undefeated de TJ Martin, Dan Lindsay, and Richard Middlemas

 Meilleur court-métrage documentaire

Saving Face de Daniel Junge et Sharmeen Obaid-Chinoy

 Meilleur court-métrage

The Shore de Terry George et Oorlagh George

 Meilleur montage

Angus Kirk et Kirk Baxter pour Millenium

 Meilleur maquillage

Mark Coulier et J. Roy Helland pour La dame de fer 

Meilleure musique originale 

Ludovic Bource pour The Artist

  Meilleure chanson originale

Man or Muppet (Les Muppets)

 Meilleur mixage

Tom Flesichmann et John Midgley pour Hugo Cabret

 Meilleur montage son

Philip Stockton et Eugene Gearty pour Hugo Cabret

 Meilleurs effets spéciaux

Rob Legato, Joss Williams Ben Grossmann et Alex Henning pour Hugo Cabret

 Meilleur court-métrage d’animation

The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore de William Joyce and Brandon Oldenburg

Critique de "The Artist" de Michel Hazanavicius

Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse des lauréats du Festival de Cannes 2011.

Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse des lauréats du Festival de Cannes 2011.

Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse du Festival de Cannes 2011 du film "The Artist".

Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse du Festival de Cannes 2011 du film "The Artist".

C’était un dimanche matin de mai 2011, le début du Festival de Cannes encore, en projection presse. Pas encore vraiment l’effervescence pour le film qui obtint la palme d’or mais un joli bruissement d’impatience parmi les regards déjà las, ou obstinément sceptiques. 1H40 plus tard, la salle résonnait d’applaudissements, pendant dix minutes, fait rare en projection presse. Le soir même, je suis retournée le voir en projection officielle. L’émotion fut la même, redoublée par la présence de l’équipe du film, terriblement émue elle aussi par les réactions enthousiastes du public, par les rires tendres, par cette cavalcade d’applaudissements qui a commencé lors de la dernière scène et ne s’est plus arrêtée pour continuer pendant un temps qui m’a paru délicieusement long. Un beau, rare et grand moment du Festival de Cannes.

Le pari était pourtant loin d’être gagné d’avance. Un film muet (ou quasiment puisqu’il y a quelques bruitages). En noir et blanc. Tourné à Hollywood. En 35 jours. Par un réalisateur qui jusque là avait excellé dans son genre, celui de la brillante reconstitution parodique, mais très éloigné de l’univers dans lequel ce film nous plonge. Il fallait beaucoup d’audace, de détermination, de patience, de passion, de confiance, et un peu de chance sans doute aussi, sans oublier le courage -et l’intuition- d’un producteur (Thomas Langmann) pour arriver à bout d’un tel projet. Le pari était déjà gagné quand le Festival de Cannes l’a sélectionné d’abord hors compétition pour le faire passer ensuite en compétition, là encore fait exceptionnel.

Le film débute à Hollywood, en 1927, date fatidique pour le cinéma puisque c’est celle de l’arrivée du parlant. George Valentin (Jean Dujardin) est une vedette du cinéma muet qui connait un succès retentissant…mais l’arrivée des films parlants va le faire passer de la lumière à l’ombre et le plonger dans l’oubli. Pendant ce temps, une jeune figurante, Peppy Miller (Bérénice Béjo) qu’il aura au départ involontairement placée dans la lumière, va voir sa carrière débuter de manière éblouissante. Le film raconte l’histoire de leurs destins croisés.

Qui aime sincèrement le cinéma ne peut pas ne pas aimer ce film qui y est un hommage permanent et éclatant. Hommage à ceux qui ont jalonné et construit son histoire, d’abord, évidemment. De Murnau à Welles, en passant par Borzage, Hazanavicius cite brillamment ceux qui l’ont ostensiblement inspiré. Hommage au burlesque aussi, avec son mélange de tendresse et de gravité, et évidemment, même s’il s’en défend, à Chaplin qui, lui aussi, lui surtout, dans « Les feux de la rampe », avait réalisé un hymne à l'art qui porte ou détruit, élève ou ravage, lorsque le public, si versatile, devient amnésique, lorsque le talent se tarit, lorsqu’il faut passer de la lumière éblouissante à l’ombre dévastatrice. Le personnage de Jean Dujardin est aussi un hommage au cinéma d’hier : un mélange de Douglas Fairbanks, Clark Gable, Rudolph Valentino, et du personnage de Charles Foster Kane (magnifiques citations de « Citizen Kane ») et Bérénice Béjo, avec le personnage de Peppy Miller est, quant à elle, un mélange de Louise Brooks, Marlène Dietrich, Joan Crawford…et nombreuses autres inoubliables stars du muet.

Le cinéma a souvent parlé de lui-même… ce qui a d’ailleurs souvent produit des chefs d’œuvre. Il y a évidemment « La comtesse aux pieds nus » de Mankiewicz, « La Nuit américaine de Truffaut », « Sunset Boulevard » de Billy Wilder, enfin « Une étoile est née » de George Cukor et encore « Chantons sous la pluie » de Stanley Donen et Gene Kelly auxquels « The Artist », de par son sujet, fait évidemment penser. Désormais, parmi ces classiques, il faudra citer « The Artist » de Michel Hazanavicius. Ses précèdents films étaient d'ailleurs déjà des hommages au cinéma. On se souvient ainsi des références à "Sueurs froides" ou "La Mort aux trousses" d'Hitchcock dans "OSS 117 : Rio ne répond plus".

Hazanavicius joue ainsi constamment et doublement la mise en abyme : un film muet en noir et blanc qui nous parle du cinéma muet en noir et blanc mais aussi qui est un écho à une autre révolution que connaît actuellement le cinéma, celle du Numérique.

Le mot jubilatoire semble avoir été inventé pour ce film, constamment réjouissant, vous faisant passer du rire aux larmes, ou parfois vous faisant rire et pleurer en même temps. Le scénario et la réalisation y sont pour beaucoup mais aussi la photographie (formidable travail du chef opérateur Guillaume Schiffman qui, par des nuances de gris, traduit les états d’âme de Georges Valentin), la musique envoûtante (signée Ludovic Bource, qui porte l’émotion à son paroxysme, avec quelques emprunts assumés là aussi, notamment à Bernard Herrmann) et évidemment les acteurs au premier rang desquels Jean Dujardin qui méritait amplement son prix d’interprétation (même si Sean Penn l’aurait également mérité pour « This must be the place »).

Flamboyant puis sombre et poignant, parfois les trois en même temps, il fait passer dans son regard (et par conséquent dans celui du spectateur), une foule d’émotions, de la fierté aux regrets, de l’orgueil à la tendresse, de la gaieté à la cruelle amertume de la déchéance. Il faut sans doute beaucoup de sensibilité, de recul, de lucidité et évidemment de travail et de talent pour parvenir à autant de nuances dans un même personnage (sans compter qu’il incarne aussi George Valentin à l’écran, un George Valentin volubile, excessif, démontrant le pathétique et non moins émouvant enthousiasme d’un monde qui se meurt). Il avait déjà prouvé dans « Un balcon sur la mer » de Nicole Garcia qu’il pouvait nous faire pleurer. Il confirme ici l’impressionnant éclectisme de sa palette de jeu et d'expressions de son visage.

Une des plus belles et significatives scènes est sans doute celle où il croise Peppy Miller dans un escalier, le jour du Krach de 1929. Elle monte, lui descend. A l’image de leurs carrières. Lui masque son désarroi. Elle, sa conscience de celui-ci, sans pour autant dissimuler son enthousiasme lié à sa propre réussite. Dujardin y est d’une fierté, d’une mélancolie, et d’une gaieté feinte bouleversantes, comme à bien d’autres moments du film. Et je ne prends guère de risques en lui prédisant un Oscar pour son interprétation, ou en tout cas un Oscar du meilleur film étranger pour Hazanavicius. Bérénice Béjo ne démérite pas non plus dans ce nouveau rôle de « meilleur espoir féminin » à la personnalité étincelante et généreuse, malgré un bref sursaut de vanité de son personnage. Il ne faudrait pas non plus oublier les comédiens anglo-saxons : John Goodman, Malcolm McDowell et John Cromwell (formidablement touchant dans le rôle du fidèle Clifton).

Il y aura bien quelques cyniques pour dire que ce mélodrame est plein de bons sentiments, mais Hazanicius assume justement ce mélodrame. « The Artist » est en effet aussi une très belle histoire d’amour simple et émouvante, entre Peppy et Georges mais aussi entre Georges et son cabot-in Uggy : leur duo donne lieu à des scènes tantôt drôles, tantôt poétiques, tantôt touchantes, et là encore parfois au trois en même temps. Hommage aussi à ce pouvoir magique du cinéma que de susciter des émotions si diverses et parfois contradictoires.

Michel Hazanavicius évite tous les écueils et signe là un hommage au cinéma, à sa magie étincelante, à son histoire, mais aussi et avant tout aux artistes, à leur orgueil doublé de solitude, parfois destructrice. Des artistes qu’il sublime, mais dont il montre aussi les troublantes fêlures et la noble fragilité.

Ce film m’a éblouie, amusée, émue. Parce qu’il convoque de nombreux souvenirs de cinéma. Parce qu’il est une déclaration d’amour follement belle au cinéma. Parce qu’il ressemble à tant de films du passé et à aucun autre film contemporain. Parce qu’il m’a fait ressentir cette même émotion que ces films des années 20 et 30 auxquels il rend un vibrant hommage. Parce que la réalisation est étonnamment inspirée (dans les deux sens du terme d’ailleurs puisque, en conférence de presse, Michel Hazanavicius a revendiqué son inspiration et même avoir « volé » certains cinéastes). Parce qu’il est burlesque, inventif, malin, poétique, et touchant. Parce qu’il montre les artistes dans leurs belles et poignantes contradictions et fêlures.

Il ne se rapproche d’aucun autre film primé jusqu’à présent à Cannes…et en sélectionnant cet hymne au cinéma en compétition puis en le primant, le Festival de Cannes a prouvé qu’il était avant tout le festival qui aime le cinéma, tous les cinémas, loin de la caricature d’une compétition de films d’auteurs représentant toujours le même petit cercle d’habitués dans laquelle on tend parfois à l’enfermer.

« The Artist » fait partie de ces films qui ont fait de cette édition cannoise 2011 une des meilleures de celles auxquelles j’ai assisté, pour ne pas dire la meilleure…avec des films aussi différents et marquants que « This must be the place » de Paolo Sorrentino, « Melancholia » de Lars von Trier, « La piel que habito » de Pedro Almodovar.

Un film à ne manquer sous aucun prétexte si, comme moi, vous aimez passionnément et même à la folie, le cinéma. Rarement un film aura aussi bien su en concentrer la beauté simple et magique, poignante et foudroyante. Oui, foudroyante comme la découverte de ce plaisir immense et intense que connaissent les amoureux du cinéma lorsqu’ils voient un film pour la première fois, et découvrent son pouvoir d’une magie ineffable, omniprésente ici.

En bonus :

- Ma critique de « La Comtesse aux pieds nus » de Mankiewicz

-Ma critique de « OSS 117 : Rio ne répond plus » de Michel Hazanavicius

-Ma critique d’ « Un balcon sur la mer » de Nicole Garcia

-Ma critique des « Feux de la rampe » de Charlie Chaplin

Critique de "Minuit à Paris" de Woody Allen

Deux jours après les César dont vous pouvez retrouver mon compte-rendu et la palmarès complet en cliquant ici, place aux Oscars que vous pourrez suivre à partir de 2H25 sur Canal plus mais aussi sur internet: sur Watch-oscar-online.com ou encore sur Facebook, sur Twitter et YouTube, sur la chaîne officielle des Oscars.

Comme les Golden Globes le laissaient espérer,   "The Artist" a récolté 10 nominations aux Oscars, autant que pour les César. A Los Angeles, cette nuit, le film de Michel Hazanavicius sera en lice  pour le meilleur film, le meilleur réalisateur, le meilleur scénario original, le meilleur acteur, la meilleure actrice de second rôle, la meilleure musique, le meilleur montage, la meilleure photographie, les meilleurs costumes et décors.

S'il obtenait l'Oscar, Jean Dujardin serait le premier acteur français à être récompensé de l'Oscar du meilleur acteur (même si des actrices ont obtenu l'Oscar de la meilleure actrice: Marion Cotillard en 2008 pour "La Môme" et Simone Signoret en 1960 pour "Les chemins de la haute ville") alors que, déjà, c'est une pluie de récompenses pour ce film (dont un Golden Globe du meilleur acteur et un prix d'interprétation à Cannes pour Jean Dujardin mais aussi le Goya du meilleur film européen, 7 Bafta, 3 Golden Globes...) qui vient par ailleurs de triompher au Festival du Cinéma indépendant de Californie et qui est d'ores et déjà le film français de l'Histoire du cinéma le plus nommé aux Oscars.

Face à Jean Dujardin: George Clooney, Brad Pitt, Gary Oldman, Demian Bichir. La compétition sera donc palpitante. C’est aussi la première fois qu’un film français est nommé comme meilleur film et meilleur réalisateur aux Oscars.

Le film a récolté six César sur dix nominations. Jean Dujardin a malheureusement été l'oublié du palmarès, Omar Sy ayant obtenu le César du meilleur acteur. Dommage et assez absurde étant donné que le succès du film repose en grande partie sur lui. Souhaitons-lui d'entrer dans l'Histoire cette nuit, après une campagne qui a duré tout l'automne avec l'appui du producteur Harvey Weinstein dont le flair cinématographique (et l'influence) n'est plus à prouver qui avait acheté les droits dès le Festival de Cannes.

Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse des lauréats du Festival de Cannes 2011

Un succès amplement mérité pour "The Artist" dont je me réjouis d'autant plus que j'avais eu un énorme coup de coeur pour ce film dès sa première projection cannoise et d'autant plus compréhensible que "The Artist" (dont vous pouvez retrouver ma critique en cliquant ici) est un vibrant hommage au cinéma (et au cinéma américain), à sa magie étincelante, à son histoire.  Jean Dujardin confirme ici l’impressionnant éclectisme de sa palette de jeu et d'expressions de son visage...un rôle qui le fait d'ores et déjà entrer dans l'Histoire du cinéma avec, nous lui souhaitons, l'apothéose à Los Angeles, ce 26 février.

Avec 10 nominations, "The Artist" est devancé d'une nomination par "Hugo Cabret" de Scorsese.

Je me réjouis également des trois nominations pour Woody Allen avec "Minuit à Paris "(meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur scénario original), également un film hommage au pouvoir de l'imaginaire...et d'une certaine manière au cinéma, un film un peu oublié qui est pourtant un de mes grands coups de coeur de cette année 2011 et dont vous pouvez retrouver ma critique, ici.

On remarquera également l'absence incompréhensible de Leonardo DiCaprio pour "J.Edgar" de Clint Eastwood (raison de date de sortie?), décidément maudit des Oscars après celui qui aurait dû lui revenir pour "Shutter island" de Martin Scorsese.

Vous pourrez bien entendu retrouver le palmarès des César 2012 ici et sur mon nouveau site http://inthemoodlemag.com . En attendant, retrouvez mes critiques de quelques films nommés aux Oscars en bas de cet article.

NOMINATIONS OSCARS 2012

Meilleur film

The Artist de Michel Hazanavicius

The Descendants d' Alexander Payne

La Couleur des sentiments de Tate Taylor

Le stratège de Bennett Miller

Cheval de guerre de Steven Spielberg

The Tree of life de Terrence Malick

Minuit à Paris de Woody Allen

Extrêmement fort et incroyablement près de Stephen Daldry

Hugo Cabret de Martin Scorsese

Meilleur réalisateur

Michel Hazanavicius (The Artist)

Martin Scorsese (Hugo Cabret)

Alexander Payne (The descendants)

Woody Allen (Minuit à Paris)

Terrence Malick (The tree of life)

Meilleur acteur

Brad Pitt – Le stratège

Gary Oldman – La Taupe

George Clooney - The Descendants

Jean Dujardin - The Artist

Demian Bechir - A better life

Meilleure actrice

Meryl Streep – La Dame de Fer

Michelle Williams - My Week With Marilyn

Viola Davis – La Couleur des sentiments

Glenn Close - Albert Nobbs

Rooney Mara - Millenium

Meilleur second rôle masculin

Christopher Plummer - Beginners

Jonah Hill – Le Stratège

Kenneth Branagh - My Week With Marilyn

Nick Nolte - Warrior

Max Von Sidow - Extrêmement fort et incroyablement près

Meilleur second rôle féminin

Bérénice Bejo - The Artist

Jessica Chastain – La Couleur des sentiments

Melissa Mccarthy – Mes Meilleures amies

Octavia Spencer – La Couleur des sentiments

Janet McTeer- Albert Nobbs

Meilleur Scénario original

The Artist - Michel Hazanavicius

Mes Meilleures amis - Annie Mumolo, Kristen Wiig

Minuit à Paris - Woody Allen

Margin Call - JC Chandor

Une séparation - Asghar Farhadi

Meilleur Scénario adapté

The Descendants - Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash

La Taupe - Bridget O'Connor, Peter Straughan

Hugo Cabret - John Logan

Le stratège - Steve Zaillant et Aaron Sorkin

Les marches du pouvoir - George Clooney et Grant Heslov

Meilleur film en langue étrangère

Sous terre de Agnieszka Holland (Pologne)

Bullhead de Michael R. Roskam (Belgique)

Monsieur Lazhar de Philippe Falardeau (Canada)

Une Séparation d' Asghar Farhadi (Iran)

Footnote de Joseph Cedar (Israël)

Meilleur film d'animation

Rango de Gore Verbinski

Une vie de chat

Chico et Rita

Kung Fu Panda 2

Le chat potté

Meilleure technique cinématographique

Guillaume Schiffman - The Artist

Jeff Cronenweth - Millenium

Robert Richardson - Hugo Cabret

Emmanuel Lubezki - The Tree of Life

Janusz Kaminski - Cheval de Guerre

Meilleure direction artistique

The Artist

Harry Potter et les Reliques de la Mort - Partie 2

Hugo Cabret

Cheval de Guerre

Meilleurs costumes

Anonymous

The Artist

Hugo Cabret

Jane Eyre

W.E

Meilleur documentaire

Hell and back again

If a tree falls

Paradise Lost 3 : purgatory

Pina

Undefeated

Meilleur court-métrage documentaire

The barber of Birmingham

God is the bigger Elvis

Incident in New Baghdad

Saving Face

The Tsunami and the Cherry Blossom

Meilleur court-métrage

Pentecost

Raju

The Shore

Time Freak

Tuba Atlantic

Meilleur montage

The Artist

The descendants

Millenium

Hugo Cabret

Le stratège

Meilleur maquillage

Albert Nobbs

Harry Potter et les Reliques de la Mort 2

La dame de fer

Meilleure musique originale

Ludovic Bource pour The Artist

John Williams pour Tintin et les secret de la Licorne

Howard Shore pour Hugo cabret

Alberto Iglesias pour La taupe

John Williams pour Cheval de Guerre

Meilleure chanson originale

Man or Muppet (Les Muppets)

Real in Rio (Rio)

Meilleur mixage

Millenium

Hugo Cabret

Le stratège

Transformers 3

Cheval de Guerre

Meilleur son

Drive

Millenium

Hugo Cabret

Transformers 3

Cheval de Guerre

Meilleurs effets spéciaux

Harry Potter 7 - partie 2

Hugo Cabret

Real Steel

La planète des singes origines

Transformers 3

CRITIQUES DES FILMS EN LICE

Critique de "The Artist" de Michel Hazanavicius

Critique de "Minuit à Paris" de Woody Allen

Critique de "Cheval de guerre" de Steven Spielberg

Critique de "Les marches du pouvoir" de George Clooney

Critique "Harry Potter et les reliques de la mort" (2)

Critique de "Drive" de Nicolas Winding Refn