Comme souvent, Un Certain Regard réserve de vraies pépites à l’image de ce « Journal de France » de Raymond Depardon.

Synopsis : C’est un journal, un voyage dans le temps, il photographie la France, elle retrouve des bouts de films inédits qu’il garde précieusement : ses débuts à la caméra, ses reportages autour du monde, des bribes de leur mémoire, de notre histoire.

D’un tabac fermé à Nevers de cette « France des sous-préfectures », celle qu’il a connue dans son enfance, en passant par le Venezuela, le Tchad, ou l’Elysée, Raymond Depardon, promène partout sa caméra et son regard empathique et acérés. Claudine Nougaret dresse un portrait admiratif de ce dernier et le sien, mêlant leurs deux voix, leurs deux regards, leurs deux destins, leurs multiples routes. La caméra n’est jamais intrusive, elle pose des questions plus qu’elle ne les réclame. Les photographies « à la chambre » de Depardon sont des moments de grâce, de poésie, à la fois anachroniques et immortels. Le film retrace la carrière impressionnante du photographe/cinéaste en même temps qu’il parcourt la France, l’immortalise dans des clichés qui n’en sont pas. La beauté, la magie et la poésie surgissent, l’espace d’un instant : des plans de cafés avec en toile de fond des « Vertiges de l’amour » de Bashung, ou des images sensuelles de déserts ou de côtes balayées par le vent. « Derrière chaque image il y a un regard un auteur ». Depardon et Nougaret, dans ce film, le prouvent à chaque instant tant les instants de cinéma y sont nombreux ne serait-ce que dans les transitions comme ce passage terriblement violent et poignant dans un hôpital psychiatrique à la minute de silence de Nelson Mandela ou encore cet instant si cruel d’un prévenu avec son avocat, effroyablement indifférent. Un « Journal de France » à voir absolument.

De ce film on ressort avec un sentiment fugace et salvateur de légèreté, grâce notamment à l’interprétation remarquable mais aussi un scénario d’une précision, d’une intelligence inouïes.

Synopsis :

Dans un pays qui n’est pas le sien, une femme qui n’est à la fois ni tout à fait la même ni tout à fait une autre, a rencontré, rencontre et rencontrera au même endroit les mêmes personnes qui lui feront vivre à chaque fois une expérience inédite.

In another country est d’abord un petit bijou d’écriture scénaristique qui mériterait un prix du scénario. Ainsi, Dans ce film, Isabelle Huppert interprète trois rôles différents, qui ont pour seuls points communs sont le prénom "Anne" et un voyage à Mohang-ni. "C'est un peu la même femme déclinée sous trois aspects différents » a ainsi expliqué Isabelle Huppert. La première Anne est une réalisatrice qui voyage pour voir son ami coréen. La deuxième est une femme mariée qui part pour rejoindre son amant. La troisième est une maîtresse de maison qui se console en voyageant après que sont mari l’ait quittée.

Trop en dire gâchera le charme et le plaisir de la surprise de ce film qui en regorge. Hong Sang-soo plus que jamais fait ici preuve de l’humour décalé, réjouissant, fantaisiste qui le caractérise et signe ici un film à la fois lumineux et mélancolique plein de tendresse doucement désenchantée. Derrière son apparente simplicité, ce film révèle une construction scénaristique ludique, jubilatoire et complexe qui lui procure un charme irrésistible exacerbé par la grâce de son actrice principale plus radieuse, juvénile que jamais. « In another country » n’est pas qu’un exercice vain de style mais un film qui donne à sa profondeur et sa mélancolie l’apparence de la légèreté qui lui sied si bien…et vous envoûtera, à n’en pas douter.

Ce film repose avant tout sur l’incroyable prestation de Mads Mikkelsen. Le film tourne en effet entièrement autour de son personnage principal avec lequel nous sommes d’emblée en empathie, ce qui fait que certains autres personnages sont parfois moins nuancés (d’emblée persuadés de son innocence ou au contraire de sa culpabilité). Il est donc ici à nouveau question de l’idée de faute, de crime même, et d’homme broyé par le groupe.

" Après un divorce difficile, Lucas (Mads Mikkelsen), quarante ans, a trouvé une nouvelle petite amie, un nouveau travail et il s'applique à reconstruire sa relation avec Marcus, son fils adolescent. Mais quelque chose tourne mal. Presque rien. Une remarque en passant. Un mensonge fortuit. Et alors que la neige commence à tomber et que les lumières de Noël s'illuminent, le mensonge se répand comme un virus invisible. La stupeur et la méfiance se propagent et la petite communauté plonge dans l'hystérie collective, obligeant Lucas à se battre pour sauver sa vie et sa dignité. »

Le mensonge peut-il s’incarner dans l’innocence ? Quelle place donner à la parole de l’enfant, ici sacralisée ? Quatorze ans après le cruel et magistral « Festen » qui révélait le passé pédophile d’un père d’une rare abjection, Vinterberg traite d’un sujet similaire avec un film qui en est quasiment le contraire puisque, ici, à l’inverse, c’est l’innocent qui passe pour coupable.

Le sujet a déjà été traité maintes fois au cinéma et on songe évidemment au film de Cayatte « Les risques du métier ». Si celui-ci ne présente pas d’originalité particulière, il n’en est pas moins une démonstration implacable (comme le film de Mungiu) de la violence du groupe se transformant en meute, le chasseur qu’est aussi Lucas devenant l’homme traqué, l’homme à abattre.

Si la tension est présente du début à la fin, elle doit beaucoup et surtout à l’interprétation nuancée et magistrale de Mads Mikkelsen, un homme qui reste digne bien que broyé par le mensonge et la rumeur

Hier soir était projeté « The Sapphires », un premier long-métrage australien de Wayne Blair qui nous embarque en Australie en 1968 dans le destin de trois soeurs aborigènes (Gail, Julie et Cynthia) et de leur cousine Kay, découvertes par Dave, musicien irlandais au caractère bien trempé, amateur de whiskey et de soul music. Dave remanie le répertoire du groupe, rebaptisé « The Sapphires », et organise une tournée dans les zones de guerre du Vietnam du Sud. Dans le delta du Mékong où elles chantent pour les marines, les filles déchainent les foules, esquivent les balles et tombent amoureuses.

En apparence, « The Sapphires » est un feel good movie efficace et sans aspérités (la guerre du Vietnam est toujours ou presque en arrière-plan et traitée de manière très édulcorée). Inspiré d’une histoire vraie (certes ici romancée), « The Sapphires » est empreint de la vigueur mélancolique et joyeuse de la musique soul. Le parti pris est ici volontairement celui du film classique et divertissant, néanmoins le destin des quatre chanteuses est aussi symbolique d’une quête de justice et d’égalité (le racisme jalonne leurs histoires et l’assassinat de Luther King est présent en filigrane). Un film « enchanté » plein de charme et généreux avec des personnages attachants qui le sont tout autant et qui n’aspire pas à révolutionner le cinéma mais qui vous fera passer un agréable moment.

« Alina (Cristina Flutur) revient d’Allemagne pour y emmener Voichita (Cosmina Stratan), la seule personne qu’elle ait jamais aimée et qui l’ait jamais imée. Mais Voichita a rencontré Dieu et en amour, il est difficile d’avoir Dieu comme rival. »

Ce film s’inspire de deux livres de la journaliste Tatiana Niculescu qui traitaient de l’affaire dite de Tacanu, de 2005 : une jeune religieuse schizophrène avait été retrouvée morte après un exorcisme.

Certaines des jurées du Prix Elle auquel ce film concourait et dans le cadre duquel je l'ai découvert l'ont trouvé lent et ennuyeux alors, que, au contraire, je n’ai pas vu passer ses 2H30 tant chaque plan d’une beauté –souvent sombre-picturale, trouve sa justification ultérieure, tant chaque seconde du film apporte un élément comme une preuve accablante, tant cette lenteur aussi concilie la forme et le fond, reflétant ainsi le rythme de vie au ralenti de ce couvent chrétien orthodoxe mais aussi cette forme de lancinante indifférence qui se révèlera meurtrière.

La situation de l’intrigue dans ce couvent importe (presque) peu, le réalisateur ne condamne pas forcément plus la religion que tout autre groupe. Sa portée est beaucoup plus universelle et peut s’appliquer à n’importe quel groupe dans lequel l’indifférence peut tuer (une dictature comme celle qui exista en Roumanie), dans lequel le silence ou l’effet de groupe peuvent être meurtriers.

Le souci du détail, la véracité qui en émane lui procurent un intérêt presque documentaire et les longs plans séquences parfois fixes sont d’une justesse et parfois d’une cruauté (non à cause de ce qui se passe mais plutôt à cause de ce qui ne se passe pas) terrifiantes. Le film fait aussi preuve d’un symbolisme appuyé qui se justifie ici entièrement par le fait que la religion est justement affaire de symboles.

Une histoire de foi redoutablement universelle empreint de l’implacable douleur d’un meurtre commis par innocence. Un double prix d’interprétation à Cannes entièrement justifié tant les deux protagonistes semblent vivre et non jouer, que ce soit la retenue pour l’une, la fougue pour l’autre, avec des regards pareillement enflammés par une foi (en l’amour, en Dieu) différente pour chacune. Bouleversant. Cinq ans après la palme d’or, ce film coproduit par les Dardenne méritait aussi son prix du scénario pour sa justesse et tant chaque seconde du film semble être « utile » (j’oserais même le comparer à un film policier dans lequel les preuves s’accumulent) et justifier son terrible dénouement.

Troisième jour de Festival et à nouveau un énorme coup de coeur pour ce nouveau film de "Matteo Garrone".

4 ans après "Gomorra" qui avait reçu le Grand Prix à CAnnes, Matteo Garrone revient sur la Croisette.

Synopsis : Au cœur de Naples, Luciano est un chef de famille hâbleur et joyeusement exubérant qui exerce ses talents de bonimenteur et de comique devant les clients de sa poissonnerie et sa nombreuse tribu. Un jour, poussé par ses enfants, il participe sans trop y croire au casting de la plus célèbre émission de télé-réalité italienne. Dès cet instant, sa vie entière bascule : plus rien ne compte désormais - ni sa famille, ni ses amis, ni son travail ni même la petite arnaque imaginée par son épouse, qui améliorait un peu leur ordinaire ! Le rêve de devenir une personnalité médiatique modifie radicalement son destin mais aussi celui de tout son entourage...

Ce personnage inquiétant, truculent, fascinant, est interprété par Aniello Arena qui sombre peu à peu dans la folie. Son obsession de télé-réalité et de célébrité va peu à peu devenir le cauchemar de son entourage et le plonger dans l’irréalité. Un sujet d’une triste ironie pour Aniello Arena qui, dans le film, ne songe qu’à être enfermé lui qui est prisonnier depuis plus de 18 ans (raison de son absence à Cannes).

Matteo Garrone signe ici le renouveau de la comédie italienne, avec une farce maligne, tristement hilarante en ce qu’elle met très intelligemment en exergue le drame d’une époque, ce besoin carnassier de célébrité, fût-ce pour les raisons les plus médiocres, au détriment de la raison, de la vraie réalité. Un mélange d’imaginaire, de folie et de réalité digne de Fellini et une plongée paranoïaque digne de Polanski. Un film terriblement lucide et cruel dont le fond est aussi sombre que la forme est poétique et magique. Brillant.

Sortie en France le 22 août 2012.