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Par Sandra Mézière. Le 7ème art raconté avec passion depuis 2003. 4000 articles. Festivals de cinéma en direct : Deauville, La Baule, Cannes, Dinard...Critiques de films : avant-premières, à l'affiche, classiques. Actualité de romancière. Podcast.
Alors qu'un nouveau festival de cinéma se tiendra à Paris, sur les Champs Elysées, du 6 au 12 juin 2012 ( le Paris Film Festival), les Champs Elysées alors rebaptisées avenue du cinéma mettront déjà le 7ème art à l'honneur du 1er au 7 février.
7 grands films seront ainsi programmés avant leur sortie officielle. Accueil au champagne et diverses attentions sont réservées aux spectateurs privilégiés, aux tarifs habituels des places.
Ces séances auront lieu aux cinémas Balzac, Gaumont Ambassade et Marignan, Lincoln, Publicis, UGC Normandie et George V. Certains soirs, les équipes des films seront présentes. Tous les Champs-Élysées se rallient aux couleurs de l’événement Avenue du Cinéma : des menus et des cocktails « cinéma » dans les cafés-restaurants, apéritif offert sur présentation du ticket de l’avant-première du jour…
Parallèlement L’Atelier Renault, 53 avenue des Champs-Élysées, propose dans son espace « lounge » du 27 janvier au 27 février une exposition gratuite évoquant les grandes heures cinématographiques des Champs-Élysées.
Je vous laisse découvrir le programme ci-dessous et vous recommande d'ores et déjà "Une bouteille à la mer", un film à ne surtout pas manquer dont je vous reparlerai prochainement.
Programmation :
Mercredi 1er février : Zarafa, film d’animation français de Rémi Bezançon et Jean Christophe Lie, au Gaumont-Ambassade, 50 avenue des Champs-Élysées, à 14h.
Jeudi 2 février : Elena, film russe d’Andrei Ziaguintsev, avec Andrei Smirnov et Nadezhda Markina, au cinéma Lincoln, 5 rue Lincoln, à 20h.
Vendredi 3 février : Possessions, de Eric Guirado, avec Jérémie Renier, Lucien Jean- Baptiste, Julie Depardieu et Alexandra Lamy, à l’UGC George V, 50 avenue des Champs-Élysées, à 20h.
Samedi 4 février : Cendrillon 3D, Elle était une fois dans l’ouest, film d’animation avec la participation d’Antoine de Caunes et Yolande Moreau, au cinéma Publicis 133 avenue des Champs-Élysées, à 16h.
Dimanche 5 février : Une bouteille à la mer, de Thierry Binisti, d’après « une bouteille dans la mer de Gaza » de Valérie Zenatti, avec Agathe Bonitzert, Mahmoud Shalaby, Hiam Abbass, au Balzac, 1 rue Balzac, à 20h15.
Lundi 6 février : Star Wars 3D, de George Lucas, épisode 1- La Menace Fantôme, au cinéma UGC Normandie, à 20h.
Mardi 7 février : La Vie d’une Autre, de Sylvie Testud avec Juliette Binoche, Mathieu Kassovitz, François Berléand, au cinéma Gaumont Marignan à 20h.
Achat des billets comme pour une séance normale.
Se présenter 30 minutes avant l’horaire de l’Avant-Première.
Après l'annonce de ses 10 nominations aux Oscars, hier, après une pluie de récompenses qui a commencé avec le prix d'interprétation à Cannes pour Jean Dujardin, "The Artist" ressort aujourd'hui en salles, en France, sur 289 copies. Je vous recommande à nouveau vivement ce film, un de mes coups de coeur de 2011 dont vous pouvez retrouver la critique en cliquant ici.
« Poupoupidou » est le second long métrage de Gérald Hustache-Mathieu, 4 ans après « Avril ».
David Rousseau (Jean-Paul Rouve) est l’auteur de romans policiers aux titres à son image, burlesques et improbables, et à l’image du lieu où il se rend pour toucher un héritage : Mouthe. Enfin, ce sont surtout les températures qui y sont burlesques et improbables puisque c’est le village le plus froid de France. En guise d’héritage, il va uniquement récolter un chien empaillé, en revanche il va y trouver l’inspiration pour son prochain roman. Le jour de son arrivée, on découvre en effet le corps de Candice Lecoeur (Sophie Quinton), l’effigie blonde du fromage Belle du Jura, star locale persuadée d’être la réincarnation de Marylin Monroe. La gendarmerie a conclu à un suicide. David Rousseau n’y croit pas et va enquêter. Il va alors trouver à Mouthe bien plus qu’un sujet de roman...
Beaucoup d’éléments m’ont enchantée dans ce « Poupoupidou », et en premier lieu le fait qu’il soit délicieusement à contre-courant. A contre-courant, parce qu’il ne considère pas que le monde s’arrête aux frontières du périphérique parisien. La première bonne idée est en effet d’avoir situé l’intrigue à Mouthe, d’abord pour l’élément dramatique que constitue le froid polaire qui y règne mais aussi pour le décor à la fois familier et inhabituel, sorte d’ailleurs proche et lointain qui brouille nos repères. Gérald Hustache-Mathieu regarde la province avec une tendresse lucide jamais condescendante mais non moins drôle.
A contre-courant ensuite parce qu’il appartient à plusieurs genres, là où le cinéma français cherche de plus en plus à construire des films concepts réductibles à un slogan en guise de pitch (comme celui-ci, par exemple), Poupoupidou appartient à plusieurs genres et crée ainsi le sien propre que nous pourrions qualifier de policier burlesque et romantique.
A contre-courant par l’originalité de la construction scénaristique également puisque s’enchevêtrent plusieurs points de vue, celui de Candice à travers son journal et celui de David Rousseau, celui du vivant et de la défunte sans que jamais cela devienne morbide mais au contraire onirique, leurs deux voix se faisant ainsi poétiquement, tantôt humoristiquement ou tragiquement écho.
A contre-courant enfin parce que son réalisateur est un incorrigible romantique dont il a dit hier soir qu’il devrait s’en guérir. Surtout qu’il ne change rien. D’ailleurs amusant qu’un romantique cherche à se guérir quand des cyniques ne cherchent qu’à s’en enorgueillir (faîtes un tour sur twitter, cela vous en donnera une idée...) En passant, j’ai été plutôt admirative de l’énergie déployée par Gérald Hustache-Mathieu hier soir pour défendre son film face à une salle qui en termes d’empathie me semblait être à peu près l’équivalent de celle des César (c’est dire…)
A contre-courant pour le casting. Gérald Hustache-Mathieu n’a pas choisi des acteurs « bankable » mais son choix n’en était que plus judicieux. Sophie Quinton présente cette sensualité, cette tristesse, cette gaieté joliment feinte de Marylin sans jamais la singer. Et Jean-Paul Rouve adopte un jeu tantôt touchant, tantôt décalé confirmant son César du meilleur espoir masculin pour son rôle de collabo dans « Monsieur Batignole » et qu’il peut tout jouer. Ils incarnent l’un et l’autre des personnages à qui la confiance en eux fait défaut et qui ont besoin de s’identifier à ce fameux mythe américain, l’un à une actrice, l’autre à un romancier. Ces deux-la étaient faits pour se rencontrer. Et c’est la magie du cinéma et de l’écriture scénaristique que de permettre qu’ils le fassent par-delà la mort.
Plus que l’intrigue policière, c’est finalement le portrait de ces êtres qui rêvent d’ailleurs, (personnages principaux et secondaires croqués par petites touches mais non moins présents), antihéros fascinés par le mythe américain dont le film tout entier est imprégné, hommage au mythe Marylin et au mythe en général. Plus que l’enquête du véritable meurtrier de Candice c’est finalement celle qui consiste à établir le parallèle avec la vie de Norma Jean/Marylin (comme un 5 omniprésent qui rappelle sa célèbre réponse à une question d’un journaliste), désirée et presque toujours mal aimée et incomprise, qui donne au film ce ton à la fois ludique et nostalgique. Gérald Hustache-Mathieu déjoue les apparences et se joue des apparences avec humour et sensibilité.
Poupoupidou n’emprunte pas seulement son titre à Marylin : on retrouve son mélange de fragilité, de gravité et de légèreté et ce petit plus indéfinissable qu’on appelle la grâce et qui vous fera oublier le temps qui passe. Un polar tendrement drôle et décalé, une histoire d’amour posthume burlesque joliment inclassable portée par le souci du détail de son réalisateur, une bande originale ensorcelante, et deux acteurs aussi touchants que drôles avec en toile de fond la beauté tragique du mythe.
Les nominations pour la 84ème cérémonie des Oscars viennent de tomber, à Los Angeles.
Comme les Golden Globes le laissaient espérer, ce sont pas moins de dix nominations pour "The Artist" (dont meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur scénario...), avec une nomination bien évidemment pour Jean Dujardin qui, s'il obtenait l'Oscar, serait le premier acteur français a être récompensé de l'Oscar du meilleur acteur (même si des actrices ont obtenu l'Oscar de la meilleure actrice: Marion Cotillard en 2008 pour "La Môme" et Simone Signoret en 1960 pour "Les chemins de la haute ville") alors que, déjà, c'est une pluie de récompenses pour ce film (dont un Golden Globe du meilleur acteur et un prix d'interprétation à Cannes pour Jean Dujardin) qui est d'ores et déjà le film français le plus nommé aux Oscars de l'Histoire du cinéma. Face à Jean Dujardin: George Clooney, Brad Pitt, Gary Oldman, Demian Bichir. La compétition sera donc palpitante. C’est aussi la première fois qu’un film français est nommé comme meilleur film et meilleur réalisateur aux Oscars. Espérons que le (mauvais) esprit français ne conduira pas les « professionnels de la profession » à bouder « The Artist » aux César.
Photo ci-dessus : crédits inthemoodforcinema.com . Conférence de presse des lauréats du Festival de Cannes 2011
Un succès amplement mérité dont je me réjouis d'autant plus que j'avais eu un énorme coup de coeur pour ce film dès sa première projection cannoise et d'autant plus compréhensible que "The Artist" (dont vous pouvez retrouver ma critique en cliquant ici) est un vibrant hommage au cinéma (et au cinéma américain), à sa magie étincelante, à son histoire, mais aussi et avant tout aux artistes, à leur orgueil doublé de solitude, parfois destructrice. Des artistes qu’il sublime, mais dont il montre aussi les troublantes fêlures et la noble fragilité. Quant à Jean Dujardin, il y est flamboyant puis sombre et poignant, parfois les trois en même temps. Il fait passer dans son regard (et par conséquent dans celui du spectateur), une foule d’émotions, de la fierté aux regrets, de l’orgueil à la tendresse, de la gaieté à la cruelle amertume de la déchéance. Il faut sans doute beaucoup de sensibilité, de recul, de lucidité et évidemment de travail et de talent pour parvenir à autant de nuances dans un même personnage (sans compter qu’il incarne aussi George Valentin à l’écran, un George Valentin volubile, excessif, démontrant le pathétique et non moins émouvant enthousiasme d’un monde qui se meurt). Il avait déjà prouvé dans « Un balcon sur la mer » de Nicole Garcia qu’il pouvait nous faire pleurer. Il confirme ici l’impressionnant éclectisme de sa palette de jeu et d'expressions de son visage...un rôle qui le fait d'ores et déjà entrer dans l'Histoire du cinéma avec, nous lui souhaitons, l'apothéose à Los Angeles, le 26 février prochain.
Avec 10 nominations, "The Artist" est devancé d'une nomination par "Hugo Cabret" de Scorsese.
Je me réjouis également des trois nominations pour Woody Allen avec "Minuit à Paris "(meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur scénario original), également un film hommage au pouvoir de l'imaginaire...et d'une certaine manière au cinéma, un film un peu oublié qui est pourtant un de mes grands coups de coeur de cette année 2011 et dont vous pouvez retrouver ma critique, ici.
En attendant de retrouver ici et sur http://inthemoodlemag.com la liste complète des nominations aux Oscars 2012 commentée, suivez les nominations en direct, ici (à 14H30, heure française) :
En compétition du dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville figurait "Detachment" de Tony Kaye, un de mes coups de coeur du festival (dont la compétition était d'ailleurs d'un niveau remarquable) . Son réalisateur a suscité les plus beaux moments d'émotion du festival, en présentant d'abord le film en chantant puis en remerciant le jury encore en chantant lors du palmarès avec, notamment une chanson bouleversante sur le 11 septembre (dernière vidéo, ci-dessous). Je vous propose de retrouver mes vidéos de ces beaux moments, ci-dessous.
Dans ce film Adrien Brody incarne Henry Barthes, un professeur remplaçant, remplaçant afin de ne pas s’investir avec ses élèves tout comme il s’évertue à ne pas s’investir avec les femmes. Il se rêve en homme désincarné dans une salle vide ; lui qui incarnera pourtant le visage de l’espoir.
Avec une poésie sombre, Tony Kaye, dans le fond comme dans la forme, rend hommage à l’art, ici salvateur, et à ces êtres qui ne se comprennent pas mais finalement si proches dans leurs fêlures, leur solitude, leur besoin d’écoute. Adrien Brody lui ne fuit pas son rôle (qui parle justement de fuite) mais est au contraire d’une présence époustouflante, assumant les contradictions de son personnage, bouleversant. Je vous reparlerai ultérieurement plus précisément de ce beau film à découvrir en salles le 1er février 2012.
Concours: Faîtes partie des 5 premiers à me dire quels prix a reçu "Detachment" au dernier Festival du Cinéma Américain de Deauville en m'envoyant un email avec vos coordonnées à inthemoodforcinema@gmail.com avec, pour intitulé, "Concours Detachment" et vous remporterez deux places et une affiche du film.
Comment ai-je pu ne pas aller au théâtre pendant presque un an? Le tourbillon de la vie (et du cinéma), sans doute. Le plaisir est toujours pourtant le même que celui que j’éprouvais, enfant, lorsque vivant alors en province, mes parents et moi passions un week end à Paris, et que cette ville, dans ma tête déjà incurablement rêveuse, était assimilée à une fête étourdissante, à des spectacles fascinants que je regardais les yeux écarquillés, le cœur battant. Le plaisir de participer à ce bruissement joyeux, cette attente haletante, dans un hall de théâtre où se mêlent invariablement des provinciaux pour qui Paris est une fête, des Parisiens blasés revendiquant de l’être qui enchaînent les spectacles sans plaisir, et quelques visages connus donnant lieu à un générique improbable. Le plaisir, pour moi inaltéré, de cet instant qui précède le lever du rideau, où les voix se font plus discrètes, hésitantes, et se transforment en un doux murmure rassurant et fébrile. Le plaisir de plonger dans un univers, de parfois oublier que ce qui se joue n’est que fiction, d’oublier le temps qui passe, d’oublier que Paris n’est pas forcément un rêve d’enfant qu’il redevient le temps d’une représentation.
Mais revenons au Théâtre Saint-Georges, un des seuls théâtres parisiens que je ne connaissais pas encore, un théâtre récent (1929), un théâtre néanmoins cher à ma mémoire de cinéphile puisque c’est là que fut tourné « Le dernier métro » de François Truffaut.
« Panik » est la première pièce écrite par le metteur en scène finlandais Mika Myllyaho et mise en scène par Jean-Claude Idée, définie comme un affrontement hilarant de trois garçons interprétés par Anthony Delon, Thomas Joussier (également adaptateur de la pièce) et Eric Delcourt qui n’ont pour seul point commun que leur panique que leur inspirent la vie et les femmes.
Le rideau se lève sur des écrans de télévision allumés sur lesquels Joni (Anthony Delon) présente l’émission « Alter Ego » avec une assurance teintée de cynisme. La pièce de l’appartement est colorée comme le décor d’un film d’Almodovar et rangée comme celui d’un film Tati pour finalement aboutir à la même folie que celle sur laquelle découlent irrémédiablement les univers des deux cinéastes.
L’appartement est celui de Max (Eric Delcourt), le frère de Joni, architecte très ordonné et même maniaque, cherchant ainsi à masquer son désordre intérieur. Leur ami Leo (Thomas Joussier) y débarque à l’impromptu, en détresse, parce que sa compagne lui a laissé entendre qu’il serait temps qu’il réfléchisse à sa situation et qu’il mette sa vie en ordre. Mais Leo ne sait même pas ce qui ne va pas dans sa vie, et demande à Max de l’aider à travers une thérapie. Max et son frère Joni, animateur d’un talk-show, font de leur mieux avec leurs méthodes toutes personnelles, mais ne réussissent qu’à montrer à quel point ils sont, eux-mêmes, égarés.
La forme illustre ainsi le fond puisque la pièce ne comprend pas de temps mort témoignant de notre société qui ne prend pas le temps de s’arrêter, qui essaie de masquer par la frénésie le doute, le vertige de la peur.
Panik (sous-titré « Hommes au bord de la crise de nerfs ») est en effet, à l’image de son titre, une pièce très symptomatique de notre époque et clairvoyante sur celle-ci. Une époque pressée, harassée, qui dispose plus que jamais de moyens de communication (notamment symbolisée ici par les multiples écrans de télévision qui ornent le décor) mais surtout dominée par la peur qui tente de se dissimuler par tous les moyens. Une époque dans laquelle on parle beaucoup mais dans laquelle, finalement, on ne communique pas. Qui entend sans écouter.
Il faut l’atmosphère cloisonnée et rassurante d’un appartement almodovarien pour qu’éclatent la vérité, les doutes, les fêlures, les névroses et s’imaginer mort –ou un temps mort, enfin- pour se pencher sur l’existence.
Définie ainsi, ce n’est pas une évidence mais «Panik » est bel et bien une comédie effrénée et ce n’est pas pour rien que son auteur est avant tout metteur en scène. L’espace, judicieusement utilisé, devient un acteur à part entière. Les acteurs y courent, marchent, souffrent, bondissent, avec une énergie incroyable. L’un le parcourt de sa démarche hésitante, l’autre y fait des allers et venues, écoutant- du moins entendant- et parlant dans son oreillette et le troisième y bondit et gesticule, essayant de maîtriser l’espace pour masquer l’absence totale de maitrise sur son existence.
Sans doute est-ce le premier talent d’un bon auteur de théâtre que de servir ses acteurs et c’est là le grand atout de cette pièce que de permettre à ses acteurs d’y déployer tout leur talent…et toute leur énergie. Et c’est aussi ce qui fait que je n’ai pas vu le temps passer, tous les trois étant très impliqués dans ces rôles d’hommes au bord de la crise de nerfs, dans cette joute verbale incisive qui porte finalement un regard empathique sur ses personnages. Une histoire d’amitié, sur la difficulté de communiquer, de partager ses émotions mais qui heureusement parvient à communiquer et partager ses questionnements et son énergie au spectateur.
Anthony Delon est parfait dans le rôle de ce présentateur sans aucun doute aux antipodes de sa personnalité, un présentateur comme il y en a tant qui cache derrière une accumulation de conquêtes et un cynisme revendiqué un vide, une peur, et peut-être un mal être. Thomas Joussier est tout aussi convaincant dans son personnage lunaire, candide, égaré, presque enfantin. Et Eric Delcourt est également irréprochable dans son rôle survolté, de la maîtrise au déchaînement laissant finalement affleurer sa fragilité.
Trois personnages démunis, dans l’air du temps qui vous feront oublier celui qui passe et vous interroger sur une époque vorace, cynique, mais surtout sur ce que ces caractéristiques masquent. Une comédie qui vaut surtout par ses trois comédiens particulièrement impliqués et une mise en scène remarquable.
Interview d’Anthony Delon
Après la représentation, on m’a proposé d’interviewer Anthony Delon. Perfectionniste, j’étais partagée entre l’envie de refuser pour n’avoir pas eu la possibilité de préparer cette interview en raison de son caractère impromptu (et dire qu’il y a tant de questions que, avec le recul, j’aurais aimé lui poser…) et l’envie d’interviewer ce remarquable comédien que l’on réduit encore trop à son nom mais qui a bel et bien une identité et un talent singuliers. Cette interview aura au moins eu le mérite de la spontanéité de l’instant (malgré mes onomatopées redondantes, mes digressions et interventions parfois superflues). Je remercie le théâtre Saint-Georges pour l’accueil et à nouveau Anthony Delon pour sa gentillesse, sa disponibilité (et une humilité sincère et non un masque opportuniste)…peut-être trop pour un métier qui dévore les âmes sensibles et qui est sans doute à la fois « une joie et une souffrance » comme aurait dit Truffaut, on y revient... En tout cas, j’espère avoir le plaisir de le revoir prochainement sur les écrans (comment est-ce possible qu’il n’ait tourné que 13 films depuis « Une épine dans le cœur » d’Alberto Luttuada en 1985 ?).
Remarque : pour préciser ce que je dis à propos de twitter dans l’interview, qui est un outil certes désormais indispensable, je déteste avant tout qu’il soit un moyen lâche de dénigrer, de stigmatiser, et finalement l’illustration de ce qu’évoque la pièce sur cette communication à outrance et sur une société qui se glorifie du cynisme comme s’il était un signe de force et son contraire, une faiblesse, époque qui préfère la tonitruance à la discrétion.
Puisque de James Gray il est question dans cette interview j'en profite pour vous recommander « Two lovers » dont vous pourrez trouver ma critique en cliquant ici. Un film d’une tendre cruauté, d’une amère beauté, et parfois même d'une drôlerie désenchantée, un thriller intime d’une vertigineuse sensibilité à l’image des sentiments qui s’emparent des personnages principaux, un film dans lequel James Gray dépeint de manière subtile la maladresse touchante d’un amour vain mais surtout la cruauté cinglante de l’amour sans retour qui emprisonne, qui exalte et détruit. Et puisque de Clint Eastwood il y est aussi question je vous rappelle également que « J.Edgar » est encore à l’affiche et que vous pouvez en retrouver ma critique en cliquant ici. Mais je digresse encore... Des films aux scénarii ciselés en tout cas… Espérons retrouver prochainement Anthony Delon dans un film de ces grands cinéastes avec un rôle à la hauteur de son talent.
Dernière précision : le montage malencontreux de ma vidéo coupe la dernière phrase dans laquelle Anthony Delon parle de son tournage, à Londres.
