Ok

En poursuivant votre navigation sur ce site, vous acceptez l'utilisation de cookies. Ces derniers assurent le bon fonctionnement de nos services. En savoir plus.

- Page 2

  • Palmarès du 16ème Festival du Film Asiatique de Deauville

    ase1.jpg

    ase2.jpg

    Cet article sera prochainement complété notamment par les critiques des films cités.

    Hier soir était annoncé le palmarès du 16ème Festival du Film Asiatique de Deauville couronnant une sélection de très haute qualité. 10 films et autant de regards, toujours singuliers et passionnants, sur des visages, souvent sombres (voire très sombres) des pays asiatiques dans tous leurs Etats et états. Corée du Sud, Inde, Chine, Philippines, Kazakhstan, Indonésie, Japon, Iran…Autant de pays différents esquissés et traversés en deux jours et pourtant, partout, un commun désarroi. De forts personnages féminins souvent broyés par l’existence, par leurs mères, par les hommes (beaucoup de viols, de suicides aussi), sans (re)pères, une police souvent incompétente et corrompue. Des sujets sensibles traités avec plus ou moins de délicatesse, et rarement de l’espoir au bout du chemin. Des réalités suffocantes dans lesquelles la mort devient alors presque une alternative joyeuse.  La seule.

    Deauvilleasia2014 118.JPG

    Deauvilleasia2014 122.JPG

    Deauvilleasia2014 130.JPG

    Deauvilleasia2014 157.JPG

     Carton plein pour le film du Coréen Han Gong-Ju (qui sortira en avril sous le titre "A Cappella") qui a reçu le prix du jury ex-aequo, le prix de la critique et le prix du public. Le bouleversant "Nagima" (mon grand coup de cœur de cette édition) a reçu le grand prix (Lotus du meilleur film) à l'unanimité du jury. Enfin, le film indien "Ugly" a reçu le prix du jury ex-aequo. Trois films à la fois différents dans leurs origines (Kazakhstan, Inde, Corée du Sud), traitements (scénaristiques et visuels) et similaires en ce qu'ils mettent en scène des femmes, voire des jeunes filles, aux destins tragiques, souvent malmenées par la société et les hommes.

     

    « Han Gong-Ju »  avait déjà reçu l'étoile d’or du Festival de Marrakech, un film dérangeant par le traitement de son sujet sordide (un viol collectif), raconté en flash-backs, un pseudo-suspense, procédé à mon  sens malsain pour rendre compte d’un drame terrible, avec un manque de sobriété dans le traitement donc et un peu trop de manichéisme aussi (les hommes du film représentent l’animalité et la lâcheté même si un personnage féminin, celui de la mère, n’est pas non plus épargné). Dommage car l’intention, même si trop visible, était noble : rendre hommage aux victimes obligés de se conduire comme des coupables.  Un magnifique personnage féminin néanmoins, lumineux malgré l’horreur vécue, porté par une interprétation exemplaire. L'histoire d'une renaissance qui a bouleversé les jurys et festivaliers.

    L’Indien « Ugly », bien éloigné des clichés bollywoodiens,  dresse, quant à lui, un portrait sans concessions d’une société indienne patriarcale,  misogyne et surtout d’une police corrompue. Un thriller maîtrisé teinté de critique sociale . Ce film a le mérite de montrer un autre visage de l’Inde et de réussir à nous tenir en haleine du début à la fin. Cette violence sociale est entrecoupée de quelques scènes tristement saugrenues  et burlesques pour dénoncer la bêtise de la police.

    Deauvilleasia2014 144.JPG

    Quant à « Nagima »,  Zhanna Issabayeva y raconte l’histoire d’une jeune femme abandonnée à la naissance et placée dans un orphelinat. Un rare sens du cadre. Une photographie sublime à l’inverse du sujet, d’une ineffable dureté. De ce contraste émane une grâce inattendue, remarquable et poignante. Un film à la fois pudique et sans concessions avec un dénouement particulièrement fracassant, d’une fureur et d’un désespoir déchirants pour raconter les affres du destin (ou de l’absence de destin) d’une vie terriblement ordinaire.

    Le jury présidé par Claire Denis, entourée de René Bonnell, Samir Guesmi, Florence Loiret-Caille, Gilles Marchand et Roxane Mesquida a décerné les prix suivants :

    LOTUS DU MEILLEUR FILM - Grand Prix
    NAGIMA de Zhanna Issabayeva (Kazakhstan)

    LOTUS DU JURY - Prix du Jury ex-aequo
    UGLY de Anurag Kashyap (Inde)
    & HAN GONG-JU (A Cappella) de Lee Su-jin (Corée du Sud)

    Le jury de la critique a décerné le prix suivant:


    LOTUS AIR FRANCE - Prix de la Critique
    HAN GONG-JU (A Cappella) de Lee Su-jin (Corée du Sud)

    LE PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE DE DEAUVILLE


    HAN GONG-JU (A Cappella) de Lee Su-jin (Corée du Sud)

    Deauvilleasia2014 006.JPG

    deauvilleasia20143.jpg

    deauvilleasia20145.jpg

    deauvilleasia20146.jpg

    deauvilleasia20147.jpg

    Deauvilleasia2014 047.JPG

    deauvilleasia20148.jpg

    Deauvilleasia2014 040.JPG

  • 16ème Festival du Film Asiatique de Deauville : épisode 1

    Deauvilleasia2014 005.JPG

    Avant le compte rendu plus détaillé et exhaustif du festival, à mi-parcours, petit tour d’horizon en bref de la sélection de ce 16ème Festival du Film Asiatique de Deauville (des photos des films viendront ultérieurement illustrer cet article).

    Deauvilleasia2014 007.JPG

    2 jours de festival et déjà 9 films vus et autant de regards, toujours singuliers et passionnants, sur des visages, souvent sombres (voire très sombres) des pays asiatiques dans tous leurs Etats et états. Corée du Sud, Inde, Chine, Philippines, Kazakhstan, Indonésie, Japon…Autant de pays différents esquissés et traversés en deux jours et pourtant, partout, un commun désarroi. De forts personnages féminins souvent broyés par l’existence, par leurs mères, par les hommes (beaucoup de viols, de suicides aussi), sans (re)pères, une police souvent incompétente et corrompue. Des sujets sensibles traités avec plus ou moins de délicatesse, et rarement de l’espoir au bout du chemin. Des réalités suffocantes dans lesquelles la mort devient alors presque une alternative joyeuse.  La seule.

    Deauvilleasia2014 018.JPG

    Deauvilleasia2014 019.JPG

    Mais revenons au début. A l’ouverture. Deauville, comme un pied-de-nez à la noirceur des films projetés s’était parée d’un soleil éblouissant, renforçant cette impression que, à force d’y avoir vécu, raconté, inventé tant de festivals, je ne l’ai jamais vraiment quittée, me croyant ainsi revenue au dernier Festival du Cinéma Américain qui s’était déroulé sous un soleil éblouissant.  Si seulement d’ailleurs ces six derniers mois n’avaient pas existé. Mais c’est une autre histoire que je vous raconterai peut-être ailleurs et autrement.

    Comme pour renforcer cette impression de réminiscence, le film d’ouverture intitulé « No man’s land » avait des accents américains, déjantés et tarantinesques (pléonasme) malgré sa nationalité chinoise.

    Ledit film d’ouverture fut précédé d’un hommage à à Malani Senehelatha Fonseka « La Reine du cinéma sri-lankais » qui  a figuré en 2010 dans le classement des 25 plus grandes actrices de tous les temps établi par CNN avec pas moins de 140 films à son actif.

    Deauvilleasia2014 037.JPG

    Revenons donc à notre  western chinois qui, tout en permettant à son anti-héros une traversée périlleuse dans le désert de Gobi, rend hommage à John Ford, Tarantino (et à la série B, par voie de conséquence), et même aux Coen jonglant avec les inspirations et les genres avec beaucoup de talent et surtout mettant en scène une galerie de personnages marginaux dans des lieux interlopes et dans un désert qui, comme, tel le décor de « La mort aux trousses », devient paradoxalement un enfermement. Un humour décapant dépassant allègrement les frontières de l’absurde. Un rythme haletant qui a fait démarrer ce festival sur les chapeaux de roue. Ne manquait plus que John Wayne et le tableau était parfait. A défaut de perfection, ce « No man’s land » jubilatoire servi par une photographie inspirée, mérite indéniablement le prix de l’originalité.

    Deauvilleasia2014 038.JPG

    L’Indien « Ugly », bien éloigné des clichés bollywoodiens,  dresse, quant à lui, un portrait sans concessions d’une société indienne patriarcale,  misogyne et surtout d’une police corrompue. Un thriller teinté de critique sociale qui pâtit d’un montage qui, à force de se vouloir audacieux, brise un peu la logique scénaristique,  et d’une interprétation hasardeuse. Ce film a néanmoins le mérite de montrer un autre visage de l’Inde et de réussir à nous tenir en haleine du début à la fin. Cette violence sociale est entrecoupée de quelques scènes tristement saugrenues  et burlesques pour dénoncer la bêtise de la police.

    Deauvilleasia2014 042.JPG

    Dans l’Indonésien « Toilet blues », le réalisateur Dirmawan Hatta dresse le  portrait en filigrane de deux jeunes en route pour un ailleurs, prétexte à une quête d identité et de leurs destins. Filmé avec la lenteur contemplative et les longs plans qu’affectionnent les cinéastes indonésiens et enrichi par une frontière judicieusement floue entre passé et présent, entre rêve et réalité. Un film non dénué de sensualité mais aussi l’œuvre un peu trop appliquée d’un cinéaste néanmoins prometteur.

    Deauvilleasia2014 051.JPG

    Le Coréen « Steel cold winter » mélange sciemment l’horreur et l’amour, la noirceur et l’innocence pour traiter des ravages de la rumeur, d’une fatale et destructrice perte d’innocence. Quelques scènes particulièrement lumineuses au milieu du carnage malgré des métaphores peut-être un peu trop appuyées.

    Deauvilleasia2014 064.JPG

    Direction le Kazakhastan pour le film qui est pour l’instant mon coup de cœur de cette compétition, « Nagima » de Zhanna Issabayeva. L’histoire d’une jeune femme abandonnée à la naissance et placée dans un orphelinat. Un rare sens du cadre. Une photographie sublime à l’inverse du sujet, d’une ineffable dureté. De ce contraste émane une grâce inattendue, remarquable et poignante. Un film à la fois pudique et sans concessions avec un dénouement particulièrement fracassant, d’une fureur et d’un désespoir déchirants pour raconter les affres du destin (ou de l’absence de destin) d’une vie terriblement ordinaire.

    Dans « Mater Dolorosa »,  film philippin de Adolfo B.Alix, Jr, l’héroïne est une sorte de Don Corleone au féminin, de « marraine » prête à tout pour protéger sa famille que le cinéaste filme avec beaucoup de douceur au contraire de l’univers, de violence et de trafics,  dans lequel évoluent les personnages. Une photographie remarquable, sorte de  noir et blanc tacheté (et tâché) de rouge souligne ce mélange qui ne manque pas de charme. Un scénario pas assez abouti nuit malheureusement à l’ensemble.

     

    Enfin, le Coréen « Hang Gong-Ju » (étoile d’or du Festival de Marrakech) est le film qui m’a le plus dérangée par le traitement de son sujet sordide (un viol collectif), raconté en flash-backs, un pseudo-suspense, procédé à mon  sens malsain pour rendre compte d’un drame terrible, avec un manque de sobriété dans le traitement donc et un peu trop de manichéisme aussi (les hommes du film représentent l’animalité et la lâcheté même si un personnage féminin, celui de la mère, n’est pas non plus épargné). Dommage car l’intention, même si trop visible, était noble : rendre hommage aux victimes obligés de se conduire comme des coupables.  Un magnifique personnage féminin néanmoins, lumineux malgré l’horreur vécue, porté par une interprétation exemplaire.

    Deauvilleasia2014 065.JPG

    Dans « Suneug », autre film coréen (hors compétition cette fois), la vision de la société coréenne n’était guère plus reluisante. La compétition poussée à son paroxysme conduit quelques lycéens à fonder une sorte de société secrète pour rester parmi les meilleurs qui accéderont à l’université convoitée, la fin justifiant tous les moyens. Une belle métaphore avec les planètes sur la place de l’individu qui, pour être porté au firmament, doit s’exclure. Qui, pour exister dans la société, doit nier une part de lui-même. Une réalisation ingénieuse accompagne cet enfermement progressif. Jusqu’à ce que la lumière, l’espoir, l’avenir, le soleil s’éclipsent, au propre comme au figuré, jusqu’à ce que l’avenir se réduise à 4 murs. Une belle démonstration par l’exagération. Un film prenant et brillamment écrit.

    Le Festival a également rendu hommage au cinéaste japonais Hideo Nakata et projeté en première mondiale son dernier film « Monsterz ».  Je vous en parlerai ultérieurement.

    A ce soir pour la suite du voyage et le palmarès…

    Deauvilleasia2014 041.JPG

  • Critique de SALAUD, ON T’AIME de Claude Lelouch avec Johnny Hallyday, Sandrine Bonnaire…

     

    johnny1.jpg

    Lelouch. Prononcez ce nom et vous verrez immédiatement l’assistance se diviser en deux. D’un côté, les adorateurs du cinéaste qui aiment : ses fragments de vérité, ses histoires d’amour éblouissantes, sa vision romanesque de l’existence, sa sincérité, son amour inconditionnel du cinéma, ses phrases récurrentes, ses aphorismes, une musique et des sentiments grandiloquents, la beauté parfois terrible des hasards et coïncidences. De l’autre, ses détracteurs qui lui reprochent son sentimentalisme et tout ce que les premiers apprécient, et sans doute de vouloir raconter une histoire avant tout, que la forme soit au service du fond et non l’inverse. Avec « Roman de gare », les seconds s’étaient rapprochés des premiers, mais pour cela il aura auparavant fallu que le film soit au préalable signé d’un autre nom que le sien.  Je fais partie de la première catégorie et tant pis si pour cela je dois subir la condescendance des seconds. Le cinéma est pour moi avant tout affaire de passion, de sincérité, d’audace, de liberté et quoiqu’en disent ses détracteurs, le cinéma de Claude Lelouch se caractérise par ces quatre éléments comme le démontre magnifiquement le documentaire « D’un film à l’autre » réalisé à l’occasion des 50 ans des films 13.  Un documentaire qui résume un demi-siècle de cinéma du « Propre de l’homme » à « Ces amours-là ».

    afh.jpg

     La plus flamboyante de ses réussites fut bien sûr « Un homme et une femme », palme d’or à Cannes en 1966, Oscar du meilleur film étranger et du meilleur scénario parmi 42 récompenses … à 29 ans seulement ! L’histoire de la rencontre de deux solitudes blessées qui prouve que les plus belles histoires sont les plus simples et que la marque du talent est de les rendre singulières et extraordinaires. A chaque fois que je le revois (et je ne les compte plus !), je suis frappée par son étonnante modernité, notamment dans le montage avec les alternances de noir et blanc et de couleurs qui jouent alors habilement avec les méandres du temps et de la mémoire émotive, entre le présent et le bonheur passé qui ressurgit sans cesse. Je suis aussi toujours frappée par cette photographie aux accents picturaux qui sublime Deauville (et qui n’est certainement pas étrangère à mon coup de foudre pour le lieu en question) filmée avec une lumière nimbée de mélancolie, des paysages qui cristallisent les sentiments de Jean-Louis et d'Anne, fragile et paradoxalement impériale, magistralement (dirigée et) interprétée par Anouk Aimée. Rares sont les films qui procurent cette impression de spontanéité, de vérité presque. Les fameux « instants de vérité » de Lelouch. Et puis le célèbre « Montmartre 1540 » prononcé par la voix inimitable de Jean-Louis Trintignant. Mais, je m’égare…

    fcg.jpg

    Avec sa dernière fiction, « Ces amours-là », Lelouch signait une fresque nostalgique, une symphonie qui s’achevait sur une note d’espoir, la bande originale de son existence cinématographique (qui évitait l’écueil du narcissisme) en guise de remerciements au cinéma, à la musique, à son public, à ses acteurs. Un film qui mettait en exergue les possibles romanesques de l’existence. Un film jalonné de moments de grâce, celle des acteurs avant tout à qui ce film était une déclaration d’amour émouvante et passionnée.

    fcl.jpgg

     Cette dernière réalisation qu’est « Salaud, on t’aime » se rapproche peut-être davantage de « Itinéraire d’un enfant gâté », du moins en ce qu’elle raconte l’histoire d’un homme à l’automne de sa vie, un autre « enfant gâté » qui est peut-être passé à côté de l’essentiel et qui, contrairement au film précité, ne va pas fuir sa famille, mais au contraire tenter de la réunir.

    itinéraire.jpg

     Jacques Kaminsky (Johnny Hallyday) est ainsi un photographe de guerre et père absent, qui s'est plus occupé de son appareil photo (enfin plutôt de son impressionnante collection d’appareils photos) que de ses 4 filles (de 4 mères différentes) nommées Printemps (Irène Jacob), Eté (Pauline Lefèvre), Automne (Sarah Kazemy –révélée par le magnifique « En secret » de Maryam Keshavarz ) et Hiver (Jenna Thiam). Avec l’espoir de les réunir, il décide d’acquérir une maison dans les Alpes dont il tombe amoureux en même temps que de celle qui la lui fait visiter,   Nathalie Béranger (Sandrine Bonnaire). Tout va se compliquer encore un peu plus quand son meilleur ami, Frédéric Selman (Eddy Mitchell) va tenter de le réconcilier avec sa famille en leur racontant un terrible mensonge.

     

    johnny2.jpg

    Avec « Salaud, on t’aime », Claude Lelouch signe son 44ème film. Les réalisations et les années n’ont pourtant pas entamé la jeunesse et la modernité de son cinéma. Ni la curiosité, l’admiration, la fascination avec lesquelles il regarde et révèle les acteurs. Les acteurs et la vie qu’il scrute et sublime. Dès ce premier plan avec le beau visage buriné de Johnny Hallyday et derrière lui les pages d’un livre (écrit par sa fille) qui se consume, j’étais déjà happée. Et les pages de cet autre livre qui se tournent et montrent et rendent hommage au photographe de guerre qu’est Kaminsky, à tous les photographes de guerre et aux horreurs (et quelques bonheurs) de l’Histoire qu’ils ont immortalisées, souvent au péril de leur vie. Deux livres. Deux faces d’un même homme. Peut-être un peu le double de Claude Lelouch qui fut lui-même photographe de guerre à ses débuts.

     Dès les premiers plans du film règne à la fois une atmosphère tranquille et inquiétante à l’image de  celle de cette maison gardée par un  aigle majestueux, sublime, clairvoyant, là comme une douce menace, comme si tout pouvait basculer d’un instant à l’autre dans le drame ou le thriller. Le cinéma de Claude Lelouch ne rentre dans aucune case, situé à la frontière des genres. Ou si: il rentre dans un genre, celui d’un film de Lelouch, tout simplement. Et c’est ce que j’aime par-dessus tout : celle liberté, cet atypisme que j’ai retrouvés dans ce film.  Claude Lelouch est né avec la Nouvelle Vague qui ne l’a jamais reconnu sans doute parce que lui-même  n’avait « pas supporté que les auteurs de la Nouvelle Vague aient massacré Clouzot,   Morgan, Decoin, Gabin », tous ceux qui lui ont fait aimer le cinéma alors qu’il trouvait le cinéma de la Nouvelle Vague « ennuyeux ». Et tous ceux qui M’ont fait aimer le cinéma. 

    johnny5.jpg

     A l’image de ses autres films, sans doute celui-ci agacera-t-il ses détracteurs pour les mêmes raisons que celles pour lesquelles il m’a enchantée. Ses citations sur la vie, la mort, l’amour, l’amitié :

    - « Un ami c’est quelqu’un qui te connait très bien et qui t’aime quand même »,

    -« Qu’est-ce que vous préférez le plus au monde, à part votre appareil photo ? Le juste milieu. L’équilibre. Vous savez comme ces types qui viennent de traverser le Grand Canyon sur un fil. »

    C’est d’ailleurs ce qui pourrait définir le cinéma de Lelouch. Et ce film. La vie aussi. Et ce qui les rend si singuliers, palpitants et attachants. Cette impression d’être sur un fil, sur le fil, au bord du précipice.

    Comme toujours chez Claude Lelouch, la musique est judicieusement choisie entre le sublime jazz d’Ella Fitzgerald et Louis Armstrong, la chanson "Les eaux de mars" de Georges Moustaki, ou encore les "Quatre saisons" de Vivaldi repris par les compositeurs du film, le fidèle Francis Lai et Christian Gaubert.

    Et puis il y a les acteurs. Ces acteurs que la caméra de Lelouch aime, scrute, sublime, magnifie, révèle, caresse presque. D’abord, Johnny Hallyday qui n’a pas besoin d’en faire des tonnes pour être ce personnage. Son visage et sa prestance racontent déjà une histoire. Il n’a pas besoin d’en faire ou dire beaucoup pour imposer son personnage grâce à sa forte personnalité, un mélange de douceur,  de douleur, de force, de fragilité, de liberté, d’humanité, de rudesse et de tendresse. Et pour l’avoir vu (et revu) sur scène, que ce rôle lui ait été attribué me semble une évidence tant il est et joue sur scène et sait capter et captiver l’attention d’un regard. Leconte dans « L’homme du train » (à mon avis le meilleur film avec Johnny Hallyday) avait déjà compris cet énorme potentiel. Johnny Hallyday avait d’ailleurs déjà tourné sous la direction de Claude Lelouch en 1972 pour « L’Aventure c’est l’Aventure » où il jouait son propre rôle aux côtés de Lino Ventura et Jacques Brel. Ce rôle de Kaminsky semble avoir été écrit pour lui et pourtant il n’était initialement pas pressenti pour jouer le rôle principal de « Salaud, on t'aime ». Le plus sidérant est que Lelouch a dû l’imposer: « Aucune chaîne de télévision ne voulait faire un film avec Johnny et moi, aucune assurance n’a voulu nous suivre, les coproducteurs, les distributeurs, tout le monde s’est montré frileux. » Il y a eu Annie Girardot dans « Les Misérables », Jean-Paul Belmondo dans « Itinéraire d’une enfant gâté »  Tant d’autres… Il y aura désormais Johnny Hallyday dans « Salaud, on t’aime ». De fortes personnalités qui, plus que d’incarner des rôles, les imprègnent et les révèlent. Les réveillent même.

    A ses côtés, il y a Sandrine Bonnaire avec qui il forme un couple évident. Solaire Sandrine Bonnaire avec son sourire lumineux et empathique et dont on comprend qu’il en tombe immédiatement amoureux.

    johnny6.jpg

    Et puis les 4 « saisons » dont la photographie reflète judicieusement les caractères au premier rang desquelles Jenna Thiam (Hiver Kaminsky), révélation du film à qui sont dévolues les plus belles partitions. Le temps d’un dialogue dans une voiture qui pourrait constituer à elle seule un court-métrage, Lelouch nous montre quel directeur d’acteurs et quel conteur d’histoire il est.  Les « seconds » rôles ne sont pas en reste : Isabelle de Hertogh, Rufus, Agnès Soral, Valérie Kaprisky, Jacky Ido, Antoine Duléry…

     Enfin, dernier personnage ici (et non des moindres !): la nature, sublime et sublimée elle aussi, à laquelle ce film est aussi un véritable hymne et qui varie subtilement au gré des saisons.

     

    johnny9.jpg

    « Chaque nouvelle invention modifie l’écriture cinématographique. Mes gros plans c’est ma dictature, et les plans larges c’est ma démocratie, et pas de plan moyen. » avait-il dit lors du débat succédant à la projection du documentaire « D’un film à l’autre ». Ce nouveau film ne déroge pas à la règle. Une scène de repas est ainsi particulièrement réussie me faisant songer à celles qu'affectionnait Claude Sautet qui lui aussi aimait tant ces scènes mais aussi, comme Lelouch, raconter la vie. Notre vie.

     Ce film comme chaque film de Lelouch comporte quelques scènes d’anthologie. Celle pendant laquelle les deux amis Kaminsky/Johnny et Selman/ Eddy refont « Rio Bravo » est un régal. Mais aussi, à l’opposé, ce brusque basculement du film (que je ne vous révélerai évidemment pas) qui m’a bouleversée.  Il n’y a que lui pour oser. De même qu’il n’y a que lui pour oser appeler les 4 filles d’un personnage Printemps, Eté, Automne et Hiver. Et ce sont cette liberté presque irrévérencieuse, cette audace, qui me ravissent. Dans la vie. Au cinéma. Dans le cinéma de Lelouch qui en est la quintessence. La quintessence des deux.

    Lelouch, dans ce nouveau film coécrit avec Valérie Perrin,  raconte la vie, avec tout ce qu’elle comporte de beauté tragique ou de belle cruauté, de douleurs ineffables aussi, ses paradoxes qui la rendent si fragile et précieuse. En quelques plans, ou même en un plan d’une silhouette, il exprime la douleur indicible de l’absence. Mais c’est aussi et avant tout un film magnifique sur l’amitié et ses mensonges parfois nécessaires, sur le le pardon aussi…sans oublier ces « hasards et coïncidences » qu’affectionne le cinéaste. Ce hasard qui «  a du talent » à l’image de celui qui en a fait un de ses thèmes de prédilection.   Malgré son titre, peut-être son film le plus tendre, aussi.

     Je ne sais pas si le cinéma comme "le bonheur, c'est mieux que la vie » mais en tout cas Claude Lelouch fait partie de ceux dont les films nous la font voir en gros plans majestueux, parfois sans fards, avec une redoutablement sublime vérité, et qui nous la font aimer ardemment.   Et ce nouveau film porté par des acteurs solaires, un montage ingénieux, une musique judicieuse, une photographie émouvante ne déroge par à la règle. Le juste milieu entre légèreté et gravité. Les fragments de vérité et les fragments de mensonges. La vie et le cinéma.

    « Salaud, on t’aime » fera l’ouverture du prochain Festival International du Film Policier de Beaune à l’occasion duquel sera rendu un hommage à Johnny Hallyday.

    Sortie en salles 2 Avril 2014

     Et puisque de Deauville il est question, retrouvez le programme complet du Festival du Film Asiatique de Deauville en direct duquel je serai à partir de demain, et « Les Orgueilleux » et « Ombres parallèles », mes ebooks qui sont aussi des déclarations d’amour à Deauville.

    lol.jpg

    Retrouvez également cette critique sur mon autre site http://inthemoodforfilmfestivals.com .

     Retrouvez l’actualité cinématographique, culturelle et touristique sur mes 7 blogs inthemood : Inthemoodlemag.com, Inthemoodforfilmfestivals.com, Inthemoodforcinema.com, Inthemoodforcannes.com, Inthemoodfordeauville.com, Inthemoodforluxe.com, Inthemoodforhotelsdeluxe.com .

  • Critique de MONUMENTS MEN de George Clooney et conférence de presse du film à Paris

     

    monuments2.jpg

    Chaque jour ou presque mes (7) blogs et sites me portent vers de nouvelles aventures qui me permettent de vivre pleinement ma passion pour le cinéma. Souvent, je songe à la petite fille que j’étais qui rêvait tant de cinéma et d’écriture et qui, sans doute, n’aurait jamais imaginé effleurer autant ses rêves, voire en concrétiser quelques-uns. De belles choses m’attendent pour les mois à venir et, loin d’être blasée, après 20 ans de pérégrinations festivalières et cinématographiques, je me réjouis toujours quand on me propose d’assister à des évènements tels qu’une conférence de presse de « monuments » du cinéma, au premier rang desquels le réalisateur de ces « Monuments men » dont je me souviens encore de la conférence de presse au Festival du Cinéma Américain de Deauville il y a quelques années et qui électrisa les planches. Vous verrez ci-dessous les meilleurs moments de la conférence de presse parisienne de cette joyeuse équipe (tout juste de retour du Festival de Berlin où le film a été projeté en avant-première et ovationné) aussi complice que dissipée, une conférence à laquelle j’ai donc eu le plaisir d’assister et dont le moment d’émotion fut l’intervention d’un vrai « Monument man » survivant que vous verrez dans la vidéo.

    monuments9.jpg

    monuments4.jpg

    monuments11.jpg

    monuments13.jpg

     

    monuments3.jpg

    monuments8.jpg

    monuments20.jpg

     J’étais particulièrement impatiente de découvrir ces « Monuments men » après le régal impitoyable qu’avait été « Les Marches du pouvoir » (qui se déroule dans les coulisses des Primaires américaines), la dernière réalisation de George Clooney. Un thriller aussi élégant que le sont en apparence ses protagonistes et qui en révèle d’autant mieux la face obscure grâce à un rythme particulièrement soutenu, un distribution brillamment dirigée (avec des seconds rôles excellents comme Philip Seymour Hoffman ou Paul Giamatti), des dialogues vifs, et surtout une mise en scène métaphorique entre ombre et lumière particulièrement symptomatique du véritable enjeu (être, devenir ou rester dans la lumière) et de la part d’ombre qu’elle dissimule (souvent habilement) et implique.

    Avec ce nouveau sujet  et ce casting en or (George Clooney, Matt Damon, Bill Murray, John Goodman, Cate Blanchett, Bob Balaban, Jean Dujardin -dont on se demande jusqu'où sa brillante carrière le mènera encore-…), je pensais être d’emblée conquise par cette nouvelle réalisation de George Clooney.

    « Monuments men » est ainsi inspiré d’un fait historique réel et méconnu de la Seconde Guerre Mondiale. Sept hommes qui ne sont pas des soldats mais des directeurs et des conservateurs de musées, des artistes, des architectes, et des historiens d’art… se jettent au cœur du conflit pour aller sauver des œuvres d’art volées par les nazis et les restituer à leurs propriétaires légitimes. Ces trésors sont cachés en plein territoire ennemi, et leurs chances de réussir sont infimes. Pour tenter d’empêcher la destruction de mille ans d’art et de culture (les nazis voulaient notamment convaincre les Allemands du déclin de l’Art moderne, quand il était pratiqué par des artistes juifs ou communistes, détruisant ainsi ces œuvres pour « purifier » l’Art quand elles ne venaient pas enrichir leurs collections personnelles), ces Monuments Men vont se lancer dans une incroyable course contre la montre, en risquant leur vie pour protéger et défendre les plus précieux trésors artistiques de l’humanité…

    Dans la réalité, ce fut un programme lancé par le département Fine Arts, and Archives section, de la commission chargée de plaider la cause artistique en temps de guerre aux USA. L'équipe des Monuments Men se composait d'une douzaine d'hommes, trop vieux pour avoir été embrigadés par l'armée à l'aube du conflit. Ils sont plasticiens, historiens d'art, conservateurs de musée et sont envoyés en France dans les six semaines qui suivent le débarquement en Normandie. C'est le président Eisenhower qui lance le programme, après que les troupes Alliées aient gratuitement détruit une abbaye ancienne. C'est finalement Roosevelt qui donne son accord à George Stout, futur chef officieux des Monuments Men, pour former son équipe de choc

    Voilà le prometteur pitch officiel. La mise en scène est indéniablement soignée et d’une rare élégance. Là est sans aucun doute une des singularités du cinéaste George Clooney, avec le caractère engagé de ses films. La musique (signée Alexandre Desplat) est poignante et emphatique à souhait, cristallisant la majesté de l'enjeu. L’enjeu, justement, est universel : sauver des œuvres d’art dont la destruction revient à « nier que les Hommes ont existé ». Sans aucun doute, George Clooney, artiste engagé, était réellement porté par son sujet et avait particulièrement à cœur de rendre hommage à ces héros de l’Histoire et de son histoire qui le méritent incontestablement : les Monuments men qui ont pour noble objectif de retrouver les œuvres d’art volées par les Nazis pendant la Seconde Guerre Mondiale. Parce que tuer les œuvres d’art c’est aussi tuer la mémoire. Notre mémoire.

    Malheureusement, George Clooney, aussi talentueux metteur en scène soit-il semble avoir été paralysé :  par son sujet et l’hommage qu’il souhaitait rendre aux vrais « Monuments men », par les œuvres d’art et leur prestige, par ses influences (les films de son enfance comme « La Grande Evasion » ou « Le Pont de la Rivière Kwaï » ou des cinéastes avec lesquels il a tournés comme Soderbergh -donnant à son film des airs d’ « Ocean »- ou les Coen –pour l’humour décalé aux frontières de l’absurde -) et par son casting. En voulant trop bien faire : satisfaire ses acteurs (tous ses acteurs, en leur donnant à chacun leur moment de gloire et leur numéro) dont la complicité transpire certes, les réalisateurs qui l’ont inspiré et les héros à qui il a voulu rendre hommage, il ne choisit finalement pas avec pour résultat un film hybride qui laisse un goût de regret et d’inachevé. Son film oscille constamment : d’un acteur à l’autre comme s’il voulait que chacun ait une égale partition, et surtout entre la comédie et le drame. En résulte un scénario qui ressemble à une suite de saynètes et qui passe à une autre dès que l’émotion s’apprêtait à éclore.

    C’est d’autant plus dommage que certaines scènes et certains plans nous rappellent qu’il a un vrai sens de la narration et quel cinéaste talentueux il peut être (la mise en scène n’est d’ailleurs jamais en cause, mais uniquement le scénario) notamment lorsque sont retrouvées certaines œuvres comme « La Madone de Bruges » de Michel-Ange ou « L’Autoportrait » de Rembrandt ou les scènes entre Matt Damon et Cate Blanchett. Il aurait d’ailleurs été passionnant de se focaliser sur le personnage interprété par cette dernière, à mon avis le plus intéressant, celui de Claire Simone inspiré de Rose Valland (auteur d’un livre de souvenirs sur le sujet intitulé « Le Front de l’Art") qui travailla au Musée du Jeu de Paume à partir de 1932 et qui participa à l’évacuation des collections publiques parisiennes mises à l’abri sur l’ensemble du territoire.

    Par ailleurs, l’action se déroule après le débarquement du 6 juin 1944 mais deux menaces planent encore : les troupes de libération soviétiques qui saisissaient les œuvres à titre de compensation et certains fonctionnaires nazis qui souhaitaient faire disparaître les œuvres à titre de vengeance. Or, malgré la mort de certains de ces « Monuments men » leur "promenade"  semble souvent tranquille, bucolique et dénuée de tension et de réalisme. Un comble pour un film inspiré de faits réels.

    Malgré tout, malgré cette histoire bancale sans doute en raison de l’énorme enjeu de l’Histoire, cet aspect suranné dans l’écriture, ces  « Monuments men » m’ont inspiré une certaine tendresse. Parce qu’on y sent à quel point son réalisateur avait à cœur de rendre hommage à ces grands hommes mais aussi à ces œuvres d’Art. Ce à quoi il parvient d’ailleurs, comme s’il avait davantage voulu mettre l’accent sur l’Histoire que sur son histoire. Parce que la réalisation et la photographie sont remarquables. Parce que le casting est à leur image : élégant et soigné comme celui des films d’un autre temps. J’ai eu l’impression qu’allaient surgir à tout instant Cary Grant, Clark Gable ou James Stewart. Et parce ce film aura au moins eu le mérite d’immortaliser des héros oubliés, de les célébrer mais aussi de rappeler à quel point l’Art n’est pas un simple ornement mais est une respiration salutaire,  un fondement vital de la société et de l’humanité à tel point que des hommes ont combattu pour lui au péril de leur vie. Et pour ces raisons, cinématographiques mais surtout pédagogiques, ces « Monuments men »méritent que vous alliez à leur rencontre au cinéma le 12 mars…et méritent d’être montrés dans les écoles.

    monuments.jpg

    En bonus, ci-dessous, ma critique du film « Les Marches du pouvoir » de George Clooney à voir et revoir.

    marches2.jpg

    « The American » d’Anton Corbijn, le précèdent film avec George Clooney avant "Les Marches du pouvoir" prouvait une nouvelle fois le caractère judicieux de ses choix en tant que comédien et en tant que producteur, ce film allant à l’encontre d’une tendance selon laquelle les films doivent se résumer à des concepts, prouvant qu’un film lent, au style épuré et aux paysages rugueux (ceux des Abruzzes en l’occurrence, d’ailleurs magnifiquement filmés) peut être plus palpitant qu’un film avec une action à la minute.

     Avec « Les Marches du pouvoir », il confirme la clairvoyance de ses choix (film produit par un autre acteur aux choix clairvoyants, Leonardo DiCaprio) avec un film au sujet a priori (et seulement a priori) peu palpitant : la bataille pour les primaires démocrates et, un peu à l’inverse de « The American » qui était un thriller traité comme un film d’auteur intimiste, il nous embarque dans un thriller palpitant avec ce qui aurait pu donner lieu à un film d’auteur lent et rébarbatif. "Les Marches du Pouvoir" est une adaptation de la pièce de théâtre « Farragut North » de Beau Willimon; il a été présenté en compétition officielle de la dernière Mostra de Venise.

    Stephen Meyers (Ryan Gosling) est le jeune, légèrement arrogant, mais déjà très doué et expérimenté conseiller de campagne du gouverneur Morris (George Clooney) candidat aux primaires démocrates pour la présidence américaine. Pour lui, Morris est le meilleur candidat et il s’engage à ses côtés, totalement convaincu de son intégrité et de ses compétences mais peu à peu il va découvrir les compromis qu’impose la quête du pouvoir et perdre quelques illusions en cours de route… Il va découvrir ce qu’il n’aurait jamais dû savoir, commettre l’erreur à ne pas commettre et la campagne va basculer dans un jeu de dupes aussi fascinant que révoltant.

    Le film commence sur le visage de Meyers récitant un discours, du moins le croit-on… La caméra s’éloigne et dévoile une salle vide et que l’homme qui semblait être dans la lumière est en réalité un homme dans et de l’ombre, préparant la salle pour celui qu’il veut mener à la plus grande marche du pouvoir. Ce début fait ironiquement écho au magnifique plan-séquence de la fin où la caméra se rapproche au lieu de s’éloigner (je ne vous en dis pas plus sur cette fin saisissante)…tout un symbole !

    Je ne suis pas à un paradoxe près : alors que je m’insurge constamment contre le poujadiste et simpliste «tous pourris » souvent le credo des films sur la politique, ce film qui dresse un portrait cynique de la politique et de ceux qui briguent les plus hautes marches du pouvoir m’a complètement embarquée… Clooney non plus n’est pas à un paradoxe près puisque lui qui a fermement défendu Obama dans sa campagne présidentielle et dont la sensibilité démocrate n’est pas un mystère a mis en scène un candidat (démocrate) dont l’affiche ressemble à s’y méprendre à celle du candidat Obama lors de son premier mandat. D’ailleurs, ce n’est pas forcément un paradoxe, mais plutôt une manière habile de renforcer son propos.

    A première vue, rien de nouveau : les manigances et les roueries de la presse pour obtenir des informations qui priment sur tout le reste, y compris de fallacieuses amitiés ou loyautés, la proximité intéressée et dangereuse entre le pouvoir politique et cette même presse (tout ce que la très belle affiche résume, avec en plus le double visage du politique), et même les liens inévitables entre désir et pouvoir qui ouvraient récemment un autre film sur la politique, « L’Exercice de l’Etat », dans une scène fantasmagorique mais, malgré cela, George Clooney signe un film remarquable d’intensité, servi par des dialogues précis, vifs et malins et par une mise en scène d’une redoutable élégance, notamment grâce au recours aux ombres et à la lumière pour signifier l’impitoyable ballet qui broie et fait passer de l’un à l’autre mais surtout pour traiter les coulisses obscures du pouvoir comme un thriller et même parfois comme un western (le temps d’un plan magnifique qui annonce le face-à-face dans un bar comme un duel dans un saloon). En fait, « Les marches du pouvoir » porte en lui les prémisses de plusieurs genres de films (thriller, romantique, western) montrant, d’une part, l’habileté de Clooney pour mettre en scène ces différents genres et, d’autre part, les différents tableaux sur lesquels doivent jouer les hommes politiques, entre manipulation, séduction et combat.

    Le temps d’une conversation plongée dans le noir ou d’une conversation devant la bannière étoilée (invisible un temps comme si elle n’était plus l’enjeu véritable mais aussi gigantesque et carnassière), sa mise en scène se fait particulièrement significative. Cette plongée dans les arcanes du pouvoir les décrit comme une tentation perpétuelle de trahir : ses amis politiques mais surtout ses idéaux. L’étau se resserre autour de Stephen comme un piège inextricable et les seuls choix semblent alors être de dévorer ou être dévoré, d’ailleurs peut-être pas tant par soif du pouvoir que par souci de vengeance et par orgueil, amenant ainsi de la nuance dans le cynisme apparent qui consisterait à dépeindre des hommes politiques uniquement guidés par la soif de conquête et de pouvoir. Ryan Gosling est parfait dans ce rôle, finalement pas si éloigné de celui qu’il endosse dans « Drive », incarnant dans les deux cas un homme qui va devoir renier ses idéaux avec brutalité, et qui révèle un visage beaucoup plus sombre que ce qu’il n’y parait. Face à lui, George Clooney en impose avec sa classe inégalée et inégalable qui rend d’autant plus crédible et ambivalent son personnage à la trompeuse apparence, épris de laïcité, de pacifisme et d’écologie... sans doute davantage par opportunisme que par convictions profondes, ses choix privés révélant la démagogie de ses engagements publics.

    Le cinéma américain entre Oliver Stone, Pakula, ou avec des rôles incarnés par Robert Redford comme dans « Votez McKay » de Michael Ritchie (que Redford avait d’ailleurs coproduit) a longtemps considéré et traité la politique comme un sujet à suspense. Tout en s’inscrivant dans la lignée de ces films, Clooney réinvente le genre en écrivant un film aux confluences de différents styles. La politique est décidément à la mode puisque pas moins de trois films français (très différents) sur le sujet étaient sortis l'an passé (« La Conquête », « Pater » et « L’Exercice de l’Etat »). Clooney ne s’intéresse d’ailleurs pas ici uniquement à la politique, le film ne s’intitulant pas « Les marches du pouvoir politique » mais du pouvoir tout court et cette soif d’ascension au mépris de tout pourrait se situer dans d’autres sphères de la société de même que la duplicité de ceux qui cherchent à en gravir les marches, à tout prix, même celui de leurs idéaux.

    Seul regret : que le titre original peut-être pas plus parlant mais plus allégorique n’ait pas été conservé. «The ides of March » correspond ainsi au 15 mars du calendrier romain, une expression popularisée par une des scènes de « Jules César » de William Shakespeare, dans laquelle un oracle prévient le célèbre général de se méfier du 15 mars, date à laquelle il finira par être assassiné.

    Un thriller aussi élégant que le sont en apparence ses protagonistes et qui en révèle d’autant mieux la face obscure grâce à un rythme particulièrement soutenu, un distribution brillamment dirigée (avec des seconds rôles excellents comme Philip Seymour Hoffman ou Paul Giamatti), des dialogues vifs, et surtout une mise en scène métaphorique entre ombre et lumière particulièrement symptomatique du véritable enjeu (être, devenir ou rester dans la lumière) et de la part d’ombre qu’elle dissimule (souvent habilement) et implique. Je vous engage à gravir ces « Marches du pouvoir » quatre-à-quatre. Un régal impitoyable. Vous en ressortirez le souffle coupé !

  • Critique de CASINO ROYALE de Martin Campbell à 20H45 sur France 2 ce 2 mars 2014

    casino1.jpg

    Ce soir, à 20H45, France 2 diffusera « Casino royale » de Martin Campbell.  Que n'a-t-on pas entendu lors du choix de Daniel Craig comme nouveau James Bond et lorsqu'il a été annoncé qu'il succèderait à Pierce Brosnan, un choix (après plus de 200 comédiens auditionnés !), il est vrai, plutôt osé tant son physique et son jeu contrastent voire tranchent avec ceux de ses prédécesseurs : Pierce Brosnan, Sean Connery, Roger Moore, Timothy Dalton, George Lazenby. Sixième à incarner James Bond depuis 1962, Daniel Craig est le premier à sortir du personnage du svelte dandy au sourire ravageur et carnassier, aussi collectionneur des gadgets dernier cri que des James Bond girls.

    James Bond (Daniel Craig donc) qui vient d'obtenir le double zéro, c'est-à-dire le permis de tuer, doit ici affronter le puissant banquier privé du terrorisme international, surnommé Le Chiffre (Mads Mikkelsen). Pour le ruiner et démanteler son immense réseau criminel, James Bond doit le battre lors d'une partie de poker au Casino Royale.  C'est la très mystérieuse et sublime Vesper (Eva Green), attachée au Trésor britannique qui l'accompagne afin de veiller à ce qu'il prenne soin de l'argent britannique avec lequel il va jouer. Mais rien ne va se passer comme prévu, James Bond va en effet devoir faire face à une situation qui va le rendre inhabituellement vulnérable...

    Ce 21ème James Bond est l'adaptation du premier opus écrit par Ian Fleming en 1953 et son adaptation signe aussi le vrai retour à l'univers de Fleming. Rien à voir donc ici avec la version parodique de 1967 également intitulée « Casino Royale ».

    Dès les premiers plans nous sommes plongés dans un univers brutal, au rythme effréné, aux scènes aussi spectaculaires que trépidantes avec dès le départ une course poursuite avec paroxysme sur grue vertigineuse puis une seconde dans un aéroport. Changement de décor avec l'arrivée au Casino Royale du Montenegro après une jouissive joute verbale entre Bond et Vesper.

    Ce film est une réjouissance et une surprise continuelles d'abord avant tout dues au scénario de Robert Wade et Neal Purvis magistralement réécrit par Paul Haggis (notamment scénariste de « Million Dollar baby » et « Mémoires de nos pères », réalisateur de « Collision » et « Dans la vallée d'Elah ») alternant intelligemment les scènes d'action pure, de suspense (aussi bien dans les scènes d'action que celles de poker, véritable combat intellectuel), de romance mais aussi les décors aussi exotiques les uns que les autres, des Bahamas à Venise.

    C'est un Bond, à la fois amoureux et donc vulnérable mais aussi plus violent, viril et glacial, plus sombre et plus musclé qui use de son « permis de tuer ». Daniel Craig lui apporte une dureté, une intensité, une classe inédites et à côté de lui les précédents acteurs l'ayant incarné font bien pâle figure.    Certains seront sans doute décontenancés par ce James Bond qui a perdu certaines caractéristiques qui contribuaient à sa spécificité : il n'utilise (temporairement) plus ou si peu de gadgets, a perdu une partie son flegme et son humour britanniques (même si les dialogues et le détachement dont il sait toujours faire preuve dans les situations les plus dramatiques ou face à M sont particulièrement savoureux), et se rapproche davantage de Jason Bourne que du héros de Ian Fleming dans ses précédentes adaptations même si la situation le fera évoluer vers davantage de raffinement. Il a aussi su s'adapter à l'époque complexe dans laquelle il vit, l'ennemi n'étant plus le bloc soviétique, fin de la guerre froide oblige, mais les financiers du terrorisme international. On assiste ainsi à une véritable surenchère : dans les scènes d'action (leur nombre et leur aspect spectaculaire), dans leur violence (Bond est soumis à la torture), dans le nombre de plans, mais aussi dans le nombre de lieux, James Bond nous embarquant ainsi aux Bahamas, en République Tchèque, à Venise, à Madagascar, en Ouganda, au Montenegro. C'est aussi d'ailleurs pour cela qu'on se rue dans les salles à chaque nouveau volet : pour ce  voyage auquel il nous invite; il nous emmène ailleurs dans tous les sens du terme et de ce point de vue aussi ce James Bond est particulièrement réussi.

    Mais le principal atout qui sans doute ralliera ceux qui juste-là étaient allergiques à son univers, c'est le duo qu'il forme avec Vesper, un duel sensuel qui apporte beaucoup de piquant à l'intrigue, et plus d'humanité au personnage de Bond, aussi brutal soit-il.  Mystérieuse, impertinente, voire arrogante mais aussi vulnérable, Vesper lui ressemble trop pour qu'il lui reste insensible. Certaines scènes rappellent ainsi certains drames romantiques parmi les meilleurs ( la musique rappelle celle d' « Out of Africa » et les dernières scènes à Venise font penser à « Titanic » ) et contrebalancent ainsi cette nouvelle brutalité.  Et cette alliance du romanesque avec l'univers sombre et brutal de ce James Bond  donne un résultat aussi étonnant que détonant, à la fois moderne et complexe à l'image de Bond et Vesper, un film au rythme haletant qui sait aussi prendre le temps des dialogues et de l'émotion.

    Eva Green est aussi pour beaucoup dans cette réussite, incarnant à la perfection et avec beaucoup de classe ce premier amour de Bond à l'esprit vif, à la vulnérabilité touchante et à l'arrogance mystérieuse. Face à eux Le Chiffre incarne « le méchant » qui ne cherche plus à dominer le monde.

    La réalisation de Martin Campbell( qui avait déjà réalisé Golden Eye) est d'une efficacité redoutable et la musique du chanteur américain Chriss Cornell (ancien leader du groupe « Soundgarden ») qui interprète « You know my name », la chanson-phare de Casino Royale achève d'en faire une réussite totale.

    Ajoutez à cela un brillant retournement final, et vous obtiendrez un film sombre, spectaculaire, réjouissant, haletant dont vous avez l'impression que le terme jubilatoire a été inventé pour le qualifier.  2H20 dont je vous garantis que vous ne les verrez pas passer et après lesquelles vous n'aurez qu'une envie : refaire le voyage ou voir la suite des aventures de ce Bond écorché vif, trahi, et avide de vengeance.

    James Bond confirmera ensuite son entrée dans cette nouvelle ère avec  « Quantum of Solace » que je vous recommande également même s'il n'a pas atteint la perfection du genre que représente « Casino Royale ».

  • Oscars 2014 : le palmarès en direct et les nominations complètes commentées

    oscars.jpg

     

     La 86ème cérémonie des Oscars sera retransmise en direct ce dimanche 2 mars sur ABC et c’est l’animatrice Ellen DeGeneres qui sera la maîtresse de cérémonie. Vous pourrez également retrouver de nombreuses informations sur la page officielle spéciale Oscars de Canal plus. Vous pourrez les suivre en direct sur Canal plus dès 2H00 du matin. Pour en savoir plus, vous pouvez également consulter le site officiel de l'Académie des Oscars.

     Avec 10 nominations, « Gravity » d’Alfonso Cuaron et « American Bluff » de David O’Russell figurent en tête de ces nominations puis « 12 Years a Slave » de Steve McQueen  avec 9 citations (et qui, à mon avis, domine largement les deux premiers).

    slave.jpg

    « La Vie d’Adèle » n’est pas nommée à  l’Oscar du meilleur film étranger (je me réjouis en revanche de la présence de "La Grande Bellezza"de Paolo Sorrentino, grand oublié du palmarès cannois 2013), en revanche la comédienne Julie Delpy  est pour la deuxième fois nommé à l’Oscar du meilleur scénario adapté pour « Before Midnight ». 

    Les directeurs de la photographie Philippe Le Sourd et Bruno Delbonnel sera quant à eux nommés pour « The GrandMaster » et « Inside Llewyn Davis« .

    Le court-métrage « Avant que de tout perdre », de Xavier Legrand  (lauréat du César du court-métrage 2014) est en lice pour l’Oscar du meilleur court métrage. « Moi, moche et méchant 2″, coréalisé par Pierre Coffin et « Ernest et Célestine » de Benjamin Renner, Stéphane Aubier et Vincent Patar sont nommés dans la catégorie film d’animation. Alexandre Desplat sera nommé pour la 6ème fois à l’Oscar de la meilleure musique pour « Philomena ».

     Cate Blanchett (pour l’excellent « Blue Jasmine » de Woody Allen) se retrouve  face à  Amy Adams ( pour « American Bluff »), Sandra Bullock ( pour « Gravity »), Judi Dench ( pour « Philomena ») et l’habituée de la cérémonie Meryl Streep ( 17ème nominations pour « Un été à Osage County » !).

     Leonardo DiCaprio remportera-t-il enfin la statuette tant convoitée (pour ma part, j’avoue que j’aurais préféré qu’il l’obtienne pour « Les Noces rebelles » ou « Shutter island »  ou « The great Gatsby » (qui récolte seulement 2 nominations pour les costumes et le décor) pour se référer à un film de l’année)? Il se retrouve ainsi face à Chiwetel Ejiofor, le favori (« 12 Years a Slave ») et Matthew McConaughey (« Dallas Buyers Club ») Christian Bale (« American Bluff ») et Bruce Dern (« Nebraska »), lauréat du prix d'interprétation du Festival de Cannes 2013.

    Je déplore par ailleurs qu'il y ait si peu de nominations pour le magnifique "All is lost" de J. Chandor (meilleur son -montage-) et notamment que Robert Redford ne soit pas nommé comme meilleur acteur.

    Mes critiques des films en lice:

    "American bluff" de David O'Russell

    "12 years a slave" de Steve McQueen

     « Blue Jasmine » de Woody Allen

     « Inside Llewyn Davis«

    « Gravity » d’Alfonso Cuaron

    "Nebraska" d'Alexander Payne

    « The great Gatsby » de Baz Luhrmann

    "All is lost" de J.C Chandor

     Nominations complètes

    Meilleur film

    "American Bluff" de David O'Russell

    "Capitaine Phillips" de Paul Greengrass

    "Dallas Buyers Club" de Jean-Marc Vallée

    "Gravity" d'Alfonso Cuaron

    "Her" de Spike Jonze

    "12 Years a Slave" de Steve McQueen

    "Nebraska" d'Alexander Payne

    "Philomena" de Stephen Frears

    "Le Loup de Wall Street" de Martin Scorsese

     

    Meilleur réalisateur

    David O. Russell pour "American Bluff"

    Alfonso Cuaron pour "Gravity"

    Alexander Payne pour "Nebraska"

    Steve McQueen pour "12 Years a Slave"

    Martin Scorsese pour "Le Loup de Wall Street"

     

    Meilleure actrice

    Amy Adams dans "American Bluff"

    Cate Blanchett dans "Blue Jasmine"

    Sandra Bullock dans "Gravity"

    Judi Dench dans "Philomena"

    Meryl Streep dans "Un été à Osage County"

     

    Meilleur acteur

    Christian Bale dans "American Bluff"

    Bruce Dern dans "Nebraska"

    Leonardo DiCaprio dans "Le Loup de Wall Street"

    Chiwetel Ejiofor dans "12 Years a Slave"

    Matthew McConaughey dans "Dallas Buyers Club"

     

    Meilleur acteur dans un second rôle

    Barkhad Abdi dans "Capitaine Phillips"

    Bradley Cooper dans "American Bluff"

    Michael Fassbender dans "12 Years a Slave"

    Jonah Hill dans "Le Loup de Wall Street"

    Jared Leto dans "Dallas Buyers Club"

     

    Meilleure actrice dans un second rôle

    Sally Hawkins dans "Blue Jasmine"

    Jennifer Lawrence dans "American Bluff"

    Lupita Nyong'O dans "12 Years a Slave"

    Julia Roberts dans "Un été à Osage County"

    June Squibb dans "Nebraska"

     

    Meilleur scénario original

    "American Bluff" par Eric Warren Singer et David O. Russell

    "Blue Jasmine" par Woody Allen

    "Dallas Buyers Club" par Craig Borten et Melisa Wallack

    "Her" par Spike Jonze

    "Nebraska" par Bob Nelson

     

    Meilleur scénario (adaptation)

    "Before Midnight" par Richard Linklater, Julie Delpy et Ethan Hawke

    "12 Years a Slave" par John Ridley

    "Le Loup de Wall Street" par Terence Winter

    "Philomena" par Steve Coogan

    "Capitaine Phillips" par Billy Ray

     

    Meilleur film d'animation

    "Les Croods" de Chris Sanders et Kirk DeMicco

    "Moi, moche et méchant 2" de Chris Renaud et Pierre Coffin

    "Ernest et Célestine" de Benjamin Renner, Vincent Patar et Stéphane Aubier

    "La Reine des Neiges" de Chris Buck et Jennifer Lee

    "Le Vent se lève" d'Hayao Miyazaki

     

    Meilleur film documentaire

    "The Act of Killing - L'acte de tuer"

    "Cutie and the Boxer"

    "Dirty Wars"

    "The Square"

    "20 Feet from Stardom"

     

    Meilleur film en langue étrangère

    "Alabama Monroe" de Felix Van Groeningen (Belgique)

    "La Grande Bellezza" de Paolo Sorrentino (Italie)

    "La Chasse" de Thomas Vinterberg (Danemark)

    "L'image manquante" de Rithy Panh (Cambodge)

    "Omar" d'Hany Abu-Assad (Palestine)

     

    Meilleure musique de film

    "La Voleuse de livres"

    "Gravity"

    "Her"

    "Philomena"

    "Dans l'ombre de Mary - La promesse de Walt Disney"

     

    Meilleure chanson originale

    "Alone Yet Not Alone" de "Alone Yet Not Alone"

    "Happy" de "Moi, moche et méchant 2"

    "Let It Go" de "La Reine des neiges"

    "The Moon Song" de "Her"

    "Ordinary Love" de "Mandela : Un long chemin vers la liberté"

     

    Meilleure photographie

    "The Grandmaster"

    "Gravity"

    "Inside Llewyn Davis"

    "Nebraska"

    "Prisoners"

     

    Meilleur montage

    "American Bluff"

    "Capitaine Phillips"

    "Dallas Buyers Club"

    "Gravity"

    "12 Years a Slave"

     

    Meilleurs effets spéciaux

    "Gravity"

    "Le Hobbit : la Désolation de Smaug"

    "Iron Man 3"

    "Lone Ranger, Naissance d'un héros"

    "Star Trek Into Darkness"

     

    Meilleurs décors

    "American Bluff"

    "Gravity"

    "Gatsby le Magnifique"

    "Her"

    "12 Years a Slave"

     

    Meilleurs costumes

    "American Bluff"

    "The Grandmaster"

    "Gatsby le Magnifique"

    "The Invisible Woman"

    "12 Years a Slave"

     

    Meilleurs maquillages et coiffures

    "Dallas Buyers Club"

    "Bad Grandpa"

    "Lone Ranger, Naissance d'un héros"

     

    Meilleur son (montage)

    "All is Lost"

    "Capitaine Phillips"

    "Gravity"

    "Le Hobbit : la Désolation de Smaug"

    "Du sang et des larmes"

     

    Meilleur son (mixage)

    "Capitaine Phillips"

    "Gravity"

    "Le Hobbit : la Désolation de Smaug"

    "Inside Llewyn Davis"

    "Du sang et des larmes"

     

    Meilleur court métrage documentaire

    "CaveDigger"

    "Facing Fear"

    "Karama Has No Walls"

    "The Lady in Number 6: Music Saved My Life"

    "Prison Terminal: The Last Days of Private Jack Hall"

     

    Meilleur court métrage d'animation

    "Feral"

    "Get a Horse!"

    "Mr. Hublot"

    "Possessions"

    "Room on the Broom"

     

    Meilleur court métrage de fiction

    "Aquel No Era Yo"

    "Avant que de tout perdre"

    "Helium"

    "Pitääko Mun Kaikki Hoitaa?"

    "The Voorman Problem"

  • César 2014 : palmarès commenté et compte rendu la cérémonie

     

    cesar 045.JPG

    cesar 040.JPG

    cesar 044.JPG

    cesar 029.JPG

    cesar 047.JPG

    cesar 024.JPG

    cesar 016.JPG

    cesar 049.JPG

     

    Alors que déjà l'actualité cinématographique se focalise sur les Oscars qui auront lieu ce soir (et sur lesquels je reviendrai également), j'ai pour ma part encore la tête parmi les étoiles du Théâtre du Châtelet où a lieu chaque année la cérémonie des César.

     

    cesa1.jpg

     

    cesar 018.JPG

    Mise en abyme: "Ombres parallèles" aux César...

     

     

     

     C'est le Président François Cluzet (nommé 10 fois aux César!) qui, comme le veut la tradition, a ouvert les festivités. Donnant peut-être un peu trop l'impression de lire son prompteur, il s'est exprimé avec la franchise, l'humour et l'enthousiasme qui le caractérisent : "Ce métier m'a tout appris. L'amour. La vie. La mort. Les 507 heures.", "Quand j'ai débuté avec Jouvet dans "L'assassin habite au 21" (au passage film sorti en 1942 soit 13 ans avant la naissance de Cluzet). Cette sincérité qui le caractérise, il l'a d'ailleurs évoquée, "sincère, il vaut mieux l'être en permanence".

    Est ensuite arrivée la maîtresse de cérémonie: Cécile de France qui succédait ainsi à Antoine de Caunes. La cage aux lions, la fosse aux serpents ou les deux à la fois: voilà à quoi ressemble à peu près le public auquel elle était confrontée ce soir-là, sans aucun doute le plus impitoyable qui soit. Dans son élégante et simple robe blanche, elle ne s'est jamais départie de son second degré et de son sourire et on lui pardonne bien volontiers d'avoir confondu Léa Seydoux et Adèle Exarchopoulos tant elle a su apporter glamour, humour, classe à cette cérémonie. On se serait même un instant cru à Broadway lorsqu'elle a débuté en chantant accompagnée de la pétulante Rossy de Palma.  Cette année on ne riait pas des nommés et lauréats mais avec eux.

    Cette 39ème édition a donc couronné "Les Garçons et Guillaume, à table! " de et avec Guillaume Gallienne qui a reçu pas moins de 5 César (sur 10 nominations). Voilà qui est mérité pour le film d’ouverture de la Quinzaine des Réalisateurs (qui le prima d’ailleurs) qui avait tant ému les festivaliers, de même que les festivaliers deauvillais, lors de sa projection au Festival du Cinéma Américain de Deauville suite à l’obtention du prix Michel d’Ornano décerné à son scénario. Si le César du meilleur premier film était mérité, j'avoue que j'aurais préféré que celui du meilleur film revienne au "Passé" d'Asghar Farhadi. Un film qui est néanmoins avant tout une déclaration d’amour fou  à la mère  de Guillaume Gallienne -qu'il n'a d'ailleurs pas oubliée dans ses remerciements- (quel personnage qu’il interprète d’ailleurs aussi !) et aux femmes dont il aime et scrute jusqu’à la respiration, mais aussi aux mots, avec lesquels il jongle admirablement, et au théâtre, qui libère, et même au cinéma avec les codes duquel il s’amuse ici. Même s’il lorgne parfois du côté d’Almodovar, Woody Allen ou de Wilder (avec une réplique finale comme un écho à son « nobody’s perfect »), ce film peut difficilement être plus personnel tout en étant universel et il faut sans aucun doute une tonne de talent et de sensibilité pour transformer son mal être en film burlesque, en ce rafraichissant plaidoyer pour la différence (qui n’est jamais militant), en film aussi atypique, inclassable que celui qui en est l’auteur et l’acteur. Un grand auteur et un très grand acteur. Et une comédie tendre et caustique qui mérite indéniablement ces nombreuses nominations.

    Je regrette donc l'absence  au palmarès du "Passé" d'Asghar Farhadi mais aussi de "Elle s'en va" d'Emmanuelle Bercot (que je persiste et signe à qualifier de film de l'année 2013). Le premier, malgré ses 5 nominations, est reparti bredouille. Il aurait (notamment) mérité le César du meilleur scénario (qui a été attribué à Albert Dupontel pour "9 mois ferme") pour son extrême sensibilité et sa  précision rare et parce qu’il donne au spectateur un vrai rôle  et parce qu’il reflète si bien l’absurdité et la complexité de l’existence. C’est là toute la force du « Passé », d’une justesse fascinante et rare, dont le dernier plan nous laisse astucieusement interrogatifs, et émus, enfin. Bérénice Béjo qui avait reçu le prix d'interprétation à Cannes pour ce film n'aura pas réussi le doublé "Cannes-César", le César de la meilleure actrice était revenue à Sandrine Kiberlain pour "9 mois ferme". 

    Quant à « Elle s’en va » d’Emmanuelle Bercot, il s'agit d' un magnifique portrait de femme sublimant l’actrice qui l’incarne en la montrant paradoxalement plus naturelle que jamais, sans artifices, énergique et lumineuse, terriblement vivante surtout.  C’est aussi une bouffée d’air frais et d’optimisme qui montre que soixante ans ou plus peut être l’âge de tous les possibles, celui d’un nouveau départ. En plus d’être tendre (parfois caustique mais jamais cynique ou cruel grâce à la subtilité de l’écriture d’Emmanuelle Bercot et le jeu nuancé de Catherine Deneuve), drôle et émouvant, « Elle s’en va »  montre que , à tout âge, tout peut se (re)construire, y compris une famille et un nouvel amour.  « Elle s’en va » est de ces films dont vous ressortez émus et le sourire aux lèvres avec l’envie d’embrasser la vie . Un bonheur ! Et un bonheur rare.

    Rien non plus pour « Grand Central » de Rebecca Zlotowski   avec une seule nomination (pour Olivier Gourmet comme meilleur second rôle), un film qui, à la fois nous emporte par la beauté de ses personnages, leur rudesse tendre, la radieuse force des sentiments (amitié, amour) qui les unit … et qui nous glace d’effroi en nous montrant les conditions de travail de ceux qui risquent chaque jour leur vie dans l’une des 19 centrales nucléaires françaises.

    C'est à Niels Arestrup qu'a été attribué le César du meilleur second rôle masculin, un troisième César pour cet acteur qui dévore l'écran, une nouvelle fois magistral dans le désopilant (et clairvoyant) film de Bertrand Tavernier dont ce fut malheureusement cette année le seul César.

    Je regrette également l'absence au palmarès de  Marisa Borini dans le très beau et mésestimé « Un château en Italie » de Valeria Bruni Tedeschi qui est un film riche de son humour noir, de sa fantaisie salutaire qui permet d’affronter cette histoire de deuils ( de l’enfance, du passé, des personnes aimées, de certains rêves et espoirs), comme un exutoire aux nôtres. Un film vibrant, vivant, lucide, cruel, drôle, tendre, plein de charme, parsemé d’instants de grâce. Un film tourbillonnant qui ne rentre pas dans les codes, singulier, qui mêle le burlesque, la tragédie et l’amour de la vie. Un film où l’amour et le rire dansent constamment avec la mort et les larmes. La lucidité et la cruauté finalement comme un masque pudique sur la douleur. Un film plein de vie qui s’achève en mêlant la beauté légère et joyeuse d’un nouvel élan et la cruauté douloureuse et déchirante d’un déracinement. Un film qui fait du bien, et que je vous recommande.

    Contre toute attente le César du meilleur réalisateur a été décerné à Roman Polanski pour "La Vénus à la fourrure" qui avait récolté  sept nominations. Voilà qui est aussi mérité pour ce film qui n'est certes pas le meilleur Polanski mais un film d’une réjouissante insolence qui est aussi un ping-pong sémantique jubilatoire, et un double-jeu habile, ludique et cruel, qui repose sur  la frontière trouble et troublante entre fiction et réalité grâce au talent d’un réalisateur plus manipulateur et donc plus cynique que jamais.

    Malgré sa Palme d’or, et sans doute en raison de la polémique sur les conditions de tournage, le film de Kechiche (absent de la cérémonie mais que celle-ci n'a pas épargné avec un petit film mordant ) qui partait favori (de même que ses actrices) déjà lauréat pour  « L’Esquive » en 2004 et « La Graine et le Mulet » en 2008, n'est reparti qu'avec un seul César: celui du meilleur espoir féminin pour adèle Exarchopoulos dont je vois mal comment il aurait pu lui échapper. « Amour » d’Haneke l’an passé avait pourtant  réussi à obtenir les deux récompenses suprêmes, palme d’or et César.  Un film qui n’en reste pas moins singulier, coup de cœur, coup de poing au cœur, un film qui,  comme tout grand film, ne peut pas laisser indifférent. Comment, en effet, pourrait-on rester indifférent devant un film qui respire autant le souffle de la vie avec tout ce qu’elle comprend de beauté et cruauté, déchirantes ? Qui pourrait rester indifférent devant un film qui décrit si bien l’embrasement, sublime, d’un amour puis son extinction, terrifiante ?

    Le César du meilleur acteur a été attribué à  Guillaume Gallienne: LA révélation de cette année 2013. Il interprète ainsi le rôle de sa mère, aimante (trop ou mal peut-être), sachant rester élégante tout en étant vulgaire, masquant sa tendresse derrière un air revêche et des paroles (fra)cassantes, mais parce qu’il joue aussi son propre rôle… à tous les âges ! Avec un talent tel qu’on oublie d’ailleurs rapidement et totalement qu’il n’a pas l’âge du personnage. La magie du cinéma. Et le talent d’un grand acteur, à tel point qu’il en devient follement séduisant malgré son allure parfois improbable. Face à lui se trouvait notamment  le partenaire d’Emmanuelle Seigner dans « La Vénus à la fourrure« , Mathieu Amalric qui est ici un double de Polanski (la ressemblance est troublante et évidemment pas innocente) un peu velléitaire, se laissant bientôt dominer, damner, devenant totalement désinhibé, et objet dans les mains de sa créature devenue créateur. Etait également nommé Fabrice Luchini dans « Alceste à bicylette » et  Michel Bouquet, épatant Renoir dans le film éponyme qui a déjà obtenu deux fois le César notamment pour sa formidable interprétation de Mitterrand dans « Le Promeneur du champ de Mars ».

    Il ne serait pas étonnant que Guillaume Gallienne soit à nouveau nommé en 2015 pour "Yves Saint Laurent". Son partenaire dans « Yves Saint Laurent », Pierre Niney, n’était en revanche pas nommé pour la comédie « 20 ans d’écart », une comédie pleine de clichés (au propre et au figuré, le seul film avec l'acteur que je n'ai pas aimé, mise à part sa remarquable performance) qu’il éclaire néanmoins, une prestation pour laquelle il aurait mérité d’être nommé. Sans nul doute, il sera nommé pour les César 2015 pour « Yves Saint Laurent » de Jalil Lespert dont je prends déjà le pari qu’il l’obtiendra. Sa prestation aux César 2014 a sans aucun doute été la plus réussie et drôle de cette édition.  J'avais eu le plaisir de l'interviewer pour "J'aime regarder les filles", ici. Il se murmure même qu'il serait lecteur de ce blog...mais chut...

    Le César d'honneur a été attribué à Scarlett Johansson par Quentin Tarantino qui a souligné l'honneur que représentait un César dans le pays de la cinéphilie. A cette occasion, retrouvez 3 critiques de films avec Scarlett Johansson dont le chef d'œuvre "Match point" de Woody Allen, en cliquant ici. Ce César a été beaucoup critiqué en raison de son jeune âge mais l'actrice a débuté très jeune et a quand même quelques chefs d'œuvre à son actif.

    Enfin, une pensée pour les disparus de l'année, notamment Patrice Chéreau à qui l'affiche des César 2014 rendait hommage mais aussi Valérie Benguigui que j'avais vue, étincelante, l'an passé, en salle presse.

     

    cesar2014.jpg

    cesar2013 010.JPG

    Et enfin, on termine par quelques photos entre amis avant de partir épiloguer jusqu'au bout de la nuit sur cette belle soirée  et le palmarès...

    cesar900.JPGcesar901.JPG

    cesar902.JPGcesar907.jpg 

     

     

    Palmarès Officiel CÉSAR 2014

    Meilleure Actrice

    Sandrine Kiberlain dans 9 MOIS FERME

    Meilleur Acteur

    Guillaume Gallienne dans LES GARÇONS ET GUILLAUME, À TABLE !

    Meilleure Actrice dans un Second Rôle

    Adèle Haenel dans SUZANNE

    Meilleur Acteur dans un Second Rôle

    Niels Arestrup dans QUAI D’ORSAY

    Meilleur Espoir Féminin

    Adèle Exarchopoulos dans LA VIE D’ADÈLE CHAPITRES 1 & 2

    Meilleur Espoir Masculin

    Pierre Deladonchamps dans L’INCONNU DU LAC

    Meilleur Scénario Original

    Albert Dupontel pour 9 MOIS FERME

    Meilleure Adaptation

    Guillaume Gallienne pour LES GARÇONS ET GUILLAUME, À TABLE !

    Meilleure Musique Originale

    Martin Wheeler pour MICHAEL KOHLHAAS

    Meilleur Son

    Jean-Pierre Duret / Jean Mallet / Mélissa Petitjean pour MICHAEL KOHLHAAS

    Meilleure Photo

    Thomas Hardmeier

    pour L’EXTRAVAGANT VOYAGE DU JEUNE ET PRODIGIEUX T.S. SPIVET 

    Meilleur Montage

    Valérie Deseine pour LES GARÇONS ET GUILLAUME, À TABLE !

    Meilleurs Costumes

    Pascaline Chavanne pour RENOIR

    Meilleurs Décors

    Stéphane Rozenbaum pour L’ÉCUME DES JOURS

    Meilleur Réalisateur

    Roman Polanski pour LA VÉNUS À LA FOURRURE

    Meilleur Film de Court Métrage

    AVANT QUE DE TOUT PERDRE réalisé par Xavier Legrand 

    Meilleur Film d’Animation

    MADEMOISELLE KIKI ET LES MONTPARNOS (Court Métrage) réalisé par Amélie Harrault

    LOULOU L’INCROYABLE SECRET (Long Métrage) réalisé par Eric Omond

    Meilleur Film Documentaire

    SUR LE CHEMIN DE L’ÉCOLE réalisé par Pascal Plisson

    Meilleur Premier Film

    LES GARÇONS ET GUILLAUME, À TABLE ! réalisé par Guillaume Gallienne

    Meilleur Film Étranger

    ALABAMA MONROE réalisé par Félix Van Groeningen

    Meilleur Film

    LES GARÇONS ET GUILLAUME, À TABLE ! produit par Edouard Weil / Cyril Colbeau-Justin / Jean-Baptiste Dupont réalisé par Guillaume Gallienne

    César d’Honneur 

    Scarlett Johansson

    Critiques des films nommés:

    « Les Garçons et Guillaume, à table! » de Guillaume Gallienne

    « La Vénus à la fourrure » de Roman Polanski

    « Le Passé » d’Asghar Farhadi

    « Elle s’en va d’Emmanuelle Bercot

    « Grand Central » de Rebecca Zlotowski

    « Renoir » de Gilles Bourdos

    « Un château en Italie » de Valeria Bruni Tedeschi

    « Blue Jasmine » de Woody Allen

    « Django unchained » de Quentin Tarantino

    « Gravity » d’Alfonso Cuaron

    Mes articles sur les éditions précédentes :

    CESAR (2005 à 2009)

    César 2014: les nominations complètes

    Meilleure Actrice

    Fanny Ardant
      Les beaux jours
    Bérénice Bejo
      Le Passé
    Catherine Deneuve
      Elle s’en va
    Sara Forestier
      Suzanne
    Sandrine Kiberlain
      9 mois ferme
    Emmanuelle Seigner
      La Vénus à la fourrure
    Léa Seydoux
      La vie d’Adèle Chapitres 1 & 2

    Meilleur Acteur

    Mathieu Amalric
      La Vénus à la fourrure
    Michel Bouquet
      Renoir
    Albert Dupontel
      9 mois ferme
    Grégory Gadebois
      Mon âme par toi guérie
    Gallienne Guillaume
      Les Garçons et Guillaume, à table !
    Fabrice Luchini
      Alceste à bicyclette
    Mikkelsen Mads
      Michael Kohlhaas

    Meilleure Actrice dans un Second Rôle

    Borini Marisa
      Un Château en Italie
    Françoise Fabian
      Les Garçons et Guillaume, à table !
    Gayet Julie
      Quai d’Orsay
    Adèle Haenel
      Suzanne
    Géraldine Pailhas
      Jeune & Jolie

    Meilleur Acteur dans un Second Rôle

    Niels Arestrup
      Quai d’Orsay
    Patrick Chesnais
      Les beaux jours
    D’Assumçao Patrick
      L’inconnu du lac
    François Damiens
      Suzanne
    Olivier Gourmet
      Grand Central

    Meilleur Espoir Féminin

    de Laâge Lou
      Jappeloup
    Pauline Etienne
      La Religieuse
    Exarchopoulos Adèle
      La vie d’Adèle Chapitres 1 & 2
    Farahani Golshifteh
      Syngué sabour – Pierre de patience
    Vacth Marine
      Jeune & Jolie

    Meilleur Espoir Masculin

    Bartel Paul
      Les Petits Princes
    Deladonchamps Pierre
      L’inconnu du lac
    Hamy Paul
      Suzanne
    Vincent Macaigne
      La fille du 14 juillet
    Schiffman Nemo
      Elle s’en va

    Meilleur Scénario Original

    Albert Dupontel
      9 mois ferme
    le Guay Philippe
      Alceste à bicyclette
    Alain Guiraudie
      L’inconnu du lac
    Asghar Farhadi
      Le Passé
    Quillévéré Katell Désert Mariette
      Suzanne

    Meilleure Adaptation

    Gallienne Guillaume
      Les Garçons et Guillaume, à table !
    Arnaud Desplechin Peyr Julie Jones Kent
      JIMMY P. (Psychothérapie d’un Indien des Plaines)
    Baudry Antonin Bertrand Tavernier Blain Christophe
      Quai d’Orsay
    Roman Polanski Ives David
      La Vénus à la fourrure
    Abdellatif Kechiche Ghalya Lacroix
      La vie d’Adèle Chapitres 1 & 2

    Meilleure Musique Originale

    Arriagada Jorge
      Alceste à bicyclette
    Dury Loïk Minck Christophe « Disco »
      Casse-tête chinois
    Charry Etienne
      L’Écume des jours
    Wheeler Martin
      Michael Kohlhaas
    Alexandre Desplat
      La Vénus à la fourrure

    Meilleur Son

    Marc-Antoine Beldent Loïc Prian Olivier Dô Hùu
      Les Garçons et Guillaume, à table !
    Grivel Philippe Vidal Nathalie
      L’inconnu du lac
    Jean-Pierre Duret Mallet Jean Petitjean Mélissa
      Michael Kohlhaas
    Balibar Lucien Nadine Muse Cyril Holtz
      La Vénus à la fourrure
    Chenevoy Jérôme Pochet Fabien Jean-Paul Hurier
      La vie d’Adèle Chapitres 1 & 2

    Meilleure Photo

    Hardmeier Thomas
      L’extravagant voyage du jeune et prodigieux T.S. Spivet
    Mathon Claire
      L’inconnu du lac
    Jeanne Lapoirie
      Michael Kohlhaas
    Ping Bing Lee Mark
      Renoir
    El Fani Sofian
      La vie d’Adèle Chapitres 1 & 2

    Meilleur Montage

    Pinel Christophe
      9 mois ferme
    Deseine Valérie
      Les Garçons et Guillaume, à table !
    Hym Jean-Christophe
      L’inconnu du lac
    Juliette Welfling
      Le Passé
    Camille Toubkis Lastera Albertine Lengellé Jean-Marie
      La vie d’Adèle Chapitres 1 & 2

    Meilleurs Costumes

    Fontaine Florence
      L’Écume des jours
    Madeline Fontaine
      L’extravagant voyage du jeune et prodigieux T.S. Spivet
    Olivier Bériot
      Les Garçons et Guillaume, à table !
    Diener Anina
      Michael Kohlhaas
    Pascaline Chavanne
      Renoir

    Meilleurs Décors

    Rozenbaum Stéphane
      L’Écume des jours
    Aline Bonetto
      L’extravagant voyage du jeune et prodigieux T.S. Spivet
    Sylvie Olivé
      Les Garçons et Guillaume, à table !
    Arlaud Yan
      Michael Kohlhaas
    Barouh Benoît
      Renoir

    Meilleur Réalisateur

    Albert Dupontel
      9 mois ferme
    Gallienne Guillaume
      Les Garçons et Guillaume, à table !
    Alain Guiraudie
      L’inconnu du lac
    Arnaud Desplechin
      JIMMY P. (Psychothérapie d’un Indien des Plaines)
    Asghar Farhadi
      Le Passé
    Roman Polanski
      La Vénus à la fourrure
    Abdellatif Kechiche
      La vie d’Adèle Chapitres 1 & 2

    Meilleur Film de Court Métrage

    Avant que de tout perdre
      réalisé par Legrand Xavier produit par Alexandre Gavras
    Bambi
      réalisé par Sébastien Lifshitz produit par Mirabello Carole
    La fugue
      produit par de Blignières Valentine réalisé par Marlin Jean-Bernard
    Les Lézards
      réalisé par Mariette Vincent produit par Ovise Amaury
    Marseille la nuit
      réalisé par Monge Marie produit par Haguenauer Sébastien

    Meilleur Film d’Animation

    Aya de Yopougon
      produit par Antoine Delesvaux, Joann Sfar, Oubrerie Clément réalisé par Abouet Marguerite, Oubrerie Clément
    Lettres de femmes
      produit par Hus Gilbert, Malka Charles, Camilli Luc, Deluze Dominique réalisé par Zanovello Augusto
    Loulou l’incroyable secret
      réalisé par Omond Eric produit par Valérie Schermann, Christophe Jankovic
    Ma maman est en Amérique, elle a rencontré Buffalo Bill
      réalisé par Boréal Marc, Chatel Thibaut produit par Galliot Guillaume, Chatel Thibaut
    Mademoiselle Kiki et les Montparnos
      réalisé par Harrault Amélie produit par Serge Elissalde, Catherin Olivier

    Meilleur Film Documentaire

    Comment j’ai détesté les maths
      réalisé par Peyon Olivier produit par Petit Laurence, Carole Scotta, Bruno Nahon
    Le dernier des injustes
      produit par David Frenkel, Labadie Jean réalisé par Claude Lanzmann
    Il était une forêt
      réalisé par Luc Jacquet produit par Darondeau Yves, Lioud Christophe, Priou Emmanuel
    La maison de la radio
      réalisé par Nicolas Philibert produit par Serge Lalou
    Sur le chemin de l’école
      réalisé par Plisson Pascal produit par Fougea Barthélémy

    Meilleur Premier Film

    La Bataille de Solférino
      produit par Chaumet Emmanuel réalisé par Triet Justine
    La Cage Dorée
      réalisé par Alves Ruben produit par Hugo Gélin, Laetitia Galitzine, Danièle Delorme
    En solitaire
      produit par Dumas Sidonie, Cottin Jean, Taïeb Laurent réalisé par Christophe Offenstein
    La fille du 14 juillet
      réalisé par Peretjatko Antonin produit par Chaumet Emmanuel
    Les Garçons et Guillaume, à table !
      produit par Edouard Weil, Colbeau-Justin Cyril, Dupont Jean-Baptiste réalisé par Gallienne Guillaume

    Meilleur Film Étranger

    Alabama Monroe
      distribution France BODEGA FILMS réalisé par Van Groeningen Félix
    Blancanieves
      coproduction France NOODLES PRODUCTION (Jérôme Vidal) réalisé par Berger Pablo
    Blue Jasmine
      distribution France MARS DISTRIBUTION réalisé par Woody Allen
    Dead Man Talking
      réalisé par Ridremont Patrick
        coproduction France SUPERPROD (Jérémie Fajner, Clément Calvet)
    Django Unchained
      distribution France SONY PICTURES RELEASING FRANCE réalisé par Quentin Tarantino
    La Grande Bellezza
      réalisé par Sorrentino Paolo coproduction France BABE FILMS (Fabio Conversi)
    Gravity
      distribution France WARNER BROS réalisé par Cuarón Alfonso

    Meilleur Film

    9 mois ferme
      réalisé par Albert Dupontel produit par Bozorgan Catherine
    Les Garçons et Guillaume, à table !
      produit par Edouard Weil, Colbeau-Justin Cyril, Dupont Jean-Baptiste réalisé par Gallienne Guillaume
    L’inconnu du lac
      réalisé par Alain Guiraudie produit par Pialat Sylvie
    JIMMY P. (Psychothérapie d’un Indien des Plaines)
      produit par Pascal Caucheteux, Grégoire Sorlat réalisé par Arnaud Desplechin
    Le Passé
      produit par Mallet-Guy Alexandre réalisé par Asghar Farhadi
    La Vénus à la fourrure
      réalisé par Roman Polanski produit par Robert Benmussa, Alain Sarde
    La vie d’Adèle Chapitres 1 & 2
      produit par Abdellatif Kechiche, Maraval Vincent, Chioua Brahim réalisé par Abdellatif Kechiche