Lors de la conférence de presse cannoise du film Le grand bain, à laquelle j’avais eu le plaisir d’assister en mai dernier, régnait une indéniable fébrilité, celle-ci succédant à la projection presse (le film était hors compétition) qui avait suscité émotions et enthousiasme (ce qui est rare en projection presse, a fortiori à Cannes, a fortiori pour une comédie française même si cette définition est un peu étriquée pour ce film aux multiples facettes).

Dans le cadre de cette conférence, Gilles Lellouche déclara que c’était sa « plus belle expérience professionnelle ». Elle l’est sans doute d’autant plus avec le box-office qui vient de dépasser les 4 millions d’entrées (et la perspective, qui sait, du César du public, décerné au film français de l’année ayant remporté le plus d’entrées que certains voyaient déjà à nouveau remporté par Dany Boon). Si les spectateurs sont au rendez-vous, c’est d’abord parce que Le grand bain n’est pas seulement drôle.  « J'aimais l'idée qu'on puisse être léger, drôle et dramatique dans le même film. J'aimais l'idée de mixité de talents et de tons », avait ainsi également déclaré Gilles Lellouche à Cannes. C’est aussi sans doute parce que si nous rions, ce n’est pas des personnages mais AVEC eux et parce que ces personnages suscitent notre empathie, que les spectateurs sont si nombreux à voir et même à retourner voir Le grand bain, mais pas seulement…

Ces personnages, ce sont : Bertrand (Mathieu Amalric), Marcus (Benoît Poelvoorde), Simon (Jean-Hugues Anglade), Laurent (Guillaume Canet), Thierry (Philippe Katerine), Basile (Alban Ivanov), Avanish (Balasingham Tamilchelvan), John (Félix Moati). Ils s’entraînent sous l’autorité toute relative de Delphine (Virginie Effira), ancienne gloire des bassins qui a dû abandonner, suite à une blessure de sa coéquipière Amanda (Leïla Bekhti). Ensemble, ils se sentent libres et utiles. Ils vont mettre toute leur énergie dans une discipline jusque-là propriété de la gent féminine : la natation synchronisée. Alors, oui c’est une idée plutôt bizarre, mais ce défi leur permettra de trouver un sens à leur vie...

Après Narco qu'il avait co-réalisé avec Tristan Aurouet en 2004 et dans lequel il dirigeait déjà Guillaume Canet, et après le sketch de la comédie Les Infidèles avec Guillaume Canet en 2012, Gilles Lellouche revient à la réalisation avec Le grand bain qui est d’une certaine manière son premier « vrai » film puisque Narco était un film de commande coréalisé.

En premier lieu, si le spectateur rit avec les personnages, c’est parce qu’il peut facilement s’identifier. Les personnages ne sont pas de jeunes super-héros bodybuildés qui franchissent tous les obstacles et les vicissitudes de l’existence avec une facilité déconcertante et un sourire extatique. Non. Ce sont des hommes dans la force de l’âge, pétris de doutes et d’inquiétudes qui, dans les vestiaires, dévoilent leurs fêlures et leurs bleus à l’âme. Bertrand est ainsi en pleine dépression. Simon est un rockeur démodé qui ne connaîtra jamais le succès attendu et dont la fille a honte. Marcus est au bord de sa énième faillite. Laurent dissimule ses problèmes (séparation et mère psychologiquement malade) derrière sa colère et son sectarisme. Le lunaire Thierry est tellement seul qu’il rit aux blagues des tables avoisinantes lorsqu’il déjeune (seul). Les femmes ne sont pas en reste puisque Delphine lutte contre l’alcoolisme et se noie dans un amour imaginaire après s’être noyé dans l’alcool. Finalement la moins « handicapée » par l’existence est peut-être celle qui est en chaise roulante et qui ne sait parler autrement qu’en aboyant ses ordres, ses insultes et en entraînant son équipe telle une tortionnaire. Et puis il y a Claire (Marina Foïs), l’épouse de Bertrand, compréhensive, d’une patience admirable, loin du cliché de la femme qui s’en va au premier accident de parcours. « J'avais envie de féminiser les hommes, de les fragiliser », avait ainsi déclaré Gilles Lellouche lors de la conférence de presse cannoise. Ou peut-être simplement les montrer dans toute leur humanité… Dans cet univers cloisonné qui n’appartient qu’à eux, ils peuvent se livrer tels qu’ils sont.

Le film débute par une réflexion métaphysique sur la vanité et l’absurdité de l’existence dont la fin du film sera l’optimiste contraire. Une ouverture aussi désenchantée que poétique et originale, une « politesse du désespoir » qui, d’emblée, nous embarque dans le ton du film. Le ton, justement, est donné par le personnage de Bertrand, Amalric particulièrement touchant et juste en homme dépressif qui a perdu le goût des choses et des rêves qu’il va retrouver grâce à son improbable équipe de natation synchronisée et leur objectif un peu fou : participer aux championnats du monde.

Le succès s’explique sans doute aussi par la valorisation de l’amitié qui permet d’échapper à la solitude (dont le sentiment est sans doute exacerbé par une époque d’individualisme forcené), à l’inquiétude face au temps qui passe et à la mélancolie. « Je voulais parler de cette dépression latente qu'on a un certain âge avec un manque d'envie. Je voulais parler de gens qui ne vont pas bien », avait ainsi expliqué Gilles Lellouche à Cannes.  Gilles Lellouche filme (de manière d’ailleurs soignée et inspirée) ses personnages avec beaucoup de tendresse. Chacun met son corps et son âme à nu, les deux meurtris, imparfaits, ayant vécu, pas des gravures de mode figés et insipides. Evidemment l’équipe sportive locale (bodybuildée, elle) se moque allègrement de cette équipe de bras cassés. Evidemment ils auront leur revanche, jubilatoire pour eux…et pour nous.

Les acteurs sont pour beaucoup dans cette réussite avec, en tête de file, Amalric mais chacun trouve la note juste pour interpréter sa partition et les dialogues, d’ailleurs ciselés et savoureux : Katerine est parfait en grand enfant décalé et lunaire, Anglade -remarquable- dans son rôle de père chanteur démodé rempli de bonne volonté et d’amour pour sa fille, Canet dans ses colères à la Gabin… Seul léger regret, qu’existent un peu moins Alban Ivanov et Balasingham Thamilchelvan dont c’est le premier rôle au cinéma, avec un gag récurrent (parler dans sa langue seulement comprise de ses acolytes, galimatias pour le téléspectateur, mais langue universelle de la gentillesse). Malgré tout, ce qui est toujours une gageure dans un film choral, chacun des personnages existe réellement, chacun exprime les raisons de sa ravageuse solitude.

La fin est un vrai modèle de feel good movie, du genre à vous donner envie de rire et de pleurer en même temps, de battre la mesure, de danser avec les personnages (j’allais oublier de souligner la judicieuse bande originale indissociable de tout feel good movie), d’empoigner la vie, votre destin et vos rêves. Du genre à vous faire penser qu’on peut affronter des accidents de la vie, accepter d’en être brisé, blessé, de s’en relever sans que ce soit un challenge, ou une obligation, du genre à vous rappeler qu’il n’est jamais trop tard pour plonger dans le grand bain, pour penser qu’un nouveau départ ensoleillé est toujours possible, quels que soient votre âge, vos rêves déchus et vos blessures. Du genre à vous dire que le pouvoir du cinéma est sacrément magique quand il parvient à cela, que Gilles Lellouche est un cinéaste avec lequel il va falloir compter (dont je suis vraiment curieuse de voir la suite du parcours après cette success-story sur l’écran et dans les salles, méritée).

Et puis, rien que pour me donner l’envie de relire ce chef-d’œuvre de Rilke qu’est Lettres à un jeune poète, Le grand bain valait la peine de se déplacer. Alors terminons avec cet extrait que Delphine lit à ses élèves nageurs, et acceptons encore, comme des enfants que nous sommes toujours au fond un peu, d’être tristes et heureux :

 « Les enfants sont toujours comme l'enfant que vous fûtes : tristes et heureux ; et si vous pensez à votre enfance, vous revivez parmi eux, parmi les enfants secrets. Les grandes personnes ne sont rien, leur dignité ne répond à rien. »

Quelques clichés complémentaires de la conférence de presse :

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Dans le cadre du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule était projeté en avant-première Sauver ou périr, le deuxième long métrage de Frédéric Tellier après L’affaire SK1. Dans les deux cas, il s’agit de scénarii ciselés, dans les deux cas des portraits d’hommes engagés corps et âme dans leur profession et confrontés au pire, dans les deux cas, il s'agit d'une plongée dans des univers criants de vérité, portés et incarnés par des acteurs qui le sont tout autant.

 Dans L'affaire SK1, Franck Magne (Raphaël Personnaz), jeune inspecteur, fait ainsi ses premiers pas dans la police judiciaire et se retrouve à enquêter sur des meurtres sordides. Dans Sauver ou périr, Franck (Pierre Niney) est Sapeur-Pompier de Paris.  Il vit dans la caserne avec sa femme Cécile (Anaïs Demoustier) qui accouche de jumelles. Il est heureux et aime son métier qui, chaque jour, pourtant, le confronte à l’indicible. Il n’en sort jamais tout à fait indemne mais il est porté par sa vocation, et l’envie de sauver les autres. Il en oublierait presque qu'il n'est pas invincible, que personne ne l'est. Lors d’une intervention sur un incendie, il se sacrifie pour sauver ses hommes. A son réveil dans un centre de traitement des Grands Brûlés, il comprend que son visage a fondu dans les flammes. Il va devoir réapprendre à vivre, et accepter d’être sauvé à son tour.

Le jury du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule présidé par Catherine Jacob a récompensé Sauver ou périr du prix de la meilleure musique pour Christophe La Pinta et du prix du meilleur film (à l'unanimité !), sans doute le début d’une longue série de récompenses. Pierre Niney a également reçu le prix d’interprétation au Grand Prix Cinéma Elle France. Le silence, respectueux et ému, qui a succédé à la projection (avant les applaudissements) et même les réactions publiques de certains membres du jury malgré leur devoir de silence en disent long sur le trouble qui s'est emparé de la salle. La reconnaissance aussi. Envers ce film qui nous montre et rappelle l’essentiel. Envers ceux qui se dévouent aux autres. Envers ceux qui tombent, tout en bas, et se relèvent.

 Difficile en effet de ne pas être bouleversée par ce film poignant, par ce mélodrame subtile qui est un sublime hommage aux combattants du feu, à leur dévouement et leur courage, mais surtout plus largement aux combattants de la vie, aux naufragés de la vie dont l’existence a basculé du jour au lendemain suite à un traumatisme, à un deuil, à une maladie, quand la vie continue à s’écouler tranquille et nonchalante pour les autres alors qu'eux, les naufragés, se retrouvent ainsi enfermés dans une prison de l’âme. C’est aussi un hommage à ceux qui les accompagnent, "à celles et ceux qui trouvent la force de se relever et de tout réinventer", des victimes collatérales dont le monde bascule aussi en un instant.  Où puiser la force de se retrouver quand on est soudain à nu face à soi-même, prisonnier de son corps, surtout pour un pompier dont le métier et l’identité étaient basés sur l’altruisme, sur l’action ? Comment se reconstruire quand il faut abandonner le métier qui a aidé à se construire ? Comment ne pas être sidérée d’admiration devant cet altruisme et cette vocation quand l’individualisme régit tant notre société ? Quelle maturité faut-il pour risquer sa vie pour tenter de sauver celle des autres, en sachant pertinemment le risque encouru quand, chaque lundi, ces hommes si jeunes et parfois juste majeurs rendent hommages aux "morts au feu" en égrenant chaque nom !

En partant d’un destin tragique et particulier, Frédéric Tellier a (co)écrit et réalisé un film universel en lequel pourront se reconnaître les blessés de la vie et y puiser de la force pour avancer malgré les cicatrices béantes (visibles ou invisibles), un film qui nous rappelle que "la vie c'est du sable" dont il faut savoir savoureux chaque grain, qui nous rappelle que les plaies de l’âme peuvent être guéries.

La caméra de Frédéric Tellier s’immisce au cœur du combat, contre le feu d’abord, contre la souffrance ensuite, jamais impudique mais toujours avec un souci de vérité. Un jeu sur les couleurs et la lumière traduit aussi savamment l’état d’esprit de Franck : la lumière bleutée et hypnotique le temps d’une danse, le temps du bonheur, les teintes grisâtres et froides de l’hôpital, la lumière mélancolique d’automne, la lumière irradiante lors du retour à la vie. La musique sobre, fragile et  intimiste de Christophe La Pinta (que cosigne Frédéric Tellier) sied parfaitement au sujet et accompagne : l’émotion sans jamais la forcer mais aussi le combat de Franck qui défie la souffrance et la mort (et "valse" même avec elle, sous la forme des masques inspirés de ceux de James Ensor). Frédéric Tellier s'immerge avec le même souci du détail dans l'univers des Sapeurs-Pompiers et des Grands Brûlés qu'il l'avait fait dans la brigade criminelle dans L'affaire SK1. Son cinéma ne se contente pas d'approximations pour dépeindre un univers, et cet engagement en fait aussi la force et la réussite.

De l'empathie à la souffrance à la renaissance, une fois de plus Pierre Niney s'implique corps et âme et avec intelligence dans ce rôle qu'il porte avec une conviction et un engagement admirables pour incarner et honorer ces héros qui sauvent, périssent et parfois renaissent comme il l'avait fait en apprenant le violon pour son rôle dans Frantz. Il a ainsi participé à la fameuse montée de planches, aux montées de cordes, au port du matériel, à l’entraînement quotidien. Il a aussi passé du temps avec les pompiers en interventions et on imagine aisément la profonde empreinte que doit laisser une telle expérience. Cela contribue sans aucun doute au réalisme mais aussi à l'humanité profonde et l’empathie que son personnage dégage et suscite. Ce dernier sait décidément choisir les rôles et personnages forts : Romain Gary, Yves Saint Laurent, Mathieu Vasseur, Frantz…  Anaïs Demoustier est tout aussi bouleversante en combattante de l'ombre, amoureuse, meurtrie. De leur couple se dégagent beaucoup de tendresse et une évidente alchimie. Vincent Rottiers est également parfait dans le rôle de l’ami démuni dont la sollicitude est pourtant rejetée. Sami Bajouila apporte beaucoup de douceur à son personnage de médecin et en est bouleversant dans un échange qui est une des scènes fortes du film, qui en dit long sur les différentes formes d'héroïsme auxquelles le film rend hommage.

Ce film marie les extrêmes. La force et la fragilité. La jeunesse de ces pompiers et la maturité dont ils témoignent. La bravoure de leurs actes et la discrétion dont ils font preuve. La vie et la mort.  « J’ai sauvé et j’ai péri », cette réplique de Franck, qui nous serre le coeur, résume toute la tragédie et la douleur, inouïes,  physique et morale, qu’il a traversées mais aussi le chemin qui lui reste à parcourir, la détresse qui l'étreint.

Ce film est à la fois magnifique et éprouvant comme un voyage en pleine tempête  dont, une fois traversée, on ressort éreinté mais heureux d'être vivant, et de retrouver la lumière pour se délecter de chaque rayon de soleil, de chaque étincelle de vie. Et nous rappeler cela est sans doute le pouvoir des grands  films.  C’est en tout cas celui de « Sauver ou périr » qui récoltera certainement (au moins) une nomination aux César pour l'acteur principal. Un film plein d’amour et d’espoir à voir absolument le 28 novembre pour se souvenir des belles choses, pour ne pas oublier la fragilité et la beauté de l’existence, et le courage de cette armée des ombres qui œuvre avec abnégation pour que le jour ne cède pas devant l’obscurité. Merci à eux. Merci à Frédéric Tellier d’avoir ainsi porté leurs voix silencieuses. Merci à Pierre Niney de leur rendre ce si bel hommage en s’étant autant impliqué dans ce rôle et ce personnage, un des plus marquants qu’il m’ait été donné de voir au cinéma… Bouleversant et nécessaire.  Comme une caresse bienveillante sur les blessures des âmes naufragées. Merci.

Sorti début octobre, présenté en clôture du doc corner du Festival de Cannes 2018 et, plus récemment, projeté dans le cadre du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule, 16 levers de soleil de Pierre-Emmanuel Le Goff sera présenté au Cinéville de Laval, le jeudi 13 décembre à  19H30, pour  une projection exceptionnelle en 4K, en présence du réalisateur. Cette projection dans ma ville natale est une excellente raison d’évoquer à nouveau ce film remarquable. 

Précisons tout d'abord que si le documentaire s’intitule poétiquement 16 levers de soleil, c’est parce que la station spatiale fait le tour de la terre en 1H30, soit 16 levers de soleil en 24H.

S'envoler pour l'espace : le rêve de tant d’êtres humains. C'est ce rêve que Thomas Pesquet a pu réaliser en décollant depuis la base de Baïkonour pour séjourner à bord de l’ISS (Station Spatiale Internationale), entre novembre 2016 et juin 2017, à 450 kilomètres de la Terre. Alors que, sous la station spatiale, les continents défilent à 28000 kilomètres heure (!), durant ces six mois où le monde semble basculer dans l’inconnu sous cet angle singulier, le réalisateur a eu la judicieuse idée de tisser un dialogue entre l'astronaute et l’œuvre visionnaire de Saint Exupéry que ce dernier a emportée dans la station spatiale, comme un trait d'union à travers l'espace-temps.

« L'avenir, tu n'as pas à le prévoir mais à le permettre. » Citadelle.  C’est par cette citation de Saint-Exupéry que débute ce documentaire qui, à l’image d’un livre du célèbre écrivain, aviateur et reporter (dont les mots accompagnent parfois les images comme une douce mélopée) nous emmène d’emblée dans son univers, nous emporte dans son fascinant voyage, dans cette aventure hors du commun. Un voyage  poétique, onirique, intemporel et universel mais aussi très réaliste. 

"Faire grandir les hommes par la force des rêves". Quel plus beau programme que celui-ci ?  Pierre-Emmanuel Le Goff, Thomas Pesquet et le reste de l'équipe ont ainsi commencé à travailler avant le décollage, pendant l’entraînement,  une phase importante de la vie d’un astronaute ( et non moins passionnante ! ) que nous avons rarement l'occasion de suivre. Après un entraînement intensif et près de cinquante heures passées à bord de l’habitacle exigu de la fusée Soyouz, Pesquet débute ainsi son séjour de plus de six mois au sein de la fameuse station internationale.

 Ce film est d’abord une prouesse technique puisque c’est le premier long-métrage réalisé dans l’espace à partir de prises de vues en résolution 6K. Le réalisateur Pierre-Emmanuel Le Goff, déjà auteur de plusieurs  reportages télévisés sur Thomas Pesquet lui a ainsi  confié une caméra haute définition 6K. Il y avait par ailleurs plusieurs types de caméra à bord mais aussi une GoPro 4K spécialement préparée pour la sortie extravéhiculaire qui nécessitait une préparation particulière pour résister à des températures extrêmes (de – 100 à + 150 degrés Celsius !). Jamais des caméras d’une telle qualité n’avaient été utilisées que ce soit dans la station spatiale ou pour filmer des sorties extravéhiculaires. N’oublions pas non plus que, d'une part, la  station spatiale tourne à 28 000 km/h et, d'autre part que l’intérieur était très sombre alors que la terre était très lumineuse et que le jeu sur les lumières était là aussi une prouesse.

C’est aussi une prouesse humaine au regard des journées chargées de Thomas Pesquet qui, en plus de ses expériences scientifiques, a réalisé ces prises de vue d’une beauté à couper le souffle, avec la volonté de partager au maximum et avec le plus grand nombre son expérience comme il l’a fait sur les réseaux sociaux pendant son extraordinaire périple. 

Thomas Pesquet ne filme pas seulement la terre vue du ciel mais aussi les scènes de la vie quotidienne qui n’ont, dans cet habitacle, plus rien de banal et en deviennent palpitantes. Tout à bord semble être devenu aventure ! Nous assistons ainsi aux repas de Thomas Pesquet et de ses co-équipiers (avec lesquels la complicité traverse l'écran), l’Américaine Peggy Whitson et le Russe Oleg Novitskiy. Nous le voyons aussi jouer au saxophone sous la coupole de la Station. Le compositeur de l'ensorcelante musique du documentaire Guillaume Perret a ainsi imaginé un morceau que l’astronaute a interprété à bord de l’ISS avec son propre saxophone (son instrument fétiche) amené par un cargo spatial. Le temps d'une chanson ou d'échanges avec la terre, l'expression "le temps suspend son vol" n'a jamais été aussi parlante.

Le travail sur le son est également impressionnant. Parfois la bande sonore rappelle l'actualité (la  montée de la tension entre la Corée du Nord et les Etats-Unis  ou le non-respect de l'accord sur le climat) et la vitesse carnassière à laquelle ce monde-là tourne alors que, paradoxalement, de là-haut, la terre, majestueuse, irréelle, semble trompeusement paisible. Inoffensive face à la folie des hommes. Fragile aussi et surtout face à tous ces périls qui la menacent. Les sons parfois inquétants semblent être la complainte de cette terre qui crie, en vain, sa souffrance dans le silence.   Le montage a duré sept mois. Les repères temporels sont peu nombreux, donnés parfois par l'actualité qui résonne si étrangement vue de là-haut, ce qui rend le film encore plus intemporel et universel, et nous procure la sensation de pénètrer dans un univers parallèle. Même les déambulations en apesanteur dans la station spatiale sont fascinantes, comme une danse  aérienne dans un dédale exigu. 

Ce documentaire (qui est d'ailleurs plus que cela : une expérience) est souvent contemplatif et enchanteur, parfois oppressant tant nous avons l'impression d'y être lors de scènes absolument incroyables qu'aucune fiction ne pourrait rendre aussi captivantes (puisque par définition nous savons qu'elles appartiennent à la fiction) comme lorsque Thomas Pesquet sort en scaphandre et filme ses pieds avec notre planète 450 kilomètres plus bas (la sensation de vide, d'infini, est vertigineuse et éblouissante)  sans oublier le décollage et l’atterrissage  du Soyouz au retour filmés de l’intérieur (le calme et la maîtrise de chaque geste de Pesquet et son confrère sont particulièrement impressionnants). Nous retenons littéralement notre souffle. J'ai d'ailleurs eu l'impression de retenir mon souffle du début à la fin du film, comme hypnotisée par un éblouissement perpétuel.

 Plus qu'un documentaire, 16 levers de soleil est en effet une véritable expérience cinématographique à voir et vivre absolument. Je vous invite à suivre Thomas Pesquet dans son voyage (spatial et intérieur) six mois à bord de la Station Spatiale Internationale au rythme envoûtant des pensées de  Saint-Exupéry et du saxophone de Guillaume Perret.  Un instant hors du temps, dans une autre dimension, là où s'observent et se vivent 16 levers du soleil par jour (sidérants de beauté), là où le temps semble arrêter sa course folle.  Après 1H58, vous en ressortirez comme en apesanteur, avec un étrange sentiment de plénitude et aussi l'envie exacerbée de protéger cette planète, somptueusement fragile.  C'est mieux encore que Gravity ou Interstellar (lequel n'en est pas moins un voyage inoubliable aux confins de la galaxie, de la mort et de l’imaginaire que je vous recommande vivement et dont vous pouvez retrouver ma critique, ici), sans doute parce que la réalité confère à ce que nous voyons une dimension supplémentaire, un supplément d’âme. (Au passage, vous découvrirez aussi une belle référence au monolithe de 2001, Odyssée de l'espace).

"Faites que le rêve dévore votre vie afin que la vie ne dévore pas votre rêve" écrivait aussi Saint-Exupéry. Encore une phrase qu'aurait pu prononcer Thomas Pesquet. Un rêve que ce documentaire captivant, sensoriel et intime, nous permet de partager pendant 2h. C'est inestimable alors ne vous en privez pas ! Prenez votre ticket pour le rêve et pour l'espace : vous ne le regretterez pas !

Ce film a reçu le prix d'Ornano-Valenti du dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville dont vous pouvez retrouver mon compte rendu, ici.

Synopsis : Odette a huit ans, elle aime danser et dessiner. Pourquoi se méfierait-elle d’un ami de ses parents qui lui propose de « jouer aux chatouilles » ? Adulte, Odette danse sa colère, libère sa parole et embrasse la vie…

Ce film, à l’image de son titre qui illustre normalement un jeu enfantin, « joue » constamment avec le dispositif cinématographique recourant au théâtre et à la danse pour exprimer l’indicible. Les Chatouilles est l’adaptation cinématographique du spectacle de théâtre et de danse imaginé par la chorégraphe et comédienne Andréa Bescond avec le metteur en scène Eric Métayer, d’après sa propre histoire. Celle d’une petite fille de huit ans qui joue dans sa chambre, insouciante et tranquille, quand un ami de la famille, celui que tout le monde trouve si affable, lui demande si elle veut « des chatouilles ». Ainsi nomme-t-il ce qui sera le début de viols répétés et réguliers. Malgré la poésie et l’humour qui jalonnent ce film, le spectateur devient un témoin révolté et silencieux espérant qu’un jour un adulte découvrira l’horrible vérité. Mais la petite fille devra attendre d’être devenue une adulte pour que la vérité soit révélée, lorsqu’elle parviendra enfin à parler grâce à une psy avec laquelle elle rembobine le fil de sa vie, et de cette tragédie qui l’a brisée, de ce traumatisme enfoui, qu’elle tentera d’abord de noyer dans la drogue, l’alcool et les rencontres d’un soir. De belles idées de mise en scène permettent d’insuffler de la fantaisie dans la noirceur, le récit n’en est pas moins fort et bouleversant. Au contraire. Quand les mots rendent impossible l’expression de l’horreur, de l’impensable, reste la danse (dont elle fera son métier), salutaire, qui permet d’exprimer la détresse et la rage contenues, les soubresauts de ce corps meurtri. Autour d’elle, outre le violeur (incarné par Deladonchamps tétanisant avec sa fausse bonhomie), le père aimant et bienveillant (Clovis Cornillac), le seul qui demandera pardon, la mère cassante et glaçante ( incarnée par Karin Viard, toujours aussi remarquable, sur les épaules de laquelle on imagine aussi peser un lourd passé) qui, même une fois la vérité révélée, au lieu de se révolter contre l’agresseur et d’entourer sa fille d’amour préfèrera lui reprocher, obsédée par ce que « diront les gens », l’ami (Gringe), et l’amoureux Lenny (remarquable Grégory Montel). Ce film est aussi lumineux et solaire que la réalité de l’héroïne est sombre et brutale. La fin est bouleversante parce qu’elle montre que la lumière peut se trouver au bout du tunnel. Si cela a autant bouleversé les festivaliers de Deauville qui ont réservé une retentissante standing ovation à l’équipe, c’est sans doute aussi parce que cette possibilité d’une résilience touche les victimes de toutes sortes de blessures intimes et de traumatismes.

Chaque année, depuis sa première édition, je vous parle avec enthousiasme de ce Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule dont ce sera le cinquième anniversaire, du  6 au 11 novembre 2018, avec un programme qui s'annonce d'ores et déjà particulièrement alléchant.

Du 7 au 11 novembre, vous pourrez me suivre en direct du festival sur twitter (@Sandra_Meziere) et instagram (@sandra_meziere). Comme chaque année, vous pourrez bien sûr également retrouver un compte rendu très détaillé après celui-ci.

Avant d'évoquer en détails cette édition 2018, avec, 43 films projetés sur 6 jours :

 - 19 longs métrages en avant-premières ou inédits, dont 7 en Compétition

 - 13 longs métrages « Classics » ou déjà sortis en salle

- 11 courts métrages en Compétition et

- 5 courts métrages « Jeunes talents Adami »

 + - 4 master class - 1 rencontre avec les compositeurs

je vous propose, ci-dessous, de retrouver mes bilans détaillés des éditions précédentes :

Compte rendu du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule 2017

Compte rendu du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule 2014

Compte rendu du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule 2015

Compte rendu du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule 2016.

Ce festival a été créé en 2014  par Sam Bobino ( qui  a aussi notamment à son actif  d’être délégué général de la Semaine du Cinéma Positif) et par le cinéaste Christophe Barratier.  Cet évènement cinématographique et musical  a lieu dans le décor idyllique de La Baule, entre la plus belle plage du monde bordée de ses célèbres pins, ses palaces mythiques, la majestueuse salle Atlantia et le cinéma le Gulf Stream.

Ce festival est d'ailleurs le cadre de l’une des 16 nouvelles de mon recueil sur le cinéma  Les illusions parallèles ( publié par les Editions du 38 et réédité cette semaine avec une nouvelle couverture).

Cette année, le thème du festival sera « le Cinéma et la Mer ». Il rendra hommage à Eric Serra, le compositeur des films de Luc Besson. En effet, cette année correspond au 30ème anniversaire du film mythique Le Grand Bleu. A travers le thème de la mer à l'honneur cette année et avec cet hommage,  ce sont donc les océans et l'Aventure des mers avec un grand "A", celle des pirates et des navigateurs intrépides, qui seront à l’honneur. Pour illustrer ce thème, c’est l’artiste Sébastien Dupouey (déjà à l’origine des deux précédentes affiches du festival), qui a réalisé cette nouvelle affiche qui met en avant « le grand bleu » avec une tortue des mers en voie de disparition, comme celle qu’on a pu apercevoir récemment dans la baie de La Baule. Le thème du « Cinéma et de la Mer » a aussi pour objectif de sensibiliser le public et surtout les plus jeunes, sur la nécessité de préserver les océans et sa faune. En raison de l’actualité, les femmes et les droits des femmes, ont été particulièrement mis en avant cette année. Les organisateurs du festival, Christophe Barratier et Sam Bobino, ont souhaité  aussi rendre hommage, à leur manière, à toutes ces femmes courageuses, de par le monde, en choisissant comme principal personnage de leur affiche, une femme.  Cette femme-sirène est vêtue d’une tenue écarlate, qui n’est pas sans rappeler les tenues glamour des galas et des tapis rouges souvent associés au cinéma. Les deux personnages de l’affiche vont de l’obscurité des abysses vers la lumière de la surface, à l’image des spectateurs dans les salles de cinéma, attirés par la luminosité de l’écran. Enfin, un clin d’œil est fait à la victoire de l’équipe de France de football lors de la Coupe du Monde, puisque l’affiche arbore fièrement les couleurs tricolores. 

Éric Serra donnera un concert à l'occasion de la soirée de clôture du Festival le samedi 10 novembre, au Palais des Congrès Atlantia de La Baule.

Autre événement , en préouverture du Festival : Depardieu chantera Barbara le 3 novembre 2018. Le samedi 3 novembre à 20 h au Palais des Congrès Atlantia à La Baule, Gérard Depardieu et Gérard Daguerre (pianiste de Barbara) feront revivre les textes sublimes de Barbara sur scène. Un spectacle grandiose servi par un Gérard Depardieu émouvant et particulièrement talentueux. Le Festival lui remettra un Ibis d'Or pour l'ensemble de sa carrière. Gérard Depardieu, véritable monstre sacré du cinéma, viendra exceptionnellement à La Baule pour nous faire revivre les sublimes textes de Barbara. Une heure trente de bonheur que les deux artistes partageront avec le public de La Baule, en pré-ouverture du 5ème Festival du Cinéma et Musique de Film. Un concert qui s’annonce inoubliable, à ne manquer sous aucun prétexte 

Réservations au 02 40 11 51 51 ou sur : billeterie.atlantia-labaule.com

Vous pourrez également profiter du concert UK on the Rocks - Voyage au cœur du rock britannique

 Très haute en couleurs, l'ouverture du festival, en présence de l'ensemble du jury et de nombreux invités, démarrera en effet avec le concert « décoiffant » de UK on the Rocks.  Inspirée de l’histoire réelle de Radio Caroline (radio pirate des années 60), qui elle-même a inspiré le film Good Morning England, UK On The Rocks et son DJ Mister Wood vous embarquent au cœur d’une radio pirate britannique avec une véritable émission en direct en guise de spectacle scénique. Un grand voyage musical, des années soixante à nos jours, des Kinks à Muse en passant par Les Beatles, The Rolling Stones, Police, Pink Floyd, U2, The Cure ou Blur… Deux heures de concert où s’entrechoquent les hits des plus grands groupes de rock britannique de tous les temps ! Et cette année, un hommage sera rendu, tout particulièrement, au groupe Queen à l'occasion de la sortie en salle du biopic consacré à Freddie Mercury, Bohemian Rhapsody. 

 Concert « UK on the Rocks »  & Cérémonie d’Ouverture du Festival, Mardi 6 novembre 2018 à 20h30 au Palais des Congrès Atlantia

  Réservations au 02 40 11 51 51 ou sur : billeterie.atlantia-labaule.com

Autre hommage, à Jacques Perrin, avec la projection de son film Océan, suivie d'une Master Class ouverte au public.

Fanny Ardant et Michael Lonsdale seront également honorés. Ils recevront  un Ibis d'Or pour l'ensemble de leur carrière lors de la cérémonie de clôture le samedi 10 novembre.

L'hommage à Fanny Ardant : peut-être l'occasion de revoir le sublime film de François Truffaut La femme d'à côté dont est extraite la photo ci-dessus et dont vous pouvez retrouver ma critique, ici ?

 Cette année 11 Ibis seront décernés. 7 pour les films longs et courts en compétition et 4 qui récompenseront des personnalités emblématiques du cinéma et de la musique de film pour l’ensemble de leur carrière.
 

- Ibis d’Or du Meilleur Film

- Ibis d’Or de la Meilleure Musique de Film

- Ibis d’Or du Meilleur Scénario

- Ibis d’Or du Meilleur Acteur

- Ibis d’Or de la Meilleure Actrice 

- Ibis d’Or Prix du Public  - Groupe Barrière

- Ibis d’Or du Meilleur Court Métrage  - AG2R LA MONDIALE  

Ibis d’Or d’Honneur : Gérard Depardieu 

Ibis d’Or d’Honneur : Eric Serra

  Ibis d’Or d’Honneur : Jacques Perrin 

Ibis d’Or d’Honneur : Michael Lonsdale

 Le jury sera présidé par la comédienne Catherine Jacob et composé de :

Mathieu LAMBOLEY (compositeur) 

Audrey FLEUROT (comédienne) 

Philippe KELLY  (compositeur)

Axelle LAFFONT (comédienne)

Alex JAFFRAY (compositeur, producteur, journaliste)

Ils auront la passionnante tâche de visionner et départager les 7 FILMS EN COMPETITION suivants :

1. « Remi sans famille », comédie dramatique de Antoine Blossier, avec Daniel Auteuil, Jacques Perrin, Jonathan Zaccaï, Ludivine Sagnier, Virginie Ledoyen / musique de Romaric Laurence (Date de sortie 12 décembre 2018)

 Les aventures du jeune Rémi, orphelin recueilli par la douce Madame Barberin. A l’âge de 10 ans, il est arraché à sa mère adoptive et confié au Signor Vitalis, un mystérieux musicien ambulant. A ses côtés, il va apprendre la rude vie de saltimbanque et à chanter pour gagner son pain. Accompagné du fidèle chien Capi et du petit singe Joli-Cœur, son long voyage à travers la France, fait de rencontres, d’amitiés et d’entraide, le mène au secret de ses origines…

2. « Sauver ou périr », drame de Frédéric Tellier avec Pierre Niney, Anaïs Demoustier, Vincent Rottiers / Musique de Christophe Lapinta (Fr.) (date de sortie : 28 novembre 2018)

 Franck est Sapeur-Pompier de Paris. Il sauve des gens. Il vit dans la caserne avec sa femme qui accouche de jumelles. Il est heureux. Lors d’une intervention sur un incendie, il se sacrifie pour sauver ses hommes. A son réveil dans un centre de traitement des Grands Brûlés, il comprend que son visage a fondu dans les flammes. Il va devoir réapprendre à vivre, et accepter d’être sauvé à son tour.

«3.  A 2 heures de Paris », comédie de Virginie Verrier, avec Erika Sainte, Fred Testot, Shirley Bousquet, Thierry Frémont / musique de Dr(Dr)one  (Fr.)  (date de sortie 2018)

 Sidonie, une jeune hôtesse de l’air d’une trentenaine d’années, élève seule sa fille de 15 ans, Lolo, née de père inconnu. Pour satisfaire la curiosité grandissante de l'ado sur ses origines, Sidonie l'embarque dans sa région natale, en Baie de Somme, à la recherche des pères potentiels. Le but du voyage : glaner sur chacun de ces messieurs un utile cheveu pour un test ADN de paternité. Ils sont cinq : un garagiste mélancolique, un artiste/peintre playboy décati, une ancienne gloire du foot local, un patron de boite de nuit et un médecin de campagne volage... Cinq hommes, cinq souvenirs, cinq confrontations avec son passé.

4. « Amare, Amaro », drame de Julien Paolini, avec Syrus Shahidi / musique de Pasquale Filasto (Italie / Fr.) (sans date de sortie)

Gaetano a décidé qu'il allait enterrer son défunt frère au près des siens coûte que coûte, quitte à braver les lois de son village sicilien et se mettre en danger lui et sa famille.

5. « Au bout des doigts », comédie de Ludovic Bernard, avec Lambert Wilson, Kristin ScottThomas / Musique de Harry Aallouche  (Fr.) (date de sortie 26 décembre 2018) 

 La musique est le secret de Mathieu Malinski, un sujet dont il n’ose pas parler dans sa banlieue où il traîne avec ses potes. Alors qu’un des petits cambriolages qu’il fait avec ces derniers le mène aux portes de la prison, Pierre Geitner, directeur du Conservatoire National Supérieur de Musique l’en sort en échange d’heures d’intérêt général. Mais Pierre a une toute autre idée en tête… Il a décelé en Mathieu un futur très grand pianiste qu’il inscrit au concours national de piano. Mathieu entre dans un nouveau monde dont il ignore les codes, suit les cours de l’intransigeante « Comtesse » et rencontre Anna dont il tombe amoureux. Pour réussir ce concours pour lequel tous jouent leur destin, Mathieu, Pierre et la Comtesse devront apprendre à dépasser leurs préjugés…

6. 

7. 

Le festival vous permettra aussi de découvrir des AVANT-PREMIERES HORS-COMPETITION (ou inédits, récents)

« Ma mère est folle », de Diane Kurys, avec Fanny Ardant, Vianney, Patrick Chesnais / Musique de Paolo Buenvino (Fr.)  (date de sortie : 5 décembre 2018)  - Première projection mondiale -

 Nina est une mère un peu folle, Baptiste un fils un peu trop sage. Fâchés depuis longtemps ils se retrouvent pour l’aventure de leur vie. Au cours d’un voyage improbable, drôle et émouvant, ils vont rattraper le temps perdu, apprendre à se connaître enfin et s’aimer à nouveau.

« Les invisibles », de Louis Julien-Petit, avec Audrey Lamy, Corinne Masiero / musique de Laurent Perez del Mar  (Fr.) (Date de sortie : 9 janvier 2019)

 Suite à une décision municipale, l’Envol, centre d’accueil pour femmes SDF, va fermer. Il ne reste plus que trois mois aux travailleuses sociales pour réinsérer coûte que coûte les femmes dont elles s’occupent : falsifications, pistons, mensonges… Désormais, tout est permis !

« Chacun pour tous » comédie de Vianney Lebasque, avec Ahmed Sylla, Jean-Pierre Darroussin, Camélia Jordana, Olivier Barthelemy, Esteban / Musique de Audrey Ismalel & Bastien Burger (Fr.) (Date de sortie : 7 novembre 2018)

 Martin, coach de l’équipe française de basketteurs déficients mentaux, est au pied du mur. En pleine préparation des Jeux Paralympiques, ses meilleurs joueurs viennent de le laisser tomber. Refusant de perdre la subvention qui est vitale pour sa fédération, il décide de tricher pour participer coûte que coûte à la compétition. Il complète son effectif par des joueurs valides, dont Stan et Pippo, deux trentenaires désœuvrés. Même Julia, la psychologue de la fédération, ne s’aperçoit pas de la supercherie. En s’envolant pour Sydney, Martin est loin d’imaginer le mélange explosif qu’il vient de créer.

« Alien Crystal Palace », thriller musical de Arielle Dombasle, avec Josephine de la Baume, Nicolas Ker, Jean-Pierre Léaud  / Musique de Nicolas Ker (Fr.) (sans date de sortie)

 Une tragédie musicale...

« Sharkwater Extinction », documentaire de Rob Stewart / musique de Johnathan Goldsmith  (USA) (sans date de sortie)  -  Première projection en Europe -

 Ce documentaire, qui fait suite aux Seigneurs de la mer / Sharkwater, traite de la relation entre l'Homme et le plus grand prédateur de la planète, le requin. Et comment notre peur des requins et notre complaisance de consommateurs a a autorisé le massacre des requins, transformés en rouge à lèvres, crèmes, aliments pour animaux, nourriture, fertilisant et même des sandwichs.

« 16 levers de soleil », documentaire de Pierre-Emmanuel Le Goff, avec Thomas Pesquet  (Fr.) (octobre 2018) 

 S'envoler pour l'espace. C'est ce rêve que Thomas Pesquet a réalisé en décollant depuis la base de Baïkonour. A 450 kilomètres de la Terre, durant ces six mois où le monde semble basculer dans l’inconnu, un dialogue se tisse entre l'astronaute et l’œuvre visionnaire de Saint Exupéry qu’il a emportée dans la station spatiale

« Les goûts et les couleurs », comédie de Myriam Aziza, avec Catherine Jacob (Fr.) (2018 / inédit au cinéma) 

 Simone est en couple avec Claire depuis trois ans, mais elle n'en a jamais parlé à sa famille. Entre sa mère folle, son père traditionaliste et ses deux frères qui essaient toujours de lui faire rencontrer des hommes, il est difficile pour Simone de vivre ouvertement. Les choses se compliquent encore lorsqu'elle tombe amoureuse du chef sénégalais Wali, en partie grâce à ses talents de cuisinier. Partagée entre Claire, Wali et sa famille, Simone devra faire des choix difficiles.

« L’homme dauphin – sur les traces de Jacques Mayol », documentaire de Lefteris Charitos, avec la voix de Jean-Marc Barr, musique de Mathieu Lamboley (sortie 2018)

 En 1988, sort le Grand Bleu, un film qui s’inspire de l’histoire de Jacques Mayol. Ce plongeur en apnée jusque-là quasi inconnu, devient soudain une star internationale. Son histoire a influencé toute une génération de jeunes gens dans leur manière d’appréhender la mer. Un voyage sur les traces de cet amoureux de la mer, pour découvrir ce que fût sa vie et quel héritage a laissé derrière lui cet homme qui fut le premier à descendre à 100 mètres de profondeur en plongée libre.

« Mary et la fleur de la sorcière », film d’animation de Hiromasa Yonabayashi (Japon) (2018)

 C'est l'été. Mary vient d’emménager chez sa grand-tante dans le village de Manoir Rouge. Dans la forêt voisine, elle découvre une fleur mystérieuse qui ne fleurit qu'une fois tous les 7 ans. On l'appelle la "fleur de la sorcière". Pour une nuit seulement, grâce à la fleur, Mary possèdera des pouvoirs magiques et pourra entrer à Endor, l’école la plus renommée dans le monde de la magie, qui s'élève au-dessus du ciel, au-delà des nuages. Le secret de la fleur de la sorcière se révèlera à elle petit à petit…

« Le Retour du héros » de Laurent Tirard, musique de Mathieu Lamboley (Fr.)

 « Monsieur et Madame Adelman » de Nicolas Bedos, musique de Philippe Kelly (Fr.)

 «  Milf » de Axelle Laffont (Fr.)

Vous pourrez également (re) voir des  films  "classiques" :       

« Les Aventures fantastiques » de Karel Zeman

 « Atlantis » de Luc Besson

« Subway » de Luc Besson

« L’Odyssée de Pi » de Ang Lee

« Faubourg 36 » de Christophe Barratier  (Spécial 10ème anniversaire)

« Moby Dick » de John Huston

« Maestro » de Léa Fazer

« Océans » de Jacques Perrin

 « Abyss » de James Cameron

 « Le Grand Bleu » de Luc Besson (version longue - Spécial 30ème anniversaire)

 Egalement au programme, des COURTS METRAGES EN COMPETITION : 

« ICARE » de Nicolas Boucart, Musique : Manu Roland (27’12)

« ORAGE PAR CIEL CLAIR » de Yohan Faure, Musique de Stéphane Lopez (20 )

“AMA” de Julie Gautier, Musique :  Ezio Bosso (6’40)

« LES JOUVENCELLES » de Delphine Corrard, avec Annie Cordy, Musique : Antoine  Duchene (20’)

 « DEUX MAINS » de Michaël Barocas, Musique : Jean-Michel Bernard (4’)

 « LENDEMAINS FUNEBRES » de Ambroise Michel, Musique : Mathieu Alvado (18’30)

 “LE SEPTIEME CONTINENT” de Noé Debré, avec Thomas Blumenthal (22’20)

 “HORS SAISON “ de Stella Di Tocco (20’46)

« LE CLUB » de Esteban (15’) 

“EPHEMERAL” de Pierre Watteyne (4’)

“EN TOUT BIEN TOUT HONNEUR” de Olivier Chavarot (20’) 

Le Festival de La Baule propose aussi de nombreuses MASTER CLASS ET RENCONTRES                    

Animées par Stéphane Lerouge, specialiste de la musique à l’image, les masterclass sont conçues comme des séances de réflexion et de vulgarisation, à destination du grand public. Extraits à l'appui, elles permettent aux invités d’évoquer les choix de leur parcours et, notamment aux cinéastes et compositeurs, de montrer comment un film s'écrit aussi par sa musique. 

 Michael Lonsdale Mercredi 7 novembre, 19h, Gulf-Stream

 Hommagé à l’ouverture du Festival, le grand Michael Lonsdale racontera comment il est parvenu à ajuster sa personnalité insolite à l’univers de cinéastes aussi différents que Jean-Pierre Mocky, Marguerite Duras, Orson Welles, Georges Lautner, Steven Spielberg, Xavier Beauvois. Une rencontre unique avec un monstre sacré de l’écran et de la scène, habité par la foi, celle de son métier et celle de Dieu. 

 Mathieu Lamboley Jeudi 8 novembre, 19h, Gulf-Stream

 Chaque année, le Festival met à l’honneur un jeune talent de la musique pour l’image : cette année, ce sera Mathieu Lamboley. Révélée par plusieurs comédies (Lolo, Toute première fois, Daddy cool), son écriture a touché un large public en 2018 avec le doublé Le Retour du héros de Laurent Tirard et le film d’animation Minuscule. Rencontre avec un compositeur qui représente l’émergence d’une nouvelle génération. 

Jacques Perrin Vendredi 9 novembre, 18h30, Gulf-Stream

 D’abord comme comédien, puis comme producteur, Jacques Perrin a fait des rencontres musicales essentielles : Ennio Morricone (sur Le Désert des Tartares qu’il produit ou Cinéma Paradiso), Mikis Theodorakis (qui met en musique Z et Etat de siège), ou encore Jacques Loussier. Son passage à la mise en scène scelle sa fraternité avec Bruno Coulais : il nous racontera quelle dimension supplémentaire la musique apporte à son triptyque de contes naturels : Le Peuple migrateur, Océans et Les Saisons. 

Eric Serra  Dimanche 11 novembre, 14h30, Gulf-Stream

 Le lendemain de son concert à Atlantia, Eric Serra évoquera sa démarche novatrice, comment il fait la synthèse de ses cultures pop, rock et jazz pour forger un langage propre à l’esthétique cinématographique de Luc Besson. Et qui sache également

Jacques Perrin Vendredi 9 novembre, 18h30, Gulf-Stream

 D’abord comme comédien, puis comme producteur, Jacques Perrin a fait des rencontres musicales essentielles : Ennio Morricone (sur Le Désert des Tartares qu’il produit ou Cinéma Paradiso), Mikis Theodorakis (qui met en musique Z et Etat de siège), ou encore Jacques Loussier. Son passage à la mise en scène scelle sa fraternité avec Bruno Coulais : il nous racontera quelle dimension supplémentaire la musique apporte à son triptyque de contes naturels : Le Peuple migrateur, Océans et Les Saisons. 

Eric Serra  Dimanche 11 novembre, 14h30, Gulf-Stream

 Le lendemain de son concert à Atlantia, Eric Serra évoquera sa démarche novatrice, comment il fait la synthèse de ses cultures pop, rock et jazz pour forger un langage propre à l’esthétique cinématographique de Luc Besson. Et qui sache également accompagner son évolution, du Dernier combat (1982) à Anna (2019). Il sera également question de ses collaborations avec Danièle Thompson, John McTiernan ou Martin Campbell sur GoldenEye, James Bond fondateur de l’ère Pierce Brosnan. 

+ Une Master Class spéciale « Scolaire » sera également organisée au LycéeCollège Grand Air de La Baule en présence de Eric Serra et animée également par Stéphane Lerouge, le Vendredi 9 novembre dans l’après-midi               

                                               RENCONTRE AVEC LES COMPOSITEURS

 Table ronde : « Compositeur de musique à l'image : une passion pour métier ». Les compositeurs lauréats des Prix UCMF 2018 et ceux présents durant le festival évoqueront leur parcours et partageront leur passion pour la musique à l’image. 

(Rencontre animée par Alex Jaffray, en partenariat avec l’UCMF et la SACEM) 

Compositeurs attendus :

 Christophe Julien (Compositeur, Prix UCMF catégorie Cinéma pour Au Revoir làhaut, d'Albert Dupontel)

 Rob (Compositeur, Prix UCMF catégorie Audiovisuel pour Un Ciel radieux, de Nicolas Boukhrief)

 Olivier Cussac (Compositeur, Prix UCMF catégorie Jeune Espoir pour Les As de la Jungle, de David Alaux)

 Mathieu Alvado (Compositeur, Prix UCMF catégorie Court-Métrage pour A song for the whales, de Lorenzo Fresta)

 Selma Mutal (Compositeur, Prix UCMF catégorie Nouveaux Média pour Block'Hood, jeu vidéo)

 Mathieu Lamboley (Compositeur, Le retour du héros, de Laurent Tirard)

 Philippe Kelly (Compositeur, Mr & Mrs Adelman, de Nicolas Bedos)

 Jean-Michel Bernard (Compositeur, Ni une, ni deux, de Anne Giafferi)

 Laurent Perez Del Mar (Compositeur, Les Invisibles, de Louis-Julien Petit)

Dimanche 11 novembre, 10h au Cinéma le Gulf Stream

En bonus, je vous propose mes articles détaillés sur deux établissements partenaires du Festival :

-Hôtel Barrière Le Royal La Baule : mon adresse coup de coeur

-Hôtel Barrière L'Hermitage à La Baule : mon avis

INFORMATIONS PRATIQUES

PASS FESTIVAL donnant accès à l’ensemble du Festival du 6 au 11 novembre (à l’exception des concerts, soirées d’ouverture et de remise des prix) disponible à partir du 27 octobre directement auprès du cinéma de La Baule Le Gulf Stream (Tél : 02 51 75 15 41). Tarifs: 49€ adulte, 30€ -25 ans, 20€ Pass journée (tarif unique), 15€ demandeur d’emploi (sur présentation de la carte), gratuit -14 ans (toutes les projections auront lieu au cinéma de La Baule le Gulf Stream)   CONCERT « DEPARDIEU CHANTE BARBARA », en pré-ouverture du Festival, le Samedi 03 novembre à 20h à Atlantia : Tarif : à partir de 89€ (Réservation Palais des congrès Atlantia au 02 40 11 51 51 ou http://billetterie.atlantia-labaule.com)

CONCERT « UK ON THE ROCKS » et Soirée d’ouverture du Festival, le Mardi 06 novembre à 20h30 à Atlantia : Tarif unique : 35€ (Réservation Palais des congrès Atlantia au 02 40 11 51 51 ou http://billetterie.atlantia-labaule.com)   CONCERT « ERIC SERRA » et Soirée de remise des prix du Festival, le Samedi 10 novembre à 19h30 à Atlantia : Tarif : à partir de 54€ (Réservation Palais des congrès Atlantia au 02 40 11 51 51 ou http://billetterie.atlantia-labaule.com)  

L’EXPOSITION « Des souvenirs pour mémoire »  du 01 au 13 novembre, tous les jours 14h19h, au centre culturel Chapelle Sainte-Anne (Place du Maréchal Leclerc, 44500 La Baule) – Entrée libre – 

LA RENCONTRE AVEC LES ARTISTES à la Halle du Marché de La Baule aura lieu le Dimanche 11 novembre 2018 de 11h30 à 12h30 – Accès libre -

Pour en savoir plus sur le Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule : 

http://www.festival-labaule.com/ 

J'ai le grand plaisir de vous annoncer que je fais partie des lauréats du concours d’écriture Nouveaux Talents des Éditions J'ai Lu (avec 9 voix sur 11) avec ma nouvelle Une bouteille à la mer.

Le concours, proposé à l'occasion des 60 ans des Editions J'ai Lu, consistait à écrire une nouvelle (comédie romantique contemporaine) de 50000 à 70000 signes (espaces non compris) sur le thème "Sur un malentendu". Je gagne ainsi une publication sous forme de recueil de nouvelles collectif au sein de Lj, nouveau label de comédies romantiques de la célèbre maison d'édition.

Les 11 lauréats du concours d’écriture Nouveaux Talents ont été choisis par un jury de professionnels de l’édition, sous la présidence de Gilles Legardinier.

J'espère que ce beau coup de projecteur vous donnera aussi envie de découvrir mes livres publiés par Les Éditions du 38, mon recueil de 16 nouvelles Les illusions parallèles et surtout mon roman L'amor dans l'âme.

Je partagerai bien sûr ici les étapes de cette magnifique aventure à laquelle je suis ravie de participer. À bientôt pour la suite et notamment pour la remise des prix !

En 2011, je découvrais ce qui était alors le nouveau festival deauvillais dédié à la création photographique :  Planche(s) contact.  J'avais été charmée par ce nouvel évènement auquel Deauville servait de magnifique écrin. N'ayant pas eu le plaisir d'y assister de nouveau depuis, un peu plus d'un mois après la fin du 44ème Festival du Cinéma Américain de Deauville (dont vous pouvez lire mon compte rendu détaillé, ici), il était temps de revenir à Deauville pour découvrir la belle évolution de ce festival qui célèbre déjà sa neuvième édition et, par la même occasion, de profiter d'un automne aux accents estivaux sous la belle lumière normande…

Ce rendez-vous résonne comme une évidence. Je ne connais pas d’endroits, ou si peu, dont la beauté soit aussi agréablement versatile, dont les couleurs et la luminosité lui procurent une telle hétérogénéité de visages. Deauville possède en effet mille visages. Loin de l’image de 21ème arrondissement de Paris à laquelle on tendrait à la réduire (qu’elle est aussi, certes), ce qui m’y enchante et ensorcelle se situe ailleurs : dans ce sentiment exaltant que procurent sa mélancolie étrangement éclatante et sa nostalgie paradoxalement joyeuse. Mélange finalement harmonieux de discrétion et de tonitruance. Tant de couleurs, de visages, de sentiments que j’éprouve la sensation de la redécouvrir à chaque fois. Le poids si doux et léger de tant de souvenirs engrangés en 26 années de Festival du Cinéma Américain et des années de Festival du Film Asiatique (dont je ne désespère pas qu'il revienne à Deauville…), aussi, sans doute. Je l'apprécie très tôt le matin, mystérieuse, presque déserte, qui émerge peu à peu des brumes et de l’obscurité nocturnes, dans une âpre luminosité qui se fait de plus en plus évidente, incontestable et enfin éblouissante. Ou le soir, quand le soleil décline et la teinte de couleurs rougeoyantes, d’un ciel incendiaire d’une beauté insaisissable et improbable et que je m’y laisse aller à des rêveries et des espoirs insensés. A l’image des êtres les plus intéressants, Deauville ne se découvre pas forcément au premier regard mais se mérite et se dévoile récompensant le promeneur de sa beauté incendiaire et ravageuse aux heures les plus solitaires, avec des couleurs aux frontières de l'abstraction, tantôt oniriques, tantôt presque inquiétantes.

Cette beauté mélancolique, quelqu’un qui a tant fait pour la renommée de Deauville (et réciproquement), l’a magnifiquement immortalisée. C’est Claude Lelouch (qui vient d'ailleurs de tourner la suite de Un homme et une femme à Deauville, une suite intitulée Les plus belles années dont je vous parlerai bientôt et qui sortira en 2019), qui, ainsi le 13 septembre 1965, désespéré,  roule alors vers Deauville où il arrive la nuit, épuisé. Réveillé le matin par le soleil, il voit une femme depuis sa voiture,  elle  marche sur la plage avec un enfant et un chien. Sa « curiosité est alors plus grande que la tristesse ». Il commence à imaginer ce que peut faire cette femme sur cette plage, avec son enfant, à cette heure matinale. Cela donnera Un homme et une femme, la rencontre de deux solitudes blessées qui prouve que les plus belles histoires sont les plus simples et que la marque du talent est de les rendre singulières et extraordinaires.

Cette beauté protéiforme a inspiré de multiples visions de Deauville, et c’était donc une idée particulièrement judicieuse de les mettre à l’honneur par la création d’un festival de la photographie initié en 2010. Ainsi, des  photographes ont séjourné en résidence à Deauville, des photographes de réputation internationale ou des espoirs sérieux. Ce principe de festival dédié à la création photographique et de ne présenter quasiment que des œuvres originales  a perduré depuis la première édition du festival et en constitue indéniablement l'attrait et la singularité.  Chacun a ainsi posé son regard, tendre, malicieux, acéré, sombre, coloré, mais toujours intéressant, dévoilant un de ces multiples visages de Deauville.

Comme l'a expliqué Philippe Normand, directeur artistique du festival, invité pour une carte blanche, Vincent Delerm a ainsi "composé en images ses visions et souvenirs de Deauville, une des plages de son enfance.  Il a ainsi investi et transformé la salle des fêtes en exposant ses photographies" et en invitant les photographes Pierre Cattoni (qui s'est intéressé au Deauville hors-saison avec son exposition A volets fermés) et Franck Hédin (qui s'est intéressé aux Elégantes de Deauville, photographies de femmes mûres à Deauville, en noir et blanc, dont il souligne la beauté éclatante de vie) à le rejoindre. Pour l'occasion, la salle  des fêtes a été rebaptisée Deauville est une fête, comme un contrepoint à la célèbre chanson de Delerm, Deauville sans Trintignant. Le chanteur explique avoir décidé d'emporter systématiquement avec lui un Minolta argentique à partir de 2008, "Pour garder la trace. Pour pouvoir mieux raconter après-coup "comment c'était."", "Certainement est-ce la seule chose qui m'intéresse vraiment, que ce soit en écrivant des chansons ou en photographiant : donner à voir, à ressentir la vie." a-t-il également précisé.

Sur la plage, vous pourrez profiter de l'exposition rétrospective 2018. Je vous conseille d'y aller à différentes heures de la journée, la belle luminosité changeante de Deauville la parant de couleurs différentes selon l'heure. Cette exposition sur la plage n'existait pas lors de mon précédent passage à Planche(s) contact en 2011 et c'est une formidable idée qui met particulièrement les œuvres (et la plage et ses célèbres planches) en valeur. Cette année, vous pourrez y admirer les photographies carrées de Roger Schall. Ces photos commandées pour le magazine VU nous plongent dans le Deauville des années 1934 à 1950 et, pour reprendre les termes de Philippe Normand "célèbrent, avant et après les premiers congés payés, l'énergie, la joie, l'élégance et la vigueur des corps avides de soleil, de sable et de bains de mer."

Dans la salle du Point de Vue, située aux abords des planches, vous pourrez admirer les somptueuses et éblouissantes photographies d'Isabelle Munoz qui, pour ce projet, a lié deux éléments fondateurs de Deauville : la mer et les chevaux.

Sur l'esplanade du CID, vous pourrez admirer les photographies de Yusuf Sevinçli qui, lui, réinvente Deauville avec une utlisation singulière de la couleur noire et notamment avec cette photo qui rappelle le célèbre "Cri" de Munsch.

A la Chatonnière, à côté de l'Hôtel de ville, ce sont les photographies de Liz Hingley qui sont à l'honneur. Photographe et anthropologue, elle a poussé les portes de deux foyers de Deauville qui se font face : la Crèche municipale et le Foyer pour personnes âgées. Les corps en devenir de la petite enfance face aux corps vieillissants.  Deux générations qui partagent des journées cadencées par les mêmes rendez-vous.

Enfin, vous pourrez vous arrêter devant les photos d'Isabelle Chapuis, celles de corps recouverts de sable qui évoquent des sculptures. 

13 artistes et autant de visages de  Deauville pour le "In" du festival qui privilégie les résidences de création et les commandes publiques.

Planche(s) contact, c'est aussi le off qui accueille chaque année une quinzaine d'expositions  photographiques produites par des photographes vivant une partie de l'année à Deauville, ou par des collectifs et associations de passionnés de photographies. Deauville reste bien sûr la thématique principale. Vous pourrez notamment admirer les photos de Nicolas Katz Essentielles dans l'ombre, Avenue de la République, le photographe rend hommage aux cavalières d'entrainement. De nombreux autres lieux emblématiques de Deauville comme l'office de tourisme accueillent aussi des expositions.

Le festival organise également deux concours. Le premier, dans la belle salle du Point de Vue, met à l'honneur cinq jeunes photographes sélectionnés pour le Tremplin Jeunes Talents 2018, des photographes qui ont été accueillis en résidence de création à Deauville (Alexandre Chamelat, Mireïa Ferron, Samuel Lebon, Guillaume Noury  et Hugo Vouhé). A travers leurs photos, ils explorent chacun à leur manière la ville de Deauville qu'ils ont découverte en résidence. Ils la réinventent et l'immortalisent avec leurs regards, tous singuliers. Je vous invite tout particulièrement à découvrir les photographies d'Alexandre Chamelat. Le traitement photographique prend une place particulièrement importante dans son travail. Sublimées par une lumière blanche immaculée, ses photos exaltent une véritable atmosphère. Très cinématographiques et colorées sont les photos de mon autre coup de cœur de ce tremplin Jeunes Talents, Hugo Vouhé. Sur ses photos qui sont de véritables mises en scène et qui nous plongent dans un univers et une histoire planent les ombres de Lynch, Wenders et Demy. La remise des prix du Tremplin Jeunes Talents et le Vernissage itinérant des expositions auront lieu  le samedi 27 octobre au Point de vue à partir de 17H. 

L’autre concours, La 25ème heure Longines, organisé autour de ce festival a connu, dès sa première édition, un joli succès, avec désormais environ 200 participants chaque année. Ce concours est ouvert à tous et il se déroule lors du Week-end d'inauguration du Festival Planche(s) Contact. Le principe : rendre réelle la virtuelle 25ème heure, le jour du passage à l’heure d’hiver, donner une heure aux photographes (souvent amateurs, sur simple inscription), de minuit à une heure du matin, pour fournir une photo, une seule, et donner leur vision de cette 25ème heure à Deauville. Bref, suspendre le vol du temps en l’immortalisant. Le sujet est libre. 

Le top départ est donné depuis la Villa le Cercle où se retrouvent tous les participants pour confirmer leur inscription (à partir de 22h).  Il est particulièrement amusant de voir des photographes arpenter Deauville à cette heure avancée et de les voir la photographier sous tous les angles, souvent inattendus.  La remise des prix aura lieu à la Villa Le Cercle à midi la dimanche 28 octobre. Je vous encourage vraiment à  participer ce samedi 27 octobre. L'ambiance est créative et conviviale et permet à chacun de poser son regard sur Deauville, et aussi de donner à découvrir la ville différemment...à l'image  de l'ensemble de ce festival que je vous encourage vivement à parcourir.

Les expositions sont ouvertes tous les jours du samedi 20 octobre au dimanche 4 novembre. Puis les samedis, dimanches et jours fériés jusqu'au 25 novembre. Horaires : 10H30 -13H et 14H30-19H. 

Pour en savoir plus : www.indeauville.fr (notamment pour en savoir plus sur les rencontres autour des fonds photographiques, stages photos, focus éducation à l'image, goûters photographiques, lectures de portfolios…).

En complément : 

Mon article/poème consacré à un concert de Vincent Delerm à La Cigale en 2006

Merci à la ville de Deauville pour l'invitation à découvrir ce festival en avant-première et merci à l'hôtel Barrière Le Royal de Deauville pour l'accueil exceptionnel. Retrouvez quelques photos de l'hôtel prises lors de ce dernier séjour ci-dessous et mon précèdent article consacré à l'hôtel Barrière Le Royal de Deauville, là.

Et merci au magazine Le 21ème arrondissement de novembre - hiver 2018 pour cet article :